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Agenda

AgendaMúsica

Las Pelotas y Cruzando el Charco: el rock argentino llega a España

by Sandra Marquez 13/10/2026
written by Sandra Marquez

Las Pelotas y Cruzando el Charco compartirán escenario en una gira de cinco conciertos por España, del 14 al 21 de octubre. La formación de Germán Daffunchio presentará Sin la piel, su nuevo álbum de estudio, mientras que la banda liderada por Francisco Lago regresará al público europeo después de una extensa gira internacional en 2025.

El rock argentino ha experimentado numerosas transformaciones desde los años ochenta, aunque algunas de las bandas surgidas durante aquel periodo continúan ocupando un lugar destacado en su escena musical. Es el caso de Las Pelotas, una formación nacida tras la disolución de Sumo que, casi cuatro décadas después, sigue publicando discos y actuando dentro y fuera de Argentina. Este octubre regresará a España junto a Cruzando el Charco, un grupo originario de La Plata que representa a una generación posterior de músicos.

Ambas bandas recorrerán Barcelona, Valencia, Mallorca, Madrid y Málaga en una gira que permitirá conocer dos etapas de la música argentina a través de sus protagonistas. Aunque sus trayectorias comenzaron con más de veinte años de diferencia, las dos formaciones han desarrollado repertorios que incorporan influencias diversas y han encontrado en las actuaciones en directo una parte importante de su actividad.

Las Pelotas, después de Sumo

Para comprender los orígenes de Las Pelotas es necesario regresar a diciembre de 1987, cuando la muerte de Luca Prodan provocó la disolución de Sumo. La banda, que había incorporado el reggae y el postpunk a una escena dominada por otras corrientes musicales, dejó una huella considerable en el rock argentino de los años ochenta.

Tras su desaparición, Germán Daffunchio y Alejandro Sokol emprendieron un nuevo proyecto que en 1988 adoptaría el nombre de Las Pelotas. Su intención era continuar haciendo música sin reproducir la experiencia anterior, de modo que comenzaron a desarrollar composiciones propias y a buscar una identidad diferente.

El primer álbum, Corderos en la noche, apareció en 1991 y abrió una trayectoria discográfica que se ha prolongado durante más de tres décadas. A lo largo de ese tiempo, el grupo ha combinado rock, reggae y elementos experimentales, con una atención particular a las letras y a las posibilidades expresivas de cada composición.

Su continuidad también ha estado marcada por los cambios en la formación, entre ellos la salida de Alejandro Sokol, fallecido en 2009. Daffunchio ha permanecido como una de las principales figuras de la banda y como vínculo directo con sus orígenes.

El nuevo capítulo de esta trayectoria se titula Sin la piel, un álbum de doce canciones publicado en septiembre de 2026. Grabado entre Estudio Los Ángeles y Estudio Sonoramica, cuenta con producción artística de Sebastián Schachtel y Germán Daffunchio, grabación y mezcla de Uriel Mackerna y masterización de Daniel Ovié.

El disco reúne composiciones que transitan por diferentes registros musicales. En «Todo lo que vivimos» aparece un piano introductorio y un ritmo más acelerado, mientras que «Leña» y «Adormecido» desarrollan ambientes más reposados. También hay espacio para el reggae, los arreglos de carácter sinfónico y las guitarras que han acompañado buena parte de la discografía del grupo.

La presentación de Sin la piel constituye uno de los principales motivos de esta visita a España, donde las nuevas canciones convivirán con otras pertenecientes a distintas etapas de Las Pelotas.

Cruzando el Charco, una nueva generación

La otra protagonista de la gira es Cruzando el Charco, formada en 2012 en la ciudad argentina de La Plata. Liderada por el cantante y compositor Francisco Lago, la banda comenzó su trayectoria con Perdonar, un primer trabajo que ya mostraba su interés por combinar diferentes géneros musicales.

Su propuesta incorpora rock, candombe, cumbia, reggae, pop y funk, influencias que han ido adquiriendo distinta importancia a lo largo de sus publicaciones. Después de sus primeros discos, el grupo amplió progresivamente su público con trabajos como A mil (2017), Lo que somos (2019) y Cicatrices (2022).

En 2023 grabaron su primer álbum en directo en el Luna Park de Buenos Aires, uno de los recintos más conocidos de la música argentina. Un año después publicaron Esencia, un disco que contó con colaboraciones de Chano, Nahuel Pennisi, La K’onga, Facu Soto y Gustavo Cordera.

La presentación del álbum tuvo lugar en agosto de 2024 en el Movistar Arena de Buenos Aires, con las entradas agotadas. A partir de entonces, el grupo emprendió una extensa gira que lo llevó por diferentes escenarios argentinos y que posteriormente amplió su recorrido internacional.

En 2025, Cruzando el Charco realizó once conciertos en siete países europeos, entre ellos España, Inglaterra, Irlanda, Dinamarca, Francia, Países Bajos y Alemania. Aquella experiencia supuso un paso más en su presencia fuera de Argentina y precede a esta nueva visita, en la que compartirá cartel con una banda perteneciente a la generación que abrió otros caminos dentro del rock nacional.

La trayectoria de Cruzando el Charco permite apreciar algunas de las transformaciones experimentadas por la escena musical argentina durante las últimas décadas. Su repertorio incorpora géneros que conviven con naturalidad dentro de la música popular del país y responde a un contexto en el que las fronteras entre estilos son cada vez menos rígidas.

Cinco conciertos para recorrer dos historias musicales

La gira comenzará el 14 de octubre en la sala Razzmatazz de Barcelona y continuará el día 15 en Repvblicca, en Mislata, Valencia. El 17 de octubre ambas formaciones actuarán en Es Gremi, en Palma de Mallorca, antes de trasladarse a Madrid, donde ofrecerán un concierto el 18 de octubre en Wagon · LAB. La última actuación tendrá lugar el 21 de octubre en la sala París 15 de Málaga.

Para Las Pelotas, estos conciertos llegan después de la publicación de su nuevo disco, cuando se aproxima el cuadragésimo aniversario de la fundación de la banda. Cruzando el Charco, por su parte, regresa a España tras haber ampliado su presencia internacional durante los últimos años.

13/10/2026 0 comments
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AgendaEventos

Uve Magazine nº 5: deshielo, floración y vendimia

by Uve Magazine 22/09/2026
written by Uve Magazine

Hay revistas que se construyen alrededor de un tema y otras que, cuando empiezan a tomar forma, encuentran una relación entre textos que en principio parecían ir por caminos distintos. El número 5 de Uve Magazine pertenece a las segundas. Su título, Deshielo, floración y vendimia, terminó apareciendo casi como una consecuencia natural de sus páginas: aquello que cambia, aquello que crece y aquello que, después de un tiempo, está preparado para recogerse.

El número incluye además una playlist propia de Uve Magazine para acompañar esta entrega.

Verónica García-Peña escribe sobre la figura del «ángel del hogar» y sobre todo lo que ese ideal femenino dejó en la literatura y en la vida de muchas mujeres.

Beatriz Menéndez Alonso entrevista a Jorge Ordaz, geólogo y escritor, con quien habla de sus libros, de ciencia, de mitología, de literatura, de Asturias y de los autores que han formado parte de su vida como lector, y visita Flores La Plaza, un establecimiento que cumple cuarenta años en Cangas del Narcea y cuya historia permite hablar de oficio, continuidad y de los cambios que se han producido a su alrededor durante estas cuatro décadas. Imágenes de José Antonio Pernia López.

La música ocupa un lugar importante en este número. Sandra Márquez entrevista a Juan Manuel Moretti, cantante, guitarrista y compositor de Estelares, una de las bandas con una trayectoria más larga de la escena argentina. Coincide con su gira europea y con la publicación de Los Lobos, y recorre más de treinta años de canciones, discos y conciertos.

Moretti habla de cómo han cambiado Estelares y también de todo lo que permanece después de tantos años trabajando juntos: la escritura de las canciones, la relación con el público, los directos, las giras y una forma de entender la música que ha ido creciendo sin perder del todo el vínculo con sus primeros discos.  Imágenes de Martín Bonetto.

Y Marta Pastur Rubio firma Juegos Olímpicos, un relato en el que infancia y códigos familiares construyen una historia que parece sencilla hasta que empieza a mostrar todo lo que guarda detrás.

Todos estos contenidos encuentran un hilo común en Deshielo, floración y vendimia: lo que cambia, lo que crece y lo que, después de un tiempo, puede por fin recogerse.

El próximo 26 de septiembre, a las 12:00 h, presentaremos este nuevo número de Uve Magazine en Flores La Plaza, en Cangas del Narcea.

Nos encantará compartir la mañana con quienes queráis acompañarnos.

22/09/2026 0 comments
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AgendaMúsicaNoticias

Amon Amarth presenta «Eight Legs of Thunder»

by Uve Magazine 31/08/2026
written by Uve Magazine

Amon Amarth ha publicado «Eight Legs of Thunder», nuevo adelanto de The Allfather Awakens, el próximo álbum de la banda sueca, que verá la luz el 2 de octubre a través de Metal Blade Records. El lanzamiento llegará acompañado de una gira europea que pasará por Barcelona y Madrid en noviembre.

La nueva canción parte de Sleipnir, el caballo de ocho patas asociado a Odín en la mitología nórdica, uno de los motivos que han acompañado a Amon Amarth a lo largo de buena parte de su trayectoria. Musicalmente, «Eight Legs of Thunder» recupera algunos de los elementos más reconocibles del grupo, con un riff construido sobre un ritmo de galope y un estribillo pensado para el directo.

El videoclip, dirigido por Dariusz Szermanowicz, traslada esta referencia mitológica a un escenario bastante distinto del habitual imaginario vikingo de la banda. La historia se desarrolla como un western contemporáneo, entre carreteras, camionetas y personajes inspirados en el cine del Oeste, mientras Sleipnir aparece integrado en una secuencia de carácter fantástico.

«Eight Legs of Thunder» es el último adelanto de The Allfather Awakens, un disco formado por diez canciones en el que Amon Amarth vuelve a utilizar la mitología y la historia nórdicas como punto de partida. Odín ocupa de nuevo una posición central en las letras y en la iconografía del álbum, aunque la banda aclara que no se trata de un trabajo conceptual, sino de una colección de historias relacionadas con el conflicto, el sacrificio y los relatos del mundo antiguo.

El grupo ha introducido también algunos cambios en su proceso de composición. El álbum fue grabado en dos sesiones, separadas por varios meses, en el estudio del productor Jacob Hansen en Dinamarca. Parte del material comenzó a escribirse durante las giras, en lugar de esperar al regreso de la banda al estudio, y cada canción fue trabajada de manera independiente. En las guitarras, Amon Amarth ha buscado además un sonido algo menos moderno, recuperando amplificadores Marshall.

El nuevo álbum incluye canciones ya presentadas como «Gjallarhorn», «Upphaf» y «We Rule the Waves», además de temas como «Kvasir’s Blood», «Die With a War Cry», «Raven God», «Oden’s Hunt» y «Ascending Like an Eagle».

Tras la publicación de The Allfather Awakens, Amon Amarth recorrerá Reino Unido y Europa durante octubre y noviembre con una nueva producción escénica inspirada en el salón dorado de Odín. La gira llegará a España los días 13 de noviembre, al Sant Jordi Club de Barcelona, y 14 de noviembre, a Vistalegre en Madrid, antes de continuar hacia Lisboa.

Formados en Tumba, Suecia, en 1992, Amon Amarth han construido durante más de tres décadas una de las carreras más reconocibles del death metal melódico europeo. La formación actual está integrada por Johan Hegg, Olavi Mikkonen, Johan Söderberg, Ted Lundström y Jocke Wallgren.

31/08/2026 0 comments
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AgendaArte

Las exposiciones imprescindibles del otoño de 2026

by Sandra Marquez 12/08/2026
written by Sandra Marquez

El otoño abre tradicionalmente el periodo más activo de los museos, cuando las instituciones presentan las exposiciones destinadas a ocupar buena parte de su programación hasta comienzos del año siguiente. La temporada de 2026 combina retrospectivas de artistas cuya obra ha sido revisada en numerosas ocasiones con propuestas que pretenden modificar la manera en que los conocemos. Dalí será observado a través de su relación con Freud, Lee Krasner dejará de aparecer como una figura secundaria junto a Jackson Pollock y Mary Cassatt recuperará el lugar que ocupó dentro del impresionismo. Junto a ellas, varias exposiciones dedicadas a artistas vivos recuerdan que los museos no son únicamente espacios para ordenar el pasado, sino lugares en los que se discuten los símbolos, los conflictos y las imágenes del presente.

Dalí y Freud, en el Museo Thyssen

Entre el 20 de octubre de 2026 y el 24 de enero de 2027, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presentará El universo freudiano de Dalí, una exposición que recorrerá la trayectoria del artista catalán a partir de la influencia que ejercieron sobre él los escritos de Sigmund Freud. La muestra reunirá unas 130 pinturas, dibujos, esculturas y vídeos procedentes de colecciones europeas y norteamericanas.

Dalí leyó La interpretación de los sueños durante sus años en la Residencia de Estudiantes y encontró en el psicoanálisis una vía para convertir sus fantasías, miedos y deseos en un lenguaje visual. El recorrido partirá de su entorno familiar y avanzará hacia su incorporación al surrealismo, la creación del método paranoico-crítico y el encuentro que mantuvo con Freud en Londres en 1938. La exposición continuará hasta sus últimas décadas para demostrar que, aunque Dalí declarase haber sustituido el psicoanálisis por la ciencia y la religión, las imágenes dobles, los cuerpos transformados y la lógica del sueño nunca desaparecieron de su obra.

Kenny Scharf y el lado inquietante de la cultura popular

El mismo museo inaugurará el 29 de septiembre una exposición dedicada a Kenny Scharf, que permanecerá abierta hasta el 17 de enero de 2027. Vinculado a la escena artística del East Village neoyorquino de los años ochenta, Scharf compartió espacios y experiencias con figuras como Keith Haring y Jean-Michel Basquiat, aunque desarrolló un lenguaje reconocible, poblado por criaturas mutantes, rostros caricaturescos, automóviles y referencias a los dibujos animados.

La apariencia desenfadada de sus obras puede ocultar una lectura más incómoda. Tras sus colores y personajes aparecen la amenaza nuclear, el consumismo, la contaminación y la ansiedad asociada al futuro tecnológico. Su presencia en la programación del Thyssen permitirá observar cómo el grafiti y las imágenes procedentes de la televisión, la publicidad y el entretenimiento terminaron entrando en las instituciones artísticas. Será también una de las exposiciones que aporten una mirada contemporánea a una temporada madrileña dominada por nombres históricos.

Hans Baldung Grien, entre el deseo y la muerte

El Museo Nacional del Prado dedicará una de sus principales muestras del otoño a Hans Baldung Grien, discípulo de Alberto Durero y una de las figuras más singulares del Renacimiento alemán. La exposición podrá visitarse entre noviembre de 2026 y marzo de 2027 y permitirá acercarse a un pintor que desarrolló una obra en la que conviven las escenas religiosas, el desnudo, la brujería y la conciencia de la muerte.

Baldung se alejó de la serenidad asociada habitualmente al Renacimiento para crear cuerpos sometidos al paso del tiempo, figuras femeninas vinculadas con fuerzas sobrenaturales y composiciones en las que la sensualidad aparece unida a la amenaza. Aunque su nombre resulta menos conocido en España que los de Durero o Cranach, su producción permite comprender hasta qué punto el arte del siglo XVI estuvo atravesado por temores, supersticiones y conflictos religiosos.

Rilke y la pintura española

También en el Prado, Rilke y el arte español conmemorará el centenario de la muerte de Rainer Maria Rilke y estudiará la relación del poeta con las obras y los lugares que conoció durante su estancia en España. Rilke viajó por el país entre 1912 y 1913 y encontró en Toledo, en El Greco y en determinados paisajes españoles una experiencia que influyó en su escritura.

La propuesta no pretende ilustrar poemas mediante pinturas, sino seguir el proceso por el que una imagen contemplada puede trasladarse hacia otro lenguaje. Dentro de una programación formada principalmente por exposiciones monográficas, este diálogo entre literatura y artes visuales ofrece una perspectiva distinta, porque coloca la experiencia del espectador en el centro del recorrido: antes de convertirse en escritor ante una pintura, Rilke también fue alguien que se detuvo a mirar.

Fernando Sánchez Castillo y las formas del poder

Una de las incorporaciones más necesarias a esta selección es La Perla Peregrina, la exposición de Fernando Sánchez Castillo instalada en el Palacio de Velázquez del parque del Retiro. Abierta desde el 24 de junio de 2026, podrá visitarse gratuitamente hasta el 8 de marzo de 2027 y reúne cerca de doscientas obras realizadas durante las últimas dos décadas.

Sánchez Castillo trabaja con monumentos, emblemas políticos, vehículos, gestos y relatos históricos para mostrar que la representación del poder no es natural ni permanente. En sus obras, una escultura monumental puede convertirse en un columpio y dos vehículos antidisturbios pueden ejecutar una danza. La alteración de escalas y funciones elimina la solemnidad de esos objetos y permite examinar las narraciones que sostienen.

El título procede de la historia de la Perla Peregrina, una joya que pasó por la corte española, salió del país con José Bonaparte y terminó vinculada a Richard Burton y Elizabeth Taylor. Su recorrido funciona como una metáfora de la autoridad, el deseo y el valor, que cambian a medida que los objetos pasan de unas manos a otras.

Bilbao apuesta por los artistas vivos

El Guggenheim Bilbao concentrará durante el otoño varias exposiciones dedicadas a creadores vivos. Hasta el 1 de noviembre podrá verse Igshaan Adams. Levantando el polvo: El archivo del cuerpo, una instalación formada por once tapices de gran formato y varias esculturas de alambre suspendidas. El artista sudafricano parte de las huellas dejadas por cuerpos que bailan sobre superficies preparadas para registrar sus movimientos. Esas marcas se transforman posteriormente en tejidos realizados de forma colectiva por personas de su comunidad.

A esta muestra se sumarán Ever is Over All, de Pipilotti Rist, desde el 1 de octubre de 2026; una exposición de Steve McQueen, que abrirá el 9 de octubre; y una intervención de Zadie Xa a partir del 19 de noviembre. Con ellas, el museo bilbaíno convertirá el otoño en una sucesión de miradas sobre el cuerpo, el espacio, la identidad y la imagen en movimiento.

Renoir and Love

La National Gallery de Londres presentará del 3 de octubre de 2026 al 31 de enero de 2027 Renoir and Love, la exposición más importante dedicada al pintor francés en el Reino Unido durante los últimos veinte años. Reunirá más de cincuenta obras y se centrará en el modo en que Renoir representó los afectos, las amistades, el cortejo y las nuevas formas de ocio de la sociedad urbana.

Bailes, conversaciones, comidas y encuentros al aire libre permitieron al artista construir una imagen de la vida moderna que suele interpretarse como una celebración despreocupada. Sin embargo, esas escenas también hablan de las diferencias sociales, de los límites impuestos a las mujeres y de los espacios en los que las personas podían observarse y relacionarse. La exposición buscará revisar esa aparente ligereza sin negar el atractivo inmediato de su pintura.

Yinka Shonibare conversa con Gainsborough

La National Gallery reservará también un espacio para el artista británico-nigeriano Yinka Shonibare. Del 15 de octubre de 2026 al 7 de febrero de 2027, su intervención establecerá una conversación con Thomas Gainsborough y con una de las obras más conocidas de la pintura británica.

Shonibare suele emplear tejidos estampados, figuras sin cabeza y referencias a la historia europea para examinar el colonialismo, la identidad y la construcción de las jerarquías sociales. Sus piezas cuestionan la idea de que las tradiciones nacionales hayan surgido de forma aislada, pues revelan los intercambios económicos y culturales ocultos tras las imágenes. Situar su trabajo junto a Gainsborough permitirá revisar el retrato aristocrático y preguntarse qué historias quedan fuera cuando una pintura representa el poder y el privilegio.

Arte y moda en los años noventa

La Tate Britain inaugurará el 8 de octubre de 2026 The 90s: Art and Fashion, una exposición que reunirá a cerca de setenta artistas, fotógrafos y diseñadores. En lugar de presentar el arte y la moda como ámbitos separados, el proyecto examinará cómo ambos compartieron espacios, modelos, publicaciones y formas de provocación durante aquella década.

La selección incluirá obras de creadores que continúan en activo, entre ellos Damien Hirst, Sarah Lucas y Steve McQueen, y permitirá revisar un periodo marcado por la expansión de los medios, la cultura de club, las revistas independientes y la transformación de Londres en un centro internacional de creación. La distancia temporal permite ahora observar los años noventa no solo como una suma de tendencias reconocibles, sino como el origen de muchas relaciones actuales entre el arte, la imagen pública y el mercado.

Mary Cassatt recupera su independencia

El Museo de Orsay dedicará a Mary Cassatt una gran exposición entre el 6 de octubre de 2026 y el 31 de enero de 2027, coincidiendo con el centenario de su fallecimiento. Será la primera gran muestra organizada por un museo nacional francés en torno a una artista que participó de forma activa en el grupo impresionista y desarrolló buena parte de su carrera en Francia.

Cassatt es conocida por sus escenas de mujeres, madres e hijos, aunque esta asociación ha favorecido una lectura limitada de su obra. Sus composiciones, su atención a la autonomía femenina y su interés por la estampa japonesa revelan a una artista que intervino en los debates de la modernidad y no a una simple cronista del ámbito doméstico. La exposición pretende recuperar esa independencia y devolverle un lugar central dentro de la historia del impresionismo.

Krasner y Pollock, en paralelo

El Metropolitan Museum of Art de Nueva York reunirá más de 120 obras en Krasner and Pollock: Past Continuous, abierta del 4 de octubre de 2026 al 31 de enero de 2027. Será la primera gran exposición neoyorquina dedicada a cualquiera de los dos artistas en más de veinte años y la primera que siga conjuntamente el desarrollo completo de sus carreras.

El planteamiento resulta importante porque Lee Krasner fue presentada durante décadas, ante todo, como esposa y defensora del legado de Jackson Pollock. La exposición analizará sus relaciones e influencias, pero también sus diferencias. Krasner mantuvo una investigación que atravesó la abstracción, el collage y las formas naturales, mientras que Pollock quedó asociado al gesto y al mito del artista atormentado. Observarlos en paralelo no significa volver a subordinarlos, sino examinar cómo dos trayectorias conectadas pudieron avanzar en direcciones propias.

El otoño de 2026 estará marcado, por tanto, por las revisiones. Dalí será leído desde el psicoanálisis, Cassatt desde su autonomía y Krasner fuera de la sombra de Pollock. Junto a ellas, Scharf, Sánchez Castillo, Adams, Shonibare, Rist, McQueen y Xa introducirán problemas que pertenecen al presente, desde la representación del poder hasta las identidades culturales y la memoria del cuerpo. La temporada no se limitará a reunir obras conocidas: planteará qué relatos han construido los museos y cuáles necesitan ser modificados.

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AgendaArteEventos

Dalí frente al inconsciente

by Uve Magazine 04/08/2026
written by Uve Magazine

Entre el 20 de octubre de 2026 y el 24 de enero de 2027, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presentará El universo freudiano de Dalí, una exposición que propone recorrer la trayectoria de Salvador Dalí desde una perspectiva decisiva para comprender su obra: la influencia que ejercieron sobre él las teorías de Sigmund Freud. Comisariada por Jaime Brihuega, la muestra reunirá alrededor de 130 pinturas, dibujos, esculturas y vídeos procedentes de colecciones europeas y norteamericanas.

Dalí conoció los escritos de Freud a comienzos de la década de 1920, mientras estudiaba en Madrid y residía en la Residencia de Estudiantes. La lectura de La interpretación de los sueños le ofreció un marco desde el que observar sus propios temores, deseos y obsesiones. Aquello que hasta entonces pertenecía al ámbito de la intimidad podía convertirse en materia artística. Los complejos familiares, la sexualidad, la culpa, el deseo insatisfecho o el miedo a la muerte dejaron de ser únicamente experiencias personales para transformarse en imágenes.

La exposición parte de los primeros años del pintor en Figueres y Cadaqués, donde se formaron algunos de los recuerdos que aparecerían posteriormente en su obra. Dalí creció bajo la sombra de un hermano, también llamado Salvador, que había muerto antes de su nacimiento. Cuando tenía diecisiete años falleció su madre, mientras que su padre, de carácter severo, contrajo matrimonio poco después con una hermana de la fallecida. A esta situación se sumó la relación con Ana María, su hermana y una de sus primeras modelos, retratada en obras como Retrato de Ana María y Figura en una mesa.

Los paisajes del cabo de Creus también ocuparon un lugar esencial en este imaginario. Las playas, los acantilados y las formaciones rocosas de Cadaqués proporcionaron a Dalí un repertorio de siluetas que reaparecería durante décadas. En sus cuadros, el paisaje mediterráneo dejó de ser una mera localización para convertirse en el espacio donde se representaban recuerdos, pulsiones y visiones.

El segundo apartado se centra en los años de la Residencia de Estudiantes y en su relación con Federico García Lorca y Luis Buñuel. Durante este periodo, Dalí conoció el surrealismo francés, leyó a Freud y se interesó por los dibujos científicos de Santiago Ramón y Cajal. Mientras experimentaba con distintos estilos, comenzaron a aparecer algunos de los elementos que definirían su lenguaje posterior: cuerpos fragmentados, alusiones sexuales, formas orgánicas y escenas que parecen desarrollarse dentro de un sueño. Obras como Los esfuerzos estériles o Los deseos insatisfechos permiten observar esta transformación.

Tristán enloquecido, 1944

En 1929, ya instalado durante temporadas en París, Dalí se incorporó al movimiento surrealista encabezado por André Breton. Fue también entonces cuando conoció a Gala Éluard, que se convertiría en su compañera, modelo y colaboradora. Pinturas como El hombre invisible, Los placeres iluminados o Guillermo Tell muestran a un artista que había aprendido a representar el inconsciente mediante imágenes nítidas, aunque sometidas a una lógica perturbadora.

Entre 1932 y 1937 desarrolló su método paranoico-crítico, una de sus principales aportaciones al surrealismo. Dalí defendía que el artista podía interpretar la realidad mediante asociaciones irracionales, descubriendo en una misma figura varias imágenes posibles. De este procedimiento surgieron composiciones dobles y escenarios en los que nada posee un significado estable. En obras como El gran paranoico, Soledad paranoico-crítica o Nacimiento de los deseos líquidos, la percepción se convierte en un territorio incierto.

El momento central de la exposición será el encuentro entre Dalí y Freud, celebrado en Londres en 1938 gracias a la intervención del escritor Stefan Zweig. Para el pintor, conocer al fundador del psicoanálisis suponía encontrarse con una de las figuras que más habían condicionado su pensamiento. Freud, por su parte, observó con interés a aquel artista español de actitud exaltada y quedó impresionado por su capacidad técnica. Durante la reunión, Dalí realizó un dibujo del psicoanalista, que también formará parte de la muestra.

El recorrido concluye con las obras realizadas después de 1940. Aunque Dalí aseguró que sus intereses se habían desplazado hacia la religión, la ciencia y el mundo clásico, la influencia freudiana no desapareció. Las formas blandas, los desdoblamientos, las escenas oníricas y las asociaciones inesperadas continuaron presentes en pinturas como Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes del despertar o Apoteosis de Homero.

El universo freudiano de Dalí permitirá así observar su carrera como un prolongado diálogo con el inconsciente. Freud proporcionó al pintor un vocabulario con el que interpretar sus obsesiones; Dalí, a su vez, convirtió aquel pensamiento en imágenes que han pasado a formar parte del imaginario del siglo XX.

Acantilados, 1926
04/08/2026 0 comments
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AgendaArte

Rubens en el Thyssen: lo que escondía Venus y Cupido

by Valeria Cruz 18/06/2026
written by Valeria Cruz

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta hasta el 13 de septiembre de 2026 un montaje especial en la sala 19 de su colección permanente dedicado a la restauración de Venus y Cupido, de Peter Paul Rubens. No es una exposición al uso: es una invitación a mirar por debajo de la pintura.

El proyecto, de año y medio de duración, ha combinado estudios técnicos, análisis de laboratorio e intervención directa sobre la obra. El resultado más visible es la recuperación del equilibrio cromático original, sepultado durante años bajo capas de barniz envejecido que habían virado al amarillo y alterado la percepción de los colores, sobre todo en las zonas más claras del cuadro. Eliminado ese velo, la pintura respira de otro modo.

Lo que reveló la radiografía

El estudio radiográfico confirmó un estado de conservación razonablemente bueno, aunque dejó ver unos desgarros en la zona central que probablemente motivaron un reentelado en algún momento de la historia del cuadro. El lienzo original, una sola pieza, fue recortado en todos sus bordes, seguramente para sanearlos.

Más interesante aún es lo que la radiografía dice sobre el modo de trabajar de Rubens. Las figuras de Venus y Cupido presentan ricas capas de óleo con empastes densos, mientras que el fondo aparece casi inacabado, una diferencia técnica que, lejos de ser un descuido, responde a una decisión consciente. Se distingue además una imprimación de blanco de plomo aplicada exclusivamente sobre las zonas de las figuras, con el propósito probable de acentuar la luminosidad y el volumen de las carnaciones frente al fondo oscuro.

La reflectografía infrarroja muestra un dibujo subyacente seguro y definido, lógico si se tiene en cuenta que Venus y Cupido es en realidad una copia de una obra de Tiziano: Rubens partía de un referente claro y no necesitaba tantear. Pero eso no significa que no dudara. Los restauradores han identificado pequeñas modificaciones entre el dibujo inicial y la versión definitiva. La más llamativa afecta a la mirada de Venus en el espejo: en origen, el artista la dirigía hacia el espectador; en la versión final, la desvía hacia su izquierda. También la posición de los pies de Cupido varía ligeramente entre el boceto subyacente y la pintura terminada.

Materiales y técnica

El análisis de laboratorio ha permitido identificar con precisión la estructura de capas del cuadro. Sobre el lienzo, una primera capa de carbonato cálcico; encima, una imprimación gris a base de albayalde, carbonato cálcico y carbón vegetal; después, el óleo. Como barniz, una combinación de colofonia y cera de abejas, propia de un acabado mate.

El marco, francés de estilo Regencia y posterior a la obra, también ha pasado por el taller. Tallado en madera y dorado al agua, alternaba zonas brillantes y mate. Su restauración incluyó limpieza con disolventes, consolidación de grietas con adhesivo vinílico y animal, relleno de pérdidas con estuco artesanal y reintegración cromática con acuarelas y témperas, protegidas finalmente con resina acrílica.

Cómo se presenta

El montaje en sala combina recursos digitales interactivos, imágenes comparativas, detalles ampliados y una proyección audiovisual que guía al visitante por las distintas fases de la intervención. No hace falta ningún conocimiento previo para seguirlo: el recorrido está pensado para que cualquier persona entienda qué se hizo, por qué y qué se encontró por el camino.

18/06/2026 0 comments
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AgendaEventosLiteratura

Arranca la 85.ª Feria del Libro de Madrid

by Valeria Cruz 28/05/2026
written by Valeria Cruz

El Retiro vuelve a convertirse este viernes 29 de mayo en el corazón literario de la capital con la inauguración oficial de la 85.ª Feria del Libro de Madrid, una de las citas culturales más esperadas del calendario. Su Majestad la Reina presidirá el acto inaugural a las 11:00 horas, dando el pistoletazo de salida a unas jornadas en las que las casetas, los autores y los lectores volverán a tomar los paseos del parque madrileño.

Una jornada inaugural con sello propio

La apertura no será solo protocolaria. La Feria ha reservado para su primer día algunos de los momentos que marcarán el tono de esta edición, empezando por la entrega del Premio Lealtad 2026, concedido este año al artista y diseñador Pep Carrió. El galardón reconoce su estrecha y prolongada vinculación con la propia Feria y con la Asociación de Librerías de Madrid, así como su aportación decisiva a la identidad visual de la gran cita literaria de la capital. Es, en el fondo, un homenaje a una relación profesional y afectiva sostenida en el tiempo.

El humor como hilo conductor

Dos de las charlas inaugurales comparten un punto de partida poco habitual en este tipo de encuentros: la risa.

En el Pabellón CaixaBank, Nuestra risa de infancia reúne a tres autores de ámbitos muy distintos —Maitena, Rodrigo Cortés y Edu Galán, con Mercedes Cebrián como moderadora— para hablar de sus referentes, de sus primeros recuerdos ligados al humor y de cómo la ironía y la sátira forman parte de su manera de mirar y contar el mundo. La actividad, organizada por la FLMadrid, podrá seguirse también en streaming.

En paralelo, el Pabellón Iberoamericano acoge La vida, ese material sospechoso, con Paulina Flores, Álvaro Carmona y Virginia Higa, bajo la moderación de Antonio Martínez Asensio. Tres voces de distintas generaciones y procedencias conversarán sobre las obsesiones que recorren sus obras —la identidad, la infancia, el pasado, el lenguaje, la migración— y sobre cómo el humor y el juego permiten mirar la realidad desde ángulos inesperados. Una charla sobre las ideas que persisten, las preguntas que no se cierran y la curiosidad entendida como forma de escritura. El encuentro cuenta con la colaboración de la Fundación Chile-España, CAF y la Embajada Argentina en España.

Memoria y homenaje

La jornada también mira hacia atrás para reivindicar una figura. Pedro Sorela: reivindicación de un europeo universal rinde tributo al escritor y periodista, autor de una obra atravesada por la reflexión, el viaje y la convivencia. En la mesa, Alfonso Armada, Álex Grijelmo y Montse Morata pondrán en valor tanto su legado literario como su papel de maestro de periodistas y referente ético para varias generaciones de profesionales. La actividad está organizada por la Embajada de Uruguay en España.

Firmas: el primer encuentro con los autores

Como cada año, el verdadero motor de la Feria son las firmas, ese momento en que el lector se acerca a la caseta y se lleva a casa un libro dedicado. La nómina del primer día es contundente y muy variada, con nombres como Ian Gibson, Siri Hustvedt, Julia Navarro, Andrés Trapiello, Elvira Navarro, Lucía Etxebarria, Elia Barceló, Marcos Giralt Torrente, Laura Ferrero, David Uclés, Sara Barquinero, Luis Zueco, Marcos Chicot o Alejandro Palomas, entre muchos otros. La ilustración también tiene su espacio con Fernando Vicente, Paco Sordo o Santiago García-Clairac, y la literatura infantil y juvenil suma a Javier Ruescas, Chiki Fabregat o Anna Morató. A ellos se añaden voces del periodismo y el ensayo como Mavi Doñate, Sergio C. Fanjul, Fernando Mairata o Juan Bellido.

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AgendaArte

Ewa Juszkiewicz: el retrato europeo bajo sabotaje

by Uve Magazine 27/05/2026
written by Uve Magazine

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza. Del 26 de mayo al 6 de septiembre de 2026. Comisario: Guillermo Solana.

Hay un gesto que se repite en casi todos los cuadros de Ewa Juszkiewicz (Gdańsk, Polonia, 1984) y que basta para desorientar al espectador: el rostro ha desaparecido. Donde la tradición del retrato europeo prometía una identidad legible —unos ojos, una boca, una mirada que devolviera la nuestra—, la artista polaca interpone una cascada de cabello, un nudo de telas, un ramo de flores o un racimmo de fruta. El resultado, como ha señalado el propio museo, es a la vez extrañamente divertido, inquietante y sorprendentemente tierno. Juszkiewicz conserva todas las señas del estatus y el refinamiento dieciochesco, pero bloquea precisamente aquello que el retrato debía mostrar.

Ewa Juszkiewicz The Letter (after Adélaïde Labille-Guiard), 2023 Óleo sobre lienzo. 145 x 115 cm. Colección privada. © Ewa Juszkiewicz

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza dedica a esta artista, dentro del programa vinculado a la Colección Blanca y Borja Thyssen-Bornemisza, su primera exposición monográfica en una institución museística. Comisariada por Guillermo Solana en estrecha colaboración con la propia Juszkiewicz, la muestra reúne más de una veintena de pinturas realizadas entre 2013 y la actualidad —la mayoría de los últimos años— e incluye un conjunto de obras concebidas específicamente para esta cita madrileña. Que su debut individual ocurra en un museo célebre por su colección de retrato no es casual: la propuesta convive con esa tradición a la vez que la pincha desde dentro.

Ewa Juszkiewicz The Harpist (after Thomas Sully), 2023 Óleo sobre lienzo, 260 x 173 cm. Colección privada. © Ewa Juszkiewicz

Una conversación con el pasado

Desde hace más de una década, Juszkiewicz reinterpreta el retrato femenino europeo, en especial el de los siglos XVIII y XIX, mediante la distorsión y la sustitución. Su punto de partida son obras concretas o ecos difusos de la pintura histórica; nombres como Élisabeth Vigée Le Brun o Johann Heinrich Tischbein aparecen citados directa o indirectamente. Sobre esa base aplica una técnica minuciosa, casi reverencial con sus modelos, y a continuación introduce el sabotaje: una paleta más viva y saturada, una sensibilidad heredada del surrealismo y un tratamiento inconfundiblemente contemporáneo.

La pregunta de fondo es por qué el rostro femenino, durante siglos, estuvo tan sometido a normas. En aquellos retratos, no solo la pose, la vestimenta o el entorno reflejaban expectativas sociales: el propio semblante respondía a ideales de belleza marcados por el decoro y la contención. Es esa relación entre belleza y restricción la que se sitúa en el núcleo del trabajo de Juszkiewicz. Al ocultar la cara, desplaza la atención hacia las telas, las flores y las frutas, elementos asociados al bodegón y a la tradición decorativa. Subraya así cómo la mujer fue concebida como sujeto estético dentro del género, al tiempo que otorga nuevo significado a esos objetos. En palabras del comisario durante la presentación, la artista habría clavado en el corazón del retrato la estaca del bodegón.

Ewa Juszkiewicz Gloriosa, 2025 Óleo sobre lienzo, 200 x 160 cm. Colección privada. © Ewa Juszkiewicz

Entre lo humano y lo no humano

El efecto de estas intervenciones va más allá de la denuncia. Privadas de rostro, las figuras escapan a cualquier lectura fija y abren cada imagen a múltiples interpretaciones. Situadas en un territorio incierto entre lo humano y lo no humano, las pinturas cuestionan qué puede representar hoy el retrato y qué entendemos por identidad, semejanza o presencia. La artista no destruye el género: lo ensancha hasta redefinir sus límites.

Esa ambición explica la repercusión internacional de una creadora todavía joven. Su obra se ha mostrado en el Brooklyn Museum de Nueva York, el Centre Pompidou-Metz, el Musée d’Art Moderne de París, el Museo Picasso Málaga o el National Museum of China de Pekín, y forma parte de colecciones como las de la Albertina de Viena, el Long Museum de Shanghái o el Museum of Contemporary Art San Diego.

Para el público español, la cita del Thyssen ofrece la oportunidad de descubrir por primera vez, y de un modo amplio, un universo visual que revisita lo antiguo para interrogar lo que damos por sentado: cómo miramos a las mujeres y cómo las hemos representado.

27/05/2026 0 comments
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AgendaLiteratura

Feria del Libro de Madrid 2026: el humor toma El Retiro

by Uve Magazine 20/05/2026
written by Uve Magazine

Madrid se prepara para una de sus grandes citas culturales del año. La 85.ª Feria del Libro de Madrid (FLMadrid26) se celebrará del 29 de mayo al 14 de junio en el Paseo de Coches del Parque de El Retiro, y este año llega con un eje temático muy claro: el humor, la sátira y la ironía como formas de lectura crítica del presente. Bajo los hashtags #LeernosDeRisa y #Jajaja, la organización ha apostado por reunir a escritores, humoristas, ilustradores y pensadores que hacen del chiste, el absurdo o la carcajada una forma seria de ver el mundo.

“Este año en el que el humor —buena falta nos hace— ilumina la Feria, hemos invitado a gentes que son del libro porque todos y todas han publicado”, explicó Eva Orúe, directora de la FLMadrid, durante la presentación celebrada en el Ayuntamiento de Madrid. Y añadió, citando a Wenceslao Fernández Flórez, que “el humor es, sencillamente, una posición ante la vida”.

Grandes nombres a un lado y otro del Atlántico

El cartel de autores invitados es ambicioso. Desde el Reino Unido llegará Jonathan Coe, uno de los principales representantes de la sátira británica contemporánea, que conversará el 7 de junio con Carlo Padial. Desde Alemania, David Safier, autor de algunas de las novelas humorísticas más leídas de las últimas décadas. Y desde Argentina, Maitena, referente internacional del humor gráfico, que además recibirá un homenaje el 30 de mayo en el Pabellón Iberoamericano.

A ellos se suman nombres como Liniers, Kevin Johansen y Alberto Montt, que se reunirán por primera vez juntos en España para hablar de amistad, música e ilustración. También participarán Marta Sanz, Ignatius Farray, Camila Sosa Villada, Ariana Harwicz, Rodrigo Cortés, Eva Hache, Pantomima Full, Joaquín Reyes, Bob Pop, Leila Guerriero, Rodrigo Fresán, Nina Lykke, Beatriz Serrano, Edu Galán, Julián Génisson o Álvaro Carmona, entre muchos otros.

Charlas, homenajes y pódcast en directo

La programación cultural se desplegará en más de una decena de escenarios. El Pabellón CaixaBank acogerá los grandes encuentros, como “¿De qué nos reímos?”, con Eva Hache, Bernat Castany y Julián Génisson; “Instrucciones para contar un chiste”, con Iggy Rubín y Elena Beltrán; o “El humor en la herida”, diálogo entre Camila Sosa Villada y Giuseppe Caputo.

La Feria rendirá homenaje a figuras imprescindibles del humor literario y escénico: Les Luthiers, Kurt Vonnegut, Jorge Ibargüengoitia, Nicanor Parra y Rafael Azcona, así como a La conjura de los necios de John Kennedy Toole, ya un clásico contemporáneo de la sátira.

Otra novedad destacada es el peso de los pódcast en directo. Programas como Ni tan bien (con Carolina Iglesias), Pena y Pánico, ¿Te quedas a leer?, Las Fabuladoras o La trastienda de Pérgamo se grabarán ante el público, ampliando los formatos tradicionales de la conversación literaria.

Premio Lealtad para Pep Carrió

La FLMadrid26 reconocerá este año con el Premio Lealtad al diseñador, ilustrador y artista visual Pep Carrió (Palma de Mallorca, 1963), responsable de buena parte de la identidad gráfica contemporánea de la Feria desde que firmara el cartel de la edición de 2007. La ceremonia tendrá lugar el 29 de mayo en el Pabellón CaixaBank. El cartel de este año, en cambio, lleva la firma del ilustrador barcelonés Miguel Pang, que propone una escena coral marcada por el color y los códigos del slapstick.

Una feria con vocación iberoamericana

La dimensión latinoamericana vuelve a ser uno de los pilares de la programación, con el Pabellón Iberoamericano como epicentro y colaboraciones con festivales como Centroamérica Cuenta, Festival JA!, KM América, Suigeneris o el Festival de Málaga. “Hablamos el mismo idioma, pero ¿nos reímos igual?”, se pregunta Orúe.

Cifras de una gran cita

La Feria reunirá 366 casetas distribuidas a lo largo del Paseo de Coches: 118 de librerías, 220 de editoriales, 12 de distribuidoras y 16 de organismos oficiales. Habrá además espacios específicos como Indómitas, Editoriales Singulares, Archipiélago o la Plaza de la Ciencia y las Universidades.

El horario será de 10:30 a 14:00 y de 17:00 a 21:00 de lunes a viernes, y de 10:30 a 15:00 y de 17:00 a 21:00 los fines de semana. La organización recuerda que el 7 de junio, con motivo de la visita del papa León XIV a Madrid, algunos accesos podrían verse modificados.

Apoyo institucional y sostenibilidad

CaixaBank, Iberia, VIPS y Repsol repiten como patrocinadores oficiales. Esta última instalará más de 200 placas solares en casetas y pabellones, y suministrará combustibles renovables que permitirán reducir más de 11 toneladas de CO₂. Una manera, también, de que la risa no deje huella —al menos no de carbono— en El Retiro.

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AgendaEventosLiteratura

La Feria del Libro de León vuelve al centro de la ciudad

by Uve Magazine 14/05/2026
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La Feria del Libro de León celebra su 48.ª edición bajo el lema «HuEllas», del 14 al 24 de mayo, entre la plaza de San Marcelo y la calle Legio VII. Serán 40 casetas con horario de 12:00 a 14:00 y de 18:00 a 21:00, organizadas por la Asociación de Libreros de León y patrocinadas por el Ayuntamiento. Las actividades se reparten entre la carpa del recinto, el Salón de los Reyes y el Salón de Actos de Alfonso V.

El lema, que entiende la lectura como el rastro que deja en el lector, rinde homenaje este año a las mujeres en la literatura. La edición estrena dirección compartida —Magalí Labarta y Eva Campesino, primera vez con dos directoras al frente— y un cartel de la ilustradora leonesa Laura G. Bécares, protagonizado por una niña que sigue un sendero de huellas en un bosque de siluetas de escritoras, guiada por el «Hada del tejuelo».

El acto inaugural será el 14 de mayo a las 19:00, con pregón a cargo de la escritora y periodista Noemí Sabugal y la filóloga Janick Le Men en el Salón de Plenos del Ayuntamiento. Entre los autores anunciados para firmas y presentaciones figuran Pablo Rivero, Susana Martín Gijón, Ana Iris Simón, Bob Pop y Marta J. Serrano, junto a nombres leoneses como Tomás Sánchez Santiago, Julio Llamazares, Toño Benavides, Vicente Muñoz o Antonio Manilla. El público juvenil tendrá su tarde con Iria y Selene, Alina Not y Jara Santamaría, y los más pequeños una agenda específica coordinada por Bibliotecas Municipales.

Once días para acercarse a las novedades y conversar con quienes hacen posible que un libro llegue a manos de un lector. Entre las editoriales presentes estará también Uve Books —pasaos a saludar—, junto a librerías, sellos independientes y proyectos culturales que durante estos días convierten San Marcelo en una excusa para detenerse, hojear y salir con un título que no estaba previsto.

14/05/2026 0 comments
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