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Noticias

MúsicaNoticias

Amon Amarth publica «Upphaf», la primera canción acústica de su carrera

by Emain Juliana 13/07/2026
written by Emain Juliana

Amon Amarth ha publicado «Upphaf», el primer tema acústico en más de treinta años de trayectoria. El single sale a través de Metal Blade Records en todas las plataformas digitales, con producción de Jacob Hansen y vídeo dirigido por Pavel Trebukhin. Es el anticipo de su próximo álbum de estudio.

El título viene del nórdico antiguo: upphaf significa «comienzo», «origen». La banda sueca retira aquí la distorsión y la percusión que definen su death metal melódico y deja a la vista el esqueleto de la composición: melodías repetidas, coros, una estructura que se parece más al relato oral que a la canción de arena. La propia discográfica describe el tema como una pieza reimaginada para el hogar de una casa comunal, y la imagen resulta exacta. Lo que funciona ante 85.000 personas en Wacken se prueba ahora en formato de fuego y voz.

La operación tiene interés más allá del cambio de textura. El repertorio de Amon Amarth lleva décadas trabajando material narrativo de raíz escandinava —Odín, las travesías, la muerte en combate— con la gramática del metal extremo. «Upphaf» invierte los términos y devuelve ese material a algo cercano a su forma de transmisión original: una historia cantada, sin amplificación, para un grupo reducido de oyentes. El resultado señala hasta qué punto la fuerza del catálogo del grupo depende del volumen y hasta qué punto depende del relato.

Treinta años de expansión

Formados en Tumba (Suecia) en 1992, Amon Amarth han pasado de la escena death sueca a los grandes recintos internacionales. Han compartido escenario con Slayer, Guns N’ Roses, Foo Fighters y Pantera, y agotaron entradas en The Forum de Los Ángeles y en el Red Rocks Amphitheatre de Denver. Han encabezado Bloodstock en dos ocasiones, acumulan cuatro presencias en Download entre 2008 y 2019 y ocho en Summer Breeze entre 2003 y 2024, seis de ellas como cabezas de cartel. Su actuación en Wacken en 2024, ante 85.000 personas, fue calificada por la revista Louder como una demostración de fuerza sostenida a lo largo de diecinueve canciones.

Las cifras acompañan. Jomsviking y Berserker alcanzaron el número uno en las listas alemanas de álbumes; The Great Heathen Army (2022) lideró la lista Billboard de Hard Rock en Estados Unidos y la de álbumes en Canadá, y obtuvo una nominación al Grammy sueco en la categoría de mejor disco de hard rock o metal.

The Row

El fenómeno más comentado de su directo no lo firma la banda, lo firma el público. El consenso sitúa el origen del llamado Viking row en el concierto de Bloodstock de 2009: los asistentes se sientan en el suelo y reman al unísono en un barco imaginario. En 2022 el grupo lo convirtió en canción con «Put Your Back into the Oar»; Johan Hegg explicó entonces que el tema estaba dedicado a los seguidores que lo habían inventado. La práctica se ha extendido a conciertos de otros artistas y a acontecimientos ajenos a la música, incluidos los públicos del Mundial de 2026.

Formación

  • Johan Hegg — voz
  • Olavi Mikkonen — guitarra
  • Johan Söderberg — guitarra
  • Ted Lundström — bajo
  • Jocke Wallgren — batería

Gira europea 2026

El grupo llega a la península en noviembre con tres fechas:

  • 13 de noviembre — Barcelona, Sant Jordi Club
  • 14 de noviembre — Madrid, Vistalegre
  • 15 de noviembre — Lisboa, Sala Tejo

Antes recorrerán Reino Unido (Manchester, Londres y Wolverhampton, del 9 al 11 de octubre) y el resto de Europa: París, Esch-sur-Alzette, Stuttgart, Frankfurt, Amberes, Den Bosch, Hamburgo, Gotemburgo, Estocolmo, Helsinki, Tallin, Gliwice, Leipzig, Oberhausen, Budapest, Viena, Bamberg, Praga, Berlín, Múnich, Milán y Zúrich. En Norteamérica girarán con Dethklok y Castle Rat.

 

https://www.youtube.com/watch?v=O0EPPzy6s_k

13/07/2026 0 comments
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LiteraturaNoticias

La Feria del Libro de Madrid cambia de dirección tras un cese que sorprende al sector

by Uve Magazine 07/07/2026
written by Uve Magazine

La Asociación de Librerías de Madrid ha comunicado este lunes 6 de julio el fin de la etapa de Eva Orúe al frente de la Feria del Libro de Madrid, cargo que ocupaba desde 2022. La entidad agradece en su comunicado “cinco años de trabajo, dedicación y compromiso”, y destaca los avances logrados en sostenibilidad y programación cultural durante las cinco ediciones celebradas bajo su dirección.

La propia Orúe, sin embargo, ha descrito la salida como un despido inmediato y ha señalado que no comparte las razones alegadas por la asociación, aunque ha evitado detallarlas por confidencialidad. El presidente de la entidad, Luis M. Tigeras, ha negado que la decisión guarde relación con el descenso de ventas y visitantes registrado en la última edición, celebrada entre el 29 de mayo y el 14 de junio y marcada por la visita del papa León XIV, la presencia de Bad Bunny y una ola de calor. Tigeras ha atribuido esos resultados a factores puntuales y ha descartado también cualquier vínculo con las tensiones surgidas por los pabellones patrocinados, presentados por primera vez este año.

Orúe llegó al cargo en 2022 para suceder a Manuel Gil, y se convirtió entonces en la primera mujer en dirigir la feria en más de ochenta años de historia. Periodista y escritora nacida en Zaragoza, ha trabajado en prensa, radio y televisión, y ha sido corresponsal en Reino Unido, Francia y Rusia.

Por el momento no se ha anunciado sustituto. La Asociación de Librerías de Madrid afirma estar ya trabajando en una nueva etapa que refuerce el papel de las librerías como pieza central del ecosistema cultural madrileño, en un año que además marca el camino hacia el 50 aniversario de la Asociación, que se celebrará en 2027.

07/07/2026 0 comments
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En cortoEntrevistasLiteraturaNoticias

Guardianas de las tierras del norte: la mitología femenina vasca y asturiana

by Emain Juliana 01/07/2026
written by Emain Juliana

Hay una manera recuperar la mitología que no pasa por los libros de texto ni por las enciclopedias ilustradas. Pasa por los pueblos, por la montaña, por la tradición oral que sobrevivió a duras penas al franquismo y que todavía hoy se conserva gracias a quienes decidieron que valía la pena documentarla. Guardianas de las tierras del norte nació del caminar, de la escucha y de la convicción de que hay una mitología vasca y asturiana que merece ocupar el lugar que siempre debió tener. Detrás están Verónica García-Peña y Javier Solís, que se conocieron en la radio y desde ahí construyeron una afinidad que acabó en libro. Él es historiador y lleva años rastreando la etnografía asturiana en rutas de montaña y archivos. Ella es escritora, socióloga y periodista, con una obra que va del misterio histórico al realismo mágico vasco.

¿Cómo acabasteis escribiendo juntos?

Verónica: En agosto de 2022 estuve presentando un espacio en la radio para cubrir una sustitución. Ahí coincidí con Javi, al que semanalmente entrevistaba. Al terminar la etapa veraniega, nos invitaron a poner en marcha una sección dedicada a la literatura y la gastronomía. Fue entonces cuando le propuse a Javier: «Oye, ¿por qué no hacemos esto juntos?».

Javier: Verónica es muy divertida y explica genial, le da ritmo.

Verónica: Yo me hice periodista por la radio. Lo primero que aprendí fue a hacer informativos a una velocidad supersónica, no dejar espacio en blanco, reírte de ti mismo cuando te equivocas y salir al paso. Eso luego te ayuda a hacer presentaciones, entrevistas… La radio es una gran escuela.

Javier, tu trabajo como historiador está muy centrado en la mitología y la etnografía asturiana. ¿Cómo llegaste hasta ahí?

Javier: Va todo un poco de la mano. La etnografía, la mitología, la tradición oral… al final está todo en el mismo saco. A mí me gusta mucho caminar la montaña, y cuando preparas una ruta y llegas a un pueblo determinado empiezas a encontrar relatos. Como me gustaban autores como Alberto Álvarez Peña, fui tirando del hilo y ahí me quedé enganchado.

Guardianas de las tierras del norte parte de una premisa que recorre todo el libro: que la mitología asturiana y la vasca comparten una misma raíz matriarcal, una visión del mundo en la que lo femenino crea la naturaleza y la gobierna. Antes de que la Iglesia y los siglos las convirtieran en superstición o amenaza, estas figuras —diosas, curanderas, guardianas de la naturaleza— ocupaban un lugar central en la manera de entender lo inexplicable.

El libro tiene una estructura muy particular: bloques divulgativos y relatos de ficción. ¿Cómo organizasteis ese proceso de trabajo?

Javier: Yo preparaba la parte divulgativa para que Verónica hiciera el texto de ficción. Ella esperó a tener todos los bloques antes de escribir los cuentos.

Verónica: No quería empezar sin saber exactamente de qué iba a ir cada bloque, para no repetirme. Y cuanta más documentación tienes, más sencillo es, porque la vas dividiendo.

Javier: Lo que yo hacía era preparar el texto divulgativo, que ya llevaba cosas en euskera. Verónica hacía una corrección de estilo para que todo tuviera una misma voz, y añadía además todo lo que tenía que ver con el euskera desde su conocimiento. Por eso el texto tiene esa sensación de unidad.

Al principio el libro no iba a ser solo de criaturas femeninas. ¿Cómo llegasteis a ese enfoque?

Javier: Al principio no estaba tan concretado. Una vez que ya teníamos empezado el proceso, Verónica me hizo una sugerencia sobre centrarlo en las criaturas femeninas y le di una vuelta.

Verónica: Si no lo acotabas acababa siendo una enciclopedia. Inabarcable. ¿Qué lo diferencia de cualquier otro libro de mitos? En cambio, estar centrado solo en las criaturas femeninas de la mitología vasca y asturiana lo hace especial.

El resultado es un ensayo híbrido que pone en diálogo dos tradiciones hermanas desde una perspectiva que reivindica el papel central de lo femenino en su origen. Frente a la imagen heredada —la sirena que seduce para perder a los hombres, la vieja hechicera acusada de herejía— el libro rastrea lo que estas criaturas significaban antes de que alguien decidiera que eran peligrosas.

La parte lingüística es uno de los aspectos más llamativos del libro. ¿Cómo decidisteis qué términos conservar en euskera o en asturiano y cuáles adaptar?

Hay una nota al principio del libro que explica los criterios para los nombres de los personajes. Fue uno de los puntos de más debate.

Verónica: Decidimos emplear el nombre más conocido, el que la gente reconoce. Por ejemplo, xana se puede traducir como la encantada, pero eso no lo conoce nadie. Y luego estaba el problema de la pronunciación: hay palabras en euskera que rompen el texto si no las sabes pronunciar bien, y es muy fácil que no las sepas. Eguzki, por ejemplo: la z se pronuncia como s, es eguski, pero la gente lo lee como lo ve escrito. Con sorgina pasa algo parecido: en un texto en castellano ralentiza la lectura. Había muchas cosas así, y decidíamos caso por caso.

Javier: Las fuentes que yo manejo aparecen con los términos en euskera y en asturiano tal cual. No es una decisión arbitraria, es que la fuente lo dice así.

 

Las lamias, por ejemplo, tienen características muy distintas a lo que solemos imaginar. Las lamias de la mitología vasca tienen pies de pato. Un detalle que sorprende y que varía según la zona.

Verónica: Para mí siempre han sido así, con pies de pato. En la tradición vasca es uno de sus rasgos más conocidos.

Javier: A mí me pareció muy curioso cuando lo descubrí, precisamente por eso, porque es algo muy específico de allí. Yo las imaginaba con garras, como las lamias clásicas, lo que en el libro se recoge muy bien en las ilustraciones.

Cada capítulo del libro se cierra con un cuento original escrito por Verónica García-Peña, que recoge el aire de las leyendas antiguas y lo prolonga en historias nuevas. Son relatos ambientados en 1936-37, una época en la que no solo murieron personas: también costumbres, tradiciones y formas de entender el mundo.

¿Cuánto tiempo llevó hacer el libro?

Javier: Bastante. Yo también trabajo en una fábrica, no me dedico solo a esto. Empezamos en el otoño del 22 y lo terminamos en las navidades del 24. Dos años tranquilamente.

Verónica: Y luego se quedó en barbecho durante una buena temporada. Después lo volví a imprimir entero y lo releí todo. Y ahí cambié muchas cosas. Los cuentos que están en el libro no son los del principio. Los escribes de una manera, los dejas reposar, los vuelves a coger y dices: esto no suena bien. Hasta que los ves terminados. De hecho, al que más vueltas di fue al de la sirena. No tenía claro si ponerle nombre al pueblo o no. Quería que la sirena tuviera unas características muy concretas, diferentes a lo que estamos acostumbrados, pero no sabía cómo hacer que encajara todo hasta que de repente lo vi. Muchas veces, con la ficción, estás dándole vueltas a una idea y te falta algo. A ese cuento le faltaba algo, y cuando lo encontré, estuvo completo.

Los cuentos están ambientados en 1936-37. ¿Por qué esa época?

Verónica: Cuando se instauró el nacionalcatolicismo no solo se guardaron en el cajón ideologías políticas: también muchas tradiciones y costumbres de los pueblos. Entre ellas, todo lo que tiene que ver con la mitología.

Verónica: Lo curioso es que en el País Vasco hay costumbres que se mantuvieron más tiempo, o que aunque se guardaron en el cajón, en las casas, en los pueblos pequeños, se seguían celebrando o se seguían creyendo. Tiene mucho que ver con el aislamiento geográfico. En las zonas más cerradas se mantienen más las costumbres.

¿Habéis pensado ya en continuar el proyecto?

Javier: Si no nos copian la idea…

Verónica: Muchísimas, porque el universo mitológico de ambas tierras es inmenso. Lo fundamental de este proyecto es que ya hemos asentado una primera base escrita y bien documentada. Salir a rescatar estos relatos de la tradición oral nos ha permitido dejar un testimonio sólido sobre el que poder seguir construyendo en el futuro.

01/07/2026 0 comments
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Noticias

Elisa Forcano gana el Premio Max y el Godoff

by Uve Magazine 25/06/2026
written by Uve Magazine

Zorra Dorada, la pieza escrita, dirigida e interpretada por Elisa Forcano, ha recibido este junio un reconocimiento doble e inusualmente rápido: el Premio Max al Mejor Espectáculo Revelación, otorgado el 1 de junio en la ceremonia celebrada en Mérida, y el Premio Godoff, concedido el 15 de junio durante la quinta edición de los Premios de la Revista Godot en el Teatro Pavón de Madrid.

El espectáculo nació como proyecto emergente en el Festival SURGE Madrid 2024, donde se presentó en la Sala Cuarta Pared, y desde entonces ha recorrido festivales y teatros de toda España: el Festival Escena Abierta de Burgos, el Festival de Verano de León, el ciclo Mujeres a Escena de Zaragoza, la Muestra de Teatro Español de Autores Contemporáneos Guillermo Heras de Alicante, el ciclo La grieta de Lanzarote y la Programación con Igualdad del Principado de Asturias. En 2025 regresó a Madrid para su estreno en SURGE, en la Sala Exlímite, pasando después por MADferia y por Nave 73.

La obra toma como punto de partida el caso real de Noa Pothoven, una joven neerlandesa que murió a los diecisiete años tras años de sufrimiento derivados de los abusos sexuales padecidos en la infancia y la adolescencia. A partir de ahí, Forcano construye un ritual escénico que combina teatro, performance, movimiento, música y lenguaje visual para convertir la rabia en materia transformadora. La pregunta que vertebra la pieza —Si cada mujer abusada se inmolase, ¿quién traería a vuestros hijos al mundo?— interpela directamente al público sobre las estructuras que sostienen la violencia contra las mujeres.

«Este proyecto nació de una necesidad íntima y profundamente honesta», ha declarado Forcano. «Comenzó como una pieza pequeña, en el circuito off madrileño y zaragozano, y hoy quiero reivindicar que detrás de estos reconocimientos hay una trayectoria sostenida: años de trabajo, resistencia y compromiso con la creación como forma de vida».

Estos galardones se suman al Premio Simón a Mejor Actriz, concedido por la Academia del Cine Aragonés por su interpretación en el cortometraje En trámite. Forcano trabaja actualmente en una nueva pieza escénica con estreno previsto para 2027.

 

25/06/2026 0 comments
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MúsicaNoticias

If These Trees Could Talk presentan «Sea of Glass»

by Uve Magazine 11/06/2026
written by Uve Magazine

El colectivo de post-rock instrumental If These Trees Could Talk ha publicado «Sea of Glass», primer single de The Hidden Hand, que llegará el próximo 10 de julio a través de Metal Blade Records.

Fundados en Akron, Ohio, en 2005 por los hermanos Zack y Cody Kelly, la banda construye su música desde la paciencia: guitarras limpias, pedales de loop y baterías que generan tensión sin apoyarse en ninguna voz. «Sea of Glass» sigue esa lógica —onírico y contundente a la vez— y anticipa un disco de nueve canciones que llega ocho años después de su aclamado The Bones of a Dying World.

The Hidden Hand ya está disponible para preventas.

11/06/2026 0 comments
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MúsicaNoticias

El regreso del hijo pródigo del rock al Teatro Conde Toreno

by Beatriz Menéndez Alonso 17/02/2026
written by Beatriz Menéndez Alonso

En la penumbra elegante del patio de butacas, bajo la respiración contenida de un público que no era solo público sino familia, amigos, vecinos —pueblo entero—, se proyectó por primera vez en Europa el documental I Took the Road Less Traveled. Y no podía ser en otro lugar que, en Cangas del Narcea, tierra natal de Diego Avello, conocido artísticamente como Bull, ese obstinado rockero que un día decidió cruzar el océano persiguiendo una quimera eléctrica llamada sueño americano.

La cita fue este domingo 15 de febrero en el histórico Teatro Conde Toreno, corazón cultural del suroccidente asturiano.

La tarde del estreno en el Teatro Conde Toreno fue una ovación prolongada. No era solo la celebración del éxito artístico, sino el reconocimiento a la perseverancia. El público comprendía que aquella historia hablaba también de ellos: de emigración, de identidad, de la necesidad de elegir, a veces, el camino menos transitado.

Bull llenó la pantalla con su presencia magnética. Carismático y humilde. Firme y vulnerable. Un asturiano que ha sabido navegar entre dos culturas sin traicionarse.

El documental, dirigido con sensibilidad y pulso narrativo por Budro Partida, arranca en la Cangas de los años de instituto, cuando Diego ya lucía con orgullo camisetas de la bandera estadounidense y escuchaba con devoción a Elvis Presley, Johnny Cash y Jerry Lee Lewis. Aquella pasión no era estética: era vocacional. Era la certeza íntima de que su lugar en el mundo estaba ligado al rock and roll y a la cultura americana. Lo que el documental demuestra es que entre el sueño y la realidad media un territorio áspero.

Budro construye un relato más humano que musical, más íntimo que biográfico. No estamos ante el clásico documental de ascenso y caída, sino ante la anatomía de una perseverancia. La cámara observa sin juzgar, acompaña sin invadir. Uno de los grandes aciertos del documental es no romantizar la experiencia migratoria. I Took the Road Less Traveled pone el foco en la realidad actual de los emigrantes en Estados Unidos: la dificultad de obtener visados de permanencia, la burocracia implacable, la incertidumbre constante.

Estados Unidos no regala nada. Puedes tocar el cielo —llenar salas, recibir premios, ser reconocido por la crítica— y, al mismo tiempo, vivir pendiente de un permiso administrativo que determine tu continuidad en el país. Puedes cumplir el sueño tantas veces ansiado desde otras órbitas… o perderlo todo en el intento.

La lucha es feroz. El mercado es competitivo hasta el extremo. Y la legislación migratoria convierte cada paso en una carrera de obstáculos. Esa tensión atraviesa el documental y dota al relato de una dimensión contemporánea y política que lo eleva más allá de la simple biografía artística.

En cada testimonio se percibe la misma idea: la obstinación de Diego es el eje que lo sostiene todo. Colaboradores, amigos, profesionales del sector y familiares coinciden en señalar su resistencia, su ética de trabajo, su negativa a rendirse cuando el sistema parecía cerrar puertas.

Entre dos ríos, entre dos mundos. La voz que une las dos orillas

Hay una imagen poderosa que atraviesa el filme. Bull habla de su infancia “entre dos ríos”: el Río Luiña y el Río Narcea, que confluyen bajo la mirada protectora de la Ermita del Carmen. Dos corrientes que se unen para hacerse más fuertes, más bellas.

Esa metáfora fluvial resume su identidad: Así es Bull: español y americano. Cangues de pura cepa y músico forjado en la dureza del circuito estadounidense. Su lado español —arraigo, comunidad, memoria— y su lado americano —ambición, individualismo creativo, hambre de escenario— conviven sin imposturas. No hay disfraz. No hay caricatura. Hay integración.

Un Ulises moderno que ha cruzado océanos de tiempo sin extraviar su sueño.

El documental cuenta con la producción y la voz en off de L.A. Lloyd, figura reconocida del panorama radiofónico rockero en Estados Unidos. Su narración actúa como hilo conductor, como puente entre E.E.U.U. y Asturias, entre la épica americana y la raíz rural del suroccidente asturiano.

Estos días, Lloyd ha compartido con el equipo jornadas de celebración por Cangas, reencontrándose con el paisaje y con la hospitalidad de un concejo que ya los acogió en 2024, cuando llegaron para rodar las primeras escenas en la villa. Se percibe en él —y en todo el equipo— una admiración profunda por la persona que hay detrás del personaje.

La película ha cosechado un notable éxito en el circuito de festivales estadounidenses, incluyendo el reconocimiento como Mejor Documental Internacional en el Austin International Film Festival. Un logro que confirma la dimensión universal de una historia profundamente local.

Sin embargo, el equipo eligió Cangas del Narcea para su primer pase europeo. Un gesto cargado de simbolismo: antes de conquistar nuevos territorios, había que rendir cuentas con la tierra madre.

Desde Uve Magazine, tuvimos además el privilegio de acompañar la antesala de este estreno en la Librería Treito, en un encuentro cercano que sirvió de prólogo íntimo a la gran noche. Entre amigos y conversación, ya se intuía que lo que estaba por venir sería más que una proyección.

Invitación abierta: que el viaje continúe

El público llenó el teatro. Familias, amigos, vecinos, curiosos. La acogida fue cálida, sostenida, emocionada. No era solo la celebración del éxito de un músico en Estados Unidos; era el reconocimiento de una actitud ante la vida.

El documental nos recuerda que tomar el camino menos transitado implica perder certezas, comodidades, seguridades. Implica pagar un precio. Pero también demuestra que ese precio puede merecer la pena si lo que se gana es la fidelidad a uno mismo.

Bull no es solo un artista que ha tocado el techo del éxito en un mercado extranjero. Es el ejemplo de que la obstinación, cuando se combina con trabajo y talento, puede atravesar fronteras físicas y burocráticas.

I Took the Road Less Traveled prepara ahora su salto al circuito de festivales europeos y españoles. Ojalá podamos disfrutarlo pronto en nuestras pantallas, en nuevos teatros, en nuevas ciudades.

Mientras tanto, la invitación es clara: seguir el recorrido del documental a través de sus redes, acompañar su camino, compartir esta historia que habla de emigración, de identidad, de perseverancia y de sueños que no se negocian.

Magnífico trabajo el de Budro Partida, de L.A. Lloyd y de todo el equipo de producción. Magnífica la entrega de Bull. Y ejemplar la respuesta de un pueblo que supo acoger, celebrar y reconocer a quien nunca dejó de ser suyo.

Porque en tiempos donde la comodidad parece imponerse como norma, historias como la de Diego Avello —Bull— nos recuerdan que aún existen quienes prefieren la intemperie del intento a la tibieza de la renuncia.

17/02/2026 0 comments
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MúsicaNoticias

Encuentro previo a la proyección de I Took the Road Less Traveled en Cangas del Narcea

by Emain Juliana 15/02/2026
written by Emain Juliana

Dos días antes de la proyección del documental I Took the Road Less Traveled, la Librería Treito acogió un encuentro organizado por Uve Magazine en el que se habló abiertamente sobre la película, la trayectoria de Diego Avello “Bull” y la realidad de la industria musical en Estados Unidos. La proyección tendrá lugar hoy, pero lo que se vivió antes de ayer fue una conversación que permitió contextualizar el proyecto y entender mejor el recorrido que recoge el filme.

L.A. Lloyd, Bull, Brudo Partida

En la mesa estuvieron Bull, el director J. Budro Partida y el coproductor L. A. Lloyd, quienes explicaron cómo se gestó el documental y qué les llevó a contar esta historia. La idea inicial había surgido años atrás a través de Raymond McGlamery, amigo vinculado al sector musical que falleció en 2022, y fue tras su muerte cuando Lloyd propuso retomar aquel planteamiento y convertirlo en una película. PennyRock Productions asumió la producción y, durante casi tres años, el equipo trabajó en la grabación y edición de un material que sigue el recorrido vital y artístico del músico cangués.

El documental parte de Asturias, pasa por México y se centra finalmente en Estados Unidos, donde Bull ha desarrollado buena parte de su carrera. Durante el encuentro explicó que verse reflejado en pantalla le obligó a revisar etapas que en su momento vivió con incertidumbre, especialmente cuando decidió marcharse de Cangas del Narcea para dedicarse al rock en un entorno donde el idioma, el acento y la falta de contactos suponían obstáculos reales. Señaló que el traslado implicó asumir riesgos personales y profesionales, y que muchas de esas decisiones aparecen recogidas en la película sin suavizar las dificultades.

Budro Partida subrayó que uno de los aspectos que más le interesaba al abordar el documental era precisamente esa perspectiva: la de un inmigrante que intenta consolidar una carrera en la cuna del rock and roll. Explicó que no se trataba únicamente de contar la historia de un músico, sino de observar cómo alguien procedente de un contexto pequeño se enfrenta a una industria que opera con otras reglas y otras dimensiones. Desde su punto de vista, el valor del proyecto reside en mostrar ese proceso sin idealizarlo, dejando espacio a las dudas y a los momentos en los que el avance no es inmediato.

Uno de los temas de la conversación fue la elección de cantar rock en inglés siendo asturiano. Bull reconoció que durante un tiempo dudó de su encaje dentro de una tradición musical muy definida, pero que finalmente decidió asumir su acento como parte de su identidad artística. Esa decisión, explicó, le permitió mantener coherencia con su propio recorrido y evitar adaptaciones que no respondían a su forma natural de expresarse.

Actualmente, tras su traslado de Austin a Nashville, está grabando un nuevo disco y en la búsqueda de sello discográfico que acompañe la siguiente etapa de su carrera. Además, durante el encuentro se anunció que el documental ha sido reconocido en el Austin Revolution Film Festival, que ha otorgado a I Took The Road Less Traveled – Documentary el premio a Mejor Largometraje Internacional, un reconocimiento relevante dentro del circuito independiente estadounidense. Además de la proyección prevista hoy en Cangas del Narcea, el equipo ha comenzado a enviarlo a festivales nacionales e internacionales.

El encuentro previo permitió que el público conociera el contexto del documental antes de verlo en pantalla y abrió un diálogo sobre lo que implica sostener una carrera musical fuera del lugar de origen. Hoy, con la proyección, esa conversación continuará desde otro ángulo.

15/02/2026 0 comments
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NoticiasPensamiento

Impacto de Mercosur en la agricultura española

by Uve Magazine 11/02/2026
written by Uve Magazine

El campo forma parte de la base sobre la que se ha construido el desarrollo social y económico del país, aunque su presencia suele hacerse visible solo cuando atraviesa momentos de dificultad, ya que durante décadas la agricultura y la ganadería han garantizado el abastecimiento alimentario y han permitido que amplias zonas rurales continúen habitadas, sosteniendo economías locales que dependen del trabajo diario de quienes viven de la tierra y del ganado; sin embargo, esta actividad se desarrolla bajo una inestabilidad permanente que no responde únicamente al esfuerzo o a la capacidad de quienes la ejercen, porque cada campaña queda condicionada por cambios climáticos, variaciones en los mercados internacionales y decisiones normativas que influyen en los costes de producción, lo que provoca que el debate actual sobre el sector agrario refleje una preocupación que afecta a la continuidad de muchas explotaciones y al futuro de territorios enteros cuya vida económica depende de ellas.

El acuerdo comercial entre la Unión Europea y Mercosur se ha convertido en uno de los focos principales de esa preocupación, ya que contempla contingentes de importación que permitirían la entrada en el mercado europeo de hasta 99.000 toneladas anuales de carne de vacuno con arancel reducido, junto a volúmenes significativos de carne de ave, azúcar o etanol, productos que en países sudamericanos se producen con estructuras de costes muy diferentes a las europeas, en tanto que la normativa medioambiental, laboral y sanitaria que deben cumplir los productores europeos implica inversiones constantes y una carga administrativa que influye directamente en la rentabilidad de las explotaciones. En España, donde el conjunto de la cadena agroalimentaria representa aproximadamente el 10% del PIB, el impacto potencial de ese acuerdo no afecta únicamente al agricultor o al ganadero, sino a cooperativas, industrias transformadoras y redes de distribución que dependen de la estabilidad de la producción local, mientras que en Francia, donde el sector ganadero posee un peso simbólico y económico muy arraigado en determinadas regiones, el debate ha adquirido un tono político especialmente intenso al interpretarse como una amenaza directa al modelo de explotación familiar.

Las manifestaciones agrarias que se han extendido por distintos países europeos, con movilizaciones tractoradas en España y protestas masivas en Francia, reflejan una acumulación de tensiones que van más allá del acuerdo comercial, ya que los profesionales del sector denuncian una superposición de normativas relacionadas con sostenibilidad ambiental, reducción de fitosanitarios, bienestar animal o control de emisiones que, aun siendo coherentes con objetivos medioambientales, suponen un incremento constante de costes de producción que no siempre encuentra compensación en el precio en origen, de modo que el agricultor percibe que el equilibrio económico de su actividad depende cada vez más de ayudas públicas y menos de la rentabilidad directa del mercado. La Política Agraria Común, que absorbe cerca del 30% del presupuesto comunitario, actúa como un mecanismo de estabilización que permite la continuidad de miles de explotaciones, aunque al mismo tiempo contribuye a que el sector se perciba como especialmente vulnerable a decisiones regulatorias y reformas normativas que pueden alterar el equilibrio económico de forma inmediata.

Si se observa la evolución histórica de los precios agrarios, el malestar del sector encuentra respaldo en cifras que ayudan a comprender la dimensión del cambio. En el caso de los cítricos, los registros de precios percibidos por agricultores en la década de 1970 sitúan el valor medio de la naranja en torno a 4,55 pesetas por kilo en 1970 y 6,37 pesetas por kilo en 1975, cifras que, convertidas a euros y ajustadas por inflación, equivaldrían aproximadamente a 0,73 €/kg y 0,53 €/kg en términos actuales, mientras que el precio medio en origen durante la campaña 2023-2024 para el grupo de naranjas tipo Navel se situó alrededor de 0,31 €/kg, lo que implica que, en poder adquisitivo real, el agricultor puede estar percibiendo entre un 40% y un 60% menos que hace medio siglo. Esa reducción no significa que el sector produzca menos, sino que ha aumentado su productividad y su volumen exportador mientras el valor añadido que permanece en el productor se ha reducido progresivamente dentro de una cadena agroalimentaria cada vez más compleja y globalizada.

Durante los años sesenta y setenta, la agricultura y la ganadería de proximidad constituían un pilar estructural del territorio español, en un contexto en el que el sector primario empleaba aproximadamente al 20% de la población activa y en el que los circuitos cortos de comercialización permitían que el valor económico permaneciera en las economías locales, favoreciendo la cohesión social y el mantenimiento demográfico del medio rural. A lo largo de las décadas posteriores, la mecanización, la modernización de regadíos, la integración en el mercado europeo y la aplicación de la Política Agraria Común transformaron profundamente el sector, que redujo su peso en el empleo hasta situarse en torno al 3% actual, al tiempo que se convertía en una potencia exportadora hortofrutícola dentro de Europa, una transformación que supuso un aumento notable de la eficiencia productiva, pero también una mayor dependencia de mercados exteriores, de cadenas logísticas globales y de decisiones políticas comunitarias.

La agricultura y la ganadería de proximidad han continuado desempeñando un papel esencial que rara vez se refleja de forma directa en las estadísticas económicas, ya que contribuyen a la conservación del paisaje agrario, al mantenimiento de ecosistemas tradicionales y a la prevención de incendios forestales a través de prácticas como la ganadería extensiva, al tiempo que garantizan el abastecimiento alimentario local, una función que ha demostrado su importancia durante crisis logísticas y sanitarias recientes, cuando la resiliencia del suministro de proximidad permitió mantener el acceso a productos básicos. En este contexto, el acuerdo con Mercosur beneficia principalmente a sectores industriales europeos que buscan ampliar mercados en América del Sur y a industrias agroalimentarias que pueden acceder a materias primas a menor coste, mientras genera incertidumbre en sectores primarios europeos que operan con márgenes estrechos y cuya rentabilidad depende de un equilibrio delicado entre precios en origen, ayudas públicas y estabilidad normativa, lo que explica que el debate sobre el futuro del campo europeo se haya convertido en una discusión sobre el modelo territorial, económico y social que Europa desea mantener en las próximas décadas.

11/02/2026 0 comments
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CineNoticias

El grito que convirtió una escena doméstica en un gesto cultural

by Beatriz Menéndez Alonso 03/02/2026
written by Beatriz Menéndez Alonso

Muere Catherine O ‘Hara a los 71 años, de Solo en casa y Bitelchús al grito que la volvió inolvidable el “¡Kevin!” que definió toda una época.

El grito no duró más de un segundo, pero aún sigue viajando. Atravesó aeropuertos europeos, inviernos interminables, televisores encendidos a deshora y generaciones enteras que aprendieron, sin saberlo, que el pánico también puede ser cómico. “¡Kevin!” gritó Catherine O’Hara, y en ese instante quedó suspendida para siempre en la memoria colectiva, como una nota aguda que nunca termina de apagarse.

Decir que Catherine O’Hara murió a los setenta y un años es una afirmación que necesita matices. Porque hay artistas cuya desaparición física —real o imaginada— no logra desalojarlos del todo del mundo. Permanecen en los gestos que heredamos de ellos, en la cadencia de una voz exagerada, en la manera de ocupar una habitación como si fuera un escenario invisible. O’Hara fue una de esas presencias: una actriz que nunca pidió ser el centro, pero que inevitablemente lo era.

Nació en Canadá en 1954, lejos de los centros solemnes del cine, en un país donde el humor funcionaba más como arma que como adorno. En Second City y más tarde en SCTV, aprendió que la comedia no consiste en caer bien, sino en mirar con precisión. Allí moldeó su talento más reconocible: una inteligencia escénica capaz de empujar a sus personajes hasta el borde del ridículo sin dejarlos caer jamás.

Cuando Hollywood la adoptó, lo hizo con cautela. No encajaba en el molde de la estrella clásica: su rostro era móvil, incómodo, demasiado expresivo para el hieratismo del glamour. Por eso se especializó en algo más duradero: el arte de la actriz secundaria que sostiene el mundo emocional de una película. En Bitelchús, su Delia Deetz parecía una instalación artística con pulso vital. Vestida con siluetas angulosas y colores que desafiaban el buen gusto convencional, Delia no habitaba la casa embrujada: la intervenía. O’Hara interpretó al personaje como alguien para quien el arte no era una vocación sino un idioma, una forma de imponer sentido en un entorno que se desmoronaba. Delia reaccionaba ante lo sobrenatural con la misma distancia estética con la que contemplaba una escultura contemporánea: nada la sorprendía del todo, porque todo podía ser incorporado al discurso. Esa contención —en una película entregada al exceso— convirtió su actuación en un punto de equilibrio inesperado. Delia no era un alivio cómico; era una declaración sobre el narcisismo ilustrado y la necesidad humana de traducir el caos en estilo.

En Solo en casa, hizo algo radicalmente distinto. Kate McCallister no se protegía tras la ironía ni el artificio. Era una mujer definida por la urgencia, por la culpa que avanza más rápido que el cuerpo. La ansiedad materna, que en manos menos hábiles habría sido caricatura, se transformó en una epopeya doméstica narrada a través de gestos mínimos: la forma en que revisa una lista, cómo su voz se quiebra antes de elevarse, el instante exacto en que el pánico deja de ser abstracto y adquiere un nombre propio. Kate McCallister atraviesa continentes, pero el viaje verdadero ocurre en su rostro, donde O’Hara despliega una precisión emocional que sostiene toda la fantasía del filme. Sin esa ansiedad —organizada, reconocible, humana— la película habría sido un ejercicio de slapstick; con ella, se convirtió en un ritual navideño.

Ese grito —Kevin— no era solo un recurso narrativo. Era la condensación de una época: madres desbordadas, familias dispersas, la ilusión frágil del orden moderno. O’Hara entendió, quizás mejor que nadie, que la comedia funciona cuando se toma el dolor en serio.

Pasaron los años, y mientras muchas actrices desaparecían de la conversación pública, ella regresó transformada. Moira Rose, la matriarca imposible de Schitt’s Creek, fue mucho más que un vehículo tardío para su reconocimiento. Fue, en muchos sentidos, una síntesis de toda su carrera. Moira era una mujer construida a partir del artificio: exestrella de una telenovela olvidada, vestida con pelucas que parecían responder a estados de ánimo más que a decisiones prácticas, hablaba un idioma propio, cuidadosamente afectado, como si cada frase hubiera sido ensayada durante años frente a un espejo invisible. Y, sin embargo, nada en ella resultaba completamente falso.

Interpretó a Moira como alguien que había sobrevivido convirtiéndose en personaje. La exageración no era un rasgo cómico aislado, sino una estrategia de defensa frente a la pérdida del estatus, del dinero y, en última instancia, de la relevancia. Moira no se permitía el descuido porque el descuido equivalía a desaparecer. En manos de otra actriz, el personaje habría sido una caricatura sostenida por el vestuario; en las de O’Hara, se convirtió en un estudio minucioso sobre el miedo a envejecer en público.

A lo largo de Schitt’s Creek, Moira evolucionó sin llegar nunca a transformarse por completo. Aprendió a amar con mayor claridad, pero no a hablar de forma sencilla; a permanecer, pero no a integrarse del todo. Esa negativa a someterse al arco clásico de redención fue una de las decisiones más audaces del personaje. Moira no pedía disculpas por su rareza ni se adaptaba para resultar accesible. Exigía, en cambio, que el mundo realizara un pequeño ajuste para poder convivir con ella.

Con Moira Rose, ofreció una de las interpretaciones más singulares de la comedia televisiva reciente: una mujer mayor, excesiva, plenamente consciente de sí misma y, pese a todo, capaz de una ternura inesperada. El éxito del personaje no se explicó únicamente por los premios que lo acompañaron, sino por algo más difícil de medir: la sensación de que, por primera vez en mucho tiempo, la televisión permitía a una mujer de esa edad ser extraña sin castigo.

Catherine O’Hara deja atrás una filmografía extensa y una huella cultural difícil de delimitar con precisión. Quizá porque su contribución principal fue esa: demostrar que incluso el gesto más exagerado puede contener algo íntimo, y que, a veces, basta con decir un nombre en voz alta para permanecer en la memoria colectiva durante décadas.

03/02/2026 0 comments
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AgendaEventosMúsicaNoticias

Bull presenta en Cangas del Narcea el documental I Took the Road Less Traveled

by Uve Magazine 02/02/2026
written by Uve Magazine

El músico Diego Avello, conocido como Bull, ha desarrollado su carrera entre Asturias, México y Estados Unidos, con el rock como eje central y como espacio de trabajo. Desde sus primeros pasos en Cangas del Narcea hasta su actual actividad en el circuito estadounidense, su trayectoria se ha ido construyendo a partir de desplazamientos geográficos y decisiones profesionales que han condicionado su forma de componer, de tocar y de situarse dentro del género.

Ese recorrido es el punto de partida de I Took the Road Less Traveled, un documental dirigido por Brudo Partida, que toma como base el itinerario vital y musical de Bull para articular un relato centrado en el proceso y en los contextos que lo rodean. La película acompaña al músico en distintos lugares clave de su carrera, desde Asturias hasta Estados Unidos, pasando por México, y propone una mirada sobre el trabajo musical entendido como una actividad que se desarrolla en diálogo constante con el entorno.

El documental no se presenta como una retrospectiva cerrada ni como un retrato definitivo, sino como una aproximación a una trayectoria en marcha. A través del seguimiento de Bull y de su entorno, la película sitúa el foco en cuestiones como la movilidad, la identidad cultural y el modo en que un músico europeo se abre camino en un género profundamente ligado a la tradición anglosajona. La presencia del rock como lenguaje compartido funciona aquí como hilo conductor, más allá de etiquetas o expectativas externas.

dEn el proyecto participa también L. A. Lloyd, profesional vinculado desde hace décadas a la radio de rock en Estados Unidos, que ejerce como coproductor. Su implicación aporta una visión interna del contexto musical norteamericano y del funcionamiento de un sector en el que la visibilidad, el reconocimiento y la continuidad dependen de factores diversos, tanto artísticos como industriales. El documental recoge este marco sin establecer lecturas concluyentes, dejando espacio a la observación y al diálogo.

Con motivo de este trabajo, el próximo 13 de febrero tendrá lugar un encuentro previo a la proyección del documental en Librería Treito. La cita contará con la participación de Bull, del director Brudo Partida y el co-productor L. A. Lloyd, y se plantea como una conversación abierta sobre el proceso de creación del documental, el trabajo musical en contextos distintos y la experiencia de desarrollar una carrera artística entre países, estará presentada por la editora Sandra Márquez y la redactora cultural Beatriz Menéndez Alonso, quienes guiarán el diálogo en torno al origen del proyecto y a las cuestiones que lo atraviesan.

El encuentro se enmarca dentro de las actividades culturales impulsadas por Uve Magazine y propone un espacio para compartir el origen y las claves del proyecto antes de su exhibición. Más que ofrecer una lectura cerrada sobre la película, la conversación permitirá conocer cómo se ha construido el documental, desde qué motivaciones surge y qué cuestiones pone sobre la mesa en torno a la música, el desplazamiento y el oficio artístico.

02/02/2026 0 comments
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