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Eventos

AgendaArteEventos

Tarek Atoui. At-Tāriq

by Valeria Cruz 18/02/2025
written by Valeria Cruz

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y TBA21 presentan At-Tāriq, la primera exposición individual de Tarek Atoui en Madrid, un innovador proyecto que explora las tradiciones musicales y artesanales rurales del mundo árabe y del norte de África a través del sonido y el arte. La muestra, comisariada por Daniela Zyman, se podrá visitar del 18 de febrero al 18 de mayo de 2025 y cuenta con la colaboración de la Fundación Ecolec.

Un proyecto de investigación sonora y cultural

El proyecto es un encargo de TBA21 Thyssen-Bornemisza Art Contemporary y es el resultado de más de tres años de viajes e intercambios con músicos y artesanos de la región del Atlas marroquí. A través de este trabajo de campo, Atoui ha recopilado sonidos y melodías tradicionales vinculadas a antiguas rutas comerciales y de peregrinación, con el objetivo de reivindicar su legado oral y reinterpretarlo en un contexto contemporáneo.

Inspirándose en la conexión de la noche con lo desconocido, At-Tāriq (término que significa “la estrella de la mañana” o “el visitante nocturno” y hace referencia al capítulo 86 del Corán) invita a reflexionar sobre la memoria, la identidad y la experiencia poética de la escucha.

La exposición transforma el espacio expositivo del museo en cinco majlis, espacios tradicionales de hospitalidad en la cultura árabe, que Atoui reimagina como estaciones de escucha inmersivas. Estos majlis ofrecen un viaje sensorial a la cultura amazigh, mostrando instrumentos tradicionales fabricados por artesanos de la región junto a piezas de cerámica, textiles y esculturas cinéticas que interactúan con el sonido.

Conocido por su enfoque disruptivo de la música, Atoui trabaja con materiales como bronce, piedra, cerámica y textiles, explorando sus propiedades acústicas y amplificándolas mediante dispositivos sonoros digitales y analógicos. Los visitantes podrán experimentar con una composición en constante mutación, donde objetos vibran, raspan superficies o generan sonidos mecánicos que reescriben el paisaje sonoro.

Un paisaje sonoro en evolución

La base musical de la exposición surge de una residencia artística que Atoui realizó en Córdoba en 2023, donde trabajó con grabaciones de conciertos, poemas y cánticos amazighs. Junto a las artistas Ziúr (Berlín), Susie Ibarra (Nueva York/Berlín) y Nancy Mounir (El Cairo), Atoui fusionó estos sonidos con la electrónica y la improvisación contemporánea, dando lugar a una pieza sonora que se estrenó en concierto en la misma ciudad.

Como parte del programa expositivo, el concierto “Ecos olvidados en el tiempo”, que se presentó en enero en el Museo MAP de Marrakech durante la feria 1-54, será recreado en Madrid el 3 de marzo de 2025, coincidiendo con ARCOmadrid. Esta presentación contará con la participación de las tres artistas que colaboraron con Atoui en Córdoba.

Una exposición en constante activación

At-Tāriq no es una muestra estática, sino un proyecto en continua evolución. Durante los tres meses de exposición, se desarrollará un amplio programa de actividades, incluyendo visitas guiadas nocturnas performativas, conciertos, conferencias y talleres interactivos para distintos públicos. Este programa cuenta con la colaboración de EducaThyssen y Mondo Sonoro, así como el apoyo de instituciones culturales como el Institut Français, Casa Árabe y la Fundación Euroárabe de Altos Estudios.

Tarek Atoui (Beirut, 1980) es un artista sonoro y compositor franco-libanés residente en París. Su trabajo se sitúa en la intersección del sonido, la tecnología y la cultura, diseñando instrumentos y dispositivos para crear experiencias inmersivas. Ha participado en eventos internacionales como la Bienal de Venecia (2019) y ha expuesto en instituciones de prestigio como la Tate Modern de Londres y la Pinault Collection en París.

Desde su proyecto Re-visiting Tarab (2010-2013), Atoui ha explorado cómo las tradiciones musicales rurales del mundo árabe han influido en los repertorios urbanos y religiosos. At-Tāriq es una extensión de esta investigación, un homenaje a la capacidad de la música tradicional para resistir los cambios políticos y sociales.

TBA21: arte contemporáneo y compromiso social

TBA21-Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, fundada en 2002 por Francesca Thyssen-Bornemisza, es una de las principales plataformas de arte y acción pública a nivel internacional. En colaboración con el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, desarrolla exposiciones, programas educativos y residencias artísticas en Madrid, Venecia y Jamaica. Su enfoque combina el arte y la investigación para abordar temas ecológicos, sociales y políticos, contribuyendo a la transformación cultural y la paz.

At-Tāriq es mucho más que una exposición de arte sonoro: es una inmersión en el patrimonio oral del mundo árabe y amazigh, un espacio de reflexión sobre la memoria y la identidad. A través de su investigación y experimentación, Tarek Atoui nos invita a repensar la música como un acto de escucha profunda, un viaje a través del tiempo y el sonido.

18/02/2025 0 comments
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AgendaArteEventos

“Revelaciones” de Marina Vargas

by Valeria Cruz 10/02/2025
written by Valeria Cruz

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta Revelaciones, la octava edición del ciclo Kora, una iniciativa que impulsa el trabajo de mujeres artistas contemporáneas desde una mirada de género. La exposición, comisariada por Semíramis González, recoge la obra de Marina Vargas (Granada, 1980) y propone una relectura de las figuras femeninas tradicionalmente relegadas en el arte, especialmente en el ámbito de lo sagrado y lo espiritual. Tras su paso por Madrid, la muestra itinerará al Museo de Arte Contemporáneo de Querétaro (México) de septiembre de 2025 a enero de 2026.

El protagonismo de lo oculto

La exposición parte de la figura de María Magdalena para construir un recorrido que da visibilidad a mujeres cuya presencia ha sido silenciada o distorsionada en la historia del arte. Vargas entrelaza estas figuras con símbolos, palabras, lecturas del tarot y otros recursos vinculados a su universo creativo.

Las obras expuestas, muchas de ellas creadas específicamente para esta muestra, establecen un diálogo con los espacios del museo y con piezas de la colección permanente, así como con préstamos de instituciones como el Museo Nacional de Escultura. El resultado es un conjunto inédito en el que pintura, escultura, dibujo y sonido convergen en un espacio de reinterpretación y resistencia.

Marina Vargas, Piedad

Cuatro secciones, cuatro cartas del tarot

La exposición se articula en torno a cuatro secciones, cada una de ellas representada por una gran carta del tarot, elemento recurrente en la obra de Vargas.

  1. Palabra: En esta primera sección, el lenguaje es protagonista. Una instalación muestra frases en lengua de signos (española y universal) tomadas de teólogas feministas como Cynthia Bourgeault, artistas como Hannah Wilke, figuras históricas como Juana de Arco y escritoras como Kate Millet, junto con lemas feministas actuales. En el mismo espacio se encuentra la escultura Magdalena (2024), un par de manos unidas en un triángulo que remite al útero y a las movilizaciones feministas. Estas piezas establecen un diálogo con la pintura Hércules en la corte de Onfalia (1537) de Hans Cranach, donde las manos cobran un especial protagonismo.

  2. Visión: En esta sala, Vargas aborda la enfermedad como proceso de transformación. A través de piezas como Mére-Mer (2024), una serie de cangrejos que descienden por la pared en referencia al signo astrológico de cáncer; Lo divino Femenino (2024), un tapiz bordado con la Cruz de Camarga y caracoles usados en rituales afrocubanos; y Exvotos (2022), moldes utilizados en sesiones de radioterapia cubiertos de oro, la artista rememora su experiencia con el cáncer de mama. La sección culmina con la carta del tarot de El Mundo, símbolo de renacimiento.

  3. Cuerpo: Presidida por dos esculturas de la serie Piedad, esta sección juega con la idea del cuerpo fragmentado. Una de las esculturas cuelga del techo, mientras que otra, craquelada en el suelo, parece abrirse para mostrar lo oculto. Estas piezas dialogan con La Virgen del árbol seco (hacia 1465) de Petrus Christus, donde el Árbol de la Ciencia florece nuevamente tras la concepción de Jesús. La sala concluye con la carta del tarot de La Fuerza, que representa la resistencia de las mujeres a lo largo de la historia.

  4. Egipcíaca: Esta última sección se desarrolla en un espacio completamente negro y se centra en la figura de Santa María Egipcíaca, representada en la talla de Luis Salvador Carmona (1734-1766) cedida por el Museo Nacional de Escultura. La obra dialoga con la fotografía de Vargas Noli Me Tangere. La Incredulidad (2020), en la que la artista aparece mastectomizada, y con la tabla La Magdalena (1477-1478) de Derick Baegert. La voz de María Botto, actriz que interpretó a María Magdalena en la película Resucitado (2016), acompaña este espacio con la lectura del significado de las cartas del tarot diseñadas por la artista.

Un arte que revisa la historia

Para Semíramis González, Revelaciones es mucho más que una muestra inédita de Marina Vargas: es un ejercicio de cuestionamiento de las estructuras patriarcales que han dominado el relato del arte. “No se trata solo de dar nombre a las mujeres ocultadas en lo sagrado, sino también de desmontar los códigos visuales que las han cosificado y relegado a los márgenes”, afirma la comisaria.

Marina Vargas, licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Granada y con un máster en Producción e Investigación en Lenguajes Artísticos, ha desarrollado un trabajo multidisciplinar que abarca escultura, pintura, dibujo y fotografía. Su obra forma parte de importantes colecciones institucionales como las de Artium (Vitoria-Gasteiz), CA2M (Madrid), CAAM (Las Palmas de Gran Canaria) o la Fundación Benetton (Italia), entre otras.

Con Revelaciones, Vargas sigue explorando los modelos de representación heredados y los arquetipos visuales que han condicionado el papel de la mujer en la historia del arte. La exposición invita a repensar la iconografía sagrada desde una óptica contemporánea, convirtiéndose en una propuesta imprescindible para quienes buscan una mirada crítica y renovadora sobre el arte y su historia.

10/02/2025 0 comments
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Warhol y la revolución de la imagen

by Clara Belmonte 06/02/2025
written by Clara Belmonte

La Fundación Canal presenta una de las exposiciones más esperadas del año: “Andy Warhol. Posters”, una muestra que reúne 133 carteles icónicos diseñados por el maestro del pop art entre 1962 y 1987. Con entrada libre y gratuita, la exposición estará disponible del 12 de febrero al 4 de mayo de 2025, ofreciendo una oportunidad única para adentrarse en el legado visual de Warhol desde una perspectiva diferente.

Andy Warhol (1928-1987) fue uno de los artistas más influyentes del siglo XX y el máximo exponente del pop art, un movimiento que revolucionó la manera en que el arte interactuaba con la cultura de masas. Nació en Pittsburgh, Pensilvania, en el seno de una familia de inmigrantes eslovacos. Su carrera comenzó en el mundo de la ilustración publicitaria en la década de 1950, pero su verdadero salto al estrellato llegó en los años 60, cuando empezó a experimentar con la reproducción de imágenes comerciales y la serigrafía.

Su icónica obra “Campbell’s Soup Cans” (1962) fue un punto de inflexión en la historia del arte, desafiando la noción tradicional de la pintura y llevando lo cotidiano a las galerías de arte. Warhol exploró la repetición, el consumismo y la fascinación por la fama a través de retratos de celebridades como Marilyn Monroe, Elvis Presley y Mao Tse-Tung, consolidándose como una de las figuras más provocadoras e innovadoras de su tiempo.

Además de su faceta como artista visual, Warhol se adentró en el cine, la música y la moda, convirtiéndose en un referente indiscutible de la cultura pop y dejando una huella imborrable en el arte contemporáneo.

Warhol no solo fue un artista revolucionario, sino un visionario que comprendió el poder de la imagen mucho antes de la era digital. Su obra elevó la publicidad y el consumo al estatus de arte, desdibujando los límites entre lo comercial y lo artístico.

Aunque sus serigrafías de Marilyn Monroe, las sopas Campbell’s o Mao Tse-Tung son mundialmente conocidas, sus carteles han recibido menos atención a pesar de ser una pieza clave en su producción. La exposición de la Fundación Canal nos sumerge en este universo gráfico, mostrando carteles que Warhol diseñó para museos, festivales de cine, conciertos, campañas sociales y marcas comerciales. Entre las piezas expuestas, destacan sus colaboraciones con Jean-Michel Basquiat, Mick Jagger y los Rolling Stones, así como sus diseños para el MoMA de Nueva York y su icónica serie “Save the Endangered Species” en defensa de los animales en peligro de extinción.

La selección de carteles que presenta la Fundación Canal permite recorrer la evolución artística de Warhol a lo largo de tres décadas. Sus primeras piezas muestran su habilidad para reinterpretar imágenes cotidianas con colores vibrantes y composiciones repetitivas, mientras que en sus últimos trabajos se percibe una estética más provocadora, con imágenes que exploran el poder de la celebridad y el consumismo.

Además, la muestra nos invita a reflexionar sobre el impacto de Warhol en la comunicación visual actual. Sus obras, caracterizadas por la reproducción mecánica y el uso de técnicas de impresión comercial, marcaron un antes y un después en el diseño gráfico y en la forma en que entendemos la imagen en la era digital.

06/02/2025 0 comments
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ArteEventos

Guardi y Venecia en el Thyssen

by Uve Magazine 04/02/2025
written by Uve Magazine

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta por primera vez en Madrid la colección completa de obras de Francesco Guardi perteneciente al Museo Calouste Gulbenkian. Gracias a un acuerdo de colaboración entre ambas instituciones, del 3 de febrero al 11 de mayo de 2025, los visitantes podrán disfrutar de 18 óleos y un dibujo del pintor veneciano, el artista más representado en la colección del financiero armenio Calouste Sarkis Gulbenkian (1869-1955).

Guardi y la veduta veneciana

Miembro de una familia de pintores, Francesco Guardi (1712-1793) se formó en el taller familiar junto a su hermano mayor, Gianantonio. Durante sus primeros años se dedicó a la pintura de temas religiosos e históricos, pero fue en su madurez cuando se especializó en la veduta, la representación de paisajes urbanos. Influenciado por Canaletto, Guardi evolucionó su estilo a través de una pincelada suelta y vibrante, logrando una atmósfera más poética e idealizada que la de su predecesor.

Las obras expuestas, fechadas entre 1765 y 1791, muestran distintos rincones de Venecia, desde vistas icónicas como el Puente de Rialto o el Palacio Ducal, hasta celebraciones populares como la Fiesta de la Ascensión. También incluyen escenas de los alrededores de la ciudad y caprichos arquitectónicos, ejemplos de su libertad creativa en la composición paisajística.

Un recorrido por la Venecia de Guardi

La exposición, comisariada por Mar Borobia, se divide en dos secciones: “La ciudad y sus fiestas” y “Terraferma y los caprichos”, y se exhibe en tres salas de la colección permanente del Thyssen.

En las salas 13 y 14 se presentan escenas festivas y panoramas urbanos que reflejan la animación y el esplendor de Venecia en el siglo XVIII. Entre las piezas más destacadas se encuentran La fiesta de la Ascensión en la plaza de San Marcos (h. 1775), en la que el pintor plasma con pinceladas rápidas el bullicio de la celebración.

Otro lienzo significativo es La partida del Bucintoro (h. 1765-1780), que capta la salida de la galera de los dux desde la dársena veneciana. Asimismo, Regata en el Gran Canal (h. 1775) y El puente de Rialto según el proyecto de Palladio (h. 1770) ofrecen diferentes perspectivas de la ciudad.

Otras obras que completan esta sección incluyen El Canal de Giudecca con la Iglesia de Santa Marta (h. 1770-1780), Pórtico con figuras (h. 1778), El pórtico del Palacio Ducal (h. 1778) y El Gran Canal junto al puente de Rialto (h. 1780-1790), todas representaciones que revelan la maestría de Guardi en la creación de atmósferas vibrantes.

Terraferma y los caprichos

La segunda sección, en la sala 15, exhibe la faceta más libre e imaginativa del pintor. Su pincelada suelta y expresiva captura el paso del tiempo y el deterioro arquitectónico con un tono melancólico. Obras como Capricho con arco romano en ruinas y templo circular (h. 1770-1780) muestran su talento para la composición idealizada.

El interés de Guardi por la vida cotidiana se refleja en Las compuertas en Dolo (h. 1774-1776), donde retrata la actividad del río Brenta. Asimismo, La isla de San Giorgio Maggiore (h. 1790) es un bello ejemplo de su visión de la arquitectura veneciana.

Un legado compartido

La exposición culmina con dos obras clave: Regata en el Gran Canal junto al puente de Rialto (h. 1791) de Giacomo Guardi, hijo del artista, y Il Bucintoro (h. 1745-1750) de Canaletto, prestada por la Colección Thyssen-Bornemisza al Museu Nacional d’Art de Catalunya. Esta última obra sirvió de inspiración para Guardi en una de sus composiciones más emblemáticas.

Esta muestra representa una oportunidad única para admirar el genio de Francesco Guardi y su visión de Venecia en un contexto inigualable, el Museo Thyssen-Bornemisza, donde la tradición y la modernidad se encuentran en un diálogo continuo sobre el arte y la historia.

04/02/2025 0 comments
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ArteEventos

Un Mundo Bajo los Párpados. Marco Godoy en el MAC

by Clara Belmonte 20/01/2025
written by Clara Belmonte

La innovadora exposición Un mundo bajo los párpados del artista español Marco Godoy se presenta en el Museo de Arte Contemporáneo (MAC) de Chile, sede Quinta Normal, hasta marzo de 2025. Bajo la curaduría de Pia Cordero, la muestra desafía a los visitantes a reflexionar sobre la importancia del contacto físico, los afectos y su papel en la acción colectiva.

Un mundo bajo los párpados. Marco Godoy

En una sala de más de 150 metros cuadrados, Godoy combina esculturas humanoides y objetos ancestrales en un montaje que destaca por su teatralidad y uso de tecnología de punta. Las piezas fueron creadas mediante la técnica de “gemelo digital” (Digital Twin, DT), que replica objetos con una precisión asombrosa. Una de las esculturas más impactantes muestra a un personaje sobre un plinto, con los brazos abiertos y el pecho cubierto por docenas de manos abiertas, simbolizando la unión y el contacto humano. Las esculturas humanoides interactúan con objetos como puntas de flecha, un gato egipcio y una cabeza de monumento etrusco. Algunas piezas se esconden bajo grandes telas que invitan a los espectadores a descubrir lo que hay debajo, mientras otras forman pirámides humanas o se alojan en vasijas antiguas. Estas escenas crean un puente entre el presente y el pasado ancestral, reforzando la exploración política de los afectos.

La propuesta estética de Godoy, inspirada en la Bauhaus, se complementa con una iluminación cuidadosamente diseñada. Los colores vibrantes y las sombras generan un entorno inmersivo que estimula una conexión emocional con las obras, permitiendo al visitante “sentir” las texturas y superficies de las esculturas. El recorrido concluye con un video que documenta una performance de actrices interactuando con reproducciones de esculturas clásicas en lo que parece ser la bodega de un museo. La obra combina lo ancestral con lo futurista gracias a efectos lumínicos fluorescentes, invitando a los espectadores a reflexionar sobre el cuerpo como un medio de conexión física y emocional. La curadora Pia Cordero subraya que el enfoque no se centra en un cuerpo poshumano, sino en la relación inmediata entre los cuerpos que genera afectos y acción colectiva.

Un mundo bajo los párpados. Marco Godoy

Marco Godoy es conocido por sus trabajos que combinan estética y crítica política. Ha participado en prestigiosas exhibiciones internacionales, como la Liverpool Biennial y el Centre Pompidou en París. En Chile, destaca su proyecto Al servicio de la visión, realizado durante el estallido social de 2019, donde utilizó escudos reflectantes con cámaras para documentar la violencia estatal en las protestas. En marzo de 2025, se realizarán actividades gratuitas vinculadas a la exposición, como el Laboratorio de obra con Marco Godoy y el taller Postimágenes y feminismos: ¿cómo pensar un futuro colectivo?, liderado por Pia Cordero y Daniela Alegría. Las inscripciones estarán abiertas próximamente.

Un mundo bajo los párpados cuenta con el respaldo del Fondo de Desarrollo Cultural y las Artes (FONDART) 2024. La muestra es una invitación a explorar cómo las emociones y los afectos moldean nuestras relaciones sociales y nuestra conexión con el pasado, en un contexto marcado por la digitalización y la hiperconectividad.

20/01/2025 0 comments
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EventosLiteratura

Madrid y Nueva York en la Feria del Libro 2025

by Uve Magazine 19/01/2025
written by Uve Magazine

La Feria del Libro de Madrid 2025 ha elegido a la ilustradora argentina Coni Curi para diseñar el cartel oficial de su 84.ª edición, un encargo que une las culturas de Madrid y Nueva York, tema central de este año. Inspirada por el diseño gráfico estadounidense de las décadas de 1920 a 1940, la artista aportará su estilo único, al que denomina NeoNostalgia, para reflejar la conexión entre estas dos icónicas ciudades.

La directora de la Feria, Eva Orúe, explicó que la elección de Curi se debió a su capacidad para evocar la gráfica vintage y reinterpretarla desde una perspectiva contemporánea: “Su estilo nos parecía perfecto para esta colaboración. Estamos seguros de que hará justicia a los imaginarios de Nueva York que todos llevamos dentro, sin desconectarse del presente”. Ambas ciudades comparten una rica diversidad cultural y social, plasmada en sus paisajes, su historia migratoria y su vibrante vida literaria. Espacios como Central Park y El Retiro, este último sede de la Feria, representan los puentes que inspirarán el diseño del cartel.

Para Coni Curi, este proyecto es un sueño hecho realidad. “Como fanática de la literatura, como artista, como migrante y como enamorada de las calles de Madrid, me pareció increíble que me eligieran. Al principio sentí miedo por el desafío, pero estoy emocionada de ver mi trabajo paseándose por toda la Feria al ritmo de la gente y los libros”. La artista imagina esta edición como un punto de encuentro entre Madrid y Nueva York, dos ciudades que, aunque distintas en paisaje y ritmo, han sido escenarios de innumerables ficciones literarias y cinematográficas.

El diseño definitivo del cartel, que promete reflejar esta relación transatlántica a través del característico uso de colores vibrantes y referencias nostálgicas de Curi, se desvelará en abril, a pocas semanas del inicio de la Feria. Mientras tanto, la ilustradora se prepara para su primera visita al evento, que añade un toque especial a su participación.

Coni Curi, nacida en Buenos Aires en 1993 y residente en Valencia, ha desarrollado un estilo único que combina pasado y presente. Su fascinación por los catálogos antiguos, los envoltorios de frutas, las cajas de fósforos y la porcelana decorativa se refleja en proyectos como el Tarot de la Fuerza o el Sacred Sisterhood Tarot. Este enfoque le ha permitido crear una comunidad de seguidores en redes sociales (@conicuri), quienes comparten su amor por lo vintage.

La expectación por el cartel que representará la conexión cultural entre Madrid y Nueva York crece día a día. Eva Orúe concluyó: “Habrá que contener la impaciencia para verlo. Hay muchas ganas”. La 84.ª Feria del Libro de Madrid promete ser un evento inolvidable en el calendario literario internacional, celebrando el arte, la literatura y los lazos que unen a dos grandes ciudades.

19/01/2025 0 comments
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EventosPersonajes

Krampus tradición y terror

by Valeria Cruz 24/12/2024
written by Valeria Cruz

Cuando llega la Navidad, la imaginación colectiva se llena de luces, villancicos y la figura bondadosa de Santa Claus repartiendo regalos y alegría. Sin embargo, en los Alpes europeos, existe un personaje mucho más oscuro que contrasta radicalmente con este espíritu festivo: Krampus, una criatura mitad cabra y mitad demonio que se encarga de castigar a los niños desobedientes. Este ser aterrador ha sobrevivido a través de siglos de tradición, emergiendo de las raíces del folclore alpino como un símbolo del equilibrio entre el bien y el mal en la temporada navideña.

Krampus. Imagen vintage de la década de 1930

El origen de Krampus se remonta a las antiguas tradiciones paganas de Europa central, mucho antes de la llegada del cristianismo. Su nombre proviene del alemán krampen, que significa garra, y su imagen evoca a los antiguos espíritus invernales que, según se creía, habitaban los bosques durante los meses más fríos. Algunos historiadores sugieren que Krampus está relacionado con figuras de la mitología nórdica, como Hel, la diosa del inframundo, o con entidades demoníacas que representaban la severidad de los duros inviernos alpinos. Cuando el cristianismo se expandió por la región, las tradiciones paganas no desaparecieron del todo, sino que se adaptaron a las nuevas creencias. Así, Krampus pasó de ser un espíritu salvaje a convertirse en el asistente oscuro de San Nicolás, encargado de mantener a raya a los traviesos mientras el santo recompensaba a los niños obedientes.

La leyenda de Krampus es tan fascinante como aterradora. Cada 5 de diciembre, víspera de la fiesta de San Nicolás, Krampus aparece para recorrer las calles durante la llamada Krampusnacht, o Noche de Krampus. Según el mito, mientras San Nicolás recompensa con dulces y regalos a los niños buenos, Krampus persigue a los desobedientes, blandiendo ramas de abedul y sacudiendo cadenas que resuenan como un siniestro aviso. En algunas versiones de la historia, Krampus incluso secuestra a los niños malos, metiéndolos en un saco o una cesta para llevárselos al inframundo. Esta figura aterradora no solo buscaba disciplinar a los más pequeños, sino que también servía como recordatorio de las consecuencias de los malos actos, manteniendo viva la dualidad entre recompensa y castigo en la época navideña.

La apariencia de Krampus está diseñada para infundir miedo. Su cuerpo está cubierto de un pelaje oscuro, similar al de una cabra, y su rostro presenta grandes cuernos retorcidos, colmillos afilados y una lengua larga y puntiaguda. Las cadenas que porta, a menudo adornadas con campanas ruidosas, simbolizan su esclavitud al diablo, mientras que las ramas de abedul que lleva en sus manos están relacionadas con antiguas prácticas paganas de purificación y castigo. En muchas representaciones, también se le muestra con un saco o una cesta a la espalda, reforzando la idea de que puede llevarse consigo a los niños que no han sabido comportarse.

A pesar de su aterradora reputación, Krampus no es único en su rol dentro del folclore navideño. En toda Europa, encontramos figuras similares que comparten su dualidad moral. Por ejemplo, en Alemania y Pensilvania, el personaje de Belsnickel también combina elementos de recompensa y castigo, apareciendo vestido de harapos y llevando dulces para los niños obedientes y un palo para los desobedientes. En Rusia, Ded Moroz (el Abuelo Frío) es una figura más solemne que reparte regalos durante el Año Nuevo, acompañado por su nieta Snegurochka, aunque sin el aspecto disciplinario de Krampus. Incluso en los Alpes, la tradición de Perchta, una figura femenina asociada al invierno, comparte similitudes con Krampus, castigando a quienes no han cumplido con sus tareas domésticas llenando sus estómagos de paja.

La tradición de Krampus ha sobrevivido durante siglos gracias a eventos como los desfiles de Krampuslauf, o carreras de Krampus, que tienen lugar durante la Krampusnacht. En estos desfiles, personas disfrazadas de Krampus recorren las calles asustando y divirtiendo a los espectadores. Aunque originalmente estas celebraciones estaban arraigadas en las creencias populares, hoy en día tienen un carácter más festivo y turístico, atrayendo a multitudes en lugares como Salzburgo, Austria, donde se pueden ver elaborados disfraces y escuchar las campanas que anuncian la llegada de Krampus. Este resurgimiento de interés por la figura de Krampus también ha trascendido las fronteras de Europa, encontrando eco en la cultura popular contemporánea.

Krampus. Imagen vintage de 1930

En las últimas décadas, Krampus ha ganado una inesperada popularidad fuera de su contexto original. Películas como Krampus (2015), libros ilustrados y postales vintage han contribuido a su difusión, convirtiéndolo en una figura icónica en la era moderna. En países como Estados Unidos, donde la tradición de Santa Claus domina las celebraciones navideñas, Krampus ofrece una alternativa oscura y subversiva que desafía las convenciones. Además, su estética gótica y su conexión con lo macabro lo han hecho particularmente atractivo en una época en la que las redes sociales amplifican el interés por lo inusual y lo misterioso.

Esta fascinación global por Krampus refleja un cambio en la forma en que las sociedades modernas abordan las festividades navideñas. En un mundo cada vez más dominado por el consumismo, Krampus ofrece una narrativa diferente, recordándonos que la Navidad no siempre ha sido una celebración exclusivamente luminosa. Su historia, que combina elementos de antiguas creencias paganas y valores cristianos, nos invita a reflexionar sobre las raíces profundas y multifacéticas de esta época del año. 

Krampus es mucho más que un personaje aterrador. Es un recordatorio de que incluso en las épocas más festivas, hay espacio para la introspección y la reflexión, continúa enriqueciendo la Navidad con un toque de misterio y oscuridad, ofreciendo una visión única y fascinante de una festividad que sigue evolucionando con el tiempo.

24/12/2024 0 comments
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ArteEventos

Narraciones gráficas: Mujeres y saberes rurales

by Uve Magazine 03/12/2024
written by Uve Magazine

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta un documental sobre la quinta edición de Narraciones gráficas: Mujeres y saberes rurales

– En colaboración con FADEMUR, el proyecto visibiliza los conocimientos populares transmitidos por generaciones de mujeres rurales.
– Inspirado en la exposición Lo oculto en las colecciones Thyssen-Bornemisza.
– Disponible en la web de EducaThyssen: www.educathyssen.org/mujeres-saberes.

Madrid, 27 de noviembre de 2024.
El área de Educación del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta un documental que documenta el trabajo desarrollado en la quinta edición de Narraciones gráficas, un proyecto educativo que conecta el arte con temas sociales y fomenta el pensamiento crítico. Esta edición, realizada en colaboración con la Federación de Asociaciones de Mujeres Rurales (FADEMUR), explora los saberes ocultos y la memoria de mujeres rurales, tomando como inspiración la exposición Lo oculto en las colecciones Thyssen-Bornemisza.

Desde su creación en 2019, Narraciones gráficas busca acercar el arte a diferentes colectivos, promoviendo el diálogo intergeneracional y la reflexión. Desde 2021, el proyecto trabaja con asociaciones de mujeres rurales, evolucionando hacia un enfoque dinámico y participativo.

En esta convocatoria, el equipo educativo del museo colaboró con la Asociación AURA FADEMUR en la comarca de Arlanza (Burgos), recolectando bailes, leyendas, recetas y tradiciones que reflejan el legado cultural femenino. Estas mujeres, custodias del patrimonio inmaterial, han sido fundamentales para preservar los valores y costumbres locales.

El proyecto culminó con la exposición Mujeres y saberes, celebrada entre el 15 de junio y el 15 de septiembre de 2023 en el Centro Cultural La Consolación de Villamayor de los Montes (Burgos). Dividida en tres secciones —Celebrar, Curar y Creer—, la muestra combinó obras del museo con tradiciones locales en formatos como fotografías, objetos y podcasts. Cerca de 500 personas participaron en la exposición, dinamizada por las propias mujeres de FADEMUR.

El documental, producido por Walden Audiovisual, recoge este proceso y ya puede verse en la web de EducaThyssen: www.educathyssen.org/mujeres-saberes.

03/12/2024 0 comments
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EventosLiteratura

Feria Internacional del Libro de Guadalajara 2024

by Valeria Cruz 03/12/2024
written by Valeria Cruz

Feria Internacional del Libro de Guadalajara 2024: un espacio para la literatura, la reflexión y el intercambio cultural

La Feria Internacional del Libro de Guadalajara (FIL), consolidada como el evento literario más relevante del mundo hispanohablante, celebra su 38ª edición del 30 de noviembre al 8 de diciembre de 2024. Este año, con España como país invitado de honor, la feria se convierte en un puente de diálogo entre América Latina y Europa, ofreciendo una programación que combina literatura, arte y debates culturales, y reafirma su papel como foro de intercambio cultural y social.

La inauguración de la FIL estuvo marcada por la entrega del Premio de Literatura en Lenguas Romances al escritor mozambiqueño Mia Couto. En su discurso, Couto reflexionó sobre el poder transformador de la poesía, a la que definió como su “religión”. Durante su intervención, rindió homenaje a escritores mexicanos como Octavio Paz y Juan Rulfo, cuya obra ha influido en su trayectoria literaria.

El escritor narró un episodio que marcaría su vida: el día en que una compañera de escuela descubrió su cuaderno de poemas. “Eran poemas muy malos”, admitió entre risas. Sin embargo, la niña le dijo algo que cambiaría su perspectiva: “Tú sabes cómo hacer bailar a las palabras”.

Sus palabras destacaron el papel de la poesía como un lenguaje universal capaz de trascender fronteras y conectar culturas.

La participación española ha sido uno de los ejes centrales de esta edición, con una destacada presencia de autores, artistas y actividades culturales. María Dueñas, autora de éxitos como El tiempo entre costuras, compartió sus experiencias como escritora y reflexionó sobre los cambios en la representación femenina en eventos literarios. Dueñas mencionó que, en el pasado, evitaba participar en algunas ferias debido a la “preeminencia de señoros”, pero celebró cómo los espacios literarios han evolucionado hacia una mayor inclusión.

La música también encontró su lugar en la FIL con la actuación del asturiano Rodrigo Cuevas. En un espectáculo que fusionó el folclore asturiano con el son jarocho mexicano, Cuevas cautivó al público y demostró cómo la música puede ser un lenguaje de unión cultural. Este tipo de colaboraciones artísticas subraya el espíritu de la FIL como un espacio donde se cruzan tradiciones y se generan nuevos diálogos creativos.

Reflexiones sobre la sociedad y la cultura

Más allá de las actividades literarias, la FIL ha sido un escenario para el debate y la reflexión sobre temas contemporáneos. Uno de los puntos destacados fue la discusión sobre la influencia de los nacionalismos en eventos culturales. En este contexto, se defendió la importancia de mantener la feria como un espacio neutral, dedicado exclusivamente al diálogo literario y cultural, lejos de las tensiones políticas que pueden surgir en contextos internacionales.

Otro tema abordado fue el impacto de la tecnología en la interacción humana y la cultura. En un mundo cada vez más conectado, pero paradójicamente más aislado, los ponentes subrayaron la importancia de espacios como la FIL para fomentar el contacto humano y el intercambio de ideas cara a cara. La literatura, en este sentido, se plantea como un medio para reconectar con nuestra esencia y romper con la tendencia al ensimismamiento provocada por los dispositivos digitales.

La renovación de liderazgos en la FIL

En el ámbito organizativo, esta edición marca el inicio de una nueva etapa con el nombramiento de José Trinidad Padilla López como presidente de la FIL, sucediendo a su hermano y fundador del evento, Raúl Padilla López. Este cambio de liderazgo busca mantener el espíritu innovador de la feria, al tiempo que se adapta a las necesidades de un panorama cultural en constante evolución.

Una feria que sigue creciendo

Con cerca de 500 mil visitantes previstos y una amplia representación de editoriales, escritores y agentes culturales de todo el mundo, la FIL reafirma su posición como una de las plataformas más importantes para la industria editorial y la promoción de la literatura. La programación incluye presentaciones de libros, talleres, mesas redondas y actividades artísticas, que van desde recitales poéticos hasta espectáculos de música y danza.

Entre los eventos más destacados, se encuentra el homenaje a figuras clave de la literatura en lengua española y la participación de autores emergentes que buscan posicionarse en el panorama internacional. Además, las actividades enfocadas en el público infantil y juvenil han sido un éxito rotundo, fomentando el hábito de la lectura desde temprana edad.

La FIL de Guadalajara ha sido, una vez más, un espacio para fortalecer los lazos entre España y América Latina. La delegación española no solo ha traído a autores consagrados, sino también a nuevas voces que están redefiniendo la literatura contemporánea. Este intercambio cultural se refleja en la variedad de temas abordados en las mesas redondas, que van desde la literatura como resistencia política hasta las nuevas narrativas digitales.

Por su parte, los autores latinoamericanos han encontrado en esta feria una plataforma para dar a conocer sus obras a un público más amplio, estableciendo conexiones con editoriales y agentes literarios internacionales. Este diálogo entre ambas regiones es una de las fortalezas de la FIL, que actúa como un verdadero puente cultural.

Un cierre con sabor a éxito

A medida que se acerca el final de esta 38ª edición, la FIL deja tras de sí un legado de encuentros literarios y culturales que reafirman su relevancia global. Con una programación diversa, que combina tradición e innovación, la feria sigue siendo un punto de referencia para el mundo del libro y un espacio donde las ideas, las historias y las culturas se entrelazan.

En palabras de Mia Couto durante la inauguración: “La poesía no busca respuestas; busca preguntas”. La FIL, con su rica diversidad de voces y perspectivas, no solo responde a las preguntas del presente, sino que también plantea nuevas cuestiones para el futuro de la literatura y la cultura.

03/12/2024 0 comments
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AgendaArteEventos

Peter Halley en el Thyssen

by Uve Magazine 16/10/2024
written by Uve Magazine

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza se prepara para acoger una importante retrospectiva dedicada al influyente artista contemporáneo Peter Halley, del 19 de octubre de 2024 al 19 de enero de 2025. Esta exposición, comisariada por Guillermo Solana, forma parte del programa de muestras en torno a la colección de Blanca y Borja Thyssen-Bornemisza y marca el regreso de Halley a España, donde no se le había dedicado una exposición de este calibre desde 1992, cuando el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía organizó una retrospectiva sobre su obra. La actual muestra abarca un extenso periodo, desde 1985 hasta 2024, y está compuesta por una selección de veinte pinturas pertenecientes a colecciones tanto públicas como privadas de España. Lo más destacado de esta exposición es que el propio Halley ha participado activamente en su curaduría, seleccionando las obras y diseñando el plan de instalación. Además, este proyecto ha sido organizado en colaboración con el Ajuntament de Palma y el Casal Solleric, donde la exposición viajará en primavera de 2025.

Peter Halley irrumpió en la escena artística en los años 80, aportando una visión crítica y profundamente sociológica a la tradición del arte abstracto-geométrico, hasta entonces dominada por ideales formalistas y utópicos. A través de su obra, Halley desafía las concepciones convencionales de la geometría como un símbolo de racionalidad ideal, reinterpretándola como un reflejo del confinamiento y el control social, impregnado de un trasfondo distópico. Sus representaciones del cuadrado, un elemento venerado casi religiosamente por artistas como Malévich y Josef Albers, adquieren un tono irónico en su obra, donde se transforman en iconos de prisiones, celdas y conductos. Esta visión crítica de la geometría se traduce en composiciones que evocan circuitos integrados y diagramas de flujo, anticipando así la sociedad hiperconectada y, a la vez, profundamente aislada de la era digital.

Un rasgo distintivo del trabajo de Halley es su uso audaz de colores fluorescentes, conocidos como Day-glo, que evocan la intensidad y la energía de las pantallas electrónicas. A través de esta paleta cromática, Halley se ha consolidado como uno de los coloristas más experimentales de su generación, aportando un enfoque novedoso a la relación entre el color, el espacio y el contexto social. Su capacidad para conjugar estos elementos lo convierte en una figura fundamental dentro del arte contemporáneo, y su influencia sigue siendo evidente en artistas y movimientos actuales.

A lo largo de su carrera, Halley ha mantenido su independencia artística, evitando el apoyo de grandes galerías comerciales y optando por colaboraciones a largo plazo con galeristas de confianza en distintos países. Esta exposición también resalta la fuerte conexión que el artista ha establecido con España, donde su obra ha sido bien recibida desde su primera aparición en 1986, cuando participó en la colectiva El arte y su doble: una perspectiva de Nueva York, organizada por la Fundación Caja de Pensiones en Madrid. Poco después, en 1992, el Museo Reina Sofía le dedicó una retrospectiva que ya había recorrido museos europeos como el Musée d’Art Contemporain de Burdeos y el Stedelijk Museum de Ámsterdam. Fue a partir de ese momento que Halley comenzó a exponer con regularidad en galerías españolas, como la Galería Senda en Barcelona y con el galerista Javier López en Madrid, consolidando su relación con el país.

Las pinturas de Halley se encuentran en importantes colecciones públicas y privadas españolas, incluyendo el Museo Reina Sofía, la Fundación “la Caixa” y el Institut Valencià d’Art Modern (IVAM), lo que subraya la relevancia de su obra en el panorama artístico español. Además, cuenta con una instalación permanente en la Biblioteca Pública José Hierro de Usera, en Madrid, inspirada en el cuento La biblioteca de Babel de Jorge Luis Borges, lo que muestra su interés por la intersección entre el arte y la literatura.

La exposición en el Thyssen-Bornemisza ofrece una visión completa de la trayectoria artística de Peter Halley, con veinte pinturas de gran formato que recorren su evolución estilística desde 1985 hasta la actualidad. Obras tempranas como Cárcel (1985) y Comercio de pieles (1994) reflejan un minimalismo monocromático, mientras que trabajos posteriores como Edutainment y Apagón (ambas de 2005), o Gravedad (2006), muestran una mayor complejidad en la repetición de formas, la superposición de planos y el uso de una paleta cromática más variada. En sus creaciones más recientes, Halley sigue profundizando en los temas que caracterizaron su obra temprana, pero con un enfoque renovado. Ejemplos de ello son Mágico a medias (2018), Clemencia (2019) y La nota alta (2020), donde multiplica las formas geométricas y suaviza su paleta de colores, creando composiciones de gran dinamismo y luminosidad.

La exposición de Peter Halley en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza no solo representa una oportunidad para apreciar la evolución de uno de los grandes maestros de la abstracción contemporánea, sino también para reflexionar sobre las conexiones entre el arte, la sociedad y la tecnología en el mundo actual.

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