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Noticias

MúsicaNoticias

Grammy 2026: nominados, metal y las claves de la gala

by Uve Magazine 31/01/2026
written by Uve Magazine

Este domingo se celebran los 68ª edición de los Premios Grammy en Los Ángeles y, como todos los años, toca noche larga, muchas actuaciones y ese runrún previo de quién gana, quién pierde y a quién se le vuelve a pasar por alto. Desde España habrá que seguir la gala de madrugada, pero el ruido ya está montado desde hace días, con listas, apuestas y debates que van bastante más allá de los premios.

En las categorías grandes no hay demasiadas sorpresas. Kendrick Lamar, Lady Gaga y Bad Bunny concentran buena parte de las nominaciones importantes, lo que confirma una vez más que los Grammy siguen jugando sobre seguro.

Aun así, el interés real de esta edición no está solo en los premios gordos, sino en todo lo que rodea a la ceremonia. La industria musical llega bastante revuelta, con discusiones abiertas sobre derechos de autor, inteligencia artificial, streaming y lo poco que cobra mucha gente por millones de reproducciones. Nada de eso se va a resolver en una noche, pero está ahí, flotando, y hace que el espectáculo tenga un punto de contraste entre el brillo del escenario y la realidad que hay debajo.

En esta edición, el artista más nominado es Kendrick Lamar, con nueve candidaturas, seguido de cerca por Lady Gaga y los productores Jack Antonoff y Cirkut, con siete cada uno. Artistas como Bad Bunny, Sabrina Carpenter y Leon Thomas III figuran también entre los más nominados del año.

Entre las categorías más destacadas, las nominaciones incluyen:

– Álbum del Año: Debí Tirar Más Fotos (Bad Bunny), Swag (Justin Bieber), Man’s Best Friend (Sabrina Carpenter), Let God Sort Em Out (Clipse con Pusha T & Malice), Mayhem (Lady Gaga), GNX (Kendrick Lamar), Mutt (Leon Thomas), Chromakopia (Tyler, The Creator).

– Grabación del Año, que reconoce la interpretación general de una canción: DtMF (Bad Bunny), Manchild (Sabrina Carpenter), Abracadabra (Lady Gaga), Wildflower (Billie Eilish), Anxiety (Doechii), Luther (Kendrick Lamar con SZA), The Subway (Chappell Roan), APT. (Rosé y Bruno Mars).

– Canción del Año, que premia a los compositores: Abracadabra (Lady Gaga), Anxiety (Doechii), APT. (Rosé & Bruno Mars), DtMF (Bad Bunny), Golden (Huntr/x – KPop Demon Hunters), Luther (Kendrick Lamar con SZA), Manchild (Sabrina Carpenter), Wildflower (Billie Eilish).

– Mejor Artista Revelación: Olivia Dean, KATSEYE, The Marías, Addison Rae, Sombr, Leon Thomas, Alex Warren y Lola Young, reflejo de cómo plataformas digitales como TikTok han impulsado la aparición de nuevas figuras en las listas de nominados.

– Mejor Interpretación de Metal: Night Terror (Dream Theater), Lachryma (Ghost), Emergence (Sleep Token), Soft Spine (Spiritbox), Birds (Turnstile).

Además, en categorías pop destacan nominaciones a Mejor Interpretación Pop Solista por temas como Daisies (Justin Bieber), Manchild (Sabrina Carpenter), Disease (Lady Gaga), The Subway (Chappell Roan) y Messy (Lola Young). En la categoría de Mejor Álbum de Pop Vocal compiten trabajos de Justin Bieber, Sabrina Carpenter, Miley Cyrus, Lady Gaga y Teddy Swims.

La lista de nominados abarca también géneros como rap, R&B, rock y world music, con artistas variados que reflejan la diversidad de estilos que dominan la industria. Artistas como Turnstile, Cardi B, Tyler, The Creator, SZA, GloRilla y Leon Thomas aparecen en nominaciones de rap y otras categorías.

31/01/2026 0 comments
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ArteNoticias

Irma Álvarez-Laviada en el Thyssen

by Uve Magazine 29/01/2026
written by Uve Magazine

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza inaugura el próximo 23 de febrero Dentro y fuera del marco, una exposición dedicada a la obra de Irma Álvarez-Laviada que podrá visitarse hasta el 3 de mayo de 2026 en las salas Post Pop. La muestra, comisariada por Rocío de la Villa, se integra en el programa Kora y reúne 47 obras realizadas por la artista en la última década, en un recorrido que pone el foco en los límites materiales y conceptuales de la pintura contemporánea.

Lejos de plantearse como una retrospectiva, la exposición propone una lectura centrada en los procesos y en los elementos que tradicionalmente han quedado en un segundo plano dentro del relato artístico. Marcos, bastidores, pedestales o soportes dejan de ser piezas invisibles para convertirse en parte activa del discurso. A partir de materiales industriales concebidos para proteger, aislar o embalar —espumas, lijas, cartones o poliuretanos—, Álvarez-Laviada sitúa la pintura en un terreno intermedio que cuestiona la división entre lo considerado esencial y aquello que ha sido relegado a lo funcional o accesorio.

El recorrido se articula a través de varios diálogos con obras de la colección permanente del museo, una de las claves de la exposición. Estas relaciones no buscan establecer jerarquías ni filiaciones directas, sino señalar continuidades y tensiones entre la tradición pictórica y las prácticas actuales. La relación entre pintura y arquitectura, la ausencia de la figura o el papel del soporte como elemento estructural aparecen como cuestiones compartidas que atraviesan épocas distintas y que aquí se reformulan desde una mirada contemporánea.

Uno de los ejes centrales de la muestra es la aproximación a la abstracción geométrica desde una perspectiva crítica. Atributos como lo vertical y lo horizontal, lo duro y lo blando, lo lleno y lo vacío, asociados históricamente a oposiciones de género, son revisados mediante procesos de repetición y variación que desplazan el sentido de estas categorías. En series como Idea as Model, las obras remiten a maquetas y estructuras incompletas, situando la pintura en un estado de provisionalidad que evita la idea de obra cerrada o definitiva.

La noción de vacío y de espacio negativo atraviesa buena parte de la exposición. En trabajos donde se muestra el reverso de cajas abiertas y embalajes, aquello que normalmente permanece oculto adquiere protagonismo y pone de relieve su papel dentro del sistema del arte. En otras piezas, el pedestal aparece desprovisto de función, convertido en imagen de una ausencia que cuestiona la lógica monumental y celebratoria asociada a la exhibición artística.

Irma Álvarez-Laviada S.T. (Lo necesario y lo posible IX), 2020

La experiencia del espectador ocupa también un lugar relevante en el planteamiento expositivo. La muestra propone una relación con las obras que no se limita a la mirada, sino que apela a una percepción más amplia a través de superficies que sugieren aspereza, blandura, densidad o silencio. Lijas y espumas de insonorización conviven en un mismo espacio, activando una lectura sensorial que rompe con la jerarquía tradicional de los sentidos y subraya la dimensión física de la pintura.

La exposición se cierra con un proyecto específico desarrollado para la última sala, inspirado en el collage y en la lógica del ensamblaje. Una gran pintura y varios volúmenes reproducidos a escala condensan las principales líneas de trabajo de Álvarez-Laviada: la fragmentación, la repetición y la construcción de una poética que se apoya en lo menor y en lo aparentemente secundario para replantear los modelos heredados.

29/01/2026 0 comments
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LiteraturaNoticiasPensamiento

La crisis silenciosa de librerías y editoriales en España

by Emain Juliana 27/01/2026
written by Emain Juliana

El anuncio del cierre de Tipos Infames, previsto para febrero de 2026 tras quince años de actividad continuada en el barrio madrileño de Malasaña, ha actuado como un detonante que ha ido mucho más allá de la conmoción provocada por la desaparición de una librería emblemática, abriendo un debate de fondo que el sector del libro llevaba tiempo posponiendo y que ahora irrumpe con fuerza en el espacio público. No se trata únicamente de la pérdida de un enclave cultural concreto, ni siquiera de un proyecto especialmente querido por lectores, autores, editoriales y la mayoritaria cadena del libro, sino de la constatación de que un modelo de librería, consolidado, reconocido, con programación constante y con una comunidad fiel, puede dejar de ser viable sin que medie una caída abrupta del interés por la lectura ni una pérdida evidente de relevancia cultural.

La paradoja resulta difícil de ignorar si se atiende a los datos más recientes sobre hábitos de lectura y compra de libros en España, que dibujan un escenario aparentemente favorable. La población lectora crece, la lectura por ocio se mantiene como práctica habitual en una parte significativa de la ciudadanía, la compra de libros no de texto continúa al alza y las librerías físicas siguen siendo, pese a todos los cambios tecnológicos, el principal canal de adquisición. A ello se suma una producción editorial elevada y una facturación que ha superado los niveles previos a la crisis de 2008, lo que podría llevar a pensar que el sector atraviesa un momento de estabilidad. Sin embargo, esta fotografía macroeconómica, que resulta tranquilizadora en los informes y en los titulares, convive con una realidad mucho más tensa cuando se observa el funcionamiento cotidiano de la cadena del libro, especialmente en el ámbito de las editoriales y librerías independientes.

La contradicción es, en ese sentido, estructural. Se lee más, se publican más títulos y, sin embargo, los espacios que sostienen la circulación cultural del libro cierran o sobreviven en un equilibrio cada vez más precario. El caso de Tipos Infames no responde a una falta de público ni a una desconexión con su entorno, sino a una acumulación de factores que afectan de manera especialmente intensa a los proyectos culturales de proximidad, comenzando por la presión inmobiliaria. El encarecimiento sostenido de los alquileres en los centros urbanos, unido a procesos de gentrificación y turistificación que transforman radicalmente el tejido social de los barrios, ha convertido a muchas librerías en actividades difícilmente compatibles con la lógica del mercado inmobiliario actual. Para un proyecto cuya viabilidad depende de la recurrencia del lector habitual, del tiempo lento y de la construcción de comunidad, la sustitución del vecindario por un flujo constante de consumo rápido supone una erosión progresiva que no siempre se percibe de inmediato, pero que termina por hacer inviable la continuidad.

A esta transformación del entorno urbano se suma una cuestión menos visible, pero decisiva para entender la fragilidad del sector: la estructura económica real del libro. El reparto del precio de venta, cuando se analiza con detalle, explica por qué el margen de maniobra es tan reducido para quienes editan y venden. Aproximadamente un 55 % del precio de un libro se destina a cubrir el circuito de distribución y librería, a lo que hay que añadir un 4 % de IVA que sale directamente del precio final. El porcentaje restante, en torno al 41 %, debe sostener todo lo demás: el autor, que suele percibir un 10 %, y, cuando los hay, ilustradores, correctores, diseñadores y lectores editoriales, además del trabajo del editor, los costes de impresión y encuadernación, la promoción, la prensa, el marketing, los envíos, la asistencia a ferias y la gestión administrativa que permite que ese libro llegue a existir y a circular.

HÁBITOS DE LECTURA Y COMPRA DE LIBROS EN ESPAÑA 2025

Este reparto convierte al libro en un producto cultural sometido a un equilibrio extremadamente delicado, en el que cada título supone una inversión significativa que solo se amortiza a medio o largo plazo, si es que llega a hacerlo, y en el que cualquier desviación, una subida de los costes de impresión, una devolución elevada, una campaña de ventas que no funciona como se esperaba, puede desajustar por completo el balance anual de una editorial pequeña. A diferencia de otros sectores, el libro no permite recortes sin consecuencias profundas, porque eliminar la corrección, el diseño o el trabajo editorial no genera eficiencia, sino empobrecimiento del texto, del objeto y, en última instancia, de la experiencia de lectura. Todo está ajustado al límite, y ese límite se toca con demasiada frecuencia.

En este contexto ya de por sí estrecho, existen además costes fijos que no dependen del número de libros vendidos ni del éxito de un título concreto, pero que pesan de manera constante en la contabilidad de las editoriales. Entre ellos, las cuotas gremiales. Los editores agremiados deben asumir pagos periódicos que se suma a una estructura de gastos fija e ineludible. La pertenencia a los gremios proporciona representación institucional, acceso a determinados servicios y participación en marcos de negociación colectiva, pero supone también una carga añadida para proyectos que ya operan con márgenes mínimos y sin capacidad real de acumulación, de modo que la profesionalización, lejos de garantizar estabilidad, se convierte a menudo en una fuente adicional de presión.

El resultado de esta suma de factores es un modelo basado en la resistencia permanente. Se publica, se vende, se cobra y, en muchos casos, ese ingreso se destina de inmediato a cubrir compromisos previos, sin que llegue a consolidarse una base económica que permita crecer, invertir o simplemente amortiguar los golpes. Mientras tanto, los hábitos de consumo cultural continúan transformándose, y aunque las librerías siguen siendo el principal canal de compra, el peso creciente de la venta online y de las grandes cadenas introduce una competencia desigual que beneficia a los grupos editoriales con redes de distribución propias y capacidad de visibilidad, y deja en situación de vulnerabilidad a quienes trabajan desde la escala pequeña y el catálogo cuidado.

En este escenario, las políticas públicas parecen avanzar con dificultad, oscilando entre el reconocimiento simbólico del valor cultural de las librerías y la incapacidad para abordar los factores estructurales que condicionan su supervivencia, como el acceso a locales en condiciones asumibles o la protección efectiva del comercio cultural frente a dinámicas puramente especulativas. El cierre de Tipos Infames, leído desde esta perspectiva, deja de ser una excepción para convertirse en un síntoma que obliga a replantear de manera honesta qué lugar ocupa el libro en las ciudades y qué tipo de ecosistema cultural se está dispuesto a sostener.

Pensar el futuro de las editoriales y las librerías en España exige, por tanto, ir más allá de los indicadores optimistas y atender a la realidad material del trabajo cultural, que no existe en abstracto ni se sostiene únicamente con buenas cifras. El libro necesita espacios, tiempo, profesionales y una red de relaciones que no puede improvisarse ni sustituirse por algoritmos. Cada librería que cierra no es solo un negocio que desaparece, sino un lugar menos donde la lectura se convierte en experiencia compartida, y cuando esos lugares se pierden, lo que se erosiona no es solo la economía del libro, sino la vida cultural misma de las ciudades.

27/01/2026 0 comments
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MúsicaNoticias

Galiana y Gómez Alemany homenajean a Millares y Palazuelo

by Uve Magazine 23/01/2026
written by Uve Magazine

El sello Liquen Records ha publicado un nuevo trabajo discográfico firmado por Josep Lluís Galiana y Joan Gómez Alemany, un proyecto que toma como punto de partida la obra de Manolo Millares y Pablo Palazuelo, dos nombres fundamentales del arte abstracto español del siglo XX. El disco, titulado Homenatge a Manolo Millares i Pablo Palazuelo, reúne la música creada para tres películas vinculadas a la obra de ambos artistas y se publica en el marco del centenario del nacimiento de Millares.

Manolo Millares y Pablo Palazuelo, a la derecha

Lejos de plantearse como un mero acompañamiento musical, el álbum surge de un proceso de trabajo prolongado, en el que la música, el cine y la reflexión teórica avanzan de forma paralela. El proyecto ha contado con la colaboración de la Fundación Pablo Palazuelo, la familia de Millares, la Fundación Azcona y el Institut Valencià de Cultura, y ha tenido como escenarios de estreno el Museo de Arte Contemporáneo de Vigo, el Institut Valencià d’Art Modern y la Fundación Antonio Pérez – Centro de Arte Contemporáneo.

La grabación se realizó en Liquen Studios y el disco se distribuye tanto en formato físico en España como en las principales plataformas digitales internacionales. Con este lanzamiento, Liquen Records, que cumple una década de actividad, refuerza una línea editorial centrada en la música improvisada y experimental, con especial atención a proyectos donde distintas disciplinas artísticas se cruzan de forma natural.

El punto de partida conceptual del trabajo se encuentra en el libro Cartas en torno a Manolo Millares, Pablo Palazuelo y otros, una correspondencia entre Alfonso de la Torre y Joan Gómez Alemany, publicada en 2022 por EdictOràlia, coincidiendo con el cincuenta aniversario del fallecimiento de Millares. A partir de ese intercambio de ideas en torno a la pintura, el pensamiento y el contexto histórico de ambos artistas, Galiana y Gómez Alemany desarrollaron un trabajo musical basado en la improvisación, la electrónica y la creación electroacústica.

Josep Lluis Galiana. Joan Gomez Alemany

Para Josep Lluís Galiana, saxofonista de soprano y tenor, el proyecto supuso un reto artístico poco habitual, al tratarse de componer e improvisar desde la obra pictórica y audiovisual de Millares y desde el cine de Gómez Alemany, con quien mantiene una colaboración continuada desde hace ocho años. Galiana destaca la intensidad del proceso y el impacto que le ha producido una aproximación prolongada a la poética visual de Millares, marcada por la materialidad, la tensión y el uso de recursos mínimos con una fuerte carga expresiva.

Joan Gómez Alemany, por su parte, señala que el disco prolonga en el ámbito sonoro muchas de las cuestiones planteadas en el libro escrito junto a Alfonso de la Torre. Desde su perspectiva, la música establece relaciones directas con la pintura, el cine y la escritura, organizándose a través de estructuras superpuestas y de un trabajo detallado con la electrónica, el tiempo y el espacio sonoro.

El álbum se articula en torno a tres obras principales. Para Pablo Palazuelo, variaciones sobre un imposible paisaje es una película rodada por Gómez Alemany con música electroacústica del propio autor, estrenada en el Marco de Vigo el 18 de mayo de 2023, coincidiendo con el Día Internacional de los Museos. Millares 1972-2022 se presentó en su versión cinematográfica en el IVAM de València en septiembre de 2022 y tuvo una posterior interpretación en directo, con saxofones y electrónica, en la Fundación Antonio Pérez de Cuenca.

La tercera pieza, Millares 1970, parte de una película realizada por Manolo Millares junto a Elvireta Escobio, que en su versión original incorporaba música de Pierre Henry y Pierre Schaeffer. Galiana y Gómez Alemany han creado una nueva banda sonora para esta obra, que se estrenó en concierto en Cuenca en 2022 y posteriormente en Vigo en 2023.

Con este disco, Liquen Records suma un nuevo título a su catálogo y consolida una propuesta que sitúa la música contemporánea en diálogo directo con la historia del arte, el cine y el pensamiento visual.

LIQUEN RECORDS

23/01/2026 0 comments
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ArteNoticiasPersonajes

Valentino “El último emperador”

by Beatriz Menéndez Alonso 20/01/2026
written by Beatriz Menéndez Alonso

No mueren los diseñadores como mueren los hombres comunes. Mueren dejando telas suspendidas en el aire, recuerdos cosidos a la memoria colectiva, colores que ya no pertenecen al espectro sino a la cultura. Valentino Garavani ha muerto y, sin embargo, el rojo —su rojo— continúa caminando solo por el mundo, como una mujer que no necesita presentación.

Hablar de Valentino es hablar de una sensibilidad. No de una moda —esa palabra demasiado rápida— sino de una forma de mirar el cuerpo humano como una arquitectura delicada, digna de respeto. En una época que aprendió a confundir novedad con estruendo, él eligió el susurro. Y ese susurro, paradójicamente, se convirtió en una de las voces más reconocibles del siglo XX.

Nació en Voghera, una ciudad pequeña, casi invisible, como suelen ser los lugares que incuban grandes obsesiones. Nada hacía presagiar que aquel joven terminaría vistiendo a emperatrices modernas, a viudas presidenciales, a actrices que parecían existir únicamente para ser recordadas.

París le ofreció el rigor. Roma, el alma. Entre ambas ciudades se formó una sensibilidad que no aceptaría la improvisación como virtud ni el descuido como estilo. Aprendió que la costura no es un gesto rápido, sino una conversación larga entre las manos y la tela. Que un dobladillo mal resuelto puede alterar no solo un vestido, sino la postura de quien lo lleva, la manera en que entra en una habitación, la forma en que se recuerda a sí misma.

Cuando abrió su casa de moda, no parecía estar fundando un imperio, sino un refugio. Un lugar donde el ruido del mundo quedaba fuera y solo importaba la línea, la caída, la exactitud.

El rojo como destino

Desfile de Alta Costura de Valentino, en el año 2008

El color puede ser una emoción detenida.

En el caso de Valentino, el rojo fue una emoción persistente. No un capricho cromático, sino una afirmación existencial. Ese rojo —profundo, decidido, imposible de confundir— no necesitaba explicación. No era el rojo de la urgencia ni el de la violencia. Era un rojo consciente de sí mismo.

Un rojo que no pedía permiso. Con el tiempo, el mundo dejó de decir “rojo” y comenzó a decir “Valentino”, como si el lenguaje hubiera aceptado que ya no eran cosas separadas.

Ese color acompañó cuerpos distintos, épocas distintas, mujeres distintas, sin perder nunca su identidad. Tal vez porque no pretendía transformarlas, sino acompañarlas. El rojo no era un disfraz: era una afirmación.

Vistió cuerpos, sí, pero sobre todo vistió momentos.

Jacqueline Kennedy, envuelta en sus líneas puras, llevaba más que elegancia: llevaba duelo, transición, vigilancia constante. Valentino entendió que su ropa no debía competir con esa carga, sino sostenerla. En sus vestidos, Jackie no parecía adornada, sino acompañada.

Audrey Hepburn, por su parte, era casi incorpórea. En ella, Valentino afinó la ligereza, el equilibrio perfecto entre presencia y retirada. No la vistió para hacerla mujer fatal ni musa inalcanzable, sino para permitirle seguir siendo ese punto exacto entre infancia y madurez, entre fragilidad y determinación.

Elizabeth Taylor era exceso, color, dramatismo. A ella no intentó contenerla: la celebró. Supo que hay cuerpos que no piden discreción, sino estructura; no silencio, sino marco. En sus vestidos, Taylor no se moderaba: se afirmaba.

Sophia Loren representaba otra cosa: la plenitud. El peso de la tradición mediterránea, la sensualidad sin culpa, la carne como territorio legítimo. Valentino no la estilizó para adelgazarla simbólicamente; la honró. Comprendió que la verdadera elegancia no reduce, sino que reconoce.

Más tarde llegarían princesas, aristócratas, actrices de nuevas generaciones, mujeres jóvenes que buscaban no tanto diferenciarse como inscribirse en una continuidad. Porque vestir Valentino era, para muchas, entrar en una genealogía. No solo de moda, sino de actitud: una forma de ocupar el mundo con serenidad.

La alta costura como resistencia

Mientras el mundo aceleraba, Valentino permanecía. Mientras la moda se fragmentaba en tendencias efímeras —una por estación, una por semana, una por pantalla— él insistía en la idea de legado. No por nostalgia, sino por convicción. Sabía que no todo debe moverse para estar vivo.

Fue llamado “el último emperador” de la alta costura, no por su poder, sino por su negativa a abdicar del oficio. En una industria que celebraba el gesto rápido, el impacto inmediato, él defendía la lentitud como forma de pensamiento. Defendía el derecho a repetir una prueba, a corregir un error, a no mostrar aquello que aún no estaba listo.

En sus talleres, la aguja seguía siendo importante. El tiempo seguía teniendo valor. Las manos —no las ideas abstractas, no los discursos— eran el centro de todo. El error no era parte del espectáculo ni del relato creativo: era algo que debía corregirse, pacientemente, hasta desaparecer.

Esa ética del trabajo, casi silenciosa, convirtió su casa en un espacio aparte, un lugar donde el calendario del mundo exterior parecía perder autoridad. Allí, la moda no era contenido: era oficio.

Hoy, pensar en Valentino es pensar en una idea de belleza que no pide disculpas por ser bella. En una elegancia que no teme parecer clásica en un mundo obsesionado con parecer nuevo. En una masculinidad creativa que comprendió —sin teorizarlo, sin explicarlo— el misterio de lo femenino sin intentar poseerlo, corregirlo ni reinterpretarlo.

 No diseñó para provocar debates, sino para crear continuidad. Y, sin embargo, esa continuidad fue profundamente subversiva. En una cultura del descarte, él apostó por la duración. En una estética del ruido, por el silencio. En una época de ironía, por la seriedad del gesto bien hecho.

Su legado no está solo en museos, exposiciones o archivos de moda. Está en la memoria emocional de quienes han visto uno de sus vestidos y han sentido —aunque no supieran explicarlo— que allí había algo más que tela: había tiempo condensado, había cuidado extremo, había una forma de amor no declarada.

Su retirada no fue un final abrupto, sino un gesto elegante. No se aferró al escenario ni prolongó la despedida. Supo irse cuando su obra ya hablaba sola, cuando el rojo seguía caminando sin necesidad de su presencia física.

Ahora que Valentino ha muerto, no queda el vacío. Queda la continuidad. Queda el rojo, atravesando décadas como una línea segura. Queda la idea de que crear no es gritar más fuerte, sino escuchar mejor. Queda la certeza de que la elegancia no es una moda, sino una forma de estar en el mundo.

Y quizá, dentro de muchos años, cuando ya nadie recuerde fechas ni nombres con precisión, alguien verá un vestido rojo —perfectamente construido, silenciosamente poderoso— y sentirá algo difícil de explicar: una calma, una gravedad, una presencia. Entonces, sin saberlo, estará mirando todavía a Valentino.

Porque algunas obras no terminan cuando su autor se va. Simplemente aprenden a caminar solas.

20/01/2026 0 comments
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MúsicaNoticias

Cryptic Shift y su nuevo álbum Overspace & Supertime

by Emain Juliana 15/01/2026
written by Emain Juliana

Cryptic Shift nació en Leeds en 2015, cuando Alexander Bradley y Ryan Sheperson decidieron montar una banda que no se limitara a apilar riffs imposibles, sino que aspirara a algo más ambicioso: hacer convivir el death y el thrash metal técnico con la ciencia ficción sin caer en el disfraz ni en el guiño fácil. Desde el primer momento quedó claro que el objetivo no era tocar más rápido que nadie, sino crear un universo propio en el que música y relato avanzaran juntos, empujándose mutuamente.

Overspace & Supertime

Esa idea cristalizó en Visitations From Enceladus (2020), un debut que los sacó del circuito local y los colocó directamente en el radar internacional. No fue solo una cuestión de virtuosismo —que lo había—, sino de cómo las estructuras progresivas y el imaginario sci-fi estaban integrados con naturalidad, sin parecer un añadido decorativo. De ahí que la banda acabara definiendo su sonido como “Phenomenal Technological Astrodeath”, una etiqueta excesiva, sí, pero sorprendentemente ajustada a lo que proponían.

Overspace & Supertime retoma ese mismo universo, aunque lo hace desde un ángulo distinto. No funciona como una secuela directa, sino como una realidad alternativa en la que el relato se estira hacia zonas más extrañas y ambiciosas. Sheperson explica que el disco empuja al personaje principal a nuevas dimensiones, con encuentros más bizarros y situaciones más extremas, mientras la banda afina todavía más la manera de soldar concepto y composición para que todo respire como un bloque único.

En el apartado sonoro, el álbum ha sido producido por Jack Helliwell y masterizado por Greg Chandler, una combinación que se traduce en un sonido compacto, amplio y muy controlado, capaz de sostener la complejidad sin perder pegada. La parte visual corre a cargo de Jesse Jacobi, con una portada inspirada en 40 Days In The Desert de Moebius, donde figuras altas y encapuchadas enmarcan el encuentro entre “The Recaller” y “The Alien Sorceress”. Incluso aquí hay diálogo con el pasado: la composición del arte remite sutilmente al debut, dejando claro que ambos discos están conectados por debajo de la superficie.

Como adelanto, la banda ha publicado el videoclip de “Hexagonal Eyes (Diverity Trepaphymphaszym)”, dirigido por Murry Deaves, una canción que funciona casi como una declaración de intenciones. Todo suena más extremo, más afilado y, al mismo tiempo, más seguro de sí mismo, con una cascada de ideas que no se desborda en ningún momento. A nivel narrativo, el tema introduce un nuevo giro: una enfermedad temporal que aparece cuando el protagonista regresa a la base lunar ya conocida por quienes siguieron el primer disco.

Lejos de buscar atajos o fórmulas más digeribles, Overspace & Supertime confirma que Cryptic Shift sigue apostando por un camino muy exigente, pero perfectamente reconocible. 

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AgendaLiteraturaNoticias

Cartel de la Feria del Libro de Madrid 2026

by Clara Belmonte 15/01/2026
written by Clara Belmonte

Miguel Pang será el autor del cartel de la Feria del Libro de Madrid de 2026, una edición que, coincidiendo con su 85.º aniversario, ha decidido tomar el humor como hilo conductor y que se celebrará entre el 29 de mayo y el 14 de junio en el Parque de El Retiro. La imagen oficial, que se presentará a comienzos de abril, marcará el primer gesto visible de una Feria que quiere repensarse desde un tono menos solemne y más atento al placer de leer.

Para Pang, ilustrador afincado en Barcelona y con una trayectoria ampliamente reconocida dentro y fuera de España, el encargo no se plantea como un simple ejercicio gráfico, sino como una búsqueda concreta: dar con una imagen que no imponga, que no abrume, pero que conserve una densidad emocional suficiente como para generar una sonrisa sincera. La dificultad, explica, no está en hacer algo llamativo, sino en construir una imagen que respire, que acompañe al visitante mientras camina entre casetas y árboles, y que no pierda de vista a quienes sostienen la Feria desde hace décadas: los lectores.

Esa atención a quien mira y lee es clave en una edición que quiere situar el humor no como un adorno, sino como una forma de relación con los libros. El cartel, en ese sentido, aspira a funcionar como un gesto de bienvenida, casi como una celebración discreta de la literatura entendida como espacio compartido, más que como escaparate.

La directora de la Feria, Eva Orúe, ha señalado que la elección de Pang responde tanto a la solidez de su imaginario visual como a su capacidad para narrar sin palabras. Sus ilustraciones, explica, están habitadas por criaturas que parecen surgir de un lugar profundamente imaginativo, con una lógica propia, y que invitan a detenerse, a mirar con atención, a buscar siempre una figura más extraña o más inesperada. Esa forma de poblar el papel, que en ocasiones recuerda a una actualización contemporánea del bestiario de El Bosco, encaja con una Feria que quiere estar atravesada por el humor sin renunciar a la complejidad.

Orúe subraya, además, la relación natural de Pang con los libros y su sensibilidad para entender lo que esta edición necesita transmitir: afecto por la lectura, conexión con El Retiro y una atmósfera amable que huya de la grandilocuencia. De ahí su convicción de que el resultado estará a la altura del reto.

Nacido de madre camboyana y padre chino, Miguel Pang ha desarrollado un lenguaje gráfico propio en el que el color, la narración visual y la creación de personajes funcionan como ejes constantes. A su trabajo como ilustrador suma una intensa labor docente y de difusión del oficio. En 2020 fundó, junto a Iratxe López de Munáin, Fosforito, galería y escuela de ilustración en Barcelona, y ha sido invitado como profesor y ponente en instituciones, festivales y ferias de distintos países, desde Corea del Sur hasta Estados Unidos.

Su obra ha aparecido en medios internacionales y ha sido publicada por editoriales de referencia en el ámbito del álbum ilustrado. A lo largo de los años, su trayectoria ha sido reconocida con numerosos premios, entre ellos la Medalla de Oro de la Society of Illustrators de Nueva York, así como selecciones y menciones en certámenes clave del sector.

Con este anuncio, la Feria del Libro de Madrid inicia el recorrido hacia una edición que reunirá, una vez más, a autores, editoriales, librerías, distribuidoras y público general, pero que lo hará bajo un signo distinto: el del humor entendido como una manera de acercarse a los libros sin solemnidad innecesaria y con la voluntad clara de disfrutar del acto de leer.

15/01/2026 0 comments
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AgendaArteNoticias

El Thyssen revisita Express de Robert Rauschenberg

by Uve Magazine 13/01/2026
written by Uve Magazine

En el marco del centenario del nacimiento de Robert Rauschenberg, el Museo Thyssen-Bornemisza presenta una instalación especial en torno a Express (1963), una de las obras más representativas de un artista que cambió de forma radical la manera de entender el arte en el siglo XX. La propuesta cuenta con el apoyo de la Robert Rauschenberg Foundation y se inscribe en un amplio programa internacional de revisión crítica de su legado.

Rauschenberg: Express. En movimiento

Formado en el experimental Black Mountain College, Rauschenberg creció artísticamente en un entorno donde la pintura convivía con la música, la danza y la acción. Esa educación transversal marcó toda su trayectoria y explica su rechazo a las jerarquías tradicionales entre disciplinas. Frente al expresionismo abstracto dominante en los años cincuenta, su obra introdujo materiales cotidianos, imágenes procedentes de los medios de masas y una relación directa con la realidad inmediata.

Comisariada por Marta Ruiz del Árbol, conservadora senior de Pintura Moderna, la instalación propone una nueva lectura de Express, atendiendo tanto a su compleja iconografía como a su impulso experimental. La obra se sitúa en continuidad con los célebres Combines de Rauschenberg, piezas híbridas que borraron las fronteras entre pintura y escultura y que resultaron decisivas para el desarrollo del arte pop, el neo-dada y buena parte del arte contemporáneo posterior.

La muestra subraya también el papel central de Express en la consagración internacional del artista, tras recibir en 1964 el Gran Premio de Pintura de la Bienal de Venecia, un reconocimiento que confirmó la potencia de una obra incómoda, abierta y profundamente innovadora.

Más allá de la revisión histórica, esta instalación invita a reflexionar sobre la vigencia del pensamiento de Rauschenberg y su firme convicción de que el arte no es un objeto aislado, sino una herramienta de transformación individual y social. Una ocasión clara y directa para redescubrir a uno de los grandes agitadores del arte del siglo XX y medir el alcance real de su legado artístico y ético.

Del 3 de febrero al 24 de mayo de 2026

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AgendaNoticias

España, país invitado en los Ithra Cultural Days 2026

by Uve Magazine 12/01/2026
written by Uve Magazine

Del 12 al 31 de enero de 2026, el King Abdulaziz Center for World Culture (Ithra), uno de los grandes centros culturales de Oriente Medio, dedica su programación a España dentro de sus Ithra Cultural Days, un evento que busca acercar culturas a través del arte, la música, el cine, la gastronomía y la experiencia directa del público.

No se trata de una exposición puntual ni de una semana temática al uso. Durante casi tres semanas, Ithra se transforma por completo para ofrecer una imagen amplia y contemporánea de la cultura española, combinando tradición, creación actual y propuestas participativas. España es el país invitado de esta edición tras el éxito de otras anteriores dedicadas a Japón o Corea del Sur, que atrajeron a cientos de miles de visitantes.

El recorrido por el festival es deliberadamente diverso. Hay exposiciones visuales que muestran fotografía, diseño y moda; espacios dedicados al cine español, con proyecciones y encuentros; y una programación escénica que incluye música, danza y reinterpretaciones de clásicos. Entre los platos fuertes figura una versión escénica de Carmen, pensada para dialogar con públicos no occidentales sin perder su identidad original.

La música ocupa un lugar central. El flamenco aparece como uno de los grandes reclamos, pero no como postal turística, sino integrado en un programa que también incluye zarzuela, músicas regionales y propuestas contemporáneas. La intención es clara: mostrar una cultura viva, compleja y en evolución constante.

Uno de los aspectos más cuidados del evento es la experiencia del visitante. Ithra no se limita a mostrar: invita a participar. Talleres creativos, actividades familiares, espacios infantiles y demostraciones artesanales permiten al público saudí acercarse de forma directa a la cultura española, más allá de la contemplación pasiva.

La gastronomía refuerza esta idea de experiencia total. Mercados temporales y espacios culinarios presentan sabores españoles desde una mirada amplia, evitando reducir la cocina a unos pocos clichés reconocibles. Comer, aquí, forma parte del relato cultural.

Más allá de lo artístico, Ithra Cultural Days funciona como una operación de diplomacia cultural de alto nivel. En un contexto internacional marcado por la necesidad de tender puentes culturales, la presencia española en Arabia Saudí adquiere un valor simbólico y estratégico. No es solo una celebración, sino una forma de diálogo entre tradiciones, públicos y formas de entender la cultura.

12/01/2026 0 comments
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AgendaMúsicaNoticias

Los conciertos y festivales más esperados de 2026

by Clara Belmonte 07/01/2026
written by Clara Belmonte

BAD BUNNY

Bad Bunny llegará a España en 2026 con una residencia de doce conciertos —dos en Barcelona y diez en Madrid—, un formato poco habitual en el país. La venta de 600.000 entradas en una sola jornada sitúa esta gira como la de mayor volumen registrada para un artista internacional desde que existen datos oficiales.

Info: Barcelona y Madrid. Del 22 de mayo al 15 de junio. Entradas agotadas.

ROSALÍA

Lux llega con promesa de cambio de formato. La gira arranca en Francia en marzo y en España se concentra en Madrid y Barcelona. Lo que se espera (y lo que tiene sentido, si se mira el disco): un directo más musical, con cuerdas y coro, y canciones antiguas adaptadas a ese registro. Por lo demás, pocas certezas: en este punto, la gira es un contenedor de incógnitas con una sola garantía, que es el control del detalle.

Info: Madrid y Barcelona. Del 30 de marzo al 18 de abril. Entradas agotadas.

THE WEEKND

Cuatro estadios para cerrar la gira europea y dejar claro que lo suyo no va de “venir a cantar”, sino de traer un espectáculo completo. Si se toma como referencia el montaje de 2023: pantallas gigantes, iluminación a gran escala, pirotecnia y teatralidad. Un show pensado para verse desde lejos y que aun así tenga puntos de atención en primer plano.

Info: Madrid y Barcelona. Del 28 de agosto al 1 de septiembre. 57–595 €.

 

GIRAS NACIONALES CON RECORRIDO LARGO

 

LA OREJA DE VAN GOGH

El retorno de Amaia activa el mecanismo clásico: repertorio conocido, público transversal y una gira extensa de pabellones. No es una gira breve “de reencuentro”, sino un plan de temporada completa: 34 conciertos repartidos durante casi todo el año.

Info: 19 ciudades. Del 9 de mayo al 30 de diciembre. 45–290 €.

EL ÚLTIMO DE LA FILA

La vuelta de Manolo García y Quimi Portet se plantea sin grandes mensajes añadidos: canciones de siempre, tocadas como se espera que suenen. Nueve ciudades y un calendario contenido, más cerca del “evento” que del circuito de gira interminable.

Info: nueve ciudades. Del 28 de abril al 9 de julio. 60,50–104,50 €.

FESTIVALES GENERALISTAS: BARCELONA Y MADRID, OTRA VEZ

PRIMAVERA SOUND

Cambio claro de acento: menos foco en el nombre fugaz y más apuesta por nombres que ya tienen peso acumulado. En 2026, además, hay un elemento práctico que suele empujar a los festivales: varios artistas llegan con disco nuevo. En este caso, proyectos como Gorillaz, Massive Attack y The xx aparecen como parte del argumento del año.

Info: Barcelona. Del 4 al 6 de junio. Entrada diaria: 125–195 €. Abono: 335–545 €.

MAD COOL

El décimo aniversario se presenta con un cartel especialmente fuerte y un cabeza visible que funciona en cualquier país: Foo Fighters. En Mad Cool el valor no está en descubrir, sino en la suma de grandes nombres en jornadas largas y un recinto pensado para rotación constante.

Info: Madrid. Del 8 al 11 de julio. (Cartel publicado con más de 70 artistas).

FESTIVALES DE METAL EN ESPAÑA 2026

 

Resurrection Fest (Viveiro)

El festival que ordena la primera semana de julio para el público de metal, hardcore y derivados. En 2026 vuelve a concentrar su programación en cuatro jornadas consecutivas y mantiene su política de venta por tipos de abono.

Cabezas de cartel / nombres destacados: Slipknot, Parkway Drive, Architects, Amon Amarth, Bring Me The Horizon (entre otros nombres de primera línea ya anunciados).
Info: Viveiro (Galicia). Del 1 al 4 de julio de 2026.
Abono 4 días: 235 €. Pandemonium: 335 €. Resurrection Fest

Rock Imperium (Cartagena)

El festival de Cartagena consolida su perfil dentro del circuito europeo de rock y metal con un formato de tres días, cartel por jornadas y venta escalonada. La programación combina bandas clásicas y nombres de metal contemporáneo con tirón internacional. Rock Imperium

Cabezas de cartel / nombres destacados: Iron Maiden, Anthrax, Mastodon, Kreator, Helloween.
Info: Cartagena (Parque El Batel). 3, 4 y 5 de julio de 2026.
Venta por tramos y entradas diarias disponibles.

Barcelona Rock Fest (Santa Coloma de Gramenet)

Festival de rock y metal de gran formato en Cataluña, con una programación centrada en bandas históricas y nombres consolidados del género. Mantiene el esquema de tres días consecutivos.

Cabezas de cartel / nombres destacados: Judas Priest, Scorpions, Accept, Saxon, Deep Purple.
Info: Santa Coloma de Gramenet (Barcelona). 3, 4 y 5 de julio de 2026.
Entradas a la venta. Barcelona Rock Fest 

Leyendas del Rock (Villena)

La edición de 2026 se presenta como XX aniversario, con un cartel diseñado para cubrir distintas generaciones y estilos dentro del metal. A diferencia de otros años, se desplaza claramente a agosto y amplía su duración a cuatro jornadas.

Cabezas de cartel / nombres destacados: Blind Guardian, Nightwish, Sepultura, HammerFall, Angelus Apatrida.
Info: Villena (Alicante). Del 5 al 8 de agosto de 2026.
Cartel por días publicado. Leyendas del Rock

EL CIRCUITO METAL EUROPEO 2026

DOWNLOAD FESTIVAL (Reino Unido)

El festival ya ha publicado el póster de 2026 con los tres nombres grandes en primera línea, además indicados como “UK exclusives”.

Cabezas de cartel: Limp Bizkit, Guns N’ Roses, Linkin Park. Download Festival
Info: Donington Park. 10–14 de junio de 2026.

 

GRASPOP METAL MEETING (Bélgica)

En Graspop 2026 el cartel está construido alrededor de un bloque de bandas muy reconocibles, con varios nombres “de arriba” ya muy claros.

Principales nombres anunciados (cabezas / parte alta): Def Leppard, Twisted Sister, Limp Bizkit, Bring Me The Horizon, Volbeat (entre otros). 
Y, en el arranque de anuncios del festival, también se colocaban muy arriba Limp Bizkit, Within Temptation y Megadeth para el jueves.

Info: Dessel. 18–21 de junio de 2026. Abono: 319 €. Día: 135 €. Graspop Metal Meeting

 

COPENHELL (Dinamarca)

Aquí sí está cristalino: la propia organización ha anunciado explícitamente los cuatro headliners.

Cabezas de cartel: Iron Maiden, Volbeat, Bring Me The Horizon, Twisted Sister. copenhell.dk+1
Info: Copenhague (Refshaleøen). 24–27 de junio de 2026.

 

WACKEN OPEN AIR (Alemania)

Wacken está en modo aniversario y va soltando el cartel por oleadas. En la primera comunicación fuerte de 2026, el festival presentó como punta de lanza a cuatro nombres.

Banda “al frente” de la primera oleada: Def Leppard, In Flames, Powerwolf, Savatage. Wacken Open Air
Info: Wacken. 29 de julio–1 de agosto de 2026 (festival). Camping desde el 26 de julio.

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