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Arte

El infierno de Dante: Doré y Rauschenberg en Madrid

by Uve Magazine 10/10/2026
written by Uve Magazine

La Fundación Canal reúne en Madrid las interpretaciones que Gustave Doré y Robert Rauschenberg realizaron del Infierno de Dante Alighieri. A través de 111 obras gráficas, la exposición permite descubrir cómo un mismo texto literario dio lugar a dos concepciones del arte separadas por casi un siglo.
Cuando Dante Alighieri escribió la Divina comedia a principios del siglo XIV, difícilmente podía imaginar hasta qué punto su descripción del infierno determinaría la representación artística del castigo y la condenación. Su viaje por los nueve círculos del inframundo, acompañado por el poeta Virgilio, ofrecía una geografía precisa del pecado, poblada por personajes históricos, criaturas mitológicas y almas sometidas a tormentos que guardaban relación con sus faltas. Más de siete siglos después, ese universo continúa proporcionando materia de trabajo a los artistas.

La Fundación Canal de Madrid presenta, del 7 de octubre de 2026 al 5 de enero de 2027, El infierno de Dante. Doré y Rauschenberg, una exposición comisariada por Lola Durán Úcar que reúne las dos series completas que Gustave Doré (1832-1883) y Robert Rauschenberg (1925-2008) dedicaron a la primera parte del poema. Aunque ambos partieron del mismo texto, sus imágenes responden a preocupaciones artísticas y sociales considerablemente distintas.
En 1861, Gustave Doré publicó sus célebres ilustraciones del Infierno, una serie de 75 xilografías que terminaría convirtiéndose en una de las representaciones más conocidas de la obra de Dante. Su interpretación, vinculada al Romanticismo, construye un paisaje de montañas, precipicios, bosques y arquitecturas imposibles, donde las figuras humanas parecen insignificantes frente a la inmensidad del escenario.
Doré prestó especial atención a los contrastes entre luces y sombras, a la anatomía de los condenados y a la expresividad de sus gestos. Sus ilustraciones fueron concebidas como una narración visual que acompaña el avance de Dante y Virgilio, deteniéndose en los episodios de mayor intensidad. Para ejecutarlas contó con grabadores especializados, entre ellos Héliodore Pisan, responsable de las estampas de la edición de Hachette de 1862 que puede contemplarse en la exposición.
Uno de los ejemplos más conocidos es el encuentro con Paolo y Francesca, los amantes condenados a girar eternamente arrastrados por una tormenta. Doré los representa abrazados, suspendidos en el aire, mientras otros cuerpos se retuercen a su alrededor. La composición transforma el episodio literario en una imagen de enorme dramatismo, en la que el sufrimiento convive con la belleza de las figuras.
Casi cien años después, Robert Rauschenberg emprendió una interpretación completamente diferente. Entre 1958 y 1960 realizó sus XXXIV dibujos para el Infierno de Dante, una serie en la que incorporó fotografías procedentes de revistas, imágenes publicitarias, dibujos, pintura y transferencias sobre papel.
En lugar de reconstruir visualmente el mundo medieval, Rauschenberg trasladó los personajes y conflictos del poema a la sociedad estadounidense de mediados del siglo XX. Dante puede aparecer representado mediante la fotografía de un hombre corriente extraída de un anuncio de ropa interior, mientras que Virgilio adopta ocasionalmente la apariencia de un atleta o un hombre de negocios. Entre los condenados surgen políticos, militares y figuras reconocibles de la cultura de masas.

Su interpretación introduce cuestiones relacionadas con el poder político, la violencia institucional y la sociedad de consumo. En el círculo de los fraudulentos, por ejemplo, los demonios que amenazan a Dante y Virgilio son sustituidos por fuerzas policiales antidisturbios. En otros pasajes aparecen referencias a la Guerra Fría y a las tensiones militares de la época.
La exposición presenta las 35 litografías offset de la edición Macorini de 1965, que reproducen los 34 dibujos originales del artista, conservados actualmente en el MoMA, además de la portada de la serie. El ejemplar expuesto pertenece a una tirada de 250.
El contraste entre ambos autores resulta especialmente evidente en el último círculo del infierno, donde Dante sitúa a los traidores y al propio Lucifer, atrapados en un inmenso lago helado. Doré representa al demonio como una criatura gigantesca, inmóvil y abatida, cuyas alas ocupan buena parte del espacio. Rauschenberg, en cambio, introduce referencias a la amenaza nuclear y a la destrucción asociada al conflicto político del siglo XX.
Organizada siguiendo el descenso por los nueve círculos, la muestra permite comparar las soluciones que cada artista encontró para representar los mismos acontecimientos. El diseño expositivo, realizado por Enrique Bonet, incorpora fragmentos del poema que ayudan a situar las escenas dentro de la narración.
Más allá de las diferencias técnicas, El infierno de Dante. Doré y Rauschenberg plantea una cuestión que atraviesa buena parte de la historia del arte: cómo una obra literaria puede adquirir significados diferentes según la época en la que se interpreta. Doré encontró en Dante un universo apropiado para desarrollar los ideales estéticos del Romanticismo; Rauschenberg utilizó ese mismo relato para examinar algunas de las contradicciones de la sociedad contemporánea.
La distancia entre ambas propuestas demuestra también que los grandes clásicos literarios no permanecen encerrados en el periodo histórico en el que fueron escritos. Cada nueva interpretación incorpora las inquietudes de su tiempo. Y, en el caso de Dante, el infierno continúa ofreciendo suficientes imágenes y conflictos humanos como para que artistas de siglos distintos encuentren en él algo que contar.

Información de la exposición

El infierno de Dante. Doré y Rauschenberg

Fundación Canal, Sala Mateo Inurria 2, Madrid
Del 7 de octubre de 2026 al 5 de enero de 2027
De 11:00 a 20:00 h; miércoles de 11:00 a 15:00 h
Entrada gratuita
Comisaria: Lola Durán Úcar
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Literatura

Chris Kraus, una escritora entre la autobiografía, la crítica y el true crime

by Uve Magazine 05/10/2026
written by Uve Magazine

Chris Kraus es escritora, crítica cultural y una de las autoras estadounidenses que con mayor libertad ha trabajado en los límites entre ficción, autobiografía y ensayo. Antes de publicar novelas estudió interpretación y pasó casi dos décadas realizando performances y películas experimentales en Nueva York; más tarde se trasladó a Los Ángeles, donde comenzó a escribir. Desde 1990 es coeditora de Semiotext(e), editorial independiente muy vinculada al pensamiento contemporáneo y a la experimentación literaria. Ha sido becaria Guggenheim, ocupó en 2019 la Cátedra Mary Routt de Escritura en Scripps College y fue escritora residente en ArtCenter College entre 2020 y 2024. Su obra ha sido traducida a diecisiete idiomas.

Su trayectoria literaria comenzó relativamente tarde. Kraus había desarrollado ya una carrera dentro del cine experimental y la crítica cultural cuando publicó, en 1997, Amo a Dick, el libro que acabaría convirtiéndola en una autora de culto. La novela parte de una situación autobiográfica: una cineasta casada, cercana a los cuarenta años, se enamora de un conocido intelectual y comienza a escribirle cartas, algunas de ellas junto con su marido. Sin embargo, aquello que parecía una historia de obsesión sentimental terminaba interrogando el deseo femenino, las relaciones de poder, el fracaso artístico y la posibilidad de convertir la propia intimidad en literatura. Semiotext(e) define precisamente el libro como una ruptura de la separación tradicional entre realidad y ficción, privacidad y expresión personal. 

El reconocimiento no fue inmediato. Amo a Dick necesitó años para encontrar a sus lectores y convertirse en una referencia para una nueva generación feminista; su adaptación televisiva en 2016 volvió a situarlo en primer plano. Aquel éxito tardío resulta importante porque buena parte de la literatura posterior de Kraus continúa interrogando un problema que ya estaba allí: qué ocurre cuando una autora utiliza su propia vida sin convertir necesariamente el resultado en unas memorias. Dosier de prensa Los cuatro pas…

En Aliens & Anorexia y Sopor siguió borrando esas fronteras. Narración, ensayo, arte y experiencia personal comenzaron a mezclarse hasta formar una escritura en la que el argumento convencional importaba menos que las relaciones que podían establecerse entre materiales aparentemente alejados. Kraus no abandona nunca lo autobiográfico, pero progresivamente deja de utilizarlo únicamente como centro de la narración para convertirlo en una vía de acceso a asuntos sociales, culturales y políticos más amplios.

Ese cambio resulta especialmente visible en Verano del odio. La novela presenta a Catt, alter ego de Kraus, que viaja a Albuquerque y entra en contacto con Paul, un hombre que ha pasado por prisión. A partir de esa relación aparecen el sistema penal estadounidense, la desigualdad, la propiedad inmobiliaria y las diferencias de clase. La propia presentación de Semiotext(e) subraya ese intento de Catt por aproximarse a una realidad estadounidense que siente más concreta que el mundo de la crítica académica y artística en el que se mueve. Catt reaparecerá años después en Los cuatro pasaron el día juntos. Dosier de prensa Los cuatro pas…

Entre ambas novelas se encuentra también un libro fundamental para comprender la evolución de Kraus: After Kathy Acker, publicada en 2017. En esta biografía literaria de la escritora experimental Kathy Acker recurrió a una amplia investigación de archivo y a conversaciones con amigos y colaboradores de la autora. La experiencia personal dejaba así espacio a otra forma de escritura: observar una vida ajena mediante documentos, testimonios y restos del pasado para reconstruir, al mismo tiempo, el ambiente cultural de una época.

Ese interés por la investigación alcanza otra dimensión en Los cuatro pasaron el día juntos. Kraus comenzó el proyecto pensando en escribir un libro de true crime, a partir de un asesinato cometido en 2019 por tres jóvenes en Iron Range, una antigua región minera de Minnesota. Sin embargo, durante la investigación descubrió que el paisaje de aquellas pequeñas poblaciones obreras le recordaba al Connecticut de su infancia, antes de que su familia emigrara a Nueva Zelanda. “Tal vez todo era el mismo libro”, explicaría después. Dosier de prensa Los cuatro pas…

La novela comenzó entonces a ampliarse. Al crimen se sumaron la historia de sus padres, su infancia, la desindustrialización estadounidense, la pobreza rural, la metanfetamina, la política, las redes sociales y el deterioro de su matrimonio con un hombre afectado por la adicción. En una entrevista con The New Yorker, Kraus explicó además las dificultades de escribir hoy un true crime siguiendo modelos clásicos como A sangre fría: las personas son mucho más conscientes de las consecuencias públicas de sus palabras y resulta cada vez más complicado obtener la clase de testimonios en los que se apoyaban aquellas investigaciones. 

Por eso Los cuatro pasaron el día juntos supone un cambio y, al mismo tiempo, una continuación. En Amo a Dick, Kraus comenzó por su propia intimidad para terminar hablando del mundo que la rodeaba; casi treinta años después inicia el recorrido desde fuera, desde un asesinato y las vidas de unos desconocidos, y termina regresando a su familia y a sí misma. Ella prefiere hablar de «novela de no ficción» antes que de autoficción, porque su escritura trabaja con diarios, entrevistas, documentos y hechos reales que después reorganiza.

Por eso, su incursión en el true crime no supone una ruptura, sino una evolución lógica de su obra. Kraus lleva décadas utilizando vidas concretas —la suya o la de otros— para observar cuestiones más amplias: la clase social, la violencia, la adicción, la desigualdad y las tensiones de la sociedad estadounidense.

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Eventos

Uve Magazine presentó su quinto número en Flores La Plaza

by Uve Magazine 29/09/2026
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El sábado 26 de septiembre presentamos en Flores La Plaza, en Cangas del Narcea, el quinto número de Uve Magazine: Deshielo, floración y vendimia. La revista sigue el paso de las estaciones para hablar de los cambios en la naturaleza y en nuestras vidas, y reúne literatura, música, entrevistas e historias vinculadas al territorio.

Imagen de José Antonio Pernia López

Flores La Plaza ocupa un lugar especial en este número. Durante la presentación conversamos con Kiti y Alberto sobre los cuarenta años del negocio, sus comienzos y los cambios que han vivido en Cangas. Fue una ocasión para continuar, junto a ellos y al público, ahondando en la historia y el futuro del negocio que habíamos iniciado al preparar el reportaje.

La próxima presentación será el 16 de octubre en La Tercera Palabra. Nos acompañarán Marta Pastur, Jorge Ordaz, Beatriz Menéndez y Sandra Márquez para hablar de sus colaboraciones y de las historias que componen este quinto número. ¡Os esperamos!

Imagen de José Antonio Pernia López
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AgendaEventos

Uve Magazine nº 5: deshielo, floración y vendimia

by Uve Magazine 22/09/2026
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Hay revistas que se construyen alrededor de un tema y otras que, cuando empiezan a tomar forma, encuentran una relación entre textos que en principio parecían ir por caminos distintos. El número 5 de Uve Magazine pertenece a las segundas. Su título, Deshielo, floración y vendimia, terminó apareciendo casi como una consecuencia natural de sus páginas: aquello que cambia, aquello que crece y aquello que, después de un tiempo, está preparado para recogerse.

El número incluye además una playlist propia de Uve Magazine para acompañar esta entrega.

Verónica García-Peña escribe sobre la figura del «ángel del hogar» y sobre todo lo que ese ideal femenino dejó en la literatura y en la vida de muchas mujeres.

Beatriz Menéndez Alonso entrevista a Jorge Ordaz, geólogo y escritor, con quien habla de sus libros, de ciencia, de mitología, de literatura, de Asturias y de los autores que han formado parte de su vida como lector, y visita Flores La Plaza, un establecimiento que cumple cuarenta años en Cangas del Narcea y cuya historia permite hablar de oficio, continuidad y de los cambios que se han producido a su alrededor durante estas cuatro décadas. Imágenes de José Antonio Pernia López.

La música ocupa un lugar importante en este número. Sandra Márquez entrevista a Juan Manuel Moretti, cantante, guitarrista y compositor de Estelares, una de las bandas con una trayectoria más larga de la escena argentina. Coincide con su gira europea y con la publicación de Los Lobos, y recorre más de treinta años de canciones, discos y conciertos.

Moretti habla de cómo han cambiado Estelares y también de todo lo que permanece después de tantos años trabajando juntos: la escritura de las canciones, la relación con el público, los directos, las giras y una forma de entender la música que ha ido creciendo sin perder del todo el vínculo con sus primeros discos.  Imágenes de Martín Bonetto.

Y Marta Pastur Rubio firma Juegos Olímpicos, un relato en el que infancia y códigos familiares construyen una historia que parece sencilla hasta que empieza a mostrar todo lo que guarda detrás.

Todos estos contenidos encuentran un hilo común en Deshielo, floración y vendimia: lo que cambia, lo que crece y lo que, después de un tiempo, puede por fin recogerse.

El próximo 26 de septiembre, a las 12:00 h, presentaremos este nuevo número de Uve Magazine en Flores La Plaza, en Cangas del Narcea.

Nos encantará compartir la mañana con quienes queráis acompañarnos.

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Literatura

La casa sabe lo que ocurrió

by Uve Magazine 15/09/2026
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Hay lugares que parecen recordar mejor que las personas. Una habitación cerrada durante años, una escalera que cruje cuando nadie la pisa, una puerta que todos evitan sin saber del todo por qué. La literatura gótica entendió muy pronto que una casa podía ser mucho más que el escenario de una historia. Podía guardar aquello que sus habitantes habían intentado ocultar y devolverlo, tarde o temprano, convertido en una de las peores pesadillas de cualquiera de nosotros.

Por eso seguimos regresando a las casas encantadas.

En El castillo de Otranto, publicado por Horace Walpole en 1764 y considerado uno de los textos fundacionales de la novela gótica, el edificio ya aparece unido a la herencia familiar, la culpa y un pasado que condiciona a quienes lo habitan. El castillo no está ahí únicamente para ofrecer pasadizos, puertas cerradas o apariciones. Sus muros recuerdan una historia anterior a los propios personajes.

Con el tiempo, el terror abandona en parte los castillos medievales y entra directo en mansiones y residencias familiares. Ese cambio importa porque acerca el miedo a la vida cotidiana y a la gente corriente. Ya no se trata solo de internarse en un lugar extraño. Lo inquietante empieza a suceder precisamente donde uno debería sentirse completamente a salvo.

Edgar Allan Poe llevó esta unión entre edificio y habitantes hasta uno de sus ejemplos más conocidos en La caída de la Casa Usher. El propio título juega con una doble lectura: la casa es el edificio, pero también un símbolo del linaje. Los muros deteriorados, la enfermedad de Roderick Usher y la decadencia familiar avanzan juntos hasta volverse completamente  inseparables. La vivienda comparte su misma ruina.

Algo parecido sucede, aunque de una forma más ambigua, en Otra vuelta de tuerca, de Henry James. Bly parece al principio un sueño de vivienda, una gran residencia campestre en la que una institutriz debe cuidar de dos niños. Sin embargo, ventanas, corredores, jardines y habitaciones van cambiando de sentido a medida que cambia también la percepción de la narradora. Buena parte de la inquietud nace de ahí, de no saber con certeza si el peligro está dentro de la casa o dentro de quien la observa.

Las casas encantadas inquietan porque convierten en extraño aquello que conocemos bien. Una escalera no da miedo por sí sola. Tampoco una ventana, un dormitorio o un pasillo. Empiezan a hacerlo cuando dejan de comportarse como esperamos. La puerta que debería abrirse permanece cerrada, la habitación que tendría que estar vacía parece ocupada, el ruido cotidiano aparece sin una causa clara. El miedo entra entonces por una pequeña grieta en la normalidad.

La literatura victoriana encontró en ese terreno una fuente casi inagotable de ideas y los lectores las seguimos disfrutando hasta hoy día. Durante el siglo XIX, la casa era uno de los grandes símbolos de estabilidad social. En ella residía la familia,  era símbolo de respetabilidad, jerarquía y buena parte de la vida privada transcurría en el interior de sus muros. Convertir ese mismo espacio en origen del peligro permitía mostrar que bajo una apariencia de orden podían esconderse secretos, conflictos y también algunos tipos de violencia que nadie quería nombrar.

La historia de Clifford House, relato anónimo publicado en la Inglaterra victoriana, pertenece de lleno a esa tradición. Un joven matrimonio llega a una residencia londinense que parece ofrecer todo lo necesario para comenzar una vida cómoda: es amplia, elegante y, de forma algo sospechosa, asequible. Después llegan los ruidos inexplicables, los pasos en habitaciones vacías y ciertas presencias que parecen insinuarse en reflejos y rincones. Poco a poco, aquello que debía convertirse en un hogar empieza a revelar una historia anterior.

Lo interesante es que el miedo no depende de una sucesión constante de apariciones. Lo primero que se rompe es la confianza en la casa. Los habitantes siguen reconociendo las habitaciones y los objetos, pero ya no pueden estar seguros de lo que sucede en ellos. El hogar deja de ser un espacio conocido y empieza a obedecer unas reglas que sus nuevos propietarios no comprenden.

Esa misma idea reaparece muchas veces después.

En Rebecca, de Daphne du Maurier, Manderley no necesita estar literalmente encantada para parecerlo. Rebecca ha muerto antes de que comience la novela, pero continúa presente en las habitaciones, en las rutinas, en los objetos y, sobre todo, en la forma en que los demás hablan de ella. La segunda señora de Winter llega a una casa ocupada por una ausencia.

Shirley Jackson llevó esa sensación todavía más lejos en The Haunting of Hill House. Desde las primeras páginas, Hill House parece construida de una forma apenas equivocada, pero suficiente para desorientar. Hay puertas que no permanecen abiertas, habitaciones cuya disposición resulta difícil de entender y corredores que impiden hacerse una idea clara del edificio. La casa termina por alterar la percepción de quienes la habitan, y el lector ya no sabe si Eleanor está siendo perseguida por ese lugar o si es ella quien proyecta sobre él sus propios temores.

Ahí está una de las razones por las que seguimos volviendo a estas historias.

Una casa puede acumular tiempo.

Las personas llegan y se marchan, pero los edificios permanecen. Conservan reformas, objetos, fotografías, habitaciones clausuradas y detalles de la casa cuyo origen acaba olvidándose. Esa permanencia permite imaginar que algo del pasado también se ha quedado allí, aunque ya nadie recuerde de dónde viene.

Por eso, en tantas historias de fantasmas, el verdadero conflicto no consiste en enfrentarse a algo desconocido, sino en descubrir algo terrible que ya ocurrió. Un asesinato, una traición, una muerte silenciada, una relación prohibida o una injusticia familiar suelen preceder a cualquier aparición. El fantasma llega porque alguien intentó  ocultar lo ocurrido

También por eso abundan las zonas prohibidas. El ático, el sótano, la habitación cerrada, el ala abandonada o el cuarto al que nadie entra concentran aquello que la familia prefiere ocultar.

No es casual que tantas historias góticas giren en torno a conflictos familiares. Herencias, matrimonios, filiaciones, muertes y propiedades aparecen una y otra vez porque la casa representa algo más que un edificio. Decide quién pertenece, quién hereda, quién puede entrar y quién se queda fuera.

A veces basta un objeto para que todo empiece a cambiar: un retrato, una puerta tapiada, una carta olvidada, una mancha, un mueble que nadie quiere mover. Cosas que parecían insignificantes empiezan a contar una historia que todavía no conocemos.

El lector entra entonces en la casa igual que entra el personaje: intentando entender qué ocurrió allí.

Quizá por eso este tipo de relato sigue enganchando después de más de dos siglos. Puede cambiar la arquitectura, desaparecer el castillo y aparecer un piso, un hotel o una vivienda suburbana, pero permanece la misma inquietud: descubrir que ese lugar guarda algo terrible que desconocemos.

Y pocas cosas inquietan tanto como pensar en todo lo que una casa ha visto antes de nosotros.

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AgendaMúsicaNoticias

Amon Amarth presenta «Eight Legs of Thunder»

by Uve Magazine 31/08/2026
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Amon Amarth ha publicado «Eight Legs of Thunder», nuevo adelanto de The Allfather Awakens, el próximo álbum de la banda sueca, que verá la luz el 2 de octubre a través de Metal Blade Records. El lanzamiento llegará acompañado de una gira europea que pasará por Barcelona y Madrid en noviembre.

La nueva canción parte de Sleipnir, el caballo de ocho patas asociado a Odín en la mitología nórdica, uno de los motivos que han acompañado a Amon Amarth a lo largo de buena parte de su trayectoria. Musicalmente, «Eight Legs of Thunder» recupera algunos de los elementos más reconocibles del grupo, con un riff construido sobre un ritmo de galope y un estribillo pensado para el directo.

El videoclip, dirigido por Dariusz Szermanowicz, traslada esta referencia mitológica a un escenario bastante distinto del habitual imaginario vikingo de la banda. La historia se desarrolla como un western contemporáneo, entre carreteras, camionetas y personajes inspirados en el cine del Oeste, mientras Sleipnir aparece integrado en una secuencia de carácter fantástico.

«Eight Legs of Thunder» es el último adelanto de The Allfather Awakens, un disco formado por diez canciones en el que Amon Amarth vuelve a utilizar la mitología y la historia nórdicas como punto de partida. Odín ocupa de nuevo una posición central en las letras y en la iconografía del álbum, aunque la banda aclara que no se trata de un trabajo conceptual, sino de una colección de historias relacionadas con el conflicto, el sacrificio y los relatos del mundo antiguo.

El grupo ha introducido también algunos cambios en su proceso de composición. El álbum fue grabado en dos sesiones, separadas por varios meses, en el estudio del productor Jacob Hansen en Dinamarca. Parte del material comenzó a escribirse durante las giras, en lugar de esperar al regreso de la banda al estudio, y cada canción fue trabajada de manera independiente. En las guitarras, Amon Amarth ha buscado además un sonido algo menos moderno, recuperando amplificadores Marshall.

El nuevo álbum incluye canciones ya presentadas como «Gjallarhorn», «Upphaf» y «We Rule the Waves», además de temas como «Kvasir’s Blood», «Die With a War Cry», «Raven God», «Oden’s Hunt» y «Ascending Like an Eagle».

Tras la publicación de The Allfather Awakens, Amon Amarth recorrerá Reino Unido y Europa durante octubre y noviembre con una nueva producción escénica inspirada en el salón dorado de Odín. La gira llegará a España los días 13 de noviembre, al Sant Jordi Club de Barcelona, y 14 de noviembre, a Vistalegre en Madrid, antes de continuar hacia Lisboa.

Formados en Tumba, Suecia, en 1992, Amon Amarth han construido durante más de tres décadas una de las carreras más reconocibles del death metal melódico europeo. La formación actual está integrada por Johan Hegg, Olavi Mikkonen, Johan Söderberg, Ted Lundström y Jocke Wallgren.

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EventosMúsicaNoticias

Estelares regresa a Europa con cuatro conciertos en septiembre

by Uve Magazine 29/08/2026
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La banda argentina Estelares volverá a Europa este mes de septiembre con una gira que pasará por Barcelona, Madrid, Londres y Berlín. Con casi tres décadas de trayectoria, el grupo liderado por Manuel Moretti mantiene una posición destacada dentro del rock argentino y ha construido un repertorio en el que conviven el rock, el pop y la canción de autor.

La gira comenzará el 3 de septiembre en Barcelona, dentro de Cosquín Rock, continuará el día 4 en la Sala Uni de Madrid y seguirá después por Londres, donde actuarán el 5 de septiembre en Oslo, y Berlín, con un último concierto el día 6 en Badehaus.

Formados en La Plata, Estelares han desarrollado una trayectoria marcada por el peso de las melodías y por unas letras que se han convertido en uno de los rasgos más reconocibles de la banda. Discos como Sistema Nervioso Central, Una temporada en el amor, Las antenas o Un mar de soles rojos han acompañado distintas etapas de su carrera, mientras canciones como “Ella dijo”, “Un día perfecto”, “Aire”, “Es el amor”, “Cristal” o “Las trémulas canciones” forman parte de su repertorio más conocido.

A lo largo de estos años el grupo también ha colaborado con músicos españoles, entre ellos Enrique Bunbury, en “Aleluya”, y Nacho Vegas, en “200 monos”, dos conexiones que refuerzan el vínculo de Estelares con el público de este lado del Atlántico.

La gira europea de 2026 será, por tanto, una nueva oportunidad para reencontrarse con una banda que ha mantenido una presencia constante dentro del rock en español y que llega a estas cuatro ciudades con buena parte de su historia sobre el escenario.

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MúsicaNoticias

Dolly Parton muere a los 80 años en Nashville.

by Uve Magazine 26/08/2026
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Dolly Parton, una de las figuras más importantes de la música popular estadounidense, murió este martes 25 de agosto en Nashville a los 80 años, después de una breve lucha contra el cáncer. La cantante falleció en el Vanderbilt-Ingram Cancer Center acompañada por sus seres queridos, según confirmó su equipo.

Nacida en Tennessee en 1946, Parton convirtió una infancia humilde en el punto de partida de una carrera que se prolongó durante más de seis décadas. Llegó a Nashville siendo muy joven y, después de sus primeros trabajos como compositora y de su etapa junto a Porter Wagoner, comenzó una trayectoria en solitario que terminaría por convertirla en una de las grandes autoras e intérpretes del country.

Canciones como Jolene, Coat of Many Colors, 9 to 5 o I Will Always Love You la convirtieron en una figura conocida mucho más allá del público del country. Parton escribió miles de canciones y supo moverse entre el country y el pop sin abandonar una forma de escribir en la que aparecían de manera constante sus orígenes, las relaciones personales, el trabajo o la vida de las mujeres. I Will Always Love You, publicada originalmente por ella en 1974 y convertida años después en un éxito mundial por Whitney Houston, es probablemente uno de los ejemplos más conocidos de la dimensión que alcanzaron sus composiciones.

También desarrolló una extensa carrera como actriz, con películas como 9 to 5 y Steel Magnolias, y construyó una imagen pública reconocible que utilizó con inteligencia y sentido del humor. Bajo el cabello rubio, los vestidos brillantes y una estética deliberadamente exagerada había, además, una compositora que conocía perfectamente la industria en la que trabajaba y que consiguió mantener durante décadas el control sobre buena parte de su obra.

Su actividad fue mucho más allá de la música. A través de la Dollywood Foundation creó en 1995 la Imagination Library, un programa dedicado a enviar gratuitamente libros a niños desde su nacimiento hasta los cinco años, que con los años llegó a distribuir cientos de millones de ejemplares. También financió programas educativos, ayudas para víctimas de desastres y proyectos sanitarios, además de contribuir con un millón de dólares a la investigación que participó en el desarrollo de la vacuna de Moderna contra la covid-19.

Fue compositora, cantante, actriz, empresaria y una figura de la cultura popular estadounidense que consiguió mantenerse presente durante varias generaciones sin dejar de escribir ni de trabajar. Quedan sus canciones, pero también una forma muy particular de entender la fama: tomársela con humor mientras se tomaba muy en serio su trabajo.

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LiteraturaNoticias

Lorca, noventa años después

by Uve Magazine 19/08/2026
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El 18 de agosto de 1936 Federico García Lorca fue asesinado entre Víznar y Alfacar. Noventa años después, el lugar exacto en el que se encuentran sus restos continúa sin conocerse. Esa ausencia forma ya parte de su historia, pero también ha contribuido a que, en muchas ocasiones, su muerte ocupe tanto espacio como su obra.

Lorca continúa en los escenarios, en las canciones, en las aulas, en los murales y en los libros. Cada generación parece encontrar una manera distinta de acercarse a él y, con frecuencia, de utilizarlo para formular sus propias preguntas. En este 2026, cuando se cumplen noventa años de su asesinato, las conmemoraciones se han sucedido en distintos lugares de España. Granada volvió a recordarlo en Alfacar, muy cerca del lugar en el que fue ejecutado, mientras Madrid organizó un recorrido nocturno por los espacios de la ciudad relacionados con su vida y su obra.

Hay pocos escritores españoles del siglo XX cuya figura haya sobrevivido de una manera semejante. No se trata únicamente de que Bodas de sangre, Yerma o La casa de Bernarda Alba continúen representándose, ni de que el Romancero gitano siga formando parte de las lecturas escolares. Lorca ha desbordado hace tiempo el ámbito de la literatura. Sus versos han pasado al flamenco, al rock y al pop, y han sido retomados por intérpretes de generaciones muy distintas. Camarón convirtió La leyenda del tiempo en uno de los encuentros más importantes entre la poesía lorquiana y la música popular, mientras artistas posteriores han seguido recurriendo a sus textos o a su imaginario. En los últimos años, nombres como Rosalía, Rozalén, Dellafuente o Lola Índigo han vuelto a acercarse, de formas muy diferentes, a ese universo.

La familia García Lorca en la casa de la Acera del Darro. Foto: Fundación FGL

Esta presencia constante en ámbitos muy distintos ayuda a entender por qué Lorca sigue siendo un autor tan leído y representado. No quedó limitado a la poesía o al teatro: también se interesó por la música, el dibujo y la cultura popular, y buena parte de su obra nació de esa relación entre distintas formas de creación. Con La Barraca, el proyecto de teatro universitario ambulante creado durante la Segunda República, recorrió pueblos españoles representando obras del Siglo de Oro. Detrás de aquella iniciativa había una idea sencilla: llevar el teatro a lugares donde apenas existía acceso a este tipo de propuestas culturales.

Sin embargo, la importancia que han adquirido su biografía, su asesinato y todo lo que su figura representa puede hacer que, en ocasiones, se hable más de Lorca que de sus libros.

Su nombre está ligado a la memoria de la Guerra Civil, a la represión franquista y también a la historia de la homosexualidad en España.  En Lorca confluyen varias formas de violencia y de silencio que marcaron buena parte del siglo XX español.

Fue detenido y asesinado en agosto de 1936, pocas semanas después del comienzo de la Guerra Civil. Desde entonces, su muerte ha quedado unida a la violencia política de aquellos primeros meses y a la represión ejercida en la zona sublevada. El hecho de que sus restos no hayan sido localizados ha reforzado todavía más esa relación entre su figura y la cuestión de los desaparecidos, porque Lorca no es únicamente una víctima conocida: su caso remite a miles de personas cuyos cuerpos siguen en fosas o cuyo paradero nunca llegó a esclarecerse. Por eso, cada intento de localizar sus restos ha tenido una dimensión que supera lo biográfico.

Durante la dictadura, además, su figura quedó sometida a una lectura parcial. Lorca era demasiado importante para desaparecer por completo del panorama cultural, pero determinados aspectos de su vida y de su obra resultaban incómodos para el Régimen. Se podía hablar del poeta, del dramaturgo o del autor del Romancero gitano, pero no tanto sobre las circunstancias de su asesinato y, sobre todo, su homosexualidad. Durante años, esa parte de su vida fue tratada con rodeos y se evitaba nombrarla de forma directa.

Ese silencio condicionó también la lectura de su obra. En algunas de sus obras más personales, el deseo aparece unido al secreto, a la imposibilidad de vivir abiertamente y al conflicto entre lo que una persona siente y lo que la sociedad le permite expresar. El público es quizá el ejemplo más evidente, porque cuestiona de forma abierta las convenciones sexuales y sociales de su tiempo, mientras que los Sonetos del amor oscuro muestran un amor que durante décadas fue presentado de manera mucho más ambigua de lo que permiten leer los propios poemas.

Lorca fue también un escritor que experimentó con formas teatrales y poéticas que todavía hoy exigen una lectura atenta.

La casa de Bernarda Alba, por ejemplo, puede leerse como un drama rural marcado por las convenciones sociales de su tiempo, pero también como una historia sobre el control ejercido sobre el cuerpo y el deseo. Yerma permite hablar de maternidad, frustración y mandato social desde una mirada muy diferente de la que podía tener un espectador en los años treinta. Poeta en Nueva York parece escrito desde un mundo anterior al nuestro y, sin embargo, algunas de sus imágenes sobre la deshumanización de la ciudad moderna resultan sorprendentemente próximas.

Ahí se encuentra probablemente una de las razones de la supervivencia de Lorca. Sus textos siguen admitiendo nuevas lecturas.

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Dalí frente al inconsciente

by Uve Magazine 04/08/2026
written by Uve Magazine

Entre el 20 de octubre de 2026 y el 24 de enero de 2027, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presentará El universo freudiano de Dalí, una exposición que propone recorrer la trayectoria de Salvador Dalí desde una perspectiva decisiva para comprender su obra: la influencia que ejercieron sobre él las teorías de Sigmund Freud. Comisariada por Jaime Brihuega, la muestra reunirá alrededor de 130 pinturas, dibujos, esculturas y vídeos procedentes de colecciones europeas y norteamericanas.

Dalí conoció los escritos de Freud a comienzos de la década de 1920, mientras estudiaba en Madrid y residía en la Residencia de Estudiantes. La lectura de La interpretación de los sueños le ofreció un marco desde el que observar sus propios temores, deseos y obsesiones. Aquello que hasta entonces pertenecía al ámbito de la intimidad podía convertirse en materia artística. Los complejos familiares, la sexualidad, la culpa, el deseo insatisfecho o el miedo a la muerte dejaron de ser únicamente experiencias personales para transformarse en imágenes.

La exposición parte de los primeros años del pintor en Figueres y Cadaqués, donde se formaron algunos de los recuerdos que aparecerían posteriormente en su obra. Dalí creció bajo la sombra de un hermano, también llamado Salvador, que había muerto antes de su nacimiento. Cuando tenía diecisiete años falleció su madre, mientras que su padre, de carácter severo, contrajo matrimonio poco después con una hermana de la fallecida. A esta situación se sumó la relación con Ana María, su hermana y una de sus primeras modelos, retratada en obras como Retrato de Ana María y Figura en una mesa.

Los paisajes del cabo de Creus también ocuparon un lugar esencial en este imaginario. Las playas, los acantilados y las formaciones rocosas de Cadaqués proporcionaron a Dalí un repertorio de siluetas que reaparecería durante décadas. En sus cuadros, el paisaje mediterráneo dejó de ser una mera localización para convertirse en el espacio donde se representaban recuerdos, pulsiones y visiones.

El segundo apartado se centra en los años de la Residencia de Estudiantes y en su relación con Federico García Lorca y Luis Buñuel. Durante este periodo, Dalí conoció el surrealismo francés, leyó a Freud y se interesó por los dibujos científicos de Santiago Ramón y Cajal. Mientras experimentaba con distintos estilos, comenzaron a aparecer algunos de los elementos que definirían su lenguaje posterior: cuerpos fragmentados, alusiones sexuales, formas orgánicas y escenas que parecen desarrollarse dentro de un sueño. Obras como Los esfuerzos estériles o Los deseos insatisfechos permiten observar esta transformación.

Tristán enloquecido, 1944

En 1929, ya instalado durante temporadas en París, Dalí se incorporó al movimiento surrealista encabezado por André Breton. Fue también entonces cuando conoció a Gala Éluard, que se convertiría en su compañera, modelo y colaboradora. Pinturas como El hombre invisible, Los placeres iluminados o Guillermo Tell muestran a un artista que había aprendido a representar el inconsciente mediante imágenes nítidas, aunque sometidas a una lógica perturbadora.

Entre 1932 y 1937 desarrolló su método paranoico-crítico, una de sus principales aportaciones al surrealismo. Dalí defendía que el artista podía interpretar la realidad mediante asociaciones irracionales, descubriendo en una misma figura varias imágenes posibles. De este procedimiento surgieron composiciones dobles y escenarios en los que nada posee un significado estable. En obras como El gran paranoico, Soledad paranoico-crítica o Nacimiento de los deseos líquidos, la percepción se convierte en un territorio incierto.

El momento central de la exposición será el encuentro entre Dalí y Freud, celebrado en Londres en 1938 gracias a la intervención del escritor Stefan Zweig. Para el pintor, conocer al fundador del psicoanálisis suponía encontrarse con una de las figuras que más habían condicionado su pensamiento. Freud, por su parte, observó con interés a aquel artista español de actitud exaltada y quedó impresionado por su capacidad técnica. Durante la reunión, Dalí realizó un dibujo del psicoanalista, que también formará parte de la muestra.

El recorrido concluye con las obras realizadas después de 1940. Aunque Dalí aseguró que sus intereses se habían desplazado hacia la religión, la ciencia y el mundo clásico, la influencia freudiana no desapareció. Las formas blandas, los desdoblamientos, las escenas oníricas y las asociaciones inesperadas continuaron presentes en pinturas como Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes del despertar o Apoteosis de Homero.

El universo freudiano de Dalí permitirá así observar su carrera como un prolongado diálogo con el inconsciente. Freud proporcionó al pintor un vocabulario con el que interpretar sus obsesiones; Dalí, a su vez, convirtió aquel pensamiento en imágenes que han pasado a formar parte del imaginario del siglo XX.

Acantilados, 1926
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