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Eventos

ArteEventos

El Museo Guggenheim Bilbao presenta una experiencia inmersiva de Refik Anadol

by Clara Belmonte 19/03/2025
written by Clara Belmonte

El Museo Guggenheim Bilbao inaugura un nuevo ciclo de exposiciones titulado in situ, con el que busca explorar el arte digital en el siglo XXI. La primera muestra de este programa es Arquitectura viva (Living Architecture), una instalación inmersiva del artista turco-estadounidense Refik Anadol, inspirada en el trabajo del arquitecto Frank Gehry. La exposición, que se podrá visitar entre el 7 de marzo y el 19 de octubre de 2025, fusiona arte, arquitectura e inteligencia artificial para ofrecer al público una experiencia sensorial única, donde la estructura del icónico edificio se convierte en el punto de partida de una nueva forma de percepción visual.

Refik Anadol es un pionero en la utilización de la inteligencia artificial como herramienta creativa y en la exploración de sus implicaciones en la sociedad actual y futura. Nacido en Estambul en 1985 y radicado en Los Ángeles, Anadol ha desarrollado un enfoque artístico basado en la recopilación y procesamiento de datos mediante algoritmos avanzados, con los que crea visualizaciones en movimiento que desafían la frontera entre lo digital y lo físico. Sus instalaciones han sido exhibidas en algunos de los espacios culturales más prestigiosos del mundo, como el MoMA de Nueva York, el Centro Pompidou de París y la Serpentine Gallery de Londres. Su trabajo se sitúa en la intersección del arte, la ciencia y la tecnología, explorando el modo en que los datos pueden transformarse en experiencias estéticas envolventes.

En Arquitectura viva (Living Architecture), Anadol utiliza inteligencia artificial para analizar y reinterpretar la estructura del Museo Guggenheim Bilbao, capturando su esencia arquitectónica en un flujo continuo de imágenes generadas por algoritmos. La obra combina datos obtenidos de modelos 3D del edificio con información recopilada en tiempo real sobre las condiciones ambientales y el comportamiento del público, creando una pieza en constante transformación. El resultado es una serie de “alucinaciones artificiales” que convierten la arquitectura en un organismo vivo, en el que formas y colores evolucionan sin cesar, reflejando la dinámica del entorno.

Refik Anadol. Credit Efsun Erkilic

Esta exposición es posible gracias a la colaboración del Museo Guggenheim Bilbao con 1OF1, una entidad dedicada al coleccionismo y la preservación del arte digital. Su fundador, Ryan Zurrer, subraya la importancia de apoyar a los artistas que, con su visión de futuro, están definiendo la expresión artística contemporánea. 1OF1 apuesta por el desarrollo del coleccionismo digital y por la creación de experiencias únicas en el ámbito del arte del siglo XXI.

Por su parte, Euskaltel se une al proyecto como partner tecnológico, reafirmando su compromiso con la innovación y el desarrollo de nuevas ideas a través del arte. Para la compañía, esta colaboración representa una oportunidad de contribuir al avance de la tecnología en el ámbito cultural, facilitando la materialización de propuestas que desafían los límites de la creatividad y la percepción.

Arquitectura viva (Living Architecture) se exhibirá en uno de los espacios más emblemáticos del Museo Guggenheim Bilbao, integrando la arquitectura del edificio con la obra de Anadol. La muestra invita al espectador a reflexionar sobre el papel de la inteligencia artificial en la sociedad y su impacto en la creación artística, explorando nuevas formas de interacción entre la tecnología, la memoria y la imaginación. A través de esta instalación, Anadol no solo transforma el espacio museístico en una experiencia envolvente, sino que plantea una reflexión sobre la relación entre el ser humano y el mundo digital, abriendo un debate sobre la influencia de la inteligencia artificial en la percepción, la creatividad y el futuro del arte.

19/03/2025 0 comments
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AgendaEventos

Primera edición del festival Biophest

by Uve Magazine 10/03/2025
written by Uve Magazine

Matadero Madrid inaugura Biophest, el primer festival que celebra la conexión entre humanos y naturaleza. Del 4 al 6 de abril, Matadero Madrid, centro de creación contemporánea del Área de Cultura, Turismo y Deporte, acogerá la primera edición de Biophest, un festival innovador que explora el vínculo emocional entre las personas y la naturaleza a través de una amplia variedad de actividades. Charlas, talleres, conciertos, exposiciones y rutas guiadas conforman la programación de este evento comisariado por la experta en botánica urbana Elena Páez y la especialista en comunicación cultural Eva F. Cortés.

Biophest surge con la intención de fomentar la biofilia, término que define el amor innato de los seres humanos por la naturaleza. El festival propone un espacio de reflexión y experimentación artística que promueve una conexión más profunda con el entorno vegetal, desde el aprendizaje práctico hasta la inmersión sensorial en instalaciones artísticas y experiencias musicales. Entre las actividades destacadas se incluyen talleres donde los asistentes podrán desarrollar habilidades en jardinería y botánica, aprendiendo a realizar esquejes, mantener espacios verdes urbanos, identificar y cuidar plantas de interior o confeccionar kokedamas, una técnica japonesa inspirada en el bonsái y el ikebana.

El festival contará con la presencia de destacados especialistas que ofrecerán su visión sobre la conexión entre el ser humano y la naturaleza. Entre los ponentes se encuentran Santiago Beruete, filósofo, antropólogo y jardinero, que aboga por una cosmovisión biocéntrica; Sue Stuart-Smith, psiquiatra y escritora británica, autora de La mente bien ajardinada; y Eduardo Barba, paisajista e investigador botánico, quien explorará la relación entre arte y botánica en su charla El arte de las plantas. También participarán Marco Martella, escritor y director de la revista Jardins, y la artista y comisaria de exposiciones Toya Legido, que analizará el papel de la naturaleza en la producción artística.

Los asistentes podrán sumergirse en instalaciones interactivas que exploran la relación entre arte y naturaleza. Plant-based, de Cyrus Clarke, es una innovadora serie de arte digital generativo que evoluciona y captura carbono. Crisálida, de Casa Protea, representa un refugio de musgo que simboliza la transformación y regeneración de la vida vegetal. Además, la instalación Phonofolium, de Scenocosme, permite a los visitantes interactuar con un árbol vivo que emite sonidos en respuesta al tacto humano. En el Terrario de Nave Una, la exposición Variedades de lechugas locales, de Ecosecha, y el proyecto Banco de intercambio de semillas ofrecen un acercamiento a la biodiversidad agrícola y la sostenibilidad.

Biophest también contará con un programa musical que explora la relación entre sonido y naturaleza. La inauguración del festival estará marcada por un homenaje a Plantasia, el icónico álbum de Mort Garson creado para el disfrute de las plantas. El sábado, el productor Brian D’Souza presentará Mushroom Music, inspirado en la comunicación de los hongos, mientras que el domingo cerrará el festival Jordi Sapena con Salve Monstera, un álbum que fusiona lo electrónico con lo orgánico. Además, el festival propone diversas rutas para redescubrir la naturaleza en entornos urbanos. Cuando el río habla recorrerá el Manzanares como un organismo vivo cargado de historia ecológica y social, mientras que Elogio a la jardinería punk invitará a explorar jardines espontáneos que rompen con las normas tradicionales. Otra de las rutas destacadas es La nave de las patatas, un recorrido por el Palacio de Cristal de Arganzuela, espacio que alberga más de 9.000 especies vegetales.

Los más pequeños también tendrán su espacio en Biophest con talleres diseñados para fomentar su curiosidad por la naturaleza. El desafío del bosque y La naturaleza de los objetos están dirigidos a niñas y niños a partir de seis años, con dinámicas que combinan juego y aprendizaje sobre el mundo vegetal. Biophest, organizado por Intermediae y Matadero Madrid, cuenta con el patrocinio de As Pedras, El Águila y la Asociación para la Certificación Española Forestal (PEFC España). Este evento refuerza la línea de trabajo de Intermediae en torno a la permacultura y la ecología crítica, ofreciendo una oportunidad única para repensar la relación entre arte, naturaleza y bienestar humano. Las inscripciones para las actividades gratuitas y la compra de entradas para los talleres de adultos ya están disponibles en intermediae.es.

10/03/2025 0 comments
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ArteEventosMúsica

Epica lanza su nuevo álbum “Aspiral” y anuncia gira

by Clara Belmonte 07/03/2025
written by Clara Belmonte

La banda neerlandesa de metal sinfónico Epica ha anunciado el lanzamiento de su noveno álbum, titulado Aspiral. Saldrá el 11 de abril de 2025 bajo el sello Nuclear Blast Records y promete un sonido potente y envolvente, con una combinación de elementos sinfónicos, coros épicos y la energía del metal progresivo.

El nombre del disco está inspirado en una escultura de 1965 del artista polaco Stanisław Szukalski, que simboliza renovación e inspiración. La banda describe cada canción como una pieza con identidad propia, pero unidas forman una obra que invita a la reflexión y al viaje musical. A lo largo del álbum, Epica explora temas como la transformación personal, el paso del tiempo y la lucha entre la luz y la oscuridad, conceptos recurrentes en su discografía.

En Aspiral, Epica mantiene su característico sonido sinfónico con la inclusión de grandes orquestaciones, coros majestuosos y arreglos cinematográficos. La producción estuvo a cargo de Joost van den Broek, con quien han trabajado en álbumes anteriores, grabado en los Sandlane Studios. La portada fue diseñada por Hedi Xandt, reconocido por su trabajo con Rammstein, Ghost y Parkway Drive, lo que refuerza la estética grandiosa del proyecto.

Influencias y evolución de Epica

Desde su debut en 2003 con The Phantom Agony, Epica ha desarrollado un estilo único que mezcla el metal sinfónico con elementos de música clásica, progresiva y gótica. La banda, liderada por Simone Simons en la voz y Mark Jansen en las guitarras y guturales, ha evolucionado a lo largo de los años, incorporando influencias de música cinematográfica, folk y electrónica. Con discos como The Divine Conspiracy (2007), Design Your Universe (2009) o Omega (2021), han consolidado su reputación como una de las bandas más innovadoras del género.

Aspiral se presenta como un punto de inflexión en su carrera, combinando la esencia de sus primeros trabajos con nuevas exploraciones sonoras. La banda ha experimentado con estructuras más progresivas, una mayor presencia de sintetizadores y una narrativa conceptual más profunda.

Lista de canciones

El disco incluye 11 temas nuevos que reflejan la evolución de la banda:

  1. Cross the Divide

  2. Arcana

  3. Darkness Dies in Light – A New Age Dawns Part VII

  4. Obsidian Heart

  5. Fight to Survive – The Overview Effect

  6. Metanoia – A New Age Dawns Part VIII

  7. T.I.M.E.

  8. Apparition

  9. Eye of the Storm

  10. The Grand Saga of Existence – A New Age Dawns Part IX

  11. Aspiral

Como adelanto, la banda ha estrenado el videoclip de “Cross the Divide”, dirigido por Kunststoff y disponible en plataformas digitales. Este primer sencillo presenta un sonido envolvente con cambios dinámicos, combinando los coros sinfónicos con riffs pesados y la poderosa voz de Simone Simons.

Gira mundial y fechas en España

Epica también ha anunciado una gira mundial para presentar Aspiral, con fechas en Europa y América Latina. En España, la banda actuará en:

  • 30 de enero de 2026 – Barcelona

  • 31 de enero de 2026 – Madrid

Las entradas ya están a la venta en los canales oficiales.

Un nuevo hito en la carrera de Epica

Con Aspiral, Epica sigue evolucionando y explorando nuevas ideas sin perder su esencia. Este nuevo trabajo promete emocionar a sus seguidores y atraer a nuevos oyentes, consolidando su legado como una de las bandas más influyentes del metal sinfónico.

Para más información, visita epica.nl.

07/03/2025 0 comments
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AgendaEventos

Madrid inaugura su primera Feria del Cómic en marzo

by Uve Magazine 06/03/2025
written by Uve Magazine

Madrid se prepara para celebrar un acontecimiento inédito en su escena cultural: la primera edición de la Feria del Cómic de Madrid. El evento tendrá lugar del 27 al 30 de marzo en Matadero Madrid y reunirá durante cuatro días a los amantes del noveno arte en un espacio de intercambio y encuentro con figuras destacadas del panorama nacional e internacional.

Organizada por el Ayuntamiento de Madrid y la Asociación de Librerías de Madrid, con la colaboración de la Fundación Germán Sánchez Ruipérez, FSC (Forest Stewardship Council) y Radio 3 (RNE), esta feria nace con la vocación de convertirse en un referente para lectores, profesionales del sector y creadores.

La feria contará con 36 casetas, gestionadas por librerías madrileñas, muchas de ellas especializadas en cómic, lo que ofrecerá una oportunidad excepcional para descubrir una amplia oferta editorial. Además, el evento incluirá presentaciones, charlas, encuentros con autores y actividades para todos los públicos.

Marta Rivera de la Cruz, delegada del Área de Gobierno de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, ha expresado su entusiasmo ante la inauguración de la feria: “Nos alegra anunciar que Madrid tendrá su Feria del Cómic. Ha estado muy presente en la ciudad a través de librerías y bibliotecas, y ahora contará con su propio evento de referencia”.

Un cartel con identidad propia

El ilustrador y Premio Nacional de Cómic 2015, Javier Olivares, ha sido el encargado de diseñar el cartel de esta primera edición. Su propuesta busca capturar la esencia de la historieta de forma visual, destacando las posibilidades narrativas del medio.

Una programación con tres grandes ejes

La comisaria de la feria, Elisa McCausland, ha diseñado una programación alineada con la propuesta artística de Olivares. Los tres ejes temáticos de la feria son:

  • La casa como unidad narrativa: centrado en relatos autobiográficos y cómics de memorias personales.

  • La ciudad como espacio de experimentación: explorando el cómic de crónica urbana y su relación con la memoria histórica y los movimientos sociales.

  • Los multiversos como oportunidades de encuentro: abordando los géneros de ficción, la experimentación gráfica y el cómic contemporáneo.

Actividades para todos los públicos

Las actividades se desarrollarán en tres escenarios principales: Casa del Lector, Matadero y Cineteca. En esta última, se proyectarán películas dentro del ciclo Autoras de cine, autoras de cómic, con la participación de figuras como Richard McGuire, creador de Aquí (2014), cuya adaptación cinematográfica, Here, será proyectada en Cineteca.

Asimismo, habrá espacios profesionales para libreros y editores, mesas redondas sobre crítica de cómic y librerías especializadas, así como emisiones en directo de programas de Radio 3 y pódcasts especializados.

Horarios y acceso

Las casetas estarán abiertas el jueves 27 de marzo de 16:00 a 20:00 h. y de 11:00 a 20:00 h. de viernes a domingo. La Feria del Cómic de Madrid promete ser una cita imprescindible para explorar la riqueza del sector y conectar con la diversidad del cómic en todas sus manifestaciones.

06/03/2025 0 comments
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AgendaArteEventos

Tarek Atoui. At-Tāriq

by Valeria Cruz 18/02/2025
written by Valeria Cruz

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y TBA21 presentan At-Tāriq, la primera exposición individual de Tarek Atoui en Madrid, un innovador proyecto que explora las tradiciones musicales y artesanales rurales del mundo árabe y del norte de África a través del sonido y el arte. La muestra, comisariada por Daniela Zyman, se podrá visitar del 18 de febrero al 18 de mayo de 2025 y cuenta con la colaboración de la Fundación Ecolec.

Un proyecto de investigación sonora y cultural

El proyecto es un encargo de TBA21 Thyssen-Bornemisza Art Contemporary y es el resultado de más de tres años de viajes e intercambios con músicos y artesanos de la región del Atlas marroquí. A través de este trabajo de campo, Atoui ha recopilado sonidos y melodías tradicionales vinculadas a antiguas rutas comerciales y de peregrinación, con el objetivo de reivindicar su legado oral y reinterpretarlo en un contexto contemporáneo.

Inspirándose en la conexión de la noche con lo desconocido, At-Tāriq (término que significa “la estrella de la mañana” o “el visitante nocturno” y hace referencia al capítulo 86 del Corán) invita a reflexionar sobre la memoria, la identidad y la experiencia poética de la escucha.

La exposición transforma el espacio expositivo del museo en cinco majlis, espacios tradicionales de hospitalidad en la cultura árabe, que Atoui reimagina como estaciones de escucha inmersivas. Estos majlis ofrecen un viaje sensorial a la cultura amazigh, mostrando instrumentos tradicionales fabricados por artesanos de la región junto a piezas de cerámica, textiles y esculturas cinéticas que interactúan con el sonido.

Conocido por su enfoque disruptivo de la música, Atoui trabaja con materiales como bronce, piedra, cerámica y textiles, explorando sus propiedades acústicas y amplificándolas mediante dispositivos sonoros digitales y analógicos. Los visitantes podrán experimentar con una composición en constante mutación, donde objetos vibran, raspan superficies o generan sonidos mecánicos que reescriben el paisaje sonoro.

Un paisaje sonoro en evolución

La base musical de la exposición surge de una residencia artística que Atoui realizó en Córdoba en 2023, donde trabajó con grabaciones de conciertos, poemas y cánticos amazighs. Junto a las artistas Ziúr (Berlín), Susie Ibarra (Nueva York/Berlín) y Nancy Mounir (El Cairo), Atoui fusionó estos sonidos con la electrónica y la improvisación contemporánea, dando lugar a una pieza sonora que se estrenó en concierto en la misma ciudad.

Como parte del programa expositivo, el concierto “Ecos olvidados en el tiempo”, que se presentó en enero en el Museo MAP de Marrakech durante la feria 1-54, será recreado en Madrid el 3 de marzo de 2025, coincidiendo con ARCOmadrid. Esta presentación contará con la participación de las tres artistas que colaboraron con Atoui en Córdoba.

Una exposición en constante activación

At-Tāriq no es una muestra estática, sino un proyecto en continua evolución. Durante los tres meses de exposición, se desarrollará un amplio programa de actividades, incluyendo visitas guiadas nocturnas performativas, conciertos, conferencias y talleres interactivos para distintos públicos. Este programa cuenta con la colaboración de EducaThyssen y Mondo Sonoro, así como el apoyo de instituciones culturales como el Institut Français, Casa Árabe y la Fundación Euroárabe de Altos Estudios.

Tarek Atoui (Beirut, 1980) es un artista sonoro y compositor franco-libanés residente en París. Su trabajo se sitúa en la intersección del sonido, la tecnología y la cultura, diseñando instrumentos y dispositivos para crear experiencias inmersivas. Ha participado en eventos internacionales como la Bienal de Venecia (2019) y ha expuesto en instituciones de prestigio como la Tate Modern de Londres y la Pinault Collection en París.

Desde su proyecto Re-visiting Tarab (2010-2013), Atoui ha explorado cómo las tradiciones musicales rurales del mundo árabe han influido en los repertorios urbanos y religiosos. At-Tāriq es una extensión de esta investigación, un homenaje a la capacidad de la música tradicional para resistir los cambios políticos y sociales.

TBA21: arte contemporáneo y compromiso social

TBA21-Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, fundada en 2002 por Francesca Thyssen-Bornemisza, es una de las principales plataformas de arte y acción pública a nivel internacional. En colaboración con el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, desarrolla exposiciones, programas educativos y residencias artísticas en Madrid, Venecia y Jamaica. Su enfoque combina el arte y la investigación para abordar temas ecológicos, sociales y políticos, contribuyendo a la transformación cultural y la paz.

At-Tāriq es mucho más que una exposición de arte sonoro: es una inmersión en el patrimonio oral del mundo árabe y amazigh, un espacio de reflexión sobre la memoria y la identidad. A través de su investigación y experimentación, Tarek Atoui nos invita a repensar la música como un acto de escucha profunda, un viaje a través del tiempo y el sonido.

18/02/2025 0 comments
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AgendaArteEventos

“Revelaciones” de Marina Vargas

by Valeria Cruz 10/02/2025
written by Valeria Cruz

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta Revelaciones, la octava edición del ciclo Kora, una iniciativa que impulsa el trabajo de mujeres artistas contemporáneas desde una mirada de género. La exposición, comisariada por Semíramis González, recoge la obra de Marina Vargas (Granada, 1980) y propone una relectura de las figuras femeninas tradicionalmente relegadas en el arte, especialmente en el ámbito de lo sagrado y lo espiritual. Tras su paso por Madrid, la muestra itinerará al Museo de Arte Contemporáneo de Querétaro (México) de septiembre de 2025 a enero de 2026.

El protagonismo de lo oculto

La exposición parte de la figura de María Magdalena para construir un recorrido que da visibilidad a mujeres cuya presencia ha sido silenciada o distorsionada en la historia del arte. Vargas entrelaza estas figuras con símbolos, palabras, lecturas del tarot y otros recursos vinculados a su universo creativo.

Las obras expuestas, muchas de ellas creadas específicamente para esta muestra, establecen un diálogo con los espacios del museo y con piezas de la colección permanente, así como con préstamos de instituciones como el Museo Nacional de Escultura. El resultado es un conjunto inédito en el que pintura, escultura, dibujo y sonido convergen en un espacio de reinterpretación y resistencia.

Marina Vargas, Piedad

Cuatro secciones, cuatro cartas del tarot

La exposición se articula en torno a cuatro secciones, cada una de ellas representada por una gran carta del tarot, elemento recurrente en la obra de Vargas.

  1. Palabra: En esta primera sección, el lenguaje es protagonista. Una instalación muestra frases en lengua de signos (española y universal) tomadas de teólogas feministas como Cynthia Bourgeault, artistas como Hannah Wilke, figuras históricas como Juana de Arco y escritoras como Kate Millet, junto con lemas feministas actuales. En el mismo espacio se encuentra la escultura Magdalena (2024), un par de manos unidas en un triángulo que remite al útero y a las movilizaciones feministas. Estas piezas establecen un diálogo con la pintura Hércules en la corte de Onfalia (1537) de Hans Cranach, donde las manos cobran un especial protagonismo.

  2. Visión: En esta sala, Vargas aborda la enfermedad como proceso de transformación. A través de piezas como Mére-Mer (2024), una serie de cangrejos que descienden por la pared en referencia al signo astrológico de cáncer; Lo divino Femenino (2024), un tapiz bordado con la Cruz de Camarga y caracoles usados en rituales afrocubanos; y Exvotos (2022), moldes utilizados en sesiones de radioterapia cubiertos de oro, la artista rememora su experiencia con el cáncer de mama. La sección culmina con la carta del tarot de El Mundo, símbolo de renacimiento.

  3. Cuerpo: Presidida por dos esculturas de la serie Piedad, esta sección juega con la idea del cuerpo fragmentado. Una de las esculturas cuelga del techo, mientras que otra, craquelada en el suelo, parece abrirse para mostrar lo oculto. Estas piezas dialogan con La Virgen del árbol seco (hacia 1465) de Petrus Christus, donde el Árbol de la Ciencia florece nuevamente tras la concepción de Jesús. La sala concluye con la carta del tarot de La Fuerza, que representa la resistencia de las mujeres a lo largo de la historia.

  4. Egipcíaca: Esta última sección se desarrolla en un espacio completamente negro y se centra en la figura de Santa María Egipcíaca, representada en la talla de Luis Salvador Carmona (1734-1766) cedida por el Museo Nacional de Escultura. La obra dialoga con la fotografía de Vargas Noli Me Tangere. La Incredulidad (2020), en la que la artista aparece mastectomizada, y con la tabla La Magdalena (1477-1478) de Derick Baegert. La voz de María Botto, actriz que interpretó a María Magdalena en la película Resucitado (2016), acompaña este espacio con la lectura del significado de las cartas del tarot diseñadas por la artista.

Un arte que revisa la historia

Para Semíramis González, Revelaciones es mucho más que una muestra inédita de Marina Vargas: es un ejercicio de cuestionamiento de las estructuras patriarcales que han dominado el relato del arte. “No se trata solo de dar nombre a las mujeres ocultadas en lo sagrado, sino también de desmontar los códigos visuales que las han cosificado y relegado a los márgenes”, afirma la comisaria.

Marina Vargas, licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Granada y con un máster en Producción e Investigación en Lenguajes Artísticos, ha desarrollado un trabajo multidisciplinar que abarca escultura, pintura, dibujo y fotografía. Su obra forma parte de importantes colecciones institucionales como las de Artium (Vitoria-Gasteiz), CA2M (Madrid), CAAM (Las Palmas de Gran Canaria) o la Fundación Benetton (Italia), entre otras.

Con Revelaciones, Vargas sigue explorando los modelos de representación heredados y los arquetipos visuales que han condicionado el papel de la mujer en la historia del arte. La exposición invita a repensar la iconografía sagrada desde una óptica contemporánea, convirtiéndose en una propuesta imprescindible para quienes buscan una mirada crítica y renovadora sobre el arte y su historia.

10/02/2025 0 comments
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AgendaArteEventos

Warhol y la revolución de la imagen

by Clara Belmonte 06/02/2025
written by Clara Belmonte

La Fundación Canal presenta una de las exposiciones más esperadas del año: “Andy Warhol. Posters”, una muestra que reúne 133 carteles icónicos diseñados por el maestro del pop art entre 1962 y 1987. Con entrada libre y gratuita, la exposición estará disponible del 12 de febrero al 4 de mayo de 2025, ofreciendo una oportunidad única para adentrarse en el legado visual de Warhol desde una perspectiva diferente.

Andy Warhol (1928-1987) fue uno de los artistas más influyentes del siglo XX y el máximo exponente del pop art, un movimiento que revolucionó la manera en que el arte interactuaba con la cultura de masas. Nació en Pittsburgh, Pensilvania, en el seno de una familia de inmigrantes eslovacos. Su carrera comenzó en el mundo de la ilustración publicitaria en la década de 1950, pero su verdadero salto al estrellato llegó en los años 60, cuando empezó a experimentar con la reproducción de imágenes comerciales y la serigrafía.

Su icónica obra “Campbell’s Soup Cans” (1962) fue un punto de inflexión en la historia del arte, desafiando la noción tradicional de la pintura y llevando lo cotidiano a las galerías de arte. Warhol exploró la repetición, el consumismo y la fascinación por la fama a través de retratos de celebridades como Marilyn Monroe, Elvis Presley y Mao Tse-Tung, consolidándose como una de las figuras más provocadoras e innovadoras de su tiempo.

Además de su faceta como artista visual, Warhol se adentró en el cine, la música y la moda, convirtiéndose en un referente indiscutible de la cultura pop y dejando una huella imborrable en el arte contemporáneo.

Warhol no solo fue un artista revolucionario, sino un visionario que comprendió el poder de la imagen mucho antes de la era digital. Su obra elevó la publicidad y el consumo al estatus de arte, desdibujando los límites entre lo comercial y lo artístico.

Aunque sus serigrafías de Marilyn Monroe, las sopas Campbell’s o Mao Tse-Tung son mundialmente conocidas, sus carteles han recibido menos atención a pesar de ser una pieza clave en su producción. La exposición de la Fundación Canal nos sumerge en este universo gráfico, mostrando carteles que Warhol diseñó para museos, festivales de cine, conciertos, campañas sociales y marcas comerciales. Entre las piezas expuestas, destacan sus colaboraciones con Jean-Michel Basquiat, Mick Jagger y los Rolling Stones, así como sus diseños para el MoMA de Nueva York y su icónica serie “Save the Endangered Species” en defensa de los animales en peligro de extinción.

La selección de carteles que presenta la Fundación Canal permite recorrer la evolución artística de Warhol a lo largo de tres décadas. Sus primeras piezas muestran su habilidad para reinterpretar imágenes cotidianas con colores vibrantes y composiciones repetitivas, mientras que en sus últimos trabajos se percibe una estética más provocadora, con imágenes que exploran el poder de la celebridad y el consumismo.

Además, la muestra nos invita a reflexionar sobre el impacto de Warhol en la comunicación visual actual. Sus obras, caracterizadas por la reproducción mecánica y el uso de técnicas de impresión comercial, marcaron un antes y un después en el diseño gráfico y en la forma en que entendemos la imagen en la era digital.

06/02/2025 0 comments
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ArteEventos

Guardi y Venecia en el Thyssen

by Uve Magazine 04/02/2025
written by Uve Magazine

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta por primera vez en Madrid la colección completa de obras de Francesco Guardi perteneciente al Museo Calouste Gulbenkian. Gracias a un acuerdo de colaboración entre ambas instituciones, del 3 de febrero al 11 de mayo de 2025, los visitantes podrán disfrutar de 18 óleos y un dibujo del pintor veneciano, el artista más representado en la colección del financiero armenio Calouste Sarkis Gulbenkian (1869-1955).

Guardi y la veduta veneciana

Miembro de una familia de pintores, Francesco Guardi (1712-1793) se formó en el taller familiar junto a su hermano mayor, Gianantonio. Durante sus primeros años se dedicó a la pintura de temas religiosos e históricos, pero fue en su madurez cuando se especializó en la veduta, la representación de paisajes urbanos. Influenciado por Canaletto, Guardi evolucionó su estilo a través de una pincelada suelta y vibrante, logrando una atmósfera más poética e idealizada que la de su predecesor.

Las obras expuestas, fechadas entre 1765 y 1791, muestran distintos rincones de Venecia, desde vistas icónicas como el Puente de Rialto o el Palacio Ducal, hasta celebraciones populares como la Fiesta de la Ascensión. También incluyen escenas de los alrededores de la ciudad y caprichos arquitectónicos, ejemplos de su libertad creativa en la composición paisajística.

Un recorrido por la Venecia de Guardi

La exposición, comisariada por Mar Borobia, se divide en dos secciones: “La ciudad y sus fiestas” y “Terraferma y los caprichos”, y se exhibe en tres salas de la colección permanente del Thyssen.

En las salas 13 y 14 se presentan escenas festivas y panoramas urbanos que reflejan la animación y el esplendor de Venecia en el siglo XVIII. Entre las piezas más destacadas se encuentran La fiesta de la Ascensión en la plaza de San Marcos (h. 1775), en la que el pintor plasma con pinceladas rápidas el bullicio de la celebración.

Otro lienzo significativo es La partida del Bucintoro (h. 1765-1780), que capta la salida de la galera de los dux desde la dársena veneciana. Asimismo, Regata en el Gran Canal (h. 1775) y El puente de Rialto según el proyecto de Palladio (h. 1770) ofrecen diferentes perspectivas de la ciudad.

Otras obras que completan esta sección incluyen El Canal de Giudecca con la Iglesia de Santa Marta (h. 1770-1780), Pórtico con figuras (h. 1778), El pórtico del Palacio Ducal (h. 1778) y El Gran Canal junto al puente de Rialto (h. 1780-1790), todas representaciones que revelan la maestría de Guardi en la creación de atmósferas vibrantes.

Terraferma y los caprichos

La segunda sección, en la sala 15, exhibe la faceta más libre e imaginativa del pintor. Su pincelada suelta y expresiva captura el paso del tiempo y el deterioro arquitectónico con un tono melancólico. Obras como Capricho con arco romano en ruinas y templo circular (h. 1770-1780) muestran su talento para la composición idealizada.

El interés de Guardi por la vida cotidiana se refleja en Las compuertas en Dolo (h. 1774-1776), donde retrata la actividad del río Brenta. Asimismo, La isla de San Giorgio Maggiore (h. 1790) es un bello ejemplo de su visión de la arquitectura veneciana.

Un legado compartido

La exposición culmina con dos obras clave: Regata en el Gran Canal junto al puente de Rialto (h. 1791) de Giacomo Guardi, hijo del artista, y Il Bucintoro (h. 1745-1750) de Canaletto, prestada por la Colección Thyssen-Bornemisza al Museu Nacional d’Art de Catalunya. Esta última obra sirvió de inspiración para Guardi en una de sus composiciones más emblemáticas.

Esta muestra representa una oportunidad única para admirar el genio de Francesco Guardi y su visión de Venecia en un contexto inigualable, el Museo Thyssen-Bornemisza, donde la tradición y la modernidad se encuentran en un diálogo continuo sobre el arte y la historia.

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ArteEventos

Un Mundo Bajo los Párpados. Marco Godoy en el MAC

by Clara Belmonte 20/01/2025
written by Clara Belmonte

La innovadora exposición Un mundo bajo los párpados del artista español Marco Godoy se presenta en el Museo de Arte Contemporáneo (MAC) de Chile, sede Quinta Normal, hasta marzo de 2025. Bajo la curaduría de Pia Cordero, la muestra desafía a los visitantes a reflexionar sobre la importancia del contacto físico, los afectos y su papel en la acción colectiva.

Un mundo bajo los párpados. Marco Godoy

En una sala de más de 150 metros cuadrados, Godoy combina esculturas humanoides y objetos ancestrales en un montaje que destaca por su teatralidad y uso de tecnología de punta. Las piezas fueron creadas mediante la técnica de “gemelo digital” (Digital Twin, DT), que replica objetos con una precisión asombrosa. Una de las esculturas más impactantes muestra a un personaje sobre un plinto, con los brazos abiertos y el pecho cubierto por docenas de manos abiertas, simbolizando la unión y el contacto humano. Las esculturas humanoides interactúan con objetos como puntas de flecha, un gato egipcio y una cabeza de monumento etrusco. Algunas piezas se esconden bajo grandes telas que invitan a los espectadores a descubrir lo que hay debajo, mientras otras forman pirámides humanas o se alojan en vasijas antiguas. Estas escenas crean un puente entre el presente y el pasado ancestral, reforzando la exploración política de los afectos.

La propuesta estética de Godoy, inspirada en la Bauhaus, se complementa con una iluminación cuidadosamente diseñada. Los colores vibrantes y las sombras generan un entorno inmersivo que estimula una conexión emocional con las obras, permitiendo al visitante “sentir” las texturas y superficies de las esculturas. El recorrido concluye con un video que documenta una performance de actrices interactuando con reproducciones de esculturas clásicas en lo que parece ser la bodega de un museo. La obra combina lo ancestral con lo futurista gracias a efectos lumínicos fluorescentes, invitando a los espectadores a reflexionar sobre el cuerpo como un medio de conexión física y emocional. La curadora Pia Cordero subraya que el enfoque no se centra en un cuerpo poshumano, sino en la relación inmediata entre los cuerpos que genera afectos y acción colectiva.

Un mundo bajo los párpados. Marco Godoy

Marco Godoy es conocido por sus trabajos que combinan estética y crítica política. Ha participado en prestigiosas exhibiciones internacionales, como la Liverpool Biennial y el Centre Pompidou en París. En Chile, destaca su proyecto Al servicio de la visión, realizado durante el estallido social de 2019, donde utilizó escudos reflectantes con cámaras para documentar la violencia estatal en las protestas. En marzo de 2025, se realizarán actividades gratuitas vinculadas a la exposición, como el Laboratorio de obra con Marco Godoy y el taller Postimágenes y feminismos: ¿cómo pensar un futuro colectivo?, liderado por Pia Cordero y Daniela Alegría. Las inscripciones estarán abiertas próximamente.

Un mundo bajo los párpados cuenta con el respaldo del Fondo de Desarrollo Cultural y las Artes (FONDART) 2024. La muestra es una invitación a explorar cómo las emociones y los afectos moldean nuestras relaciones sociales y nuestra conexión con el pasado, en un contexto marcado por la digitalización y la hiperconectividad.

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EventosLiteratura

Madrid y Nueva York en la Feria del Libro 2025

by Uve Magazine 19/01/2025
written by Uve Magazine

La Feria del Libro de Madrid 2025 ha elegido a la ilustradora argentina Coni Curi para diseñar el cartel oficial de su 84.ª edición, un encargo que une las culturas de Madrid y Nueva York, tema central de este año. Inspirada por el diseño gráfico estadounidense de las décadas de 1920 a 1940, la artista aportará su estilo único, al que denomina NeoNostalgia, para reflejar la conexión entre estas dos icónicas ciudades.

La directora de la Feria, Eva Orúe, explicó que la elección de Curi se debió a su capacidad para evocar la gráfica vintage y reinterpretarla desde una perspectiva contemporánea: “Su estilo nos parecía perfecto para esta colaboración. Estamos seguros de que hará justicia a los imaginarios de Nueva York que todos llevamos dentro, sin desconectarse del presente”. Ambas ciudades comparten una rica diversidad cultural y social, plasmada en sus paisajes, su historia migratoria y su vibrante vida literaria. Espacios como Central Park y El Retiro, este último sede de la Feria, representan los puentes que inspirarán el diseño del cartel.

Para Coni Curi, este proyecto es un sueño hecho realidad. “Como fanática de la literatura, como artista, como migrante y como enamorada de las calles de Madrid, me pareció increíble que me eligieran. Al principio sentí miedo por el desafío, pero estoy emocionada de ver mi trabajo paseándose por toda la Feria al ritmo de la gente y los libros”. La artista imagina esta edición como un punto de encuentro entre Madrid y Nueva York, dos ciudades que, aunque distintas en paisaje y ritmo, han sido escenarios de innumerables ficciones literarias y cinematográficas.

El diseño definitivo del cartel, que promete reflejar esta relación transatlántica a través del característico uso de colores vibrantes y referencias nostálgicas de Curi, se desvelará en abril, a pocas semanas del inicio de la Feria. Mientras tanto, la ilustradora se prepara para su primera visita al evento, que añade un toque especial a su participación.

Coni Curi, nacida en Buenos Aires en 1993 y residente en Valencia, ha desarrollado un estilo único que combina pasado y presente. Su fascinación por los catálogos antiguos, los envoltorios de frutas, las cajas de fósforos y la porcelana decorativa se refleja en proyectos como el Tarot de la Fuerza o el Sacred Sisterhood Tarot. Este enfoque le ha permitido crear una comunidad de seguidores en redes sociales (@conicuri), quienes comparten su amor por lo vintage.

La expectación por el cartel que representará la conexión cultural entre Madrid y Nueva York crece día a día. Eva Orúe concluyó: “Habrá que contener la impaciencia para verlo. Hay muchas ganas”. La 84.ª Feria del Libro de Madrid promete ser un evento inolvidable en el calendario literario internacional, celebrando el arte, la literatura y los lazos que unen a dos grandes ciudades.

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