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Eventos

AgendaArteEventos

Tabita Rezaire en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

by Clara Belmonte 01/10/2024
written by Clara Belmonte

Del 8 de octubre de 2024 al 12 de enero de 2025, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, en colaboración con TBA21 Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, presenta “Nebulosa de la calabaza”, la primera exposición individual de la artista Tabita Rezaire en España. Comisariada por Chus Martínez, la muestra inmersiva reúne tres instalaciones recientes de Rezaire: Omo Elu, Des/astres y Omi: Templo de Yemoja. Estas obras, creadas en 2024, forman un tríptico que rinde homenaje a Yemoja, la orisha de la religión yoruba, símbolo de los ríos, los océanos y la vida.

Tabita Rezaire, artista nacida en París en 1989, es una destacada figura del afrociberfeminismo, cuyas obras multidisciplinarias exploran las intersecciones entre arte, tecnología, espiritualidad y decolonización. Residente en la Guayana Francesa, Rezaire utiliza medios como el vídeo, instalaciones inmersivas y performance para proponer una visión holística del mundo, fusionando saberes ancestrales con tecnologías digitales. Su enfoque está profundamente influenciado por su conexión con la naturaleza y la espiritualidad, aspectos que explora en “Nebulosa de la calabaza”.

Tabita Rezaire. © Yussef Agbo-Ola [Olaniyi Studio], 2023

Una reflexión sobre la crisis ecológica

“Nebulosa de la calabaza” no solo es una inmersión sensorial, sino también una invitación a reflexionar sobre la crisis ecológica global y la necesidad de reconectar con los saberes ancestrales y no occidentales. Rezaire destaca la relevancia de estos conocimientos como herramientas para la resistencia y la emancipación, cuestionando las formas extractivas de los sistemas coloniales y proponiendo una vía de sanación y reconstrucción de identidades y comunidades.

La exposición se enmarca en la línea de trabajo del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y TBA21 en torno a las sociedades postcoloniales y sus aportaciones culturales. A través de la intersección entre arte, espiritualidad y ecología, Rezaire nos invita a redescubrir las conexiones entre lo humano, lo espiritual y lo natural.

Programa público

Como parte de la exposición, se desarrollará un programa público de actividades gratuitas que incluirá charlas, encuentros y talleres. Entre los eventos destacados se encuentra una conversación entre la artista Maria Arnal y el experto en computación Fernando Cucchietti, que se celebrará el 10 de diciembre de 2024.

La exposición estará abierta al público hasta el 12 de enero de 2025, ofreciendo una experiencia única que combina arte, espiritualidad y ecología, mientras promueve una mayor conciencia sobre las interacciones entre el ser humano y el planeta.

Para más información y detalles sobre las actividades, se puede visitar la página web oficial del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.

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Eventos

Noche de la investigación 2024

by Uve Magazine 19/09/2024
written by Uve Magazine

La Noche de la investigación 2024, una noche llena de ciencia y cescubrimiento en CaixaForum Madrid

El próximo viernes 27 de septiembre de 2024, prepárate para vivir una noche mágica llena de ciencia, innovación y diversión en la European Researchers’ Night, un evento que se celebrará simultáneamente en más de 400 ciudades de Europa. CaixaForum Madrid se une una vez más a esta celebración internacional, ofreciendo una amplia variedad de actividades científicas gratuitas dirigidas a todos los públicos: familias, estudiantes, educadores y cualquier persona interesada en la ciencia.

¿Por Qué Asistir?

La Noche Europea de la Investigación es una ocasión única para acercarse al fascinante mundo de la ciencia y la investigación. Es una oportunidad para interactuar directamente con científicos, descubrir cómo sus investigaciones impactan nuestra vida diaria y participar en actividades que combinan aprendizaje y entretenimiento. Tanto niños como adultos podrán disfrutar de talleres prácticos, charlas inspiradoras, experimentos interactivos y visitas guiadas, convirtiendo el evento en una experiencia inclusiva y educativa.

Actividades para el Público Familiar

De 17:30 a 19:40 h, los más pequeños y sus familias tendrán la oportunidad de sumergirse en la ciencia de manera divertida y educativa. Entre las actividades destacadas se encuentran talleres como:

  • ‘Una ventana al futuro’: Un espacio para explorar los avances tecnológicos que moldearán nuestro futuro.
  • ‘Entre neuronas: disección cerebral y comportamiento en el Síndrome de Dravet’: Descubre el cerebro de manera única.
  • ‘Viaje al Interior de la Sangre: explorando sus fases’: Un fascinante taller que te llevará al corazón de la biología.
  • Cuentacuentos: ‘El Maravilloso Viaje de los Microbios’: Una historia fascinante sobre los microbios que nos protegen.

Actividades para el Público Adulto

De 18:00 a 22:00 h, el público adulto podrá disfrutar de actividades innovadoras y únicas. Entre ellas:

  • Speed Dating Científico: Una dinámica divertida donde los participantes podrán conocer a diferentes investigadores y descubrir su trabajo en solo unos minutos.
  • ‘A tu cerebro le gusta el chocolate’: Una actividad interactiva con cata de chocolate que explorará cómo responde nuestro cerebro a este delicioso estímulo.

Investigación a Escena: Un Late Show Científico

De 20:00 a 21:30 h, el evento culminará con el Late Show ‘Investigación a Escena’, un formato que combina microcharlas científicas con humor. Algunos de los temas que se abordarán incluyen:

  • ‘Clima, Biodiversidad y Responsabilidad Climática’
  • ‘Diseñando nanosistemas para la energía del futuro’
  • ‘Retos del VIH infantil en el mundo’
  • ‘Decodificando el cerebro: la forma de los pensamientos’

Este espectáculo promete ser uno de los momentos más destacados de la noche, donde la ciencia y la diversión se unen para brindar una experiencia inolvidable.

Feria de la Investigación y Exposiciones

Además, todos los públicos podrán disfrutar de la Feria de la Investigación, que estará activa de 17:30 a 21:00 h, donde se presentarán demostraciones en vivo de los últimos avances en ciencia e innovación. También podrás visitar la exposición ‘Dinosaurios de la Patagonia’ y explorar la historia de estas fascinantes criaturas.

No te lo Pierdas

La Noche Europea de la Investigación 2024 es un evento gratuito, con acceso a todas las actividades hasta completar aforo. ¡No te pierdas esta oportunidad de adentrarte en el mundo de la ciencia y vivir una experiencia enriquecedora para toda la familia!

Para más información, visita: www.lanochedelainvestigacion.com.

19/09/2024 0 comments
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AgendaArteEventos

El taller de Rubens

by Uve Magazine 12/09/2024
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El taller de Rubens. Explorando la colaboración y creatividad del maestro barroco

Pieter Paul Rubens fue el pintor más exitoso de Europa durante la primera mitad del siglo XVII, con una impresionante producción de alrededor de 1,500 obras que aún se conservan. La exposición El Taller de Rubens, comisariada por Alejandro Vergara, jefe de Conservación del Área de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte del Museo Nacional del Prado, explora tanto su método colaborativo de trabajo como el espacio físico de su taller en Amberes, donde se llevaban a cabo las creaciones. Este taller no solo era un lugar de producción artística, sino también un laboratorio donde Rubens, junto con numerosos ayudantes, realizaba su prolífica obra. La exposición recrea ese ambiente con una detallada escenificación de caballetes, lienzos, pinceles y otros materiales del siglo XVII, junto a libros, bustos antiguos y objetos que reflejan los intereses del artista.

En torno a esta recreación, que podrá visitarse en el Museo Nacional del Prado en Madrid del 15 de octubre de 2024 al 16 de febrero de 2025, se presentan veinte pinturas, dos dibujos y cinco grabados que ilustran las diferentes formas de colaboración entre Rubens y sus asistentes. Rubens establecía las composiciones iniciales, permitiendo que sus ayudantes desarrollaran y completaran partes de las obras, multiplicando así su producción sin sacrificar calidad. Esta dinámica de trabajo convierte la exposición en un viaje inmersivo a la época del maestro de Amberes, mostrando cómo combinaba talento, enseñanza y trabajo en equipo para consolidar su éxito.

En paralelo, el Museo organiza el ciclo de conferencias A propósito de Rubens. Ideal, organización y saber en el taller de un pintor los días 30 de octubre y 6, 13 y 20 de noviembre de 2024. Este ciclo profundiza en cómo Rubens optimizó su taller, aprovechando las tecnologías de su tiempo para maximizar su producción, mientras mantenía la emoción y belleza como objetivos fundamentales de su arte. Las conferencias también explorarán la representación de los talleres de pintura y su comparación con los espacios de creación contemporáneos.

Para los amantes del arte, esta exposición y las actividades asociadas ofrecen una oportunidad única de entender el genio de Rubens, su capacidad organizativa y la influencia duradera de su taller en la evolución del arte barroco europeo.

12/09/2024 0 comments
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AgendaArteEventos

Explorando la luz sólida. Anthony McCall

by Uve Magazine 30/07/2024
written by Uve Magazine

Del 19 de junio al 10 de noviembre de 2024, el Museo Guggenheim Bilbao se convierte en el epicentro de una experiencia visual y sensorial única con la exposición “Anthony McCall: Fracción de segundo”. Esta muestra no solo celebra el décimo aniversario del programa Film & Video del museo, sino que también destaca el trabajo innovador de Anthony McCall, un pionero del cine expandido y la videoinstalación.

Desde su inicio en 2014, el programa Film & Video del Guggenheim ha sido un referente en la exploración del videoarte y las prácticas artísticas contemporáneas ligadas a la imagen en movimiento. A lo largo de los años, ha presentado obras icónicas de artistas como Christian Marclay, Ragnar Kjartansson, Pierre Huyghe y muchos otros. Esta vez, es el turno de Anthony McCall, un británico afincado en Nueva York que ha revolucionado el arte con su concepto de “luz sólida”.

Un Viaje a Través de la Luz

Anthony McCall, nacido en 1946 en St. Paul’s Cray, Reino Unido, ha dedicado su carrera a explorar la naturaleza de la luz y sus posibilidades en el arte. Sus obras se caracterizan por el uso de luz proyectada para crear fenómenos escultóricos inmersivos. A través de haces de luz, McCall forma estructuras geométricas que parecen flotar en el aire, invitando a los visitantes a interactuar con ellas. En “Fracción de segundo”, McCall presenta una selección de sus obras más emblemáticas junto con el estreno de una nueva creación titulada “Fracción de segundo Espejo IV” (2024). Esta obra es una doble proyección horizontal de luz que incluye dos grandes espejos, proyectores y pantallas traslúcidas. La luz se proyecta a diferentes alturas, creando efectos elípticos y horizontales que giran y se entrelazan en el espacio, formando un dibujo lineal consistente en un campo de planos entrecruzados y en espiral. Esta nueva creación promete ser una experiencia envolvente, donde la luz no solo se ve, sino que también se siente y se vive, invitando a los visitantes a una inmersión total en el arte lumínico de McCall.

La experiencia que ofrece McCall es paradójica y fascinante. Por un lado, sus imágenes multidimensionales parecen sólidas, aunque estén hechas de luz. Por otro, parecen inmóviles, aunque cambian continuamente a lo largo del tiempo. Esta interacción entre lo sólido y lo etéreo, lo fijo y lo mutable, desafía las percepciones convencionales del espacio y el tiempo en el cine y la escultura. Al invitar a los visitantes a caminar a través de sus esculturas de luz, McCall cuestiona el uso tradicional de la narrativa y el montaje en el cine. Sus obras no solo son visualmente impactantes, sino que también provocan una reflexión profunda sobre la naturaleza de la percepción y la interacción humana con el arte. Al adentrarse en estos haces de luz, los visitantes no solo observan, sino que se convierten en parte de la obra, interactuando con las sombras y reflejos que crean, y experimentando de primera mano la transformación constante de la luz.

Fracción de segundo (Espejo) IV, 2024 Vista de la instalación, Museo Guggenheim Bilbao Cortesía del artista y de Sean Kelly, Nueva York, Los Ángeles & Sprüth Magers © Anthony McCall

La exposición también incluye una retrospectiva de la carrera de McCall, presentando obras tempranas como “Miniatura en blanco y negro” (1972). Esta pieza utiliza un proyector de diapositivas Kodak para mostrar una secuencia de 81 diapositivas que producen imágenes negativas en color después de mirar una imagen fija durante un tiempo y luego un objeto blanco. Esta obra temprana demuestra el interés de McCall por los efectos visuales y la manipulación de la percepción desde sus inicios.

Además, la exposición presenta “Cortina de humo” (2017), una serie de fotografías a gran escala que capturan el movimiento de la luz sólida. Estas imágenes permiten a los visitantes detenerse y observar las texturas de la niebla artificial que se revelan momentáneamente a través de los haces de luz, añadiendo una dimensión adicional a la experiencia visual.

La combinación de obras nuevas y retrospectivas en “Fracción de segundo” no solo muestra la evolución artística de McCall, sino que también ofrece una visión coherente de su enfoque innovador sobre la luz y el espacio. Sus obras desafían las nociones tradicionales del arte y la percepción, creando un diálogo continuo entre el pasado y el futuro, lo tangible y lo intangible. En conclusión, Anthony McCall nos invita a un viaje a través de la luz, donde cada obra es una puerta a una nueva dimensión de la percepción. A través de sus esculturas de luz, McCall no solo ilumina el espacio físico, sino también los rincones más profundos de nuestra imaginación y percepción. Cada visitante de “Fracción de segundo” se encontrará inmerso en un mundo donde la luz es la protagonista indiscutible, transformando y siendo transformada por la interacción humana.

30/07/2024 0 comments
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AgendaEventosMúsica

Momentos Alhambra | Tardes Thyssen 2024

by Uve Magazine 14/06/2024
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Del 21 de junio al 28 de septiembre de 2024, regresan los  conciertos a las Terrazas del Museo Thyssen con una nueva edición de #TardesThyssen, patrocinada por Cervezas Alhambra. Bajo el título “Desde las Lindes”, el ciclo de 2024 ofrecerá diez actuaciones musicales de artistas nacionales e internacionales, abarcando una amplia gama de géneros, desde folk y R&B hasta electrónica, flamenco, jazz y pop.

Los conciertos se llevarán a cabo los viernes y sábados de junio y septiembre a las 20h, y como en ediciones anteriores, la entrada es libre hasta completar aforo.

Diversidad Sonora en el Corazón del Arte

La programación de esta edición busca acercar al público propuestas con identidades sonoras diversas, presentando músicas tradicionalmente consideradas periféricas y que ahora se sitúan en el centro del escenario. Esta integración de música y arte se ve reflejada en la selección de diez obras de la exposición “La memoria colonial en las colecciones Thyssen-Bornemisza”, que estarán vinculadas a cada concierto.

Calendario de Actuaciones

21 de junio | Çantamarta x Joven con vestido japonés. El quimono

Çantamarta, un trío formado por dos músicos españoles y uno venezolano, ofrece un cruce de fronteras musicales con influencias del R&B, Neo-Soul, hip hop y house, enriquecido por elementos caribeños.

22 de junio | Calequi y las Panteras x Jinete árabe

Javier Calequi, junto a Lauri Revuelta y Luisa Corral, nos invita a un viaje sonoro por América, con ritmos y armonías latinas, folk y pop.

28 de junio | Queidem x Dos desnudos femeninos en un paisaje

Queidem, alquimista del transformismo pop, explora paisajes emocionales a través de instrumentaciones delicadas y viscerales.

29 de junio | Edu Requejo x El rastro perdido

El barcelonés Edu Requejo nos enfrenta al caos y la diversidad global con su mezcla de jazz, trap, pop y música antillana.

13 de septiembre | Yerai Cortés x Mujer en un diván

Yerai Cortés, destacado en el panorama flamenco nacional, expresa su arte con la guitarra española, combinando raíces gitanas y virtuosismo técnico.

14 de septiembre | Alex Conde Trio x Retrato de un hombre de la isla de Dominica

Este trío de jazz, compuesto por piano, contrabajo y batería, fusiona el flamenco con una técnica impecable y composiciones sorprendentes.

20 de septiembre | Los Sara Fontán x Franzi ante una silla tallada

El dúo Los Sara Fontán ofrece una poderosa mezcla de post rock, electrónica e improvisación, explorando el diálogo entre percusión y violín.

21 de septiembre | Marina Gallardo x La toilette

Marina Gallardo presenta una fusión de pop y folk-rock, con momentos de suavidad acústica y explosiones de guitarra eléctrica.

27 de septiembre | Skygaze x La cala

Skygaze apuesta por la experimentación compositiva con una fuerte presencia electrónica, abarcando hip hop, house, jazz, soul y funk.

28 de septiembre | Carly Gibert x Pesca en el estrecho de Long Island a la altura de New Rochelle

Carly Gibert, artista y cantautora, cautiva con su voz única y su capacidad para fusionar hip hop, R&B y funk en una experiencia multicultural y bilingüe.

14/06/2024 0 comments
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ArteEventos

Un viaje entre el realismo y la abstracción

by Uve Magazine 26/05/2024
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El Museo Guggenheim Bilbao presenta la esperada retrospectiva de Martha Jungwirth, una artista austriaca cuya obra desafía las convenciones y explora la frontera sutil entre el realismo y la abstracción. Esta exhibición, patrocinada por Occident, estará abierta al público del 7 de junio al 22 de septiembre de 2024, y promete ofrecer una visión integral de la trayectoria de Jungwirth, que abarca seis décadas de creación artística. Nacida en Viena en 1940, Martha Jungwirth se ha consagrado como una figura crucial en el panorama artístico contemporáneo. Su obra se caracteriza por trazos explosivos y gestuales, así como por tonos vibrantes que buscan expresar emociones profundas más que representar narrativas lineales. Desde sus primeros años en la Universität für angewandte Kunst de Viena hasta la actualidad, Jungwirth ha desarrollado un estilo único que fusiona influencias de la forma humana, los animales, la historia del arte y sus viajes alrededor del mundo.

Martha Jungwirth Bucéfalo (Bukephalos), 2021

La exposición reúne cerca de setenta obras, incluyendo acuarelas, óleos y tres libros de artista que abarcan casi cincuenta años de producción. Sus pinturas y dibujos, siempre en la frontera entre el realismo y la abstracción, nos invitan a experimentar la espontaneidad y la vitalidad de sus composiciones erráticas y colores intensos. El recorrido de la exposición comienza con las primeras obras de Jungwirth, que incluyen dibujos de gran formato de objetos cotidianos y retratos. Estas piezas iniciales, que forman parte de la serie Indesit, representan el comienzo de sus exploraciones sutiles entre el realismo y la abstracción. Aunque pudiera parecer sorprendente para una artista abstracta, el retrato es un género recurrente en su obra, donde fusiona la forma humana con pinceladas expresivas y colores vibrantes, capturando la esencia íntima de sus modelos. A medida que avanza la exhibición, se exploran las “escapadas de pintura” de Jungwirth, donde sus viajes y la observación de la naturaleza se convierten en un catalizador para la creación artística. Desde la década de 1970, sus viajes no solo han sido una fuente de inspiración, sino también una forma de investigación artística. Las obras resultantes no son simples representaciones de lugares, sino respuestas emocionales a los estados de ánimo y sensaciones desatadas por la naturaleza.

Martha Jungwirth Toro (Stier), 2020

En la sección dedicada a los animales, se destaca la serie Australidelfos (Australidelphia), creada en 2020, que se centra en los marsupiales australianos. Esta serie no solo homenajea a estas criaturas antiguas, sino que también reflexiona sobre los devastadores incendios forestales de Australia en 2019 y 2020. Las composiciones cromáticas de sus pinturas simbolizan la violencia y la tragedia enfrentada por estas especies, ofreciendo una visión conmovedora y crítica de la relación entre la humanidad y la naturaleza. La muestra también revela la continua inspiración de Jungwirth en la historia del arte, con series de pinturas que dialogan con obras de Richard Gerstl, Frans Hals y Oskar Kokoschka, entre otros. Sus interpretaciones de las obras maestras de Francisco de Goya y Édouard Manet, por ejemplo, demuestran cómo Jungwirth imprime su peculiar vocabulario artístico en cada pieza, creando desviaciones radicales de las fuentes originales.

Una de las características más distintivas del trabajo de Jungwirth es su uso innovador de materiales. Sus pinturas no se limitan a lienzos tradicionales, sino que se extienden a soportes inesperados como cartón, libros de contabilidad y papel de estraza. Esta elección de materiales poco convencionales permite a Jungwirth explorar los límites del control y el caos, desafiando las normas artísticas establecidas y creando un diálogo entre lo ordenado y lo espontáneo. A través de su obra, Jungwirth nos invita a experimentar una profunda conexión entre el yo y el mundo. Sus pinturas no son meras imágenes, sino condensaciones de experiencias, emociones y recuerdos. Con una comprensión aguda de las especificidades de la realidad, Jungwirth ofrece al espectador un atisbo de las profundidades de la percepción y la conciencia humanas.

26/05/2024 0 comments
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AgendaArteEventos

Celebración del 150 aniversario de Julio Romero de Torres en el Museo Thyssen-Bornemisza

by Uve Magazine 22/05/2024
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En el marco del 150 aniversario del nacimiento del destacado pintor cordobés Julio Romero de Torres, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza exhibe una de sus obras más emblemáticas: “La Chiquita Piconera”. Esta obra, realizada entre 1929 y 1930, poco antes de la muerte del artista, es considerada su testamento pictórico y estará disponible para el público del 6 de mayo al 28 de julio de 2024.

Un Homenaje al Maestro

La exhibición de “La Chiquita Piconera” ha sido posible gracias al préstamo del Museo Julio Romero de Torres de Córdoba y el apoyo del Ayuntamiento de Córdoba. La obra se presenta en la sala 45 del museo, dedicada a los realismos de entreguerras, donde comparte espacio con obras de artistas de renombre como Pablo Picasso, Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz y Balthus. Esta combinación de obras ofrece un contexto rico y profundo, permitiendo a los visitantes apreciar diferentes enfoques y estilos dentro de un mismo periodo histórico.

“La Chiquita Piconera” es una representación sublime del talento de Julio Romero de Torres. Con una técnica casi fotográfica, el pintor captura la esencia íntima de una humilde habitación. En el centro de la escena, una joven, la modelo María Teresa López, está sentada frente a un brasero de cobre, mirando de forma directa e intensa al espectador. Esta mirada penetrante conecta emocionalmente con quien la observa, invitándolo a reflexionar sobre la vida de la protagonista.

La atmósfera de la pintura se enriquece con una puerta entreabierta que permite vislumbrar el paisaje cordobés al anochecer. En el fondo se distinguen el Guadalquivir, el Puente Romano, el paseo de la Ribera y la Torre de la Calahorra, elementos que enmarcan la escena y aportan una capa adicional de profundidad y realismo.

Más Allá de la Denuncia Social

En el ocaso de su vida, Julio Romero de Torres regresó a temas que había explorado en su juventud, pero con una nueva profundidad y madurez. “La Chiquita Piconera” va más allá de la simple denuncia social, exponiendo la crudeza de la vida marginal de su protagonista en una imagen cargada de melancolía y sensualidad. La obra no solo destaca por su temática, sino también por su ejecución técnica y la capacidad del pintor para sintetizar su trayectoria vital y artística.

 

22/05/2024 0 comments
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ArteEventos

Yoshitomo Nara. Un universo de emociones

by Emain Juliana 20/05/2024
written by Emain Juliana

La Fundación BBVA  patrocina una monumental exposición dedicada a Yoshitomo Nara que presenta en el Museo Guggenheim Bilbao. Esta exhibición ofrece una oportunidad única para explorar cuatro décadas de la prolífica carrera de este destacado artista japonés. Del 28 de junio al 3 de noviembre de 2024, los visitantes podrán sumergirse en el fascinante mundo de Nara, guiados por la curadora Lucía Agirre. Nara, nacido en 1959 en Hirosaki, Japón, ha recibido tanto el respaldo de la crítica internacional como el reconocimiento del público. Sus imágenes de niños con grandes cabezas y ojos expresivos, que pueden parecer amenazantes y vulnerables a la vez, son inconfundibles y evocan una mezcla de emociones complejas. Estas figuras, que a menudo parecen al borde de un estallido emocional, reflejan la propia infancia y experiencias de Nara, así como su profundo conocimiento de la música, el arte y la sociedad.

La música, especialmente el rock y el punk, ha sido una constante fuente de inspiración para Nara. Desde sus inicios, la música ha acompañado sus momentos de creación, infundiendo en sus obras una energía y un espíritu de rebeldía. Las letras de las canciones que escuchaba, aunque no siempre comprendidas literalmente, resonaban en él a nivel emocional, lo que se refleja en la intensidad de sus obras. La exposición en el Guggenheim Bilbao destaca esta conexión, mostrando cómo Nara ha integrado estas influencias musicales en su arte. La obra de Nara está llena de símbolos y temas recurrentes que reflejan su continuidad de pensamiento a lo largo de los años. Elementos como la casa de tejado rojo, los brotes de hierba, el fuego y el cuchillo aparecen frecuentemente, creando una iconografía personal que invita a los espectadores a reflexionar sobre su propia existencia. Estos motivos no solo representan aspectos de su vida, sino que también resuenan con las experiencias y emociones de su audiencia, haciendo que sus obras sean profundamente universales y accesibles.

Yoshitomo Nara

Esta exposición es la primera gran retrospectiva individual de Nara en España y en un destacado museo europeo. Tras su estancia en Bilbao, la muestra viajará a Baden-Baden y Londres, adaptándose a cada espacio y proporcionando una experiencia única en cada ubicación. La colaboración con el Museum Frieder Burda y la Hayward Gallery subraya la importancia y el alcance internacional de esta exposición. Las experiencias personales de Nara, desde su infancia aislada hasta sus viajes y estancias en Europa, han sido cruciales en la formación de su visión artística. Su primer viaje a Europa en 1980 le permitió contemplar de cerca las grandes obras maestras del arte medieval y renacentista, lo que supuso un despertar emocional y una revelación artística para él. Estas influencias se combinan en su obra con la estética del Neoexpresionismo alemán, aprendido durante su formación en la Kunstakademie de Düsseldorf bajo la tutela de A. R. Penck.

Los eventos traumáticos, como el gran terremoto de Japón oriental en 2011, también han dejado una huella profunda en la obra de Nara. La devastación y el sufrimiento que presenció lo llevaron a reflexionar sobre su papel como artista y a dirigir su atención a proyectos comunitarios en la región de Tohoku. Este cambio en su cosmovisión se refleja en sus obras más recientes, donde la temática de la protección y la comunidad se vuelve central. Además de la exposición, el Museo Guggenheim Bilbao ha diseñado una serie de espacios educativos y contenidos digitales bajo la iniciativa Didaktika. Esta plataforma, patrocinada por la Fundación EDP, ofrece al público herramientas y recursos para una apreciación más profunda de la obra de Nara, incluyendo una biografía detallada del artista y una exploración de la música que ha inspirado su vida.

Yoshitomo Nara

Con su rica iconografía y su profundo sentido de humanidad, Nara nos recuerda la importancia de la empatía y la conexión en el arte y en la vida.

20/05/2024 0 comments
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AgendaArteEventos

Exposición Elliott Erwitt. La comedia humana

by Uve Magazine 16/05/2024
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Un homenaje a la mirada única de un maestro de la fotografía

Madrid, 14 de mayo de 2024 – La Fundación Canal inaugura una exposición dedicada al renombrado fotógrafo franco-estadounidense Elliott Erwitt, titulada “Elliott Erwitt: La comedia humana”. Esta muestra, coproducida junto con Magnum Photos y comisariada por Andrea Holzherr, directora global de exposiciones de Magnum Photos, forma parte de la sección oficial del circuito de exposiciones de PhotoESPAÑA 2024.

Una colección única

La exposición reúne 135 obras icónicas de Elliott Erwitt, todas provenientes directamente de su estudio. Estas imágenes, positivadas por el propio fotógrafo, reflejan su distintiva habilidad para capturar la esencia de lo cotidiano con humor, ingenio y un profundo sentido humano. Erwitt, quien falleció en 2023, es conocido por su talento para encontrar lo extraordinario en lo ordinario y por mostrar la comicidad inherente a la condición humana.

La muestra está dividida en tres secciones, cada una de ellas dedicada a diferentes ámbitos que fueron fuente de inspiración para Erwitt: personas, animales y formas.

  1. Personas: Esta sección destaca las anécdotas y momentos cotidianos que Erwitt elevó a lo extraordinario. Aquí se incluyen dos subsecciones:

    • Observando gente: Fotografías que demuestran la capacidad de Erwitt para captar momentos caprichosos y absurdos.
    • Observando museos: Imágenes que reflejan la fascinación del fotógrafo por las salas de museos y sus visitantes.
  2. Animales: A través de tres subsecciones, se muestra la afinidad de Erwitt por los animales, especialmente los perros:

    • Perros: Instantáneas que humanizan a estos animales y los presentan como personajes de su particular comedia humana.
    • Perspectiva perruna: Imágenes que ofrecen una visión única desde la perspectiva de los perros.
    • Otros animales: Fotografías de diversas especies que convivían en entornos urbanos, mostrando la diversidad animal en la ciudad.
  3. Formas: Esta sección presenta yuxtaposiciones de objetos que crean realidades abstractas:

    • Abstracciones: Fotografías que combinan materialidades y elementos geométricos, manipulando la luz de manera precisa.
    • Composiciones: Imágenes donde las personas no son los elementos primordiales, destacando otras formas de abordar la fotografía.
USA. NYC. 1946.

Las obras expuestas

Entre las 135 copias de época presentadas, 122 son impresiones de pequeño formato conocidas como “impresiones de trabajo”, utilizadas por Erwitt para desarrollar libros y revistas. Además, la exposición incluye 13 copias de gran formato (76 x 101 cm), denominadas “impresiones maestras”, supervisadas directamente por el fotógrafo para ser exhibidas en museos y galerías. Esta combinación de impresiones crea una colección única que se muestra por primera vez al público.

Una invitación a la reflexión

Elliott Erwitt describía la fotografía como un medio que, cuando es bueno, es interesante, y cuando es excelente, es irracional y mágico. Esta exposición invita al espectador a explorar la interpretación subjetiva y emotiva de la realidad a través de las lentes de Erwitt. Sus fotografías, mayoritariamente en blanco y negro, ofrecen una visión interpretativa y expresiva, liberando al color para centrarse en la esencia de los tonos y sus intensidades.

“Elliott Erwitt: La comedia humana” es una oportunidad única para sumergirse en la obra de un maestro de la fotografía y disfrutar de su capacidad para capturar la comedia de la vida diaria con un toque de humor y humanidad.

16/05/2024 0 comments
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AgendaArteEventos

Inauguración de la Exposición “Sorolla en 100 objetos”

by Uve Magazine 14/05/2024
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El 13 de mayo, se ha inaugurado en el Museo Sorolla una nueva exposición en conmemoración del centenario de la muerte del pintor valenciano Joaquín Sorolla. Titulada Sorolla en 100 objetos, esta muestra ha sido organizada por el Museo Sorolla y la Fundación Museo Sorolla, con el patrocinio de la Fundación Mutua Madrileña y la Fundación Iberdrola España, y la colaboración de El Corte Inglés. La exposición estará abierta al público desde el 14 de mayo hasta el 29 de septiembre de 2024.

La exposición Sorolla en 100 objetos ofrece un acercamiento innovador a la vida y obra del pintor conocido como el maestro de la luz. A través de cien objetos seleccionados minuciosamente, la muestra hilvana pequeñas historias que, al entrelazarse, presentan una narración fragmentada pero rica de la vida de Joaquín Sorolla Bastida (1863-1923). Cada pieza, desde cartas y fotografías hasta objetos de su colección personal, como un capitel califal del siglo X o un relieve de la Santísima Trinidad del siglo XVI, nos sumerge en una microhistoria que revela aspectos poco conocidos de su vida.

La visión de la comisaria

Covadonga Pitarch Angulo, comisaria de la exposición, ha llevado a cabo un exhaustivo trabajo de investigación para descubrir al Sorolla más íntimo y humano a través de estos objetos cotidianos y raros. Pitarch Angulo ha destacado la importancia de estos objetos en la comprensión de la vida del pintor: “Cada pieza es una puerta abierta a una faceta de su existencia, ya sea en lo personal, lo familiar, o lo profesional”. Entre los objetos expuestos se encuentran cartas personales, fotografías antiguas, dibujos, pinturas y hasta el pasaporte del artista, cada uno con su propia historia y relevancia.

Un recorrido a través de 16 secciones

La exposición se organiza en 16 secciones temáticas, cada una de las cuales permite trazar una biografía algo desordenada pero profundamente reveladora de Sorolla. A lo largo del recorrido, los visitantes pueden descubrir la pasión del pintor por el coleccionismo, su amor por la familia y sus relaciones profesionales. Cada sección cierra con una obra emblemática, el último retrato que realizó Sorolla en 1920: el retrato de Mabel Rick. Esta pintura no solo cierra cada sección, sino que también actúa como un punto culminante de la exposición, recordándonos el talento inigualable del artista hasta sus últimos días.

Sorolla en 100 objetos culmina un año de celebraciones y homenajes al pintor valenciano en el centenario de su fallecimiento. Durante el último año, el Museo Sorolla ha presentado una serie de exposiciones y actividades dedicadas a honrar la memoria y legado de Joaquín Sorolla. Esta muestra final, que estará disponible hasta el 29 de septiembre de 2024, representa el cierre perfecto a un programa expositivo que ha permitido a los amantes del arte redescubrir y profundizar en la figura de Sorolla.

Un viaje personal y artístico

La exposición no solo busca resaltar el talento artístico de Sorolla, sino también su vida personal y sus pasiones. Los objetos seleccionados revelan un hombre multifacético: un pintor dedicado, un coleccionista apasionado, un padre cariñoso y un marido atento. Esta visión íntima de Sorolla proporciona una comprensión más profunda de su arte, mostrando cómo su vida personal y sus experiencias se reflejaban en su obra.

Retrato de Mabel Rick, señora de Pérez de Ayala. 1920

Visitar Sorolla en 100 objetos es una oportunidad única para conocer de cerca al hombre detrás del genio. El Museo Sorolla ofrece así un viaje fascinante a través de los objetos que acompañaron a Sorolla a lo largo de su vida, permitiendo a los visitantes experimentar de primera mano las historias y recuerdos que conformaron su existencia. Esta exposición promete ser una experiencia inolvidable para todos aquellos que deseen acercarse más al mundo de Joaquín Sorolla.

No pierdas la oportunidad de visitar esta exposición única en el Museo Sorolla de Madrid hasta el 29 de septiembre de 2024 y sumergirte en las cien microhistorias que componen la vida de este excepcional pintor.

Pasaporte de Sorolla, marzo de 1919, Museo Sorolla, n.º inv. DA805
14/05/2024 0 comments
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