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LiteraturaPersonajes

Julian Barnes, Premio Princesa de Asturias de las Letras 2026

by Uve Magazine 10/06/2026
written by Uve Magazine

Este miércoles se ha fallado en Oviedo el Premio Princesa de Asturias de las Letras 2026. El galardonado es Julian Barnes, uno de los narradores británicos más reconocidos de las últimas décadas, cuya obra transita con igual soltura entre la novela, el ensayo y las memorias.

Barnes nació en Leicester en 1946, en el seno de una familia de profesores de francés, aunque la familia se trasladó pronto a las afueras de Londres. Estudió en la City of London School y después en el Magdalen College de Oxford, donde se especializó en lenguas modernas. Tras graduarse trabajó como lexicógrafo en el Oxford English Dictionary y ejerció la crítica literaria y televisiva antes de dedicarse por completo a escribir. Pertenece a la misma generación que Martin Amis o Salman Rushdie, aunque su voz es bastante más contenida que la de sus contemporáneos: menos exhibicionista, más interesada en lo que queda cuando se retira el ruido.

Debutó en 1980 con Metrolandia, pero fue El loro de Flaubert la novela que lo reveló como escritor mayor. A partir de ahí, el Booker Prize se convirtió en una presencia recurrente en su trayectoria: finalista en tres ocasiones, lo ganó en 2011 con El sentido de un final, una novela breve y demoledora sobre la memoria y la forma en que nos contamos nuestra propia historia.

Esa obsesión por la memoria —por lo que recordamos, por lo que elegimos olvidar, por la distancia entre lo que vivimos y lo que creemos haber vivido— recorre toda su obra. También el amor, la muerte, la cultura francesa y el arte. Ha escrito novela, relato, ensayo y memorias con la misma exigencia. Nada que temer, Niveles de vida o El hombre de la bata roja —una biografía del médico y coleccionista Samuel Jean de Pozzi en el París de la Belle Époque— son libros que se resisten a caber en un solo género, como todo lo que escribe Barnes.

Su último libro, Despedidas, ha llegado este año con el peso de una despedida anunciada. Dice que será el cierre de su obra literaria. El jurado lo ha descrito como un escritor de «optimismo melancólico y pesimismo alegre», y es difícil encontrar una definición más ajustada. El premio llega en el momento exacto.

10/06/2026 0 comments
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AgendaArte

Ewa Juszkiewicz: el retrato europeo bajo sabotaje

by Uve Magazine 27/05/2026
written by Uve Magazine

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza. Del 26 de mayo al 6 de septiembre de 2026. Comisario: Guillermo Solana.

Hay un gesto que se repite en casi todos los cuadros de Ewa Juszkiewicz (Gdańsk, Polonia, 1984) y que basta para desorientar al espectador: el rostro ha desaparecido. Donde la tradición del retrato europeo prometía una identidad legible —unos ojos, una boca, una mirada que devolviera la nuestra—, la artista polaca interpone una cascada de cabello, un nudo de telas, un ramo de flores o un racimmo de fruta. El resultado, como ha señalado el propio museo, es a la vez extrañamente divertido, inquietante y sorprendentemente tierno. Juszkiewicz conserva todas las señas del estatus y el refinamiento dieciochesco, pero bloquea precisamente aquello que el retrato debía mostrar.

Ewa Juszkiewicz The Letter (after Adélaïde Labille-Guiard), 2023 Óleo sobre lienzo. 145 x 115 cm. Colección privada. © Ewa Juszkiewicz

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza dedica a esta artista, dentro del programa vinculado a la Colección Blanca y Borja Thyssen-Bornemisza, su primera exposición monográfica en una institución museística. Comisariada por Guillermo Solana en estrecha colaboración con la propia Juszkiewicz, la muestra reúne más de una veintena de pinturas realizadas entre 2013 y la actualidad —la mayoría de los últimos años— e incluye un conjunto de obras concebidas específicamente para esta cita madrileña. Que su debut individual ocurra en un museo célebre por su colección de retrato no es casual: la propuesta convive con esa tradición a la vez que la pincha desde dentro.

Ewa Juszkiewicz The Harpist (after Thomas Sully), 2023 Óleo sobre lienzo, 260 x 173 cm. Colección privada. © Ewa Juszkiewicz

Una conversación con el pasado

Desde hace más de una década, Juszkiewicz reinterpreta el retrato femenino europeo, en especial el de los siglos XVIII y XIX, mediante la distorsión y la sustitución. Su punto de partida son obras concretas o ecos difusos de la pintura histórica; nombres como Élisabeth Vigée Le Brun o Johann Heinrich Tischbein aparecen citados directa o indirectamente. Sobre esa base aplica una técnica minuciosa, casi reverencial con sus modelos, y a continuación introduce el sabotaje: una paleta más viva y saturada, una sensibilidad heredada del surrealismo y un tratamiento inconfundiblemente contemporáneo.

La pregunta de fondo es por qué el rostro femenino, durante siglos, estuvo tan sometido a normas. En aquellos retratos, no solo la pose, la vestimenta o el entorno reflejaban expectativas sociales: el propio semblante respondía a ideales de belleza marcados por el decoro y la contención. Es esa relación entre belleza y restricción la que se sitúa en el núcleo del trabajo de Juszkiewicz. Al ocultar la cara, desplaza la atención hacia las telas, las flores y las frutas, elementos asociados al bodegón y a la tradición decorativa. Subraya así cómo la mujer fue concebida como sujeto estético dentro del género, al tiempo que otorga nuevo significado a esos objetos. En palabras del comisario durante la presentación, la artista habría clavado en el corazón del retrato la estaca del bodegón.

Ewa Juszkiewicz Gloriosa, 2025 Óleo sobre lienzo, 200 x 160 cm. Colección privada. © Ewa Juszkiewicz

Entre lo humano y lo no humano

El efecto de estas intervenciones va más allá de la denuncia. Privadas de rostro, las figuras escapan a cualquier lectura fija y abren cada imagen a múltiples interpretaciones. Situadas en un territorio incierto entre lo humano y lo no humano, las pinturas cuestionan qué puede representar hoy el retrato y qué entendemos por identidad, semejanza o presencia. La artista no destruye el género: lo ensancha hasta redefinir sus límites.

Esa ambición explica la repercusión internacional de una creadora todavía joven. Su obra se ha mostrado en el Brooklyn Museum de Nueva York, el Centre Pompidou-Metz, el Musée d’Art Moderne de París, el Museo Picasso Málaga o el National Museum of China de Pekín, y forma parte de colecciones como las de la Albertina de Viena, el Long Museum de Shanghái o el Museum of Contemporary Art San Diego.

Para el público español, la cita del Thyssen ofrece la oportunidad de descubrir por primera vez, y de un modo amplio, un universo visual que revisita lo antiguo para interrogar lo que damos por sentado: cómo miramos a las mujeres y cómo las hemos representado.

27/05/2026 0 comments
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AgendaLiteratura

Feria del Libro de Madrid 2026: el humor toma El Retiro

by Uve Magazine 20/05/2026
written by Uve Magazine

Madrid se prepara para una de sus grandes citas culturales del año. La 85.ª Feria del Libro de Madrid (FLMadrid26) se celebrará del 29 de mayo al 14 de junio en el Paseo de Coches del Parque de El Retiro, y este año llega con un eje temático muy claro: el humor, la sátira y la ironía como formas de lectura crítica del presente. Bajo los hashtags #LeernosDeRisa y #Jajaja, la organización ha apostado por reunir a escritores, humoristas, ilustradores y pensadores que hacen del chiste, el absurdo o la carcajada una forma seria de ver el mundo.

“Este año en el que el humor —buena falta nos hace— ilumina la Feria, hemos invitado a gentes que son del libro porque todos y todas han publicado”, explicó Eva Orúe, directora de la FLMadrid, durante la presentación celebrada en el Ayuntamiento de Madrid. Y añadió, citando a Wenceslao Fernández Flórez, que “el humor es, sencillamente, una posición ante la vida”.

Grandes nombres a un lado y otro del Atlántico

El cartel de autores invitados es ambicioso. Desde el Reino Unido llegará Jonathan Coe, uno de los principales representantes de la sátira británica contemporánea, que conversará el 7 de junio con Carlo Padial. Desde Alemania, David Safier, autor de algunas de las novelas humorísticas más leídas de las últimas décadas. Y desde Argentina, Maitena, referente internacional del humor gráfico, que además recibirá un homenaje el 30 de mayo en el Pabellón Iberoamericano.

A ellos se suman nombres como Liniers, Kevin Johansen y Alberto Montt, que se reunirán por primera vez juntos en España para hablar de amistad, música e ilustración. También participarán Marta Sanz, Ignatius Farray, Camila Sosa Villada, Ariana Harwicz, Rodrigo Cortés, Eva Hache, Pantomima Full, Joaquín Reyes, Bob Pop, Leila Guerriero, Rodrigo Fresán, Nina Lykke, Beatriz Serrano, Edu Galán, Julián Génisson o Álvaro Carmona, entre muchos otros.

Charlas, homenajes y pódcast en directo

La programación cultural se desplegará en más de una decena de escenarios. El Pabellón CaixaBank acogerá los grandes encuentros, como “¿De qué nos reímos?”, con Eva Hache, Bernat Castany y Julián Génisson; “Instrucciones para contar un chiste”, con Iggy Rubín y Elena Beltrán; o “El humor en la herida”, diálogo entre Camila Sosa Villada y Giuseppe Caputo.

La Feria rendirá homenaje a figuras imprescindibles del humor literario y escénico: Les Luthiers, Kurt Vonnegut, Jorge Ibargüengoitia, Nicanor Parra y Rafael Azcona, así como a La conjura de los necios de John Kennedy Toole, ya un clásico contemporáneo de la sátira.

Otra novedad destacada es el peso de los pódcast en directo. Programas como Ni tan bien (con Carolina Iglesias), Pena y Pánico, ¿Te quedas a leer?, Las Fabuladoras o La trastienda de Pérgamo se grabarán ante el público, ampliando los formatos tradicionales de la conversación literaria.

Premio Lealtad para Pep Carrió

La FLMadrid26 reconocerá este año con el Premio Lealtad al diseñador, ilustrador y artista visual Pep Carrió (Palma de Mallorca, 1963), responsable de buena parte de la identidad gráfica contemporánea de la Feria desde que firmara el cartel de la edición de 2007. La ceremonia tendrá lugar el 29 de mayo en el Pabellón CaixaBank. El cartel de este año, en cambio, lleva la firma del ilustrador barcelonés Miguel Pang, que propone una escena coral marcada por el color y los códigos del slapstick.

Una feria con vocación iberoamericana

La dimensión latinoamericana vuelve a ser uno de los pilares de la programación, con el Pabellón Iberoamericano como epicentro y colaboraciones con festivales como Centroamérica Cuenta, Festival JA!, KM América, Suigeneris o el Festival de Málaga. “Hablamos el mismo idioma, pero ¿nos reímos igual?”, se pregunta Orúe.

Cifras de una gran cita

La Feria reunirá 366 casetas distribuidas a lo largo del Paseo de Coches: 118 de librerías, 220 de editoriales, 12 de distribuidoras y 16 de organismos oficiales. Habrá además espacios específicos como Indómitas, Editoriales Singulares, Archipiélago o la Plaza de la Ciencia y las Universidades.

El horario será de 10:30 a 14:00 y de 17:00 a 21:00 de lunes a viernes, y de 10:30 a 15:00 y de 17:00 a 21:00 los fines de semana. La organización recuerda que el 7 de junio, con motivo de la visita del papa León XIV a Madrid, algunos accesos podrían verse modificados.

Apoyo institucional y sostenibilidad

CaixaBank, Iberia, VIPS y Repsol repiten como patrocinadores oficiales. Esta última instalará más de 200 placas solares en casetas y pabellones, y suministrará combustibles renovables que permitirán reducir más de 11 toneladas de CO₂. Una manera, también, de que la risa no deje huella —al menos no de carbono— en El Retiro.

20/05/2026 0 comments
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Literatura

La memoria viva de Cristina Rota

by Uve Magazine 18/05/2026
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Una historia de teatro y resistencia, la autobiografía de Cristina Rota que Grijalbo publica el 7 de mayo de 2026, no sigue las convenciones del género. Sus 304 páginas, prologadas por sus hijos Nur Levi, María Botto y Juan Diego Botto, no recorren su carrera de principio a fin ni encadenan anécdotas teatrales. Es el relato de una mujer que cuenta lo que ha vivido sin adornos.

Nació en La Plata. Su padre, huérfano a los catorce años, amante del violín y de la pintura italiana, fue inducido al juego por un tío y acabó perdiendo la casa familiar dos veces. Cristina, todavía niña, vio a los representantes del banco entrar en el jardín con un atril y un martillo para subastar su casa delante de la gente. “No recuerdo haber sentido nunca simpatía por la gente optimista”, escribe. Su pesimismo, dice, nació en parte de la curiosidad y en parte de no tener motivos para ver la vida color de rosa.
El teatro llegó pronto. A los catorce años se presentó a una prueba universitaria con un monólogo de la Electra de Sófocles, subida a un cubo, pidiendo a gritos que Orestes la defendiera. Allí encontró, dice, la razón de su vida. Una gira por la Patagonia, que empezó como una salida breve y se alargó meses por una huelga, la llevó a actuar en pueblos donde nadie había visto nunca teatro. De aquel viaje volvió convencida de que el arte no podía vivir al margen de la injusticia.
En Buenos Aires, en las clases de Carlos Gandolfo Alezzo, conoció a Diego Fernando Botto. Lo describe así: “Demasiado guapo, demasiado refinado”. Compartieron escenario, militancia, casa e hijos: María primero, Juan Diego en 1975. La maternidad no frenó el compromiso, lo hizo más concreto. Pero Argentina se rompía. Diego dejó la actuación para entregarse a la política; Cristina, intuyendo lo que venía, pedía replegarse. “Acordate siempre, Rota”, le dijo él en algún momento, “lo más revolucionario es vivir y que no nos saquen la sonrisa”.
Después vino la desaparición. Y con ella lo que Rota describe como lo más terrible de esa figura: que delega en los familiares la tarea de aceptar la muerte. Una tiene que pedirle a la esperanza, escribe, que baje los brazos. Recuerda el día en que abrió los armarios para preparar la huida y tocar la ropa de Diego fue como caer al vacío. Olerla, dice, era seguir esperando a alguien que aún podía volver. Salió del país embarazada de siete meses, con un vestido cosido por su madre para que nadie lo notara. Aterrizó en Madrid y lo primero que escuchó, en el coche desde el aeropuerto, fue que allí no había trabajo “ni para los de aquí”.
Y, sin embargo, desde esa precariedad empezó todo lo demás. En 1979 abrió una escuela de teatro con clases improvisadas. Años después, invirtiendo todos sus ahorros, levantó la Sala Mirador en Lavapiés. Por sus aulas pasaron Penélope Cruz, Ernesto Alterio, Antonio de la Torre, Marta Etura, Fernando Tejero y sus propios hijos, entre muchos otros. No quería solo formar actores; quería formar personas capaces de pensar, de gestionar sus propios proyectos y de crear comunidad.
En 2010 recibió la Medalla de Oro de las Bellas Artes, pero el libro no se cierra con premios. Se cierra recordando que esta historia la han vivido un millón de mujeres antes y la siguen viviendo ahora. La palabra, dice, es la herramienta de quienes no están dispuestos a sellar sus labios ante la verdad o el olvido.

18/05/2026 0 comments
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AgendaEventosLiteratura

La Feria del Libro de León vuelve al centro de la ciudad

by Uve Magazine 14/05/2026
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La Feria del Libro de León celebra su 48.ª edición bajo el lema «HuEllas», del 14 al 24 de mayo, entre la plaza de San Marcelo y la calle Legio VII. Serán 40 casetas con horario de 12:00 a 14:00 y de 18:00 a 21:00, organizadas por la Asociación de Libreros de León y patrocinadas por el Ayuntamiento. Las actividades se reparten entre la carpa del recinto, el Salón de los Reyes y el Salón de Actos de Alfonso V.

El lema, que entiende la lectura como el rastro que deja en el lector, rinde homenaje este año a las mujeres en la literatura. La edición estrena dirección compartida —Magalí Labarta y Eva Campesino, primera vez con dos directoras al frente— y un cartel de la ilustradora leonesa Laura G. Bécares, protagonizado por una niña que sigue un sendero de huellas en un bosque de siluetas de escritoras, guiada por el «Hada del tejuelo».

El acto inaugural será el 14 de mayo a las 19:00, con pregón a cargo de la escritora y periodista Noemí Sabugal y la filóloga Janick Le Men en el Salón de Plenos del Ayuntamiento. Entre los autores anunciados para firmas y presentaciones figuran Pablo Rivero, Susana Martín Gijón, Ana Iris Simón, Bob Pop y Marta J. Serrano, junto a nombres leoneses como Tomás Sánchez Santiago, Julio Llamazares, Toño Benavides, Vicente Muñoz o Antonio Manilla. El público juvenil tendrá su tarde con Iria y Selene, Alina Not y Jara Santamaría, y los más pequeños una agenda específica coordinada por Bibliotecas Municipales. 

Once días para acercarse a las novedades y conversar con quienes hacen posible que un libro llegue a manos de un lector. Entre las editoriales presentes estará también Uve Books —pasaos a saludar—, junto a librerías, sellos independientes y proyectos culturales que durante estos días convierten San Marcelo en una excusa para detenerse, hojear y salir con un título que no estaba previsto.

14/05/2026 0 comments
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Literatura

5 libros para leer en primavera

by Uve Magazine 06/05/2026
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La primavera modifica el ritmo de los días. La luz se alarga, los espacios se abren y la naturaleza vuelve a ocupar un lugar visible en la vida cotidiana. En literatura, no tiene por qué aparecer solo como estación explícita. A veces está en un jardín que revive, en una casa que se habita después de años de silencio, en un personaje que sale por fin de una vida demasiado estrecha o en una forma nueva de observar el mundo. Esta cinco propuestas funcionan muy bien en esa clave porque todos tienen algo de despertar: unos lo hacen desde la naturaleza, otros desde el viaje, la imaginación, la infancia o el deseo de vivir de otra manera.

Es probablemente uno de los libros más primaverales que se pueden leer, porque toda la historia se construye alrededor de una transformación que empieza en la tierra. Mary Lennox llega a una mansión inglesa después de una infancia solitaria, marcada por el abandono emocional y por una educación sin afecto real. Al principio es una niña arisca, caprichosa y desconfiada, pero la casa a la que llega guarda un misterio: un jardín cerrado desde hace años, casi olvidado, que parece haber quedado suspendido en el tiempo.

El argumento avanza cuando Mary descubre ese jardín y empieza a cuidarlo en secreto. Lo importante no es solo que las plantas vuelvan a crecer, sino que ella, al trabajar la tierra, al observar los brotes y al compartir ese espacio con otros niños, empieza también a salir de su propio encierro. La primavera aquí es el motor narrativo: cada flor que aparece, cada rama que despierta, acompaña un cambio interior. Es un libro sobre el cuidado, la curiosidad, la salud emocional y la capacidad de un lugar para devolverle a alguien las ganas de volver a mostrarse al mundo.

Este libro muestra una primavera más adulta, más irónica y más íntima. Elizabeth vive en una finca alemana y encuentra en el jardín una forma de libertad que contrasta con las obligaciones sociales, familiares y matrimoniales que la rodean. No es una novela de grandes giros argumentales, sino un libro construido a partir de observaciones, escenas domésticas, pensamientos y pequeños conflictos que revelan mucho sobre la vida de una mujer que necesita un espacio propio para respirar.

Su encanto está en que el jardín es una forma de territorio de independencia. Elizabeth lo cuida, lo organiza, lo recorre y lo convierte en una extensión de su carácter. Mientras la sociedad espera de ella una obediencia amable, ella encuentra entre plantas, estaciones y paseos una manera de reflexionar desde la distancia sobre lo que se supone que debe aceptar. Es un libro perfecto para quien quiera una lectura primaveral con humor, inteligencia.

Aquí la primavera entra desde la primera escena, cuando Topo abandona la limpieza de su casa porque el exterior lo llama con demasiada fuerza. Ese arranque ya contiene todo el espíritu del libro: salir, descubrir, dejarse llevar por el río, conocer a otros personajes y aceptar que la vida puede ser más amplia que una madriguera ordenada. La historia sigue a Topo, Rata, Tejón y Sapo en una serie de aventuras donde el campo, el agua, los caminos y los hogares tienen una presencia muy viva.

Aunque suele leerse como literatura infantil, tiene una hondura que funciona muy bien para adultos. Habla de amistad, de pertenencia, de impulsos desmedidos —sobre todo en el caso de Sapo— y de esa tensión entre el deseo de aventura y la necesidad de volver a casa. Es primaveral porque transmite movimiento, aire libre y comienzo, pero también porque entiende la naturaleza como un lugar que educa: el río enseña, el bosque intimida, los caminos tientan, las casas protegen. Es una lectura luminosa sin ser simple.

En este caso la primavera está más asociada al despertar sentimental e intelectual que a la naturaleza en sentido estricto. Lucy Honeychurch viaja a Florencia con su prima Charlotte, y ese viaje la enfrenta a una forma de vida más libre, más directa y menos reprimida que la que conoce en Inglaterra. Allí aparece George Emerson, un joven que no encaja del todo en las normas sociales que organizan el mundo de Lucy, y esa relación empieza a desmontar las expectativas que otros han puesto sobre ella.

El argumento gira en torno a una elección: vivir según lo que resulta correcto ante los demás o aceptar una verdad íntima que no siempre coincide con lo conveniente. Forster trabaja muy bien esa incomodidad de quien empieza a comprender que la educación recibida ha sido también una jaula. Por eso es un libro primaveral de otra manera: porque trata el paso de una vida obediente a una vida más consciente. Hay viaje, paisaje italiano, deseo, ironía social y una protagonista que necesita aprender por sí misma, no a través de las convenciones de su entorno.

La llegada de Anne Shirley a Green Gables tiene algo de estación nueva. Marilla y Matthew Cuthbert esperaban adoptar a un niño que les ayudara en la granja, pero por error llega Anne, una niña imaginativa, habladora y necesitada de afecto. A partir de ahí, el argumento se sostiene en la convivencia, en la adaptación de Anne a un hogar que no estaba preparado para ella y en la manera en que su presencia altera, poco a poco, la vida de quienes la rodean.

Anne mira el mundo con una intensidad que convierte cualquier rincón en algo memorable. Un camino, un árbol, una habitación o un vestido pueden adquirir para ella una importancia enorme, no porque el libro sea ingenuo, sino porque muestra muy bien lo que significa haber carecido de belleza y de cariño, y encontrarlos de pronto en lo cotidiano. Es una novela muy adecuada para primavera porque habla de crecimiento, de imaginación, de pertenencia y de segundas oportunidades. Anne no solo encuentra una casa: obliga a esa casa a volverse más viva.

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AgendaArte

Carmen Laffón: la materia silenciosa de una vida

by Uve Magazine 04/05/2026
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El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza dedicará, del 23 de junio al 27 de septiembre de 2026, una gran exposición a Carmen Laffón, una de las creadoras españolas más singulares de la segunda mitad del siglo XX y comienzos del XXI. Bajo el título Carmen Laffón. Variaciones, la muestra, comisariada por Paula Luengo, reúne 78 obras entre óleos, carboncillos y esculturas, y propone un recorrido por los temas que acompañaron a la artista durante más de sesenta años de trabajo. No se plantea como una revisión lineal de su trayectoria, sino como una manera de entrar en su mundo a través de aquello que volvió una y otra vez a sus manos: una muñeca, una cuna, un cesto, un armario, una azotea, el perfil de Sanlúcar, el Coto de Doñana, la viña, la cal o las salinas.

La exposición se organiza en nueve secciones dedicadas a sus motivos más frecuentes. El recorrido comienza con la muñeca Marcelina y las cunas, dos temas vinculados a la infancia, pero tratados desde una sensibilidad que no idealiza la niñez. En las Marcelinas de los años sesenta aparece una atmósfera cercana al realismo mágico, mientras que las cunas de los años noventa, de mayor formato, introducen una idea de fragilidad que recorre buena parte de su obra. Después llegan los bodegones, donde Laffón trabaja con objetos modestos y ensaya formatos, técnicas y maneras de ordenar el espacio. Sus mesas, a menudo divididas entre la superficie superior y la caída del mantel, muestran un equilibrio muy medido entre detalle y disolución, como si el objeto quisiera afirmarse y desaparecer al mismo tiempo.

Los interiores domésticos ocupan otro lugar fundamental. Canastas, costureros y máquinas de coser hablan de una esfera íntima, ligada al trabajo manual y a la vida cotidiana, pero también permiten entender cómo la artista fue modificando su relación con las cosas. Lo que al principio formaba parte de una composición más amplia termina ocupando el centro de la obra, ampliado, aislado, convertido en presencia principal. Algo parecido sucede con los armarios, uno de sus proyectos más prolongados, desarrollado entre 1973 y 2018. A partir de una pequeña alacena, Laffón realiza versiones en pintura y, desde 1995, también en bronce, hasta convertir ese mueble en una estructura casi flotante, cada vez más alejada del realismo inicial.

El paisaje aparece unido a Sevilla y, sobre todo, a Sanlúcar de Barrameda. En sus vistas urbanas de los años sesenta y setenta, las azoteas y los perfiles de ciudad van dejando paso al cielo y a la línea horizontal, una composición que anticipa sus obras sobre el Coto de Doñana. Desde finales de los setenta, el Coto visto desde Sanlúcar se convierte en uno de sus motivos más personales. Laffón lo pinta en distintas horas, estaciones y condiciones atmosféricas, con una atención muy precisa a la luz de la desembocadura del Guadalquivir. En las versiones tardías, realizadas entre 2011 y 2014, ese paisaje se acerca a la abstracción sin abandonar del todo su origen.

La etapa final de la exposición se centra en series de gran formato como La cal, La sal y La viña. En ellas, la artista se fija en materiales y trabajos humildes: los utensilios de los encaladores, las montañas blancas de las salinas de Bonanza, los cestos cargados de uvas de la viña que rodeaba su estudio. Laffón elimina casi siempre la figura humana, pero deja sus huellas en los objetos, en las herramientas, en las materias trabajadas. Esa ausencia da a las obras una intensidad particular, porque todo parece detenido después de haber sido usado, tocado o cuidado.

Carmen Laffón. Variaciones será la primera gran exposición dedicada a la artista desde su muerte. Su interés no está únicamente en reunir obras de distintas épocas, sino en mostrar cómo una creadora puede construir un lenguaje propio insistiendo en unos pocos motivos hasta agotarlos, transformarlos y devolverlos al espectador con otra densidad. En Laffón, la repetición nunca es costumbre: es una forma de conocimiento.

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AgendaArte

Flandes en el Thyssen

by Uve Magazine 22/04/2026
written by Uve Magazine

Hay tradiciones artísticas que, aun cuando cambian de siglo, de técnica y de sensibilidad, conservan una manera reconocible de interrogar el mundo. Eso es, en buena medida, lo que propone In situ / Ex situ II, el nuevo curso del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza organizado con la colaboración de VISITFLANDERS, que se celebrará del 23 de abril al 20 de junio de 2026 en formato híbrido. Si la primera edición se detenía en los grandes nombres de la pintura flamenca entre los siglos XV y XVII, esta segunda parte avanza hacia un territorio distinto, más cercano y a la vez más inestable, para seguir la evolución de esa tradición desde finales del siglo XIX hasta el presente.

La propuesta no se limita a encadenar autores de prestigio, plantea una línea de continuidad entre épocas muy distintas a partir de varias cuestiones de fondo como la mirada, la materialidad de la pintura y la relación de la obra con su entorno. No se trata solo de estudiar a Rysselberghe, Ensor, Magritte o Delvaux como artistas aislados, más bien es una reflexión sobre la manera en que el arte flamenco fue reformulando sus imágenes, tensiones y hasta su idea misma de realidad al entrar en la modernidad y, más tarde, en el arte contemporáneo.

El recorrido arranca con Théo van Rysselberghe, figura decisiva para comprender la recepción del neoimpresionismo en Bélgica y uno de los fundadores de Les Vingt, aquella sociedad artística que sirvió de plataforma para buena parte del arte moderno en su contexto. Después llegará James Ensor, cuyo universo de máscaras, deformaciones y gestos grotescos sigue conservando una potencia poco domesticable, como si su pintura hubiese entendido muy pronto que lo inquietante no pertenece solo al sueño o a la fantasía, sino también a la vida social y a sus ceremonias. Más adelante, el curso se detendrá en Felix de Boeck y Victor Servranckx para abordar la deriva hacia la abstracción en una Flandes atravesada por las fracturas de la guerra y por la necesidad de inventar nuevas formas para un tiempo nuevo.

Uno de los núcleos más sugerentes del programa será, sin duda, el dedicado a René Magritte y Paul Delvaux. No porque el surrealismo necesite presentación, sino porque en el ámbito flamenco adquirió un espesor particular, menos entregado al automatismo que a una forma calculada de extrañeza. En Magritte, la imagen piensa; en Delvaux, el sueño se vuelve escenario detenido, casi litúrgico, y produce una inquietud que no depende del sobresalto, sino de la precisión con que lo irreal ocupa el mundo visible. Que el curso pase por ellos tiene sentido: si algo demuestra la pintura flamenca del siglo XX es su capacidad para volver extraño lo cotidiano sin romper del todo con la tradición de la figuración.

El cierre estará dedicado al arte flamenco del siglo XXI y a su posición dentro del circuito internacional, con nombres como Luc Tuymans o Ann Veronica Janssens y con atención también al peso de sus museos, galerías y grandes citas como la feria de Bruselas. Es un final coherente, porque permite entender Flandes no solo como una herencia histórica, sino como un espacio todavía fértil para la experimentación, donde la pintura, la instalación y las nuevas formas de percepción siguen reformulando preguntas antiguas sobre la imagen, el cuerpo y la experiencia. Más que un simple curso panorámico, In situ / Ex situ II parece plantearse como una invitación a leer la continuidad de una tradición sin reducirla a museo, escuela o repertorio, y a comprobar que ciertas obsesiones visuales no desaparecen: cambian de forma, se afinan, se vuelven más ambiguas y regresan.

El curso In situ / Ex situ II se celebrará del 23 de abril al 20 de junio de 2026, en formato híbrido, con sesiones online y presenciales. La parte presencial tendrá lugar en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, situado en el Paseo del Prado, 8, 28014 Madrid.

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Literatura

Lena Dunham y el precio de la fama

by Uve Magazine 15/04/2026
written by Uve Magazine

Lena Dunham acaba de publicar en Estados Unidos Famesick, un libro de memorias que llegará a España en septiembre bajo el sello Debate. El libro se centra en la propia Lena Dunham, que intenta sostener una carrera pública mientras va perdiendo control sobre su cuerpo, su intimidad y la forma en que otros cuentan su vida.

La trayectoria de Lena Dunham ya había estado muy ligada a la escritura desde una perspectiva biográfica. Desde sus primeros trabajos y más tarde con Girls, su obra se centró en temas como el cuerpo, la intimidad, la inseguridad, la ambición y el lugar que cada uno ocupa en el mundo. Con Famesick, ese terreno sigue muy presente, pero aparece tratado desde otra perspectiva. Aquí el centro no está tanto en la juventud o en la construcción de una identidad propia, mas bien en el desorden que se produce cuando una vida pública sigue creciendo mientras la salud se resiente.

El libro, según la información difundida previa a su lanzamiento, reconstruye ese periodo a partir de recuerdos, diarios, correos y registros médicos. Dunham se detiene en los años en que su carrera avanzaba con fuerza mientras su cuerpo entraba en una dinámica de dolor, tratamientos varios, hospitalizaciones y dependencia farmacológica. Esa convergencia entre visibilidad y enfermedad es una de las claves del libro, porque desplaza el foco de la celebridad hacia algo bastante menos vistoso: la experiencia de seguir pareciendo completamente funcional de cara al trabajo y a los medios, cuando por dentro todo comienza a desmoronarse.

Hay además otra cuestión que recorre Famesick y que va más allá del caso particular de Lena Dunham. El libro apunta a que su identidad pública no nace solo de una voluntad propia, sino también de una lucha constante entre versiones ajenas: la prensa, las redes, la crítica cultural, los lectores, los espectadores, los sectores que la admiran, los que la rechazan y los que necesitan convertirla en símbolo de algo más amplio. En ese punto, contar sus propias memorias con sus palabras y de la manera en que las ha vivido, pasa a ser también una manera de recuperar algo de control y pertenencia.

Más allá de simpatías o rechazos, Famesick parece situarse en un lugar bastante claro: el de una autora que vuelve sobre una etapa difícil para escribir no solo sobre la fama, también sobre la dificultad de seguir siendo una misma cuando los demás llevan tiempo hablando por ti.

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AgendaArte

Abril Imaginario, teatro en Madrid

by Uve Magazine 04/04/2026
written by Uve Magazine

El Umbral de Primavera celebra del 2 al 26 de abril la sexta edición de Abril Imaginario, un ciclo que este año reúne seis proyectos escénicos y que vuelve a situar a la sala de Lavapiés como uno de los espacios madrileños donde la creación contemporánea encuentra un marco estable de trabajo y exhibición. La programación se reparte de jueves a domingo, con funciones de tarde y con pases matinales durante el fin de semana, y se articula a partir de un proceso de asesoría en el que han participado integrantes de [los números imaginarios] junto a Carlos Tuñón, responsable del acompañamiento de las piezas.

La edición de 2026 está formada por Crónica de una siesta mientras el mundo arde, 60 sodomitas a los cuales hice quemar, OBRA DURACIÓN ZONA – o formas de decir la casa, sospechosos huīdas, La inocencia de los lirios y Un archipiélago colapsa. Los seis títulos llegarán a escena después de ese trabajo previo de seguimiento que forma parte de la estructura del ciclo y que explica su continuidad dentro de la programación de El Umbral de Primavera. La propuesta mantiene así una línea reconocible, en la que las funciones no aparecen desligadas de su proceso de elaboración, sino vinculadas a un marco de formación, revisión y puesta en común que desemboca en la exhibición pública durante el mes de abril.

La primera pieza en abrir el ciclo es Crónica de una siesta mientras el mundo arde, creación de Carlos Gorbe, presentada como un viaje semimusical a través de su psique. El montaje se podrá ver los jueves 2 y 16 de abril a las 20:30 y los domingos 12 y 26 a las 20:00. A partir de ahí se irá desplegando el resto de la programación: 60 sodomitas a los cuales hice quemar, con dirección de Ian Loren, tendrá funciones los viernes 3, 10, 17 y 24 a las 21:00; OBRA DURACIÓN ZONA – o formas de decir la casa, de Gabriela Burgos y Pablo Orteu, se presentará los sábados 4, 11, 18 y 25 a las 12:30; sospechosos huīdas, de Jósbel Lobo, ocupará esos mismos sábados a las 20:30; La inocencia de los lirios, de Laura Iglesias, podrá verse los domingos 5, 12, 19 y 26 a las 12:00; y Un archipiélago colapsa, de Lengua Volcán bajo la dirección de Paul Stein, tendrá funciones los domingos 5 y 19 a las 20:00 y los jueves 9 y 23 a las 20:30.

La inocencia de los lirios

se adentra en una materia íntima; 60 sodomitas a los cuales hice quemar parte de un hecho ocurrido en 1596, cuando sesenta marineros acusados de “sodomía” por la Inquisición española fueron arrojados a un horno de cal; OBRA DURACIÓN ZONA – o formas de decir la casa se plantea como una deriva psicogeográfica alrededor de la casa y del deseo; sospechosos huīdas se centra en los desplazamientos forzados de la era contemporánea; La inocencia de los lirios nace de una investigación con las monjas carmelitas de la comunidad de Toro, en Zamora; y Un archipiélago colapsa trabaja sobre la fragilidad de la memoria a partir de un lenguaje fragmentado y visual. El ciclo mantiene así una programación en la que conviven materiales históricos, experiencias biográficas, cuestiones políticas y búsquedas formales que se resuelven desde lugares muy distintos.

En el caso de la obra dirigida por Ian Loren, el texto de presentación la sitúa entre el teatro documento, el teatro para la memoria y el drama, con la voluntad de recuperar una violencia histórica que no queda encerrada en el pasado. En OBRA DURACIÓN ZONA – o formas de decir la casa, Burgos y Orteu proponen que cada día de función entren en la sala con extracciones de la ciudad y abran allí un taller desde el que seguir trabajando con el público. sospechosos huīdas plantea una pregunta precisa, “¿es posible quitarle elegía al exilio?”, y coloca en el centro a quienes emigran y a las circunstancias que los empujan a hacerlo. La inocencia de los lirios se presenta como un misterio contemporáneo y como una práctica escénica relacional, atenta al silencio, a la vida conventual y a las formas de experiencia compartida. Un archipiélago colapsa, por su parte, aborda los recuerdos como una materia erosionada y cambiante.

Uno de los rasgos más singulares de esta edición está en el propio desarrollo de los proyectos. Al comienzo del proceso, en octubre de 2025, cada director y directora eligió una planta con la que sintiera que podía sintetizar y conceptualizar su pieza, y esa planta ha acompañado el trabajo hasta su llegada a escena en abril. El dato, incluido en la presentación del ciclo, añade una imagen concreta de ese recorrido y subraya la dimensión temporal del proyecto, que se construye a lo largo de varios meses antes de encontrarse con el público.

La presencia de [los números imaginarios] vuelve a ser central en esta sexta edición. La compañía, fundada en 2013, colabora de nuevo en el desarrollo del ciclo junto a Carlos Tuñón. Su intervención forma parte del trabajo previo de las piezas, que llegan a abril después de varios meses de asesoría. Por eso Abril Imaginario no funciona solo como una programación de estrenos, sino como la presentación pública de seis procesos de creación.

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