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Eventos

AgendaEventosLiteraturaPersonajes

La leyenda que florece en libros

by Uve Magazine 23/04/2025
written by Uve Magazine

Cuenta la leyenda que, en una tierra lejana y asolada por el miedo, un dragón terrible mantenía en vilo a toda una ciudad. Su aliento era venenoso, su rugido estremecía las piedras y su sombra bastaba para que los campos se secaran. Este monstruo no sólo destruía todo a su paso, sino que, para mantenerse calmado, exigía sacrificios humanos. Primero fueron animales, luego personas elegidas por sorteo, hasta que un día, el nombre que salió fue el de la hija del rey. La princesa, según las distintas versiones, no suplicó clemencia ni se escondió. Aceptó su destino con dignidad, se vistió con sus mejores galas y salió al encuentro del dragón. Justo cuando la criatura abría sus fauces para devorarla, apareció un caballero montado en un corcel blanco: Jorge, o Jordi, según la lengua. Con lanza en mano, enfrentó al dragón y lo atravesó en el corazón. De la sangre derramada brotó un rosal de flores rojas, y de entre las espinas emergió una rosa que el caballero ofreció a la princesa. Desde entonces, cada 23 de abril, en Cataluña y otras regiones, se conmemora esta hazaña legendaria con libros y rosas: una celebración del amor, la cultura y la palabra.

Esta historia, de claras resonancias medievales, combina elementos del mito, la hagiografía y la construcción simbólica de la caballería cristiana. San Jorge es, de hecho, un santo venerado en múltiples lugares del mundo, patrón de países como Inglaterra, Georgia o Etiopía, y protector de ciudades como Moscú o Beirut. En la versión catalana, la leyenda de Sant Jordi adopta un carácter propio que ha evolucionado con el tiempo hasta convertirse en una de las fiestas culturales más singulares del mundo. En vez de limitarse al martirio del santo —como ocurre en la tradición litúrgica—, la versión popular catalana transforma la historia en un relato de valentía, amor y redención que ha trascendido los templos para tomar las calles.

La fecha no es casual. El 23 de abril se conmemora el día de la muerte de dos de las figuras más importantes de la literatura universal: William Shakespeare y Miguel de Cervantes, fallecidos en 1616. Aunque no murieron exactamente el mismo día por las diferencias entre el calendario gregoriano y el juliano, la coincidencia simbólica impulsó a la UNESCO a declarar esta fecha como el Día Internacional del Libro. En Cataluña, esta efeméride se entrelazó con la celebración tradicional de Sant Jordi, generando una fusión cultural única: hombres y mujeres intercambian libros y rosas como símbolo de amor y conocimiento. Lo que antiguamente era una feria de flores y una veneración al patrón, se ha convertido en una jornada de exaltación de la lectura, en la que librerías, editoriales y autores salen a la calle, los balcones se engalanan con senyeras, y las ciudades se llenan de poesía, música y encuentros literarios. No es menor el valor simbólico de los dos objetos que se regalan. La rosa, de raíz medieval, puede rastrearse hasta los torneos de caballería y los gestos cortesanos del amor idealizado. Representa la belleza efímera, el deseo, el sacrificio, pero también la sangre derramada por una causa justa. En la historia de Sant Jordi, la rosa nace de la herida del dragón, como si el mal vencido pudiera transformarse en algo bello. Por su parte, el libro es una conquista más reciente, del siglo XX, cuando el escritor valenciano Vicent Clavel propuso en 1926 establecer un día en honor al libro. El éxito fue tal que en 1930 se fijó definitivamente el 23 de abril como la fecha de celebración. Desde entonces, regalar un libro el día de Sant Jordi ha pasado de ser un gesto entre enamorados a convertirse en una expresión de afecto, admiración o amistad, sin necesidad de vínculos románticos.

Lo más fascinante de esta tradición es que ha logrado combinar elementos dispares —el mito cristiano, la literatura moderna, el amor caballeresco, el activismo cultural— en una jornada que moviliza a miles de personas. Durante Sant Jordi, las calles de Barcelona se transforman: las avenidas se llenan de puestos de libros, las editoriales lanzan sus novedades más esperadas, los autores firman ejemplares y conversan con sus lectores, y cada conversación parece teñida de una alegría contagiosa. No es raro ver a personas que apenas leen el resto del año dejarse llevar por el impulso de la jornada y comprar libros para todos sus seres queridos. Y eso, en un mundo dominado por la prisa y lo digital, tiene algo de milagro.

Este carácter festivo, urbano y participativo diferencia a Sant Jordi de otras celebraciones literarias. Mientras que en muchos países el Día del Libro pasa casi desapercibido, en Cataluña adquiere la dimensión de una gran fiesta popular. Es, en cierto modo, una manera de reivindicar el poder de la cultura frente a los embates del olvido. El dragón de nuestros días ya no escupe fuego ni exige sacrificios humanos, pero adopta otras formas: el desinterés, la banalidad, la sobreinformación, la pérdida del pensamiento crítico. Y cada libro regalado, cada lector que se detiene a hablar con un autor o una autora, cada rosa ofrecida, es una pequeña victoria sobre ese dragón moderno.

Cabe destacar también que esta fiesta ha evolucionado en sus códigos de género. Si bien tradicionalmente los hombres regalaban rosas a las mujeres, y estas devolvían el gesto con libros, hoy ese intercambio es mucho más libre y simétrico. Las mujeres regalan libros y rosas; los hombres también. Se regalan entre amigos, colegas, familiares. La rosa ya no es sólo símbolo del amor romántico, sino también del reconocimiento, del cariño y de la celebración mutua. Lo mismo ocurre con el libro, que en su diversidad de géneros, estilos y temáticas, representa el universo de posibilidades que cada lector puede explorar.

Más allá de la leyenda fundacional, Sant Jordi ha conseguido convertirse en un símbolo de identidad colectiva. Es una fiesta que permite abrazar la diversidad literaria del mundo. En los puestos de las librerías pueden encontrarse autores de todos los países, desde clásicos hasta contemporáneos, desde la poesía al ensayo político, desde la novela gráfica hasta el cuento infantil. No hay jerarquías ni exclusiones. Todo cabe en el día del libro y la rosa, porque lo que se celebra no es sólo la letra impresa, sino la capacidad de las palabras para crear vínculos, transformar realidades y sostener la memoria de los pueblos. Quizás por eso, Sant Jordi es también una jornada de resistencia cultural. En tiempos de crisis —económicas, sanitarias o políticas—, la continuidad de esta tradición ha funcionado como una afirmación colectiva de que lo esencial sigue vivo. Durante la pandemia, aunque las calles se vaciaron, muchos mantuvieron la costumbre regalando libros y rosas a distancia, compartiendo poemas por mensajes o leyendo juntos desde la distancia. La leyenda del caballero que vence al dragón cobró entonces una nueva dimensión: la de quienes enfrentan la adversidad con palabras, con arte, con gestos de afecto.

23/04/2025 0 comments
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EventosPersonajes

El peso del manto blanco

by Uve Magazine 21/04/2025
written by Uve Magazine

La historia del papado es, en muchos sentidos, un espejo de la historia de Europa. Desde sus orígenes en la clandestinidad cristiana hasta su consolidación como una de las instituciones más longevas y simbólicas de Occidente, el papado ha atravesado imperios, guerras, reformas y revoluciones, resistiendo el paso del tiempo con una capacidad de adaptación sorprendente. Su legado, a menudo envuelto en solemnidad litúrgica, está hecho también de episodios profundamente humanos, con todo lo que ello implica: convicciones y dudas, luces y sombras, grandeza y decadencia. La figura del Papa ha sido mártir, teólogo, estadista, reformador, diplomático, objeto de veneración y, en algunos casos, también de polémica. No hay otra institución que haya concentrado durante tanto tiempo tanto poder simbólico y, a la vez, tantas tensiones con el mundo que pretendía guiar.

Cristo entrega a Pedro las llaves del reino de los cielos (Fresco de la Capilla Sixtina, 1480-1482), Pietro Perugino

El recorrido comienza con San Pedro, considerado el primer Papa, figura apostólica y mártir bajo la persecución de Nerón. En los siglos posteriores, los obispos de Roma fueron líderes espirituales de comunidades perseguidas, sin autoridad formal ni poder político. Aquel cristianismo primitivo era una red frágil de creyentes dispersos, un movimiento más que una estructura, y sus líderes eran, ante todo, testigos de la fe. Fue a partir del siglo IV, tras la legalización del cristianismo por parte del emperador Constantino, cuando la Iglesia se transformó en una institución reconocida y su jerarquía comenzó a cobrar peso dentro del entramado imperial. Con la caída de Roma en el año 476, el obispo de la ciudad —el Papa— pasó a ocupar un lugar central en el vacío de poder que dejó la desaparición de las estructuras civiles. La figura papal, entonces, comenzó a desempeñar un papel que no se limitaba al ámbito espiritual: asumió responsabilidades diplomáticas, jurídicas e incluso administrativas. Uno de los primeros hitos en esta evolución fue el célebre encuentro del Papa León I con Atila en el año 452, cuando el pontífice logró disuadir al líder huno de invadir Roma. Más allá del relato legendario, aquel episodio simboliza el paso del Papa de líder religioso a figura política de alcance continental.

Durante la Edad Media, esa autoridad se expandió notablemente. Los Papas no sólo encabezaban la Iglesia: también ejercían poder sobre territorios concretos —los Estados Pontificios— y sobre reyes, nobles y emperadores. Su palabra podía resolver disputas, validar coronaciones, iniciar guerras o establecer treguas. Fue en este periodo cuando la institución papal adquirió su configuración ceremonial, doctrinal y simbólica, desarrollando un aparato litúrgico, jurídico y visual que reforzaba su centralidad. Papas como Gregorio VII, en el siglo XI, encarnaron el ideal de una supremacía espiritual sobre los poderes temporales. Su enfrentamiento con el emperador Enrique IV, en la llamada Querella de las Investiduras, ilustra el grado de autoridad que el papado reclamaba: no sólo para regir la vida eclesial, sino para interferir en las decisiones de los soberanos europeos. Del mismo modo, Inocencio III, en el siglo XIII, llevó el poder papal a su punto más alto, afirmando que el Papa era menor que Dios, pero superior a cualquier otra autoridad terrenal.

Retrato de León X de Rafael, c. 1519

Sin embargo, esa misma centralidad atrajo también los males del poder. El papado medieval no fue ajeno a las luchas de influencia, el nepotismo y las rivalidades políticas. En determinados periodos, especialmente en el siglo X, el trono de San Pedro se convirtió en moneda de cambio entre familias aristocráticas, dando lugar a una sucesión de pontífices breves, muchos de ellos carentes de formación o carisma, nombrados por conveniencia más que por virtud. Este periodo, a menudo llamado el “siglo de hierro” del papado, dejó una huella profunda en la percepción pública de la institución, que comenzaba a oscilar entre el respeto sagrado y la sospecha de corrupción. La situación se agravó con el llamado Cisma de Occidente en el siglo XIV. Tras un largo periodo en que los Papas residieron en Aviñón, bajo la influencia de la corona francesa, surgieron simultáneamente varios reclamantes al papado: uno en Roma, otro en Aviñón y, finalmente, un tercero en Pisa. La división fue tal que diferentes países y diócesis se alinearon con distintos pontífices. Durante décadas, la cristiandad occidental vivió un desconcierto doctrinal e institucional que socavó de manera profunda la autoridad papal. Fue en este contexto de desgaste cuando estalló la Reforma protestante, uno de los mayores desafíos a la unidad de la Iglesia y, por tanto, al papado. Las críticas de Martín Lutero a la venta de indulgencias y a la corrupción de la curia romana encontraron eco en numerosos sectores descontentos con la deriva institucional. El Papa León X, más preocupado por las obras del Vaticano que por el descontento doctrinal, subestimó el alcance de aquellas denuncias. La ruptura con Roma supuso no sólo una fragmentación del cristianismo europeo, sino también una redefinición del papel del Papa: de líder universal pasó a ser, en muchos territorios, una figura cuestionada e incluso rechazada. La respuesta de la Iglesia fue el Concilio de Trento, que reafirmó el dogma, reformó parte de la disciplina interna y fortaleció el centralismo papal como forma de resistir el avance protestante. A partir de entonces, la figura del Papa se asoció cada vez más a la defensa de la ortodoxia, la vigilancia doctrinal y el control sobre los obispos. La fundación de la Compañía de Jesús y la acción del Santo Oficio fueron dos pilares de esta Contrarreforma, en la que Roma recuperó parte de su influencia pero al precio de una rigidez que limitaría su capacidad de adaptación futura.

Pío XI, Fotografiado por Nicola Perscheid, 1922

En los siglos siguientes, la Iglesia se mantuvo como una gran potencia espiritual, pero el mundo a su alrededor cambió de manera radical. Con la Ilustración, la Revolución francesa y el surgimiento del liberalismo, el poder político del papado se redujo drásticamente. A mediados del siglo XIX, los Estados Pontificios eran ya una anomalía en un continente que caminaba hacia la secularización y la unidad nacional. La unificación italiana, impulsada por Garibaldi y otros líderes, culminó en 1870 con la incorporación de Roma al nuevo Estado italiano. Ese mismo año, el Concilio Vaticano I proclamó el dogma de la infalibilidad papal en materia de fe y moral, una afirmación de autoridad que contrastaba con la pérdida territorial del Papa, convertido a partir de entonces en “prisionero del Vaticano”. Durante casi sesenta años, los Papas se negaron a reconocer la soberanía italiana sobre Roma. La situación cambió en 1929, cuando los Pactos de Letrán, firmados entre Pío XI y Benito Mussolini, reconocieron al Vaticano como Estado independiente. Nacía así una nueva etapa para el papado: sin ejércitos ni tierras, pero con un enorme peso simbólico y una proyección internacional cada vez mayor.

El siglo XX marcó una transformación notable en el modo en que el Papa se relacionaba con el mundo. Con el Concilio Vaticano II, convocado por Juan XXIII en 1959, la Iglesia se abrió al diálogo con la modernidad: se reformó la liturgia, se reconoció la libertad religiosa, se impulsó una visión más pastoral y menos condenatoria del cristianismo. Pablo VI continuó esta línea, convirtiéndose en el primer Papa en viajar por el mundo de forma regular. Pero fue Juan Pablo II quien encarnó con más fuerza este nuevo papado global. Primer pontífice no italiano en siglos, su carisma, su papel en la caída del comunismo y su capacidad comunicativa lo convirtieron en una figura de alcance mundial. Sus numerosos viajes, discursos ante organismos internacionales y relación con los medios de comunicación redefinieron la imagen del Papa como líder espiritual de una humanidad interconectada. Sin embargo, su pontificado también fue objeto de críticas por su enfoque doctrinal rígido en temas como la sexualidad, el papel de la mujer en la Iglesia o la respuesta a los abusos cometidos por miembros del clero.

Su sucesor, Benedicto XVI, teólogo de gran profundidad, adoptó un tono más reservado. Su renuncia en 2013 fue un hecho histórico: no se recordaba una dimisión papal desde hacía siglos. Este gesto abrió la puerta a un nuevo tipo de pontificado. Francisco, primer Papa latinoamericano, jesuita, ha imprimido un estilo pastoral, cercano y preocupado por los márgenes sociales. Ha centrado su discurso en la justicia, la ecología, la pobreza y el diálogo interreligioso. Su pontificado ha generado entusiasmo y también tensiones, tanto dentro como fuera de la Iglesia. Representa, en muchos sentidos, la complejidad del siglo XXI: un mundo fragmentado, necesitado de referencias morales pero cada vez más escéptico ante las autoridades tradicionales.

La muerte del Papa Francisco, ocurrida hoy en el Vaticano, marca el fin de una etapa particularmente significativa de ese largo diálogo.  Su figura será recordada no sólo por sus gestos de cercanía, sus discursos en defensa de la dignidad humana o su compromiso con la justicia social y la ecología, sino también por haber mantenido viva la tensión entre tradición y renovación que ha definido al papado desde sus orígenes. Con su fallecimiento, se cierra un capítulo esencial en la historia de una institución que, desde hace dos mil años, se reinventa sin cesar en el corazón del tiempo.

21/04/2025 0 comments
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ArteEventos

El Museo Thyssen y El puente de Waterloo

by Uve Magazine 03/04/2025
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El Museo Thyssen presenta la restauración de El puente de Waterloo, de André Derain, un viaje al corazón del color fauvista

Del 3 de abril al 23 de junio de 2025, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza ofrece a sus visitantes una oportunidad única: contemplar la obra El puente de Waterloo (1906), de André Derain, recién restaurada y exhibida en un montaje especial en la sala 33 de la colección permanente. Esta intervención forma parte de una ambiciosa campaña de micromecenazgo impulsada con el apoyo de Mastercard, que ha permitido no solo su recuperación, sino también un detallado estudio técnico sobre la técnica pictórica del artista.

Durante quince meses, el equipo de restauración del museo se ha sumergido en un proceso minucioso para devolver a la obra su colorido vibrante y la luminosidad característica del fauvismo. Las investigaciones realizadas mediante radiografía, reflectografía infrarroja, fotografía rasante y transmitida, así como análisis de materiales, han permitido conocer en profundidad tanto el estado de conservación del cuadro como las decisiones técnicas de Derain, aunque el análisis ha revelado que el artista trabajó de forma poco convencional: empleó pinceladas de colores casi puros —rojos intensos como el bermellón y el naftol, amarillos de cinc y naranjas de cromo— que aplicó en yuxtaposición, sin mezclas, junto a áreas donde dejó visible la capa de preparación del lienzo. Esta base, con una alta concentración de blanco de plomo, sílice y carbonato cálcico, aporta una luminosidad adicional al conjunto.

Uno de los hallazgos más llamativos ha sido la manera en que Derain construyó el volumen y la profundidad del paisaje sin recurrir al claroscuro tradicional. En lugar de sombras, utilizó contrastes cromáticos para definir las formas. Gracias a la fotografía con luz rasante, se ha podido observar cómo las pinceladas se vuelven más empastadas y verticales en el cielo, especialmente en la zona superior derecha, para representar la intensidad de la luz solar. En cambio, el puente y los edificios aparecen definidos con trazos más finos y lisos, generando una sensación de distancia.

El estudio radiográfico confirmó que la composición no sufrió modificaciones desde su concepción, mientras que la reflectografía infrarroja reveló el uso de un óleo ligero para dibujar con precisión las siluetas del puente y la ciudad, en contraste con las texturas densas del cielo y el agua.

El proceso de restauración también ha abordado importantes daños estructurales. El lienzo presentaba desgarros, especialmente en los bordes, que comprometían su estabilidad. Estos fueron cuidadosamente suturados y reforzados. En la esquina superior derecha, se conservó un parche antiguo que no afecta a la integridad de la pintura.

Uno de los mayores retos fue la limpieza de la superficie, debido a la suciedad acumulada, la contaminación y la presencia de un barniz envejecido de colofonia que apagaba la atmósfera cromática de la obra. La intervención exigió una limpieza diferenciada, pigmento a pigmento, ya que cada color reaccionaba de manera distinta a los disolventes. La presencia de la capa de preparación al descubierto obligó a adoptar un enfoque aún más delicado y específico, pero gracias a este proceso, El puente de Waterloo ha recuperado su luz vibrante, sus contrastes y la energía cromática que lo convierten en una de las piezas más destacadas del periodo fauvista. Esta restauración ha sido posible gracias a la generosidad de más de 200 particulares y empresas que participaron en la campaña de micromecenazgo abierta entre septiembre de 2023 y enero de 2024. Entre los principales donantes destacan la Amiga mecenas Sabela González, las empresas Spain Inside y Tauck, Mastercard, Idónika y los Amigos del museo, que aportaron el 68 % de las donaciones particulares.

Una muestra de cómo la colaboración ciudadana puede ayudar a preservar y poner en valor el patrimonio artístico común, permitiéndonos ver con nuevos ojos la intensidad de una obra que vuelve a brillar con la fuerza original de su autor.

03/04/2025 0 comments
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EventosLiteratura

Orvallo, el murmullo de la lluvia

by Uve Magazine 28/03/2025
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La primera presentación de Orvallo tendrá lugar el viernes 28 de marzo a las 19:00 horas en la Librería Cervantes de Oviedo, con la participación de la autora y de la periodista y socióloga Verónica García-Peña. Será la primera de varias presentaciones que también llevarán el libro a Copenhague (25 de abril) y a la Feria del Libro en Español en Malmö (14 de junio).

Hay lluvias que no hacen ruido. No golpean con fuerza ni despiertan sobresaltos. Simplemente caen, como si acariciaran el suelo, empapando todo lo que encuentran a su paso. A esa llovizna sutil, persistente y casi invisible se la llama orvallo en Asturias. Y con esa misma delicadeza es como Marta Pastur Rubio construye su segundo libro, una colección de relatos breves que, sin levantar la voz, cala hondo.

Publicado por Uve Books y con una edición cuidada —rústica con solapas, 12 x 17 cm, 80 páginas— Orvallo es mucho más que una suma de historias. Es un viaje entre la memoria y la realidad, entre la mirada de la infancia y los ecos de la adultez. Es también un homenaje a los recuerdos, al poder de lo vivido y a las pequeñas cosas que, aunque fugaces, nos transforman.

Una autora entre dos mundos

Marta Pastur nació en Asturias, pero desde 2018 reside en Copenhague. Pedagoga de formación y máster en Neuropsicología Educativa por la Universidad de Alcalá de Henares, ha hecho de su pasión por la enseñanza un modo de vida. Tras trabajar como docente en Dinamarca, fundó su propia academia de español para niños, llamada Pollitos, donde conjuga su amor por el idioma con su vocación pedagógica.

Esa doble vida entre el norte de España y el norte de Europa ha impregnado su literatura. Si con Victoria sin cuerno, su primer libro, exploró el ámbito de la narrativa infantil ilustrada, ahora, con Orvallo, da un paso firme hacia la literatura para adultos, sin perder de vista la mirada inocente y perpleja de la niñez, aunque no es solo un libro de recuerdos ni una simple evocación nostálgica. Es también una cartografía emocional que conecta el pasado con el presente, la voz de la niña con la conciencia de la mujer, el yo autobiográfico con las vidas de muchos otros niños y niñas que Pastur ha conocido a lo largo de su vida profesional.

Desde su primer relato, despliega una sensibilidad aguda hacia lo cotidiano. Juegos infantiles, viajes en coche, charlas en el aula, el silencio de un hospital o la curiosidad ante lo desconocido se convierten en materia narrativa. A través de escenas breves, la autora teje una red de significados que giran en torno a la identidad, la fragilidad y la resistencia de la infancia.

Cada relato funciona como una pequeña estampa, una imagen que se fija en la memoria con la intensidad de un olor, una palabra o un gesto. En Efecto Proust, por ejemplo, se explora el poder de los recuerdos olfativos. En otros, como Pas de chat o Apego, se abordan el miedo a la ausencia, la pérdida y la transformación interior que implica crecer, pero lo que verdaderamente distingue a Orvallo es su capacidad para mostrar la infancia como un territorio complejo, donde conviven la ternura y el desconcierto, el juego y el trauma, la inocencia y la lucidez. Marta Pastur no idealiza el mundo infantil, sino que lo presenta como un espacio de construcción, resistencia y asombro.

La infancia como metáfora

“Con este libro de relatos he querido tender un puente entre la niñez y la vida adulta”, afirma la autora. Y ese puente se construye no solo a partir de sus vivencias personales, sino también de las historias reales de muchos niños y niñas con los que ha trabajado en Dinamarca. Algunos relatos están inspirados en situaciones conmovedoras, como la de Anisa, una niña que deseaba tener la piel blanca porque en su país el tono oscuro era sinónimo de marginación. O la de Mark y Thomas, que descubren muy pronto la vulnerabilidad de ser inmigrantes en un país ajeno.

A través de estas historias, la autora consigue ampliar el foco y trascender lo autobiográfico. Aunque Orvallo parte de lo íntimo, de lo local, se proyecta hacia lo universal. Sus temas —el apego, el miedo, la pérdida, el aprendizaje, la ternura, la nostalgia— son compartidos por lectores de cualquier edad o procedencia.

Pedagogía y literatura: un vínculo natural

El oficio de Marta Pastur como pedagoga atraviesa toda la obra. No en el sentido de una literatura didáctica, sino en el uso de la observación como herramienta narrativa. “Este proyecto nace de mi obsesión por observar”, confiesa. Y esa mirada atenta, empática, generosa, recorre cada una de las páginas del libro.

En cuentos como Hipotonía, Codo a codo o Laboratorio, la autora explora el vínculo con los niños desde la experiencia docente. Las preguntas inesperadas de los pequeños, su forma única de interpretar el mundo, su necesidad de conexión y de refugio, se convierten en claves para reflexionar también sobre la adultez y sus carencias. Estos  relatos sugieren que muchas veces somos los adultos quienes más tenemos que aprender. Y que hay una sabiduría silenciosa en los niños que solo se revela si nos detenemos, si escuchamos, si nos dejamos mojar por ese orvallo invisible que es la infancia.

Nostalgia sin almíbar

Otro de los hilos conductores del libro es la nostalgia. No como simple melancolía, sino como una forma de recuperar y resignificar lo vivido. La autora ha confesado que el libro fue también una suerte de catarsis, una forma de volver al origen desde la distancia. Desde Copenhague, este libro le ha permitido reencontrarse con su Asturias natal, con los paisajes, las personas y las emociones que la vieron crecer.

En este sentido, los relatos tienen un aire de retorno. Hay en ellos un deseo de detener el tiempo, de conservar lo perdido, de dar forma a lo inasible. Y sin embargo, no cae en la trampa del sentimentalismo. Su tono es contenido, su lirismo medido, su sensibilidad, madura. Cada texto está escrito con una prosa limpia y lírica, que sabe cuándo callar, cuándo insinuar, cuándo dejar que el lector complete el sentido. Es una escritura que no subraya, que confía en el poder de los detalles, en los gestos mínimos, en lo que queda flotando entre líneas.

Un libro que interpela

Orvallo no es un libro para devorar de una sentada. Es más bien una obra para saborear con lentitud, como quien mira llover por la ventana. Su lectura invita a detenerse, a recordar, a mirar con otros ojos lo cotidiano.

Al final, lo que Marta Pastur logra con este libro es algo muy difícil: hablarnos de cosas pequeñas que, en realidad, no lo son. Porque detrás de cada escena hay un mundo emocional que todos reconocemos. Porque todos fuimos niños alguna vez. Y todos seguimos arrastrando a ese niño interior, aunque a veces lo olvidemos.

28/03/2025 0 comments
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ArteCineEventosMúsica

Blur, To the End

by Uve Magazine 25/03/2025
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Viernes 28 de marzo de 2025 – CaixaForum Madrid
Proyección: 20:00 h | Warm up DJ: desde las 19:30 h | VOSE | 102 minutos
Sesión presentada por Esteban Girón

En el marco del ciclo In-Edit On Tour, CaixaForum Madrid acoge la proyección de Blur, To the End, un documental dirigido por Toby L. que se adentra en el regreso de una de las bandas clave del britpop: Blur. Con sensibilidad y cercanía, la película no solo repasa los grandes éxitos del grupo, sino que retrata con honestidad el reencuentro emocional y creativo de Damon Albarn, Graham Coxon, Alex James y Dave Rowntree tras ocho años de silencio discográfico.


El filme arranca con el proceso de grabación de The Ballad of Darren (2023), su primer álbum en casi una década, y culmina con los dos macroconciertos celebrados en Wembley. Pero más allá del espectáculo, lo que narra To the End es la historia de una amistad compleja, las heridas del tiempo y la capacidad de la música para dar sentido incluso a lo que ya parecía cerrado. Alegría, vulnerabilidad, orgullo, melancolía, cansancio, lesiones, lágrimas y humor negro: todos estos matices atraviesan este último capítulo vital de unos músicos que siguen conectando con varias generaciones.

Intervienen en el documental, además de los miembros de la banda, figuras esenciales como el productor James Ford, el mánager Mike Smith y el actor Phil Daniels, voz inolvidable en Parklife. Una obra para fans, sí, pero también para quienes quieran asomarse al interior de una banda que supo convertir lo cotidiano en himno y lo colectivo en identidad.

La sesión será presentada por el músico y comunicador Esteban Girón y contará con un warm up previo desde las 19:30 h, a cargo de Don Viti (Víctor Patiño), DJ de referencia en la escena madrileña, que ofrecerá una sesión especialmente comisariada para la ocasión, inspirada en el universo Blur.

Ciclo de música – In-Edit On Tour

Del 14 de marzo al 4 de abril de 2025 – CaixaForum Madrid

Esta proyección forma parte de In-Edit On Tour, el ciclo que acerca a distintas ciudades españolas una cuidada selección de los mejores documentales musicales que han pasado por el prestigioso In-Edit, Festival Internacional de Documental Musical de Barcelona. Tras veinte años apostando de forma exclusiva por el documental musical, In-Edit se ha consolidado como un referente internacional, con ediciones en diferentes países y un firme compromiso con la música como herramienta narrativa, social y emocional.

De la electrónica al rock clásico, pasando por el reggae, el punk, el flamenco, el jazz o las propuestas más experimentales, el ciclo demuestra que la música sigue siendo una de las formas más poderosas para contar quiénes somos, de dónde venimos y hacia dónde vamos.

25/03/2025 0 comments
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EventosLiteratura

¿De qué muere un buitre? La exploración poética de Nerea Aguado Alonso

by Uve Magazine 20/03/2025
written by Uve Magazine

En el poemario ¿De qué muere un buitre?, Nerea Aguado Alonso invita al lector a sumergirse en una profunda reflexión sobre la naturaleza de la vida, la muerte y la existencia humana en el contexto del mundo natural. A través de una serie de poemas, aborda temas como la dualidad, la transitoriedad, la resistencia y la interconexión, tejiendo una narrativa poética que nos lleva a explorar los misterios y complejidades de la existencia.

La obra nos sitúa en el paisaje de las Bardenas Reales, un escenario que, más allá de su valor natural, se convierte en un espacio simbólico donde se entrelazan memoria, identidad y pérdida. La autora regresa a este territorio para rescatar no solo sus sonidos y colores, sino también su lenguaje, sus localismos, sus elementos que se diluyen con el paso del tiempo.

Uno de los detonantes del poemario fue el hallazgo de un buitre muerto al pie de un molino de viento, un símbolo que sintetiza la paradoja del progreso y la destrucción. Este hecho, junto a la pérdida de familiares y de su mascota, llevó a Aguado Alonso a explorar el duelo desde una perspectiva lírica, reivindicando la necesidad de detenerse, observar y sentir en una sociedad que a menudo rechaza estas pausas.

La poeta logra en ¿De qué muere un buitre? publicado por Uve Books, un equilibrio entre lo onírico y lo terrenal, entre la dureza del paisaje y la delicadeza de la palabra. Sus versos, acompañados por las ilustraciones de Yulia Podlinnova, componen un universo en el que el cielo y la tierra dialogan, y en el que la poesía se alza como un refugio frente a la fugacidad del tiempo.

Este nuevo poemario se presenta el 21 de marzo a las 19:00 horas en Cabanillas, Navarra, en un encuentro especial en el que Nerea Aguado Alonso será entrevistada por el músico y compositor Patxi Morillas Araque. Una conversación que ahondará en la profundidad de su poesía, su vínculo con la naturaleza y la palabra como territorio de resistencia.

20/03/2025 0 comments
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ArteEventos

El Museo Guggenheim Bilbao presenta una experiencia inmersiva de Refik Anadol

by Clara Belmonte 19/03/2025
written by Clara Belmonte

El Museo Guggenheim Bilbao inaugura un nuevo ciclo de exposiciones titulado in situ, con el que busca explorar el arte digital en el siglo XXI. La primera muestra de este programa es Arquitectura viva (Living Architecture), una instalación inmersiva del artista turco-estadounidense Refik Anadol, inspirada en el trabajo del arquitecto Frank Gehry. La exposición, que se podrá visitar entre el 7 de marzo y el 19 de octubre de 2025, fusiona arte, arquitectura e inteligencia artificial para ofrecer al público una experiencia sensorial única, donde la estructura del icónico edificio se convierte en el punto de partida de una nueva forma de percepción visual.

Refik Anadol es un pionero en la utilización de la inteligencia artificial como herramienta creativa y en la exploración de sus implicaciones en la sociedad actual y futura. Nacido en Estambul en 1985 y radicado en Los Ángeles, Anadol ha desarrollado un enfoque artístico basado en la recopilación y procesamiento de datos mediante algoritmos avanzados, con los que crea visualizaciones en movimiento que desafían la frontera entre lo digital y lo físico. Sus instalaciones han sido exhibidas en algunos de los espacios culturales más prestigiosos del mundo, como el MoMA de Nueva York, el Centro Pompidou de París y la Serpentine Gallery de Londres. Su trabajo se sitúa en la intersección del arte, la ciencia y la tecnología, explorando el modo en que los datos pueden transformarse en experiencias estéticas envolventes.

En Arquitectura viva (Living Architecture), Anadol utiliza inteligencia artificial para analizar y reinterpretar la estructura del Museo Guggenheim Bilbao, capturando su esencia arquitectónica en un flujo continuo de imágenes generadas por algoritmos. La obra combina datos obtenidos de modelos 3D del edificio con información recopilada en tiempo real sobre las condiciones ambientales y el comportamiento del público, creando una pieza en constante transformación. El resultado es una serie de “alucinaciones artificiales” que convierten la arquitectura en un organismo vivo, en el que formas y colores evolucionan sin cesar, reflejando la dinámica del entorno.

Refik Anadol. Credit Efsun Erkilic

Esta exposición es posible gracias a la colaboración del Museo Guggenheim Bilbao con 1OF1, una entidad dedicada al coleccionismo y la preservación del arte digital. Su fundador, Ryan Zurrer, subraya la importancia de apoyar a los artistas que, con su visión de futuro, están definiendo la expresión artística contemporánea. 1OF1 apuesta por el desarrollo del coleccionismo digital y por la creación de experiencias únicas en el ámbito del arte del siglo XXI.

Por su parte, Euskaltel se une al proyecto como partner tecnológico, reafirmando su compromiso con la innovación y el desarrollo de nuevas ideas a través del arte. Para la compañía, esta colaboración representa una oportunidad de contribuir al avance de la tecnología en el ámbito cultural, facilitando la materialización de propuestas que desafían los límites de la creatividad y la percepción.

Arquitectura viva (Living Architecture) se exhibirá en uno de los espacios más emblemáticos del Museo Guggenheim Bilbao, integrando la arquitectura del edificio con la obra de Anadol. La muestra invita al espectador a reflexionar sobre el papel de la inteligencia artificial en la sociedad y su impacto en la creación artística, explorando nuevas formas de interacción entre la tecnología, la memoria y la imaginación. A través de esta instalación, Anadol no solo transforma el espacio museístico en una experiencia envolvente, sino que plantea una reflexión sobre la relación entre el ser humano y el mundo digital, abriendo un debate sobre la influencia de la inteligencia artificial en la percepción, la creatividad y el futuro del arte.

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AgendaEventos

Primera edición del festival Biophest

by Uve Magazine 10/03/2025
written by Uve Magazine

Matadero Madrid inaugura Biophest, el primer festival que celebra la conexión entre humanos y naturaleza. Del 4 al 6 de abril, Matadero Madrid, centro de creación contemporánea del Área de Cultura, Turismo y Deporte, acogerá la primera edición de Biophest, un festival innovador que explora el vínculo emocional entre las personas y la naturaleza a través de una amplia variedad de actividades. Charlas, talleres, conciertos, exposiciones y rutas guiadas conforman la programación de este evento comisariado por la experta en botánica urbana Elena Páez y la especialista en comunicación cultural Eva F. Cortés.

Biophest surge con la intención de fomentar la biofilia, término que define el amor innato de los seres humanos por la naturaleza. El festival propone un espacio de reflexión y experimentación artística que promueve una conexión más profunda con el entorno vegetal, desde el aprendizaje práctico hasta la inmersión sensorial en instalaciones artísticas y experiencias musicales. Entre las actividades destacadas se incluyen talleres donde los asistentes podrán desarrollar habilidades en jardinería y botánica, aprendiendo a realizar esquejes, mantener espacios verdes urbanos, identificar y cuidar plantas de interior o confeccionar kokedamas, una técnica japonesa inspirada en el bonsái y el ikebana.

El festival contará con la presencia de destacados especialistas que ofrecerán su visión sobre la conexión entre el ser humano y la naturaleza. Entre los ponentes se encuentran Santiago Beruete, filósofo, antropólogo y jardinero, que aboga por una cosmovisión biocéntrica; Sue Stuart-Smith, psiquiatra y escritora británica, autora de La mente bien ajardinada; y Eduardo Barba, paisajista e investigador botánico, quien explorará la relación entre arte y botánica en su charla El arte de las plantas. También participarán Marco Martella, escritor y director de la revista Jardins, y la artista y comisaria de exposiciones Toya Legido, que analizará el papel de la naturaleza en la producción artística.

Los asistentes podrán sumergirse en instalaciones interactivas que exploran la relación entre arte y naturaleza. Plant-based, de Cyrus Clarke, es una innovadora serie de arte digital generativo que evoluciona y captura carbono. Crisálida, de Casa Protea, representa un refugio de musgo que simboliza la transformación y regeneración de la vida vegetal. Además, la instalación Phonofolium, de Scenocosme, permite a los visitantes interactuar con un árbol vivo que emite sonidos en respuesta al tacto humano. En el Terrario de Nave Una, la exposición Variedades de lechugas locales, de Ecosecha, y el proyecto Banco de intercambio de semillas ofrecen un acercamiento a la biodiversidad agrícola y la sostenibilidad.

Biophest también contará con un programa musical que explora la relación entre sonido y naturaleza. La inauguración del festival estará marcada por un homenaje a Plantasia, el icónico álbum de Mort Garson creado para el disfrute de las plantas. El sábado, el productor Brian D’Souza presentará Mushroom Music, inspirado en la comunicación de los hongos, mientras que el domingo cerrará el festival Jordi Sapena con Salve Monstera, un álbum que fusiona lo electrónico con lo orgánico. Además, el festival propone diversas rutas para redescubrir la naturaleza en entornos urbanos. Cuando el río habla recorrerá el Manzanares como un organismo vivo cargado de historia ecológica y social, mientras que Elogio a la jardinería punk invitará a explorar jardines espontáneos que rompen con las normas tradicionales. Otra de las rutas destacadas es La nave de las patatas, un recorrido por el Palacio de Cristal de Arganzuela, espacio que alberga más de 9.000 especies vegetales.

Los más pequeños también tendrán su espacio en Biophest con talleres diseñados para fomentar su curiosidad por la naturaleza. El desafío del bosque y La naturaleza de los objetos están dirigidos a niñas y niños a partir de seis años, con dinámicas que combinan juego y aprendizaje sobre el mundo vegetal. Biophest, organizado por Intermediae y Matadero Madrid, cuenta con el patrocinio de As Pedras, El Águila y la Asociación para la Certificación Española Forestal (PEFC España). Este evento refuerza la línea de trabajo de Intermediae en torno a la permacultura y la ecología crítica, ofreciendo una oportunidad única para repensar la relación entre arte, naturaleza y bienestar humano. Las inscripciones para las actividades gratuitas y la compra de entradas para los talleres de adultos ya están disponibles en intermediae.es.

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ArteEventosMúsica

Epica lanza su nuevo álbum “Aspiral” y anuncia gira

by Clara Belmonte 07/03/2025
written by Clara Belmonte

La banda neerlandesa de metal sinfónico Epica ha anunciado el lanzamiento de su noveno álbum, titulado Aspiral. Saldrá el 11 de abril de 2025 bajo el sello Nuclear Blast Records y promete un sonido potente y envolvente, con una combinación de elementos sinfónicos, coros épicos y la energía del metal progresivo.

El nombre del disco está inspirado en una escultura de 1965 del artista polaco Stanisław Szukalski, que simboliza renovación e inspiración. La banda describe cada canción como una pieza con identidad propia, pero unidas forman una obra que invita a la reflexión y al viaje musical. A lo largo del álbum, Epica explora temas como la transformación personal, el paso del tiempo y la lucha entre la luz y la oscuridad, conceptos recurrentes en su discografía.

En Aspiral, Epica mantiene su característico sonido sinfónico con la inclusión de grandes orquestaciones, coros majestuosos y arreglos cinematográficos. La producción estuvo a cargo de Joost van den Broek, con quien han trabajado en álbumes anteriores, grabado en los Sandlane Studios. La portada fue diseñada por Hedi Xandt, reconocido por su trabajo con Rammstein, Ghost y Parkway Drive, lo que refuerza la estética grandiosa del proyecto.

Influencias y evolución de Epica

Desde su debut en 2003 con The Phantom Agony, Epica ha desarrollado un estilo único que mezcla el metal sinfónico con elementos de música clásica, progresiva y gótica. La banda, liderada por Simone Simons en la voz y Mark Jansen en las guitarras y guturales, ha evolucionado a lo largo de los años, incorporando influencias de música cinematográfica, folk y electrónica. Con discos como The Divine Conspiracy (2007), Design Your Universe (2009) o Omega (2021), han consolidado su reputación como una de las bandas más innovadoras del género.

Aspiral se presenta como un punto de inflexión en su carrera, combinando la esencia de sus primeros trabajos con nuevas exploraciones sonoras. La banda ha experimentado con estructuras más progresivas, una mayor presencia de sintetizadores y una narrativa conceptual más profunda.

Lista de canciones

El disco incluye 11 temas nuevos que reflejan la evolución de la banda:

  1. Cross the Divide

  2. Arcana

  3. Darkness Dies in Light – A New Age Dawns Part VII

  4. Obsidian Heart

  5. Fight to Survive – The Overview Effect

  6. Metanoia – A New Age Dawns Part VIII

  7. T.I.M.E.

  8. Apparition

  9. Eye of the Storm

  10. The Grand Saga of Existence – A New Age Dawns Part IX

  11. Aspiral

Como adelanto, la banda ha estrenado el videoclip de “Cross the Divide”, dirigido por Kunststoff y disponible en plataformas digitales. Este primer sencillo presenta un sonido envolvente con cambios dinámicos, combinando los coros sinfónicos con riffs pesados y la poderosa voz de Simone Simons.

Gira mundial y fechas en España

Epica también ha anunciado una gira mundial para presentar Aspiral, con fechas en Europa y América Latina. En España, la banda actuará en:

  • 30 de enero de 2026 – Barcelona

  • 31 de enero de 2026 – Madrid

Las entradas ya están a la venta en los canales oficiales.

Un nuevo hito en la carrera de Epica

Con Aspiral, Epica sigue evolucionando y explorando nuevas ideas sin perder su esencia. Este nuevo trabajo promete emocionar a sus seguidores y atraer a nuevos oyentes, consolidando su legado como una de las bandas más influyentes del metal sinfónico.

Para más información, visita epica.nl.

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AgendaEventos

Madrid inaugura su primera Feria del Cómic en marzo

by Uve Magazine 06/03/2025
written by Uve Magazine

Madrid se prepara para celebrar un acontecimiento inédito en su escena cultural: la primera edición de la Feria del Cómic de Madrid. El evento tendrá lugar del 27 al 30 de marzo en Matadero Madrid y reunirá durante cuatro días a los amantes del noveno arte en un espacio de intercambio y encuentro con figuras destacadas del panorama nacional e internacional.

Organizada por el Ayuntamiento de Madrid y la Asociación de Librerías de Madrid, con la colaboración de la Fundación Germán Sánchez Ruipérez, FSC (Forest Stewardship Council) y Radio 3 (RNE), esta feria nace con la vocación de convertirse en un referente para lectores, profesionales del sector y creadores.

La feria contará con 36 casetas, gestionadas por librerías madrileñas, muchas de ellas especializadas en cómic, lo que ofrecerá una oportunidad excepcional para descubrir una amplia oferta editorial. Además, el evento incluirá presentaciones, charlas, encuentros con autores y actividades para todos los públicos.

Marta Rivera de la Cruz, delegada del Área de Gobierno de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, ha expresado su entusiasmo ante la inauguración de la feria: “Nos alegra anunciar que Madrid tendrá su Feria del Cómic. Ha estado muy presente en la ciudad a través de librerías y bibliotecas, y ahora contará con su propio evento de referencia”.

Un cartel con identidad propia

El ilustrador y Premio Nacional de Cómic 2015, Javier Olivares, ha sido el encargado de diseñar el cartel de esta primera edición. Su propuesta busca capturar la esencia de la historieta de forma visual, destacando las posibilidades narrativas del medio.

Una programación con tres grandes ejes

La comisaria de la feria, Elisa McCausland, ha diseñado una programación alineada con la propuesta artística de Olivares. Los tres ejes temáticos de la feria son:

  • La casa como unidad narrativa: centrado en relatos autobiográficos y cómics de memorias personales.

  • La ciudad como espacio de experimentación: explorando el cómic de crónica urbana y su relación con la memoria histórica y los movimientos sociales.

  • Los multiversos como oportunidades de encuentro: abordando los géneros de ficción, la experimentación gráfica y el cómic contemporáneo.

Actividades para todos los públicos

Las actividades se desarrollarán en tres escenarios principales: Casa del Lector, Matadero y Cineteca. En esta última, se proyectarán películas dentro del ciclo Autoras de cine, autoras de cómic, con la participación de figuras como Richard McGuire, creador de Aquí (2014), cuya adaptación cinematográfica, Here, será proyectada en Cineteca.

Asimismo, habrá espacios profesionales para libreros y editores, mesas redondas sobre crítica de cómic y librerías especializadas, así como emisiones en directo de programas de Radio 3 y pódcasts especializados.

Horarios y acceso

Las casetas estarán abiertas el jueves 27 de marzo de 16:00 a 20:00 h. y de 11:00 a 20:00 h. de viernes a domingo. La Feria del Cómic de Madrid promete ser una cita imprescindible para explorar la riqueza del sector y conectar con la diversidad del cómic en todas sus manifestaciones.

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