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Eventos

EventosPersonajes

Krampus tradición y terror

by Valeria Cruz 24/12/2024
written by Valeria Cruz

Cuando llega la Navidad, la imaginación colectiva se llena de luces, villancicos y la figura bondadosa de Santa Claus repartiendo regalos y alegría. Sin embargo, en los Alpes europeos, existe un personaje mucho más oscuro que contrasta radicalmente con este espíritu festivo: Krampus, una criatura mitad cabra y mitad demonio que se encarga de castigar a los niños desobedientes. Este ser aterrador ha sobrevivido a través de siglos de tradición, emergiendo de las raíces del folclore alpino como un símbolo del equilibrio entre el bien y el mal en la temporada navideña.

Krampus. Imagen vintage de la década de 1930

El origen de Krampus se remonta a las antiguas tradiciones paganas de Europa central, mucho antes de la llegada del cristianismo. Su nombre proviene del alemán krampen, que significa garra, y su imagen evoca a los antiguos espíritus invernales que, según se creía, habitaban los bosques durante los meses más fríos. Algunos historiadores sugieren que Krampus está relacionado con figuras de la mitología nórdica, como Hel, la diosa del inframundo, o con entidades demoníacas que representaban la severidad de los duros inviernos alpinos. Cuando el cristianismo se expandió por la región, las tradiciones paganas no desaparecieron del todo, sino que se adaptaron a las nuevas creencias. Así, Krampus pasó de ser un espíritu salvaje a convertirse en el asistente oscuro de San Nicolás, encargado de mantener a raya a los traviesos mientras el santo recompensaba a los niños obedientes.

La leyenda de Krampus es tan fascinante como aterradora. Cada 5 de diciembre, víspera de la fiesta de San Nicolás, Krampus aparece para recorrer las calles durante la llamada Krampusnacht, o Noche de Krampus. Según el mito, mientras San Nicolás recompensa con dulces y regalos a los niños buenos, Krampus persigue a los desobedientes, blandiendo ramas de abedul y sacudiendo cadenas que resuenan como un siniestro aviso. En algunas versiones de la historia, Krampus incluso secuestra a los niños malos, metiéndolos en un saco o una cesta para llevárselos al inframundo. Esta figura aterradora no solo buscaba disciplinar a los más pequeños, sino que también servía como recordatorio de las consecuencias de los malos actos, manteniendo viva la dualidad entre recompensa y castigo en la época navideña.

La apariencia de Krampus está diseñada para infundir miedo. Su cuerpo está cubierto de un pelaje oscuro, similar al de una cabra, y su rostro presenta grandes cuernos retorcidos, colmillos afilados y una lengua larga y puntiaguda. Las cadenas que porta, a menudo adornadas con campanas ruidosas, simbolizan su esclavitud al diablo, mientras que las ramas de abedul que lleva en sus manos están relacionadas con antiguas prácticas paganas de purificación y castigo. En muchas representaciones, también se le muestra con un saco o una cesta a la espalda, reforzando la idea de que puede llevarse consigo a los niños que no han sabido comportarse.

A pesar de su aterradora reputación, Krampus no es único en su rol dentro del folclore navideño. En toda Europa, encontramos figuras similares que comparten su dualidad moral. Por ejemplo, en Alemania y Pensilvania, el personaje de Belsnickel también combina elementos de recompensa y castigo, apareciendo vestido de harapos y llevando dulces para los niños obedientes y un palo para los desobedientes. En Rusia, Ded Moroz (el Abuelo Frío) es una figura más solemne que reparte regalos durante el Año Nuevo, acompañado por su nieta Snegurochka, aunque sin el aspecto disciplinario de Krampus. Incluso en los Alpes, la tradición de Perchta, una figura femenina asociada al invierno, comparte similitudes con Krampus, castigando a quienes no han cumplido con sus tareas domésticas llenando sus estómagos de paja.

La tradición de Krampus ha sobrevivido durante siglos gracias a eventos como los desfiles de Krampuslauf, o carreras de Krampus, que tienen lugar durante la Krampusnacht. En estos desfiles, personas disfrazadas de Krampus recorren las calles asustando y divirtiendo a los espectadores. Aunque originalmente estas celebraciones estaban arraigadas en las creencias populares, hoy en día tienen un carácter más festivo y turístico, atrayendo a multitudes en lugares como Salzburgo, Austria, donde se pueden ver elaborados disfraces y escuchar las campanas que anuncian la llegada de Krampus. Este resurgimiento de interés por la figura de Krampus también ha trascendido las fronteras de Europa, encontrando eco en la cultura popular contemporánea.

Krampus. Imagen vintage de 1930

En las últimas décadas, Krampus ha ganado una inesperada popularidad fuera de su contexto original. Películas como Krampus (2015), libros ilustrados y postales vintage han contribuido a su difusión, convirtiéndolo en una figura icónica en la era moderna. En países como Estados Unidos, donde la tradición de Santa Claus domina las celebraciones navideñas, Krampus ofrece una alternativa oscura y subversiva que desafía las convenciones. Además, su estética gótica y su conexión con lo macabro lo han hecho particularmente atractivo en una época en la que las redes sociales amplifican el interés por lo inusual y lo misterioso.

Esta fascinación global por Krampus refleja un cambio en la forma en que las sociedades modernas abordan las festividades navideñas. En un mundo cada vez más dominado por el consumismo, Krampus ofrece una narrativa diferente, recordándonos que la Navidad no siempre ha sido una celebración exclusivamente luminosa. Su historia, que combina elementos de antiguas creencias paganas y valores cristianos, nos invita a reflexionar sobre las raíces profundas y multifacéticas de esta época del año. 

Krampus es mucho más que un personaje aterrador. Es un recordatorio de que incluso en las épocas más festivas, hay espacio para la introspección y la reflexión, continúa enriqueciendo la Navidad con un toque de misterio y oscuridad, ofreciendo una visión única y fascinante de una festividad que sigue evolucionando con el tiempo.

24/12/2024 0 comments
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ArteEventos

Narraciones gráficas: Mujeres y saberes rurales

by Uve Magazine 03/12/2024
written by Uve Magazine

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta un documental sobre la quinta edición de Narraciones gráficas: Mujeres y saberes rurales

– En colaboración con FADEMUR, el proyecto visibiliza los conocimientos populares transmitidos por generaciones de mujeres rurales.
– Inspirado en la exposición Lo oculto en las colecciones Thyssen-Bornemisza.
– Disponible en la web de EducaThyssen: www.educathyssen.org/mujeres-saberes.

Madrid, 27 de noviembre de 2024.
El área de Educación del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta un documental que documenta el trabajo desarrollado en la quinta edición de Narraciones gráficas, un proyecto educativo que conecta el arte con temas sociales y fomenta el pensamiento crítico. Esta edición, realizada en colaboración con la Federación de Asociaciones de Mujeres Rurales (FADEMUR), explora los saberes ocultos y la memoria de mujeres rurales, tomando como inspiración la exposición Lo oculto en las colecciones Thyssen-Bornemisza.

Desde su creación en 2019, Narraciones gráficas busca acercar el arte a diferentes colectivos, promoviendo el diálogo intergeneracional y la reflexión. Desde 2021, el proyecto trabaja con asociaciones de mujeres rurales, evolucionando hacia un enfoque dinámico y participativo.

En esta convocatoria, el equipo educativo del museo colaboró con la Asociación AURA FADEMUR en la comarca de Arlanza (Burgos), recolectando bailes, leyendas, recetas y tradiciones que reflejan el legado cultural femenino. Estas mujeres, custodias del patrimonio inmaterial, han sido fundamentales para preservar los valores y costumbres locales.

El proyecto culminó con la exposición Mujeres y saberes, celebrada entre el 15 de junio y el 15 de septiembre de 2023 en el Centro Cultural La Consolación de Villamayor de los Montes (Burgos). Dividida en tres secciones —Celebrar, Curar y Creer—, la muestra combinó obras del museo con tradiciones locales en formatos como fotografías, objetos y podcasts. Cerca de 500 personas participaron en la exposición, dinamizada por las propias mujeres de FADEMUR.

El documental, producido por Walden Audiovisual, recoge este proceso y ya puede verse en la web de EducaThyssen: www.educathyssen.org/mujeres-saberes.

03/12/2024 0 comments
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EventosLiteratura

Feria Internacional del Libro de Guadalajara 2024

by Valeria Cruz 03/12/2024
written by Valeria Cruz

Feria Internacional del Libro de Guadalajara 2024: un espacio para la literatura, la reflexión y el intercambio cultural

La Feria Internacional del Libro de Guadalajara (FIL), consolidada como el evento literario más relevante del mundo hispanohablante, celebra su 38ª edición del 30 de noviembre al 8 de diciembre de 2024. Este año, con España como país invitado de honor, la feria se convierte en un puente de diálogo entre América Latina y Europa, ofreciendo una programación que combina literatura, arte y debates culturales, y reafirma su papel como foro de intercambio cultural y social.

La inauguración de la FIL estuvo marcada por la entrega del Premio de Literatura en Lenguas Romances al escritor mozambiqueño Mia Couto. En su discurso, Couto reflexionó sobre el poder transformador de la poesía, a la que definió como su “religión”. Durante su intervención, rindió homenaje a escritores mexicanos como Octavio Paz y Juan Rulfo, cuya obra ha influido en su trayectoria literaria.

El escritor narró un episodio que marcaría su vida: el día en que una compañera de escuela descubrió su cuaderno de poemas. “Eran poemas muy malos”, admitió entre risas. Sin embargo, la niña le dijo algo que cambiaría su perspectiva: “Tú sabes cómo hacer bailar a las palabras”.

Sus palabras destacaron el papel de la poesía como un lenguaje universal capaz de trascender fronteras y conectar culturas.

La participación española ha sido uno de los ejes centrales de esta edición, con una destacada presencia de autores, artistas y actividades culturales. María Dueñas, autora de éxitos como El tiempo entre costuras, compartió sus experiencias como escritora y reflexionó sobre los cambios en la representación femenina en eventos literarios. Dueñas mencionó que, en el pasado, evitaba participar en algunas ferias debido a la “preeminencia de señoros”, pero celebró cómo los espacios literarios han evolucionado hacia una mayor inclusión.

La música también encontró su lugar en la FIL con la actuación del asturiano Rodrigo Cuevas. En un espectáculo que fusionó el folclore asturiano con el son jarocho mexicano, Cuevas cautivó al público y demostró cómo la música puede ser un lenguaje de unión cultural. Este tipo de colaboraciones artísticas subraya el espíritu de la FIL como un espacio donde se cruzan tradiciones y se generan nuevos diálogos creativos.

Reflexiones sobre la sociedad y la cultura

Más allá de las actividades literarias, la FIL ha sido un escenario para el debate y la reflexión sobre temas contemporáneos. Uno de los puntos destacados fue la discusión sobre la influencia de los nacionalismos en eventos culturales. En este contexto, se defendió la importancia de mantener la feria como un espacio neutral, dedicado exclusivamente al diálogo literario y cultural, lejos de las tensiones políticas que pueden surgir en contextos internacionales.

Otro tema abordado fue el impacto de la tecnología en la interacción humana y la cultura. En un mundo cada vez más conectado, pero paradójicamente más aislado, los ponentes subrayaron la importancia de espacios como la FIL para fomentar el contacto humano y el intercambio de ideas cara a cara. La literatura, en este sentido, se plantea como un medio para reconectar con nuestra esencia y romper con la tendencia al ensimismamiento provocada por los dispositivos digitales.

La renovación de liderazgos en la FIL

En el ámbito organizativo, esta edición marca el inicio de una nueva etapa con el nombramiento de José Trinidad Padilla López como presidente de la FIL, sucediendo a su hermano y fundador del evento, Raúl Padilla López. Este cambio de liderazgo busca mantener el espíritu innovador de la feria, al tiempo que se adapta a las necesidades de un panorama cultural en constante evolución.

Una feria que sigue creciendo

Con cerca de 500 mil visitantes previstos y una amplia representación de editoriales, escritores y agentes culturales de todo el mundo, la FIL reafirma su posición como una de las plataformas más importantes para la industria editorial y la promoción de la literatura. La programación incluye presentaciones de libros, talleres, mesas redondas y actividades artísticas, que van desde recitales poéticos hasta espectáculos de música y danza.

Entre los eventos más destacados, se encuentra el homenaje a figuras clave de la literatura en lengua española y la participación de autores emergentes que buscan posicionarse en el panorama internacional. Además, las actividades enfocadas en el público infantil y juvenil han sido un éxito rotundo, fomentando el hábito de la lectura desde temprana edad.

La FIL de Guadalajara ha sido, una vez más, un espacio para fortalecer los lazos entre España y América Latina. La delegación española no solo ha traído a autores consagrados, sino también a nuevas voces que están redefiniendo la literatura contemporánea. Este intercambio cultural se refleja en la variedad de temas abordados en las mesas redondas, que van desde la literatura como resistencia política hasta las nuevas narrativas digitales.

Por su parte, los autores latinoamericanos han encontrado en esta feria una plataforma para dar a conocer sus obras a un público más amplio, estableciendo conexiones con editoriales y agentes literarios internacionales. Este diálogo entre ambas regiones es una de las fortalezas de la FIL, que actúa como un verdadero puente cultural.

Un cierre con sabor a éxito

A medida que se acerca el final de esta 38ª edición, la FIL deja tras de sí un legado de encuentros literarios y culturales que reafirman su relevancia global. Con una programación diversa, que combina tradición e innovación, la feria sigue siendo un punto de referencia para el mundo del libro y un espacio donde las ideas, las historias y las culturas se entrelazan.

En palabras de Mia Couto durante la inauguración: “La poesía no busca respuestas; busca preguntas”. La FIL, con su rica diversidad de voces y perspectivas, no solo responde a las preguntas del presente, sino que también plantea nuevas cuestiones para el futuro de la literatura y la cultura.

03/12/2024 0 comments
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AgendaArteEventos

Peter Halley en el Thyssen

by Uve Magazine 16/10/2024
written by Uve Magazine

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza se prepara para acoger una importante retrospectiva dedicada al influyente artista contemporáneo Peter Halley, del 19 de octubre de 2024 al 19 de enero de 2025. Esta exposición, comisariada por Guillermo Solana, forma parte del programa de muestras en torno a la colección de Blanca y Borja Thyssen-Bornemisza y marca el regreso de Halley a España, donde no se le había dedicado una exposición de este calibre desde 1992, cuando el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía organizó una retrospectiva sobre su obra. La actual muestra abarca un extenso periodo, desde 1985 hasta 2024, y está compuesta por una selección de veinte pinturas pertenecientes a colecciones tanto públicas como privadas de España. Lo más destacado de esta exposición es que el propio Halley ha participado activamente en su curaduría, seleccionando las obras y diseñando el plan de instalación. Además, este proyecto ha sido organizado en colaboración con el Ajuntament de Palma y el Casal Solleric, donde la exposición viajará en primavera de 2025.

Peter Halley irrumpió en la escena artística en los años 80, aportando una visión crítica y profundamente sociológica a la tradición del arte abstracto-geométrico, hasta entonces dominada por ideales formalistas y utópicos. A través de su obra, Halley desafía las concepciones convencionales de la geometría como un símbolo de racionalidad ideal, reinterpretándola como un reflejo del confinamiento y el control social, impregnado de un trasfondo distópico. Sus representaciones del cuadrado, un elemento venerado casi religiosamente por artistas como Malévich y Josef Albers, adquieren un tono irónico en su obra, donde se transforman en iconos de prisiones, celdas y conductos. Esta visión crítica de la geometría se traduce en composiciones que evocan circuitos integrados y diagramas de flujo, anticipando así la sociedad hiperconectada y, a la vez, profundamente aislada de la era digital.

Un rasgo distintivo del trabajo de Halley es su uso audaz de colores fluorescentes, conocidos como Day-glo, que evocan la intensidad y la energía de las pantallas electrónicas. A través de esta paleta cromática, Halley se ha consolidado como uno de los coloristas más experimentales de su generación, aportando un enfoque novedoso a la relación entre el color, el espacio y el contexto social. Su capacidad para conjugar estos elementos lo convierte en una figura fundamental dentro del arte contemporáneo, y su influencia sigue siendo evidente en artistas y movimientos actuales.

A lo largo de su carrera, Halley ha mantenido su independencia artística, evitando el apoyo de grandes galerías comerciales y optando por colaboraciones a largo plazo con galeristas de confianza en distintos países. Esta exposición también resalta la fuerte conexión que el artista ha establecido con España, donde su obra ha sido bien recibida desde su primera aparición en 1986, cuando participó en la colectiva El arte y su doble: una perspectiva de Nueva York, organizada por la Fundación Caja de Pensiones en Madrid. Poco después, en 1992, el Museo Reina Sofía le dedicó una retrospectiva que ya había recorrido museos europeos como el Musée d’Art Contemporain de Burdeos y el Stedelijk Museum de Ámsterdam. Fue a partir de ese momento que Halley comenzó a exponer con regularidad en galerías españolas, como la Galería Senda en Barcelona y con el galerista Javier López en Madrid, consolidando su relación con el país.

Las pinturas de Halley se encuentran en importantes colecciones públicas y privadas españolas, incluyendo el Museo Reina Sofía, la Fundación “la Caixa” y el Institut Valencià d’Art Modern (IVAM), lo que subraya la relevancia de su obra en el panorama artístico español. Además, cuenta con una instalación permanente en la Biblioteca Pública José Hierro de Usera, en Madrid, inspirada en el cuento La biblioteca de Babel de Jorge Luis Borges, lo que muestra su interés por la intersección entre el arte y la literatura.

La exposición en el Thyssen-Bornemisza ofrece una visión completa de la trayectoria artística de Peter Halley, con veinte pinturas de gran formato que recorren su evolución estilística desde 1985 hasta la actualidad. Obras tempranas como Cárcel (1985) y Comercio de pieles (1994) reflejan un minimalismo monocromático, mientras que trabajos posteriores como Edutainment y Apagón (ambas de 2005), o Gravedad (2006), muestran una mayor complejidad en la repetición de formas, la superposición de planos y el uso de una paleta cromática más variada. En sus creaciones más recientes, Halley sigue profundizando en los temas que caracterizaron su obra temprana, pero con un enfoque renovado. Ejemplos de ello son Mágico a medias (2018), Clemencia (2019) y La nota alta (2020), donde multiplica las formas geométricas y suaviza su paleta de colores, creando composiciones de gran dinamismo y luminosidad.

La exposición de Peter Halley en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza no solo representa una oportunidad para apreciar la evolución de uno de los grandes maestros de la abstracción contemporánea, sino también para reflexionar sobre las conexiones entre el arte, la sociedad y la tecnología en el mundo actual.

16/10/2024 0 comments
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AgendaArteEventos

Tabita Rezaire en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

by Clara Belmonte 01/10/2024
written by Clara Belmonte

Del 8 de octubre de 2024 al 12 de enero de 2025, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, en colaboración con TBA21 Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, presenta “Nebulosa de la calabaza”, la primera exposición individual de la artista Tabita Rezaire en España. Comisariada por Chus Martínez, la muestra inmersiva reúne tres instalaciones recientes de Rezaire: Omo Elu, Des/astres y Omi: Templo de Yemoja. Estas obras, creadas en 2024, forman un tríptico que rinde homenaje a Yemoja, la orisha de la religión yoruba, símbolo de los ríos, los océanos y la vida.

Tabita Rezaire, artista nacida en París en 1989, es una destacada figura del afrociberfeminismo, cuyas obras multidisciplinarias exploran las intersecciones entre arte, tecnología, espiritualidad y decolonización. Residente en la Guayana Francesa, Rezaire utiliza medios como el vídeo, instalaciones inmersivas y performance para proponer una visión holística del mundo, fusionando saberes ancestrales con tecnologías digitales. Su enfoque está profundamente influenciado por su conexión con la naturaleza y la espiritualidad, aspectos que explora en “Nebulosa de la calabaza”.

Tabita Rezaire. © Yussef Agbo-Ola [Olaniyi Studio], 2023

Una reflexión sobre la crisis ecológica

“Nebulosa de la calabaza” no solo es una inmersión sensorial, sino también una invitación a reflexionar sobre la crisis ecológica global y la necesidad de reconectar con los saberes ancestrales y no occidentales. Rezaire destaca la relevancia de estos conocimientos como herramientas para la resistencia y la emancipación, cuestionando las formas extractivas de los sistemas coloniales y proponiendo una vía de sanación y reconstrucción de identidades y comunidades.

La exposición se enmarca en la línea de trabajo del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y TBA21 en torno a las sociedades postcoloniales y sus aportaciones culturales. A través de la intersección entre arte, espiritualidad y ecología, Rezaire nos invita a redescubrir las conexiones entre lo humano, lo espiritual y lo natural.

Programa público

Como parte de la exposición, se desarrollará un programa público de actividades gratuitas que incluirá charlas, encuentros y talleres. Entre los eventos destacados se encuentra una conversación entre la artista Maria Arnal y el experto en computación Fernando Cucchietti, que se celebrará el 10 de diciembre de 2024.

La exposición estará abierta al público hasta el 12 de enero de 2025, ofreciendo una experiencia única que combina arte, espiritualidad y ecología, mientras promueve una mayor conciencia sobre las interacciones entre el ser humano y el planeta.

Para más información y detalles sobre las actividades, se puede visitar la página web oficial del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.

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Eventos

Noche de la investigación 2024

by Uve Magazine 19/09/2024
written by Uve Magazine

La Noche de la investigación 2024, una noche llena de ciencia y cescubrimiento en CaixaForum Madrid

El próximo viernes 27 de septiembre de 2024, prepárate para vivir una noche mágica llena de ciencia, innovación y diversión en la European Researchers’ Night, un evento que se celebrará simultáneamente en más de 400 ciudades de Europa. CaixaForum Madrid se une una vez más a esta celebración internacional, ofreciendo una amplia variedad de actividades científicas gratuitas dirigidas a todos los públicos: familias, estudiantes, educadores y cualquier persona interesada en la ciencia.

¿Por Qué Asistir?

La Noche Europea de la Investigación es una ocasión única para acercarse al fascinante mundo de la ciencia y la investigación. Es una oportunidad para interactuar directamente con científicos, descubrir cómo sus investigaciones impactan nuestra vida diaria y participar en actividades que combinan aprendizaje y entretenimiento. Tanto niños como adultos podrán disfrutar de talleres prácticos, charlas inspiradoras, experimentos interactivos y visitas guiadas, convirtiendo el evento en una experiencia inclusiva y educativa.

Actividades para el Público Familiar

De 17:30 a 19:40 h, los más pequeños y sus familias tendrán la oportunidad de sumergirse en la ciencia de manera divertida y educativa. Entre las actividades destacadas se encuentran talleres como:

  • ‘Una ventana al futuro’: Un espacio para explorar los avances tecnológicos que moldearán nuestro futuro.
  • ‘Entre neuronas: disección cerebral y comportamiento en el Síndrome de Dravet’: Descubre el cerebro de manera única.
  • ‘Viaje al Interior de la Sangre: explorando sus fases’: Un fascinante taller que te llevará al corazón de la biología.
  • Cuentacuentos: ‘El Maravilloso Viaje de los Microbios’: Una historia fascinante sobre los microbios que nos protegen.

Actividades para el Público Adulto

De 18:00 a 22:00 h, el público adulto podrá disfrutar de actividades innovadoras y únicas. Entre ellas:

  • Speed Dating Científico: Una dinámica divertida donde los participantes podrán conocer a diferentes investigadores y descubrir su trabajo en solo unos minutos.
  • ‘A tu cerebro le gusta el chocolate’: Una actividad interactiva con cata de chocolate que explorará cómo responde nuestro cerebro a este delicioso estímulo.

Investigación a Escena: Un Late Show Científico

De 20:00 a 21:30 h, el evento culminará con el Late Show ‘Investigación a Escena’, un formato que combina microcharlas científicas con humor. Algunos de los temas que se abordarán incluyen:

  • ‘Clima, Biodiversidad y Responsabilidad Climática’
  • ‘Diseñando nanosistemas para la energía del futuro’
  • ‘Retos del VIH infantil en el mundo’
  • ‘Decodificando el cerebro: la forma de los pensamientos’

Este espectáculo promete ser uno de los momentos más destacados de la noche, donde la ciencia y la diversión se unen para brindar una experiencia inolvidable.

Feria de la Investigación y Exposiciones

Además, todos los públicos podrán disfrutar de la Feria de la Investigación, que estará activa de 17:30 a 21:00 h, donde se presentarán demostraciones en vivo de los últimos avances en ciencia e innovación. También podrás visitar la exposición ‘Dinosaurios de la Patagonia’ y explorar la historia de estas fascinantes criaturas.

No te lo Pierdas

La Noche Europea de la Investigación 2024 es un evento gratuito, con acceso a todas las actividades hasta completar aforo. ¡No te pierdas esta oportunidad de adentrarte en el mundo de la ciencia y vivir una experiencia enriquecedora para toda la familia!

Para más información, visita: www.lanochedelainvestigacion.com.

19/09/2024 0 comments
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AgendaArteEventos

El taller de Rubens

by Uve Magazine 12/09/2024
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El taller de Rubens. Explorando la colaboración y creatividad del maestro barroco

Pieter Paul Rubens fue el pintor más exitoso de Europa durante la primera mitad del siglo XVII, con una impresionante producción de alrededor de 1,500 obras que aún se conservan. La exposición El Taller de Rubens, comisariada por Alejandro Vergara, jefe de Conservación del Área de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte del Museo Nacional del Prado, explora tanto su método colaborativo de trabajo como el espacio físico de su taller en Amberes, donde se llevaban a cabo las creaciones. Este taller no solo era un lugar de producción artística, sino también un laboratorio donde Rubens, junto con numerosos ayudantes, realizaba su prolífica obra. La exposición recrea ese ambiente con una detallada escenificación de caballetes, lienzos, pinceles y otros materiales del siglo XVII, junto a libros, bustos antiguos y objetos que reflejan los intereses del artista.

En torno a esta recreación, que podrá visitarse en el Museo Nacional del Prado en Madrid del 15 de octubre de 2024 al 16 de febrero de 2025, se presentan veinte pinturas, dos dibujos y cinco grabados que ilustran las diferentes formas de colaboración entre Rubens y sus asistentes. Rubens establecía las composiciones iniciales, permitiendo que sus ayudantes desarrollaran y completaran partes de las obras, multiplicando así su producción sin sacrificar calidad. Esta dinámica de trabajo convierte la exposición en un viaje inmersivo a la época del maestro de Amberes, mostrando cómo combinaba talento, enseñanza y trabajo en equipo para consolidar su éxito.

En paralelo, el Museo organiza el ciclo de conferencias A propósito de Rubens. Ideal, organización y saber en el taller de un pintor los días 30 de octubre y 6, 13 y 20 de noviembre de 2024. Este ciclo profundiza en cómo Rubens optimizó su taller, aprovechando las tecnologías de su tiempo para maximizar su producción, mientras mantenía la emoción y belleza como objetivos fundamentales de su arte. Las conferencias también explorarán la representación de los talleres de pintura y su comparación con los espacios de creación contemporáneos.

Para los amantes del arte, esta exposición y las actividades asociadas ofrecen una oportunidad única de entender el genio de Rubens, su capacidad organizativa y la influencia duradera de su taller en la evolución del arte barroco europeo.

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AgendaArteEventos

Explorando la luz sólida. Anthony McCall

by Uve Magazine 30/07/2024
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Del 19 de junio al 10 de noviembre de 2024, el Museo Guggenheim Bilbao se convierte en el epicentro de una experiencia visual y sensorial única con la exposición “Anthony McCall: Fracción de segundo”. Esta muestra no solo celebra el décimo aniversario del programa Film & Video del museo, sino que también destaca el trabajo innovador de Anthony McCall, un pionero del cine expandido y la videoinstalación.

Desde su inicio en 2014, el programa Film & Video del Guggenheim ha sido un referente en la exploración del videoarte y las prácticas artísticas contemporáneas ligadas a la imagen en movimiento. A lo largo de los años, ha presentado obras icónicas de artistas como Christian Marclay, Ragnar Kjartansson, Pierre Huyghe y muchos otros. Esta vez, es el turno de Anthony McCall, un británico afincado en Nueva York que ha revolucionado el arte con su concepto de “luz sólida”.

Un Viaje a Través de la Luz

Anthony McCall, nacido en 1946 en St. Paul’s Cray, Reino Unido, ha dedicado su carrera a explorar la naturaleza de la luz y sus posibilidades en el arte. Sus obras se caracterizan por el uso de luz proyectada para crear fenómenos escultóricos inmersivos. A través de haces de luz, McCall forma estructuras geométricas que parecen flotar en el aire, invitando a los visitantes a interactuar con ellas. En “Fracción de segundo”, McCall presenta una selección de sus obras más emblemáticas junto con el estreno de una nueva creación titulada “Fracción de segundo Espejo IV” (2024). Esta obra es una doble proyección horizontal de luz que incluye dos grandes espejos, proyectores y pantallas traslúcidas. La luz se proyecta a diferentes alturas, creando efectos elípticos y horizontales que giran y se entrelazan en el espacio, formando un dibujo lineal consistente en un campo de planos entrecruzados y en espiral. Esta nueva creación promete ser una experiencia envolvente, donde la luz no solo se ve, sino que también se siente y se vive, invitando a los visitantes a una inmersión total en el arte lumínico de McCall.

La experiencia que ofrece McCall es paradójica y fascinante. Por un lado, sus imágenes multidimensionales parecen sólidas, aunque estén hechas de luz. Por otro, parecen inmóviles, aunque cambian continuamente a lo largo del tiempo. Esta interacción entre lo sólido y lo etéreo, lo fijo y lo mutable, desafía las percepciones convencionales del espacio y el tiempo en el cine y la escultura. Al invitar a los visitantes a caminar a través de sus esculturas de luz, McCall cuestiona el uso tradicional de la narrativa y el montaje en el cine. Sus obras no solo son visualmente impactantes, sino que también provocan una reflexión profunda sobre la naturaleza de la percepción y la interacción humana con el arte. Al adentrarse en estos haces de luz, los visitantes no solo observan, sino que se convierten en parte de la obra, interactuando con las sombras y reflejos que crean, y experimentando de primera mano la transformación constante de la luz.

Fracción de segundo (Espejo) IV, 2024 Vista de la instalación, Museo Guggenheim Bilbao Cortesía del artista y de Sean Kelly, Nueva York, Los Ángeles & Sprüth Magers © Anthony McCall

La exposición también incluye una retrospectiva de la carrera de McCall, presentando obras tempranas como “Miniatura en blanco y negro” (1972). Esta pieza utiliza un proyector de diapositivas Kodak para mostrar una secuencia de 81 diapositivas que producen imágenes negativas en color después de mirar una imagen fija durante un tiempo y luego un objeto blanco. Esta obra temprana demuestra el interés de McCall por los efectos visuales y la manipulación de la percepción desde sus inicios.

Además, la exposición presenta “Cortina de humo” (2017), una serie de fotografías a gran escala que capturan el movimiento de la luz sólida. Estas imágenes permiten a los visitantes detenerse y observar las texturas de la niebla artificial que se revelan momentáneamente a través de los haces de luz, añadiendo una dimensión adicional a la experiencia visual.

La combinación de obras nuevas y retrospectivas en “Fracción de segundo” no solo muestra la evolución artística de McCall, sino que también ofrece una visión coherente de su enfoque innovador sobre la luz y el espacio. Sus obras desafían las nociones tradicionales del arte y la percepción, creando un diálogo continuo entre el pasado y el futuro, lo tangible y lo intangible. En conclusión, Anthony McCall nos invita a un viaje a través de la luz, donde cada obra es una puerta a una nueva dimensión de la percepción. A través de sus esculturas de luz, McCall no solo ilumina el espacio físico, sino también los rincones más profundos de nuestra imaginación y percepción. Cada visitante de “Fracción de segundo” se encontrará inmerso en un mundo donde la luz es la protagonista indiscutible, transformando y siendo transformada por la interacción humana.

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AgendaEventosMúsica

Momentos Alhambra | Tardes Thyssen 2024

by Uve Magazine 14/06/2024
written by Uve Magazine

Del 21 de junio al 28 de septiembre de 2024, regresan los  conciertos a las Terrazas del Museo Thyssen con una nueva edición de #TardesThyssen, patrocinada por Cervezas Alhambra. Bajo el título “Desde las Lindes”, el ciclo de 2024 ofrecerá diez actuaciones musicales de artistas nacionales e internacionales, abarcando una amplia gama de géneros, desde folk y R&B hasta electrónica, flamenco, jazz y pop.

Los conciertos se llevarán a cabo los viernes y sábados de junio y septiembre a las 20h, y como en ediciones anteriores, la entrada es libre hasta completar aforo.

Diversidad Sonora en el Corazón del Arte

La programación de esta edición busca acercar al público propuestas con identidades sonoras diversas, presentando músicas tradicionalmente consideradas periféricas y que ahora se sitúan en el centro del escenario. Esta integración de música y arte se ve reflejada en la selección de diez obras de la exposición “La memoria colonial en las colecciones Thyssen-Bornemisza”, que estarán vinculadas a cada concierto.

Calendario de Actuaciones

21 de junio | Çantamarta x Joven con vestido japonés. El quimono

Çantamarta, un trío formado por dos músicos españoles y uno venezolano, ofrece un cruce de fronteras musicales con influencias del R&B, Neo-Soul, hip hop y house, enriquecido por elementos caribeños.

22 de junio | Calequi y las Panteras x Jinete árabe

Javier Calequi, junto a Lauri Revuelta y Luisa Corral, nos invita a un viaje sonoro por América, con ritmos y armonías latinas, folk y pop.

28 de junio | Queidem x Dos desnudos femeninos en un paisaje

Queidem, alquimista del transformismo pop, explora paisajes emocionales a través de instrumentaciones delicadas y viscerales.

29 de junio | Edu Requejo x El rastro perdido

El barcelonés Edu Requejo nos enfrenta al caos y la diversidad global con su mezcla de jazz, trap, pop y música antillana.

13 de septiembre | Yerai Cortés x Mujer en un diván

Yerai Cortés, destacado en el panorama flamenco nacional, expresa su arte con la guitarra española, combinando raíces gitanas y virtuosismo técnico.

14 de septiembre | Alex Conde Trio x Retrato de un hombre de la isla de Dominica

Este trío de jazz, compuesto por piano, contrabajo y batería, fusiona el flamenco con una técnica impecable y composiciones sorprendentes.

20 de septiembre | Los Sara Fontán x Franzi ante una silla tallada

El dúo Los Sara Fontán ofrece una poderosa mezcla de post rock, electrónica e improvisación, explorando el diálogo entre percusión y violín.

21 de septiembre | Marina Gallardo x La toilette

Marina Gallardo presenta una fusión de pop y folk-rock, con momentos de suavidad acústica y explosiones de guitarra eléctrica.

27 de septiembre | Skygaze x La cala

Skygaze apuesta por la experimentación compositiva con una fuerte presencia electrónica, abarcando hip hop, house, jazz, soul y funk.

28 de septiembre | Carly Gibert x Pesca en el estrecho de Long Island a la altura de New Rochelle

Carly Gibert, artista y cantautora, cautiva con su voz única y su capacidad para fusionar hip hop, R&B y funk en una experiencia multicultural y bilingüe.

14/06/2024 0 comments
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ArteEventos

Un viaje entre el realismo y la abstracción

by Uve Magazine 26/05/2024
written by Uve Magazine

El Museo Guggenheim Bilbao presenta la esperada retrospectiva de Martha Jungwirth, una artista austriaca cuya obra desafía las convenciones y explora la frontera sutil entre el realismo y la abstracción. Esta exhibición, patrocinada por Occident, estará abierta al público del 7 de junio al 22 de septiembre de 2024, y promete ofrecer una visión integral de la trayectoria de Jungwirth, que abarca seis décadas de creación artística. Nacida en Viena en 1940, Martha Jungwirth se ha consagrado como una figura crucial en el panorama artístico contemporáneo. Su obra se caracteriza por trazos explosivos y gestuales, así como por tonos vibrantes que buscan expresar emociones profundas más que representar narrativas lineales. Desde sus primeros años en la Universität für angewandte Kunst de Viena hasta la actualidad, Jungwirth ha desarrollado un estilo único que fusiona influencias de la forma humana, los animales, la historia del arte y sus viajes alrededor del mundo.

Martha Jungwirth Bucéfalo (Bukephalos), 2021

La exposición reúne cerca de setenta obras, incluyendo acuarelas, óleos y tres libros de artista que abarcan casi cincuenta años de producción. Sus pinturas y dibujos, siempre en la frontera entre el realismo y la abstracción, nos invitan a experimentar la espontaneidad y la vitalidad de sus composiciones erráticas y colores intensos. El recorrido de la exposición comienza con las primeras obras de Jungwirth, que incluyen dibujos de gran formato de objetos cotidianos y retratos. Estas piezas iniciales, que forman parte de la serie Indesit, representan el comienzo de sus exploraciones sutiles entre el realismo y la abstracción. Aunque pudiera parecer sorprendente para una artista abstracta, el retrato es un género recurrente en su obra, donde fusiona la forma humana con pinceladas expresivas y colores vibrantes, capturando la esencia íntima de sus modelos. A medida que avanza la exhibición, se exploran las “escapadas de pintura” de Jungwirth, donde sus viajes y la observación de la naturaleza se convierten en un catalizador para la creación artística. Desde la década de 1970, sus viajes no solo han sido una fuente de inspiración, sino también una forma de investigación artística. Las obras resultantes no son simples representaciones de lugares, sino respuestas emocionales a los estados de ánimo y sensaciones desatadas por la naturaleza.

Martha Jungwirth Toro (Stier), 2020

En la sección dedicada a los animales, se destaca la serie Australidelfos (Australidelphia), creada en 2020, que se centra en los marsupiales australianos. Esta serie no solo homenajea a estas criaturas antiguas, sino que también reflexiona sobre los devastadores incendios forestales de Australia en 2019 y 2020. Las composiciones cromáticas de sus pinturas simbolizan la violencia y la tragedia enfrentada por estas especies, ofreciendo una visión conmovedora y crítica de la relación entre la humanidad y la naturaleza. La muestra también revela la continua inspiración de Jungwirth en la historia del arte, con series de pinturas que dialogan con obras de Richard Gerstl, Frans Hals y Oskar Kokoschka, entre otros. Sus interpretaciones de las obras maestras de Francisco de Goya y Édouard Manet, por ejemplo, demuestran cómo Jungwirth imprime su peculiar vocabulario artístico en cada pieza, creando desviaciones radicales de las fuentes originales.

Una de las características más distintivas del trabajo de Jungwirth es su uso innovador de materiales. Sus pinturas no se limitan a lienzos tradicionales, sino que se extienden a soportes inesperados como cartón, libros de contabilidad y papel de estraza. Esta elección de materiales poco convencionales permite a Jungwirth explorar los límites del control y el caos, desafiando las normas artísticas establecidas y creando un diálogo entre lo ordenado y lo espontáneo. A través de su obra, Jungwirth nos invita a experimentar una profunda conexión entre el yo y el mundo. Sus pinturas no son meras imágenes, sino condensaciones de experiencias, emociones y recuerdos. Con una comprensión aguda de las especificidades de la realidad, Jungwirth ofrece al espectador un atisbo de las profundidades de la percepción y la conciencia humanas.

26/05/2024 0 comments
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