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Arte

Helen Frankenthaler. Pintura sin reglas

by Uve Magazine 16/03/2025
written by Uve Magazine

El Museo Guggenheim Bilbao acogerá, del 11 de abril al 28 de septiembre de 2025, la exposición Pintura sin reglas , una ambiciosa retrospectiva dedicada a la artista estadounidense Helen Frankenthaler, una de las figuras más influyentes del arte abstracto del siglo XX. Organizada en colaboración con la Fondazione Palazzo Strozzi de Florencia y la Helen Frankenthaler Foundation de Nueva York, la muestra ofrecerá un recorrido por más de cinco décadas de creación artística. A través de un conjunto de obras representativas de su trayectoria, la exposición invita al público a descubrir el universo pictórico de un artista que transformó la manera en que entendemos la pintura.

Helen Frankenthaler (1928-2011) fue una pionera del expresionismo abstracto y una de las precursoras del Color Field Painting , un movimiento en el que el color y la forma se convierten en los protagonistas absolutos de la obra. Su trabajo se caracteriza por un equilibrio singular entre el control y la espontaneidad, por una experimentación constante con los materiales y por una búsqueda incesante de nuevos lenguajes pictóricos. La exposición en el Guggenheim Bilbao permitirá comprender la evolución de su producción artística, desde sus primeras exploraciones en los años cincuenta hasta sus creaciones finales en el siglo XXI, resaltando su capacidad de innovación y su influencia en generaciones posteriores de artistas.

La muestra reunirá una cuidada selección de sus obras más emblemáticas, incluyendo pinturas de gran formato que permiten apreciar la audacia de su enfoque y la profundidad emocional de su trabajo. A través de este recorrido, los visitantes podrán observar cómo Frankenthaler logró expandir los límites de la pintura, creando un lenguaje visual único que desafiaba las normas establecidas. Pintura sin reglas se convierte así en un homenaje a una artista que nunca dejó de reinventarse y que supo construir un legado que sigue vigente en la actualidad.

El poder de la experimentación y el diálogo con su tiempo.

Helen Frankenthaler irrumpió en la escena artística neoyorquina de los años cincuenta con una propuesta que desafiaba las convenciones del expresionismo abstracto. Influenciada por los grandes nombres de la época, como Jackson Pollock y Willem de Kooning, pero también por artistas de generaciones anteriores como Hans Hofmann, Frankenthaler desarrolló un enfoque personal que revolucionó la pintura. Su técnica más innovadora fue el remojo-stain , que consistía en verter pintura diluida directamente sobre lienzos sin impresión, permitiendo que los colores se fusionaran con la tela y crearan efectos de transparencia y fluidez sin precedentes.

Este método de trabajo, que combinaba una aparente espontaneidad con un control preciso del resultado, fue una de sus mayores contribuciones a la historia del arte. La técnica no solo le permitió generar composiciones de gran expresividad y luminosidad, sino que también influyó en otros artistas que más tarde desarrollarían el Color Field Painting , como Morris Louis y Kenneth Noland. Frankenthaler demostró que la pintura podía ser un espacio de exploración sin restricciones, en el que la interacción entre color, forma y superficie se convertía en el verdadero protagonista.

Uno de los aspectos más interesantes de la exposición en el Guggenheim Bilbao es la manera en que se presenta la obra de Frankenthaler en diálogo con la producción artística de su tiempo. Pintura sin reglas no solo ofrece un recorrido por su trayectoria individual, sino que también contextualiza su trabajo dentro del efervescente ambiente creativo de la Nueva York de mediados del siglo XX. La muestra reúne algunas de sus pinturas más representativas junto con piezas de otros artistas con los que mantuvieron estrechos lazos creativos y de amistad, reflejando así la riqueza de una época en la que la pintura adquirió una nueva dimensión.

Frankenthaler siempre fue un artista permeable a las influencias de su entorno, pero su trabajo nunca quedó subordinado a ellas. Su capacidad de absorber referencias y transformarlas en un lenguaje propio le permitió mantenerse a la vanguardia de la experimentación artística durante más de cinco décadas. Desde sus primeras obras, en las que se percibe el impacto de la acción pictórica de Pollock, hasta sus creaciones más tardías, marcadas por un uso más meditativo del color y la composición, Frankenthaler construyó un corpus artístico de una riqueza inigualable.

El recorrido expositivo también pone en valor su versatilidad como creadora. Aunque es conocido sobre todo por su obra pictórica, Frankenthaler trabajó en una amplia variedad de medios, incluyendo la xilografía, el grabado y la escultura. Su experimentación con las técnicas de impresión la llevó a desarrollar un estilo innovador que desafiaba las convenciones del grabado tradicional, explorando la posibilidad de trasladar la fluidez de su pintura al papel. Estos trabajos, aunque menos conocidos que sus grandes lienzos, reflejan la misma inquietud creativa que caracteriza toda su producción.

16/03/2025 0 comments
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LiteraturaReseñas

Reseña: Un mundo feliz, de Aldous Huxley

by Uve Magazine 12/03/2025
written by Uve Magazine

Cuando Aldous Huxley publicó Un mundo feliz en 1932, su visión de una sociedad dominada por el placer, el consumismo y la biotecnología parecía una exageración. Sin embargo, casi un siglo después, la realidad ha demostrado que muchas de sus ideas eran, más que fantasía, una premonición inquietantemente precisa.

¿De qué va Un mundo feliz?

En este clásico de la literatura distópica, Huxley nos traslada a un futuro donde los seres humanos son creados en laboratorios y condicionados desde su nacimiento para desempeñar roles específicos en una sociedad perfectamente organizada. Aquí no hay guerras ni pobreza, pero tampoco arte, literatura ni pensamiento crítico. La estabilidad se mantiene gracias a la manipulación biológica, la distracción constante y el soma, una droga que elimina cualquier forma de sufrimiento.

El protagonista, Bernard Marx, empieza a cuestionar este sistema “perfecto” cuando conoce a John, un “salvaje” que ha crecido fuera de esta sociedad y que, al entrar en ella, pone en evidencia sus contradicciones. A través de su historia, Huxley plantea preguntas que siguen resonando hoy: ¿estamos dispuestos a sacrificar la libertad por la comodidad? ¿El placer constante nos hace realmente felices? ¿Qué significa ser humano en un mundo diseñado para evitar el dolor?

Un mundo feliz, Aldous Huxley. Primera edición

Huxley y el futuro que se parece demasiado al presente

Aunque Huxley escribió su novela hace casi un siglo, el paralelismo con nuestra sociedad es sorprendente. No vivimos en un mundo donde los bebés nacen en frascos ni tomamos soma para mantenernos felices, pero… ¿y si ya estamos más cerca de ese mundo de lo que creemos?

  • Entretenimiento y distracción constante
    En la sociedad de Un mundo feliz, la gente está demasiado ocupada con placeres superficiales como el sexo, los espectáculos y el consumo para cuestionarse nada. Hoy, las redes sociales, el streaming y el entretenimiento digital cumplen una función similar: nos mantienen distraídos, bombardeados por contenido, sin tiempo para detenernos a pensar.
  • La felicidad obligatoria y la positividad tóxica
    En la novela, cualquier emoción negativa es vista como un error que debe corregirse. En nuestro tiempo, la cultura del “pensamiento positivo” nos dice que debemos ser felices a toda costa, ignorando que el dolor y la tristeza son parte natural de la vida.
  • Manipulación genética y biotecnología
    En Un mundo feliz, las personas son diseñadas biológicamente para cumplir un rol. Hoy, con tecnologías como CRISPR, la fertilización in vitro y la edición genética, la idea de seleccionar ciertas características en los bebés ya no es ciencia ficción.
  • El consumismo como motor de la sociedad
    Huxley imaginó un mundo donde la gente es condicionada desde la infancia para consumir sin parar. En nuestra realidad, la moda rápida, la obsolescencia programada y la publicidad omnipresente hacen que comprar y desechar productos se haya convertido en una costumbre cotidiana.
  • La supresión del pensamiento crítico
    Aunque tenemos acceso a más información que nunca, la desinformación, las noticias falsas y la saturación de contenido han hecho que, en lugar de pensar más, muchas personas prefieran aceptar lo primero que ven. Como en Un mundo feliz, la mejor forma de controlar a una sociedad no es la censura, sino distraerla hasta que deje de hacer preguntas.

¿Por qué leer Un mundo feliz hoy?

Más que una novela, Un mundo feliz es una advertencia. Huxley no nos dice que el placer o la tecnología sean malos, sino que cuando la felicidad artificial se convierte en la única meta, corremos el riesgo de perder lo que nos hace humanos: la capacidad de cuestionar, de sentir y de buscar un significado más profundo en la vida.

Quizá no vivamos en un futuro donde tomamos soma para olvidar nuestras preocupaciones, pero, ¿qué diferencia hay entre eso y pasar horas en TikTok para evadir la realidad? Al final, la pregunta sigue siendo la misma: ¿estamos construyendo un mundo feliz… o simplemente un mundo distraído?

Aldous Huxley

Aldous Huxley (1894-1963) fue un escritor, ensayista y filósofo británico, reconocido por su aguda visión crítica de la sociedad y su exploración de temas como la tecnología, la política, la espiritualidad y la naturaleza humana.

Nació en Godalming, Inglaterra, en una familia de intelectuales: su abuelo era el célebre biólogo Thomas Henry Huxley y su hermano, Julian Huxley, un destacado científico. Huxley estudió en Eton y luego en la Universidad de Oxford, donde se graduó en Literatura Inglesa. Una enfermedad ocular en su juventud afectó gravemente su visión, lo que influyó en su perspectiva del mundo y en su inclinación hacia la filosofía y la literatura.

En 1932 publicó Un mundo feliz, su novela más famosa, en la que imaginó una sociedad distópica controlada por el placer y la manipulación científica. Más adelante, en obras como Las puertas de la percepción (1954), exploró los efectos de sustancias psicodélicas en la conciencia, influyendo en la contracultura de los años 60.

A lo largo de su vida, Huxley vivió en distintos países, estableciéndose en los Estados Unidos en la década de 1930. Allí trabajó en Hollywood como guionista y profundizó en el estudio del misticismo y la filosofía oriental.

Murió en 1963 en Los Ángeles, el mismo día que John F. Kennedy fue asesinado, lo que hizo que su fallecimiento pasara casi desapercibido.

12/03/2025 0 comments
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AgendaEventos

Primera edición del festival Biophest

by Uve Magazine 10/03/2025
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Matadero Madrid inaugura Biophest, el primer festival que celebra la conexión entre humanos y naturaleza. Del 4 al 6 de abril, Matadero Madrid, centro de creación contemporánea del Área de Cultura, Turismo y Deporte, acogerá la primera edición de Biophest, un festival innovador que explora el vínculo emocional entre las personas y la naturaleza a través de una amplia variedad de actividades. Charlas, talleres, conciertos, exposiciones y rutas guiadas conforman la programación de este evento comisariado por la experta en botánica urbana Elena Páez y la especialista en comunicación cultural Eva F. Cortés.

Biophest surge con la intención de fomentar la biofilia, término que define el amor innato de los seres humanos por la naturaleza. El festival propone un espacio de reflexión y experimentación artística que promueve una conexión más profunda con el entorno vegetal, desde el aprendizaje práctico hasta la inmersión sensorial en instalaciones artísticas y experiencias musicales. Entre las actividades destacadas se incluyen talleres donde los asistentes podrán desarrollar habilidades en jardinería y botánica, aprendiendo a realizar esquejes, mantener espacios verdes urbanos, identificar y cuidar plantas de interior o confeccionar kokedamas, una técnica japonesa inspirada en el bonsái y el ikebana.

El festival contará con la presencia de destacados especialistas que ofrecerán su visión sobre la conexión entre el ser humano y la naturaleza. Entre los ponentes se encuentran Santiago Beruete, filósofo, antropólogo y jardinero, que aboga por una cosmovisión biocéntrica; Sue Stuart-Smith, psiquiatra y escritora británica, autora de La mente bien ajardinada; y Eduardo Barba, paisajista e investigador botánico, quien explorará la relación entre arte y botánica en su charla El arte de las plantas. También participarán Marco Martella, escritor y director de la revista Jardins, y la artista y comisaria de exposiciones Toya Legido, que analizará el papel de la naturaleza en la producción artística.

Los asistentes podrán sumergirse en instalaciones interactivas que exploran la relación entre arte y naturaleza. Plant-based, de Cyrus Clarke, es una innovadora serie de arte digital generativo que evoluciona y captura carbono. Crisálida, de Casa Protea, representa un refugio de musgo que simboliza la transformación y regeneración de la vida vegetal. Además, la instalación Phonofolium, de Scenocosme, permite a los visitantes interactuar con un árbol vivo que emite sonidos en respuesta al tacto humano. En el Terrario de Nave Una, la exposición Variedades de lechugas locales, de Ecosecha, y el proyecto Banco de intercambio de semillas ofrecen un acercamiento a la biodiversidad agrícola y la sostenibilidad.

Biophest también contará con un programa musical que explora la relación entre sonido y naturaleza. La inauguración del festival estará marcada por un homenaje a Plantasia, el icónico álbum de Mort Garson creado para el disfrute de las plantas. El sábado, el productor Brian D’Souza presentará Mushroom Music, inspirado en la comunicación de los hongos, mientras que el domingo cerrará el festival Jordi Sapena con Salve Monstera, un álbum que fusiona lo electrónico con lo orgánico. Además, el festival propone diversas rutas para redescubrir la naturaleza en entornos urbanos. Cuando el río habla recorrerá el Manzanares como un organismo vivo cargado de historia ecológica y social, mientras que Elogio a la jardinería punk invitará a explorar jardines espontáneos que rompen con las normas tradicionales. Otra de las rutas destacadas es La nave de las patatas, un recorrido por el Palacio de Cristal de Arganzuela, espacio que alberga más de 9.000 especies vegetales.

Los más pequeños también tendrán su espacio en Biophest con talleres diseñados para fomentar su curiosidad por la naturaleza. El desafío del bosque y La naturaleza de los objetos están dirigidos a niñas y niños a partir de seis años, con dinámicas que combinan juego y aprendizaje sobre el mundo vegetal. Biophest, organizado por Intermediae y Matadero Madrid, cuenta con el patrocinio de As Pedras, El Águila y la Asociación para la Certificación Española Forestal (PEFC España). Este evento refuerza la línea de trabajo de Intermediae en torno a la permacultura y la ecología crítica, ofreciendo una oportunidad única para repensar la relación entre arte, naturaleza y bienestar humano. Las inscripciones para las actividades gratuitas y la compra de entradas para los talleres de adultos ya están disponibles en intermediae.es.

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AgendaEventos

Madrid inaugura su primera Feria del Cómic en marzo

by Uve Magazine 06/03/2025
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Madrid se prepara para celebrar un acontecimiento inédito en su escena cultural: la primera edición de la Feria del Cómic de Madrid. El evento tendrá lugar del 27 al 30 de marzo en Matadero Madrid y reunirá durante cuatro días a los amantes del noveno arte en un espacio de intercambio y encuentro con figuras destacadas del panorama nacional e internacional.

Organizada por el Ayuntamiento de Madrid y la Asociación de Librerías de Madrid, con la colaboración de la Fundación Germán Sánchez Ruipérez, FSC (Forest Stewardship Council) y Radio 3 (RNE), esta feria nace con la vocación de convertirse en un referente para lectores, profesionales del sector y creadores.

La feria contará con 36 casetas, gestionadas por librerías madrileñas, muchas de ellas especializadas en cómic, lo que ofrecerá una oportunidad excepcional para descubrir una amplia oferta editorial. Además, el evento incluirá presentaciones, charlas, encuentros con autores y actividades para todos los públicos.

Marta Rivera de la Cruz, delegada del Área de Gobierno de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, ha expresado su entusiasmo ante la inauguración de la feria: “Nos alegra anunciar que Madrid tendrá su Feria del Cómic. Ha estado muy presente en la ciudad a través de librerías y bibliotecas, y ahora contará con su propio evento de referencia”.

Un cartel con identidad propia

El ilustrador y Premio Nacional de Cómic 2015, Javier Olivares, ha sido el encargado de diseñar el cartel de esta primera edición. Su propuesta busca capturar la esencia de la historieta de forma visual, destacando las posibilidades narrativas del medio.

Una programación con tres grandes ejes

La comisaria de la feria, Elisa McCausland, ha diseñado una programación alineada con la propuesta artística de Olivares. Los tres ejes temáticos de la feria son:

  • La casa como unidad narrativa: centrado en relatos autobiográficos y cómics de memorias personales.

  • La ciudad como espacio de experimentación: explorando el cómic de crónica urbana y su relación con la memoria histórica y los movimientos sociales.

  • Los multiversos como oportunidades de encuentro: abordando los géneros de ficción, la experimentación gráfica y el cómic contemporáneo.

Actividades para todos los públicos

Las actividades se desarrollarán en tres escenarios principales: Casa del Lector, Matadero y Cineteca. En esta última, se proyectarán películas dentro del ciclo Autoras de cine, autoras de cómic, con la participación de figuras como Richard McGuire, creador de Aquí (2014), cuya adaptación cinematográfica, Here, será proyectada en Cineteca.

Asimismo, habrá espacios profesionales para libreros y editores, mesas redondas sobre crítica de cómic y librerías especializadas, así como emisiones en directo de programas de Radio 3 y pódcasts especializados.

Horarios y acceso

Las casetas estarán abiertas el jueves 27 de marzo de 16:00 a 20:00 h. y de 11:00 a 20:00 h. de viernes a domingo. La Feria del Cómic de Madrid promete ser una cita imprescindible para explorar la riqueza del sector y conectar con la diversidad del cómic en todas sus manifestaciones.

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ArtePersonajes

Las cinco pintoras más importantes del siglo XX

by Uve Magazine 16/02/2025
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A lo largo del siglo XX, la pintura experimentó una revolución sin precedentes. Movimientos como el surrealismo, el expresionismo y el arte abstracto transformaron la manera en que concebimos el arte. En este contexto, cinco pintoras se alzaron como figuras fundamentales, desafiando las normas impuestas y transitando un camino difícil para las mujeres en el mundo del arte.

Frida Kahlo (1907-1954)

Pocas artistas han logrado convertir su vida en un testimonio visual tan impactante como Frida Kahlo. Su obra, profundamente autobiográfica, refleja el dolor físico y emocional que la acompañó durante toda su existencia. Con un estilo surrealista, pero enraizado en el folclore mexicano, Kahlo exploró temas como la identidad, la maternidad y la política. Obras como Las dos Fridas y Autorretrato con collar de espinas que refleja otro de sus grandes tormentos,  su relación con Diego Rivera. Su obra está llena de iconografía, simbolismo y dolor físico.

Las dos Fridas

Georgia O’Keeffe (1887-1986)

Pionera del modernismo en los Estados Unidos, Georgia O’Keeffe revolucionó la representación de la naturaleza y la abstracción. Sus famosas pinturas de flores, como Jimson Weed/White Flower No. 1, y sus paisajes del suroeste estadounidense destacan por su atrevimiento formal y el uso innovador del color. Su trabajo se caracteriza por el desarrollo en series, donde exploraba un motivo —ya fuera una flor, un paisaje, un hueso o una estructura arquitectónica— que primero debía despertar en ella una emoción intensa. Una vez capturada esa sensación, la traducía en varias pinturas, abordando el tema desde distintos ángulos hasta agotar su interés por él.

Georgia O’Keeffe prácticamente todas las interpretaciones que se hicieron sobre sus obras

Abstraction Blue

Tamara de Lempicka (1898-1980)

Emblema del Art Déco, Tamara de Lempicka capturó la elegancia y el glamur de los años 20 y 30 con su estilo inconfundible. Sus retratos, caracterizados por formas caraterísticas de Art Decó y una paleta de colores vibrante, reflejan el espíritu de la modernidad. Obras como Autorretrato en un Bugatti Verde o La joven con un vestido verde  consolidaron su reputación como una de las pintoras más icónicas de su tiempo.

Se advierte en su obra una profunda admiración por Ingres, pero también ecos de Botticelli y del Manierismo en general. Sus géneros predilectos son el desnudo y el retrato, donde aparecen hombres de porte elegante o mujeres etéreas, envueltas en vestidos de telas ondulantes.

Asimismo, algunos críticos han señalado la presencia de elementos cubistas en su trabajo. La artista, que tuvo contacto con el movimiento, incorporó en ciertas piezas una sutil geometrización de las formas.

La joven con un vestido verde

Leonora Carrington (1917-2011)

Figura clave del surrealismo, Leonora Carrington desarrolló una obra que combina mitología, simbolismo y una visión onírica del mundo. De origen británico, pero con una profunda conexión con México, Carrington creó universos en los que lo mágico y lo real se entrelazan de manera inconfundible. Su pintura El mundo mágico de los mayas es una muestra del sincretismo y la fascinación por lo esotérico que marcó su producción artística.

Autorretrato

Louise Bourgeois (1911-2010)

Si bien Louise Bourgeois es más conocida por su trabajo escultórico, su obra pictórica y sus dibujos desempeñaron un papel crucial en su desarrollo artístico. A través de sus creaciones, exploró temas como la memoria, el cuerpo y la psique humana. Su icónica serie de pinturas y dibujos Femme Maison ofrece una profunda reflexión sobre la identidad femenina y la relación entre el espacio doméstico y la autonomía personal.

Femme maison
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LiteraturaPensamientoPersonajes

Ante la ley, relato de Franz Kafka

by Uve Magazine 07/02/2025
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Ante la ley de Franz Kafka (1915) es una breve parábola que encapsula la angustia existencial y la burocracia impenetrable, temas recurrentes en la obra del autor.

Este cuento, incluido en El proceso, ilustra la impotencia del individuo frente a sistemas inescrutables y sugiere la inutilidad de la espera pasiva ante las barreras impuestas por el poder. Su ambigüedad ha dado pie a múltiples interpretaciones, desde una lectura existencialista hasta una alegoría sobre la inaccesibilidad de la verdad o la justicia.

Ante la ley se alza un guardián. Llega un hombre del campo y solicita entrar en la ley. Pero el guardián le dice que, por ahora, no puede permitirle la entrada. El hombre reflexiona y pregunta si más tarde se le permitirá entrar.

—Es posible —dice el guardián—, pero no ahora.

Puesto que la puerta de la ley está abierta, como siempre, y el guardián se aparta a un lado, el hombre se inclina para mirar a través de la puerta, hacia el interior. Al notar esto, el guardián suelta una carcajada y dice:

—Si tanto te tienta, prueba a entrar a pesar de mi prohibición.

—Pero advierte: soy poderoso. Y no soy más que el primer guardián. Entre las salas hay otros guardianes, cada uno más poderoso que el anterior. Ni siquiera yo puedo soportar la mirada del tercero.

El hombre del campo no esperaba tales dificultades; la ley debería estar siempre accesible para todos, piensa. Pero al observar más detenidamente al guardián, su abrigo de piel, su gran nariz puntiaguda, su larga y fina barba negra tártara, decide aguardar hasta obtener el permiso para entrar.

El guardián le entrega un taburete y le permite sentarse a un lado de la puerta.

Allí se sienta durante días y años. Hace innumerables intentos por ser admitido y fatiga al guardián con sus súplicas. Este, de vez en cuando, le somete a pequeños interrogatorios, le pregunta por su tierra natal y por muchas otras cosas, pero tales cuestiones son indiferentes, como las que formulan los grandes señores, y al final siempre le repite que aún no puede dejarle entrar.

El hombre, que ha emprendido su viaje bien provisto, emplea cuanto posee, por valioso que sea, para sobornar al guardián. Este lo acepta todo, pero dice:

—Solo lo tomo para que no pienses que has dejado de hacer algo.

A lo largo de los años, el hombre ha observado casi sin descanso al guardián. Poco a poco, olvida a los otros guardianes, y este primero le parece el único obstáculo para entrar en la ley.

Maldice la desdichada coincidencia, al principio con impaciencia y a grandes voces; más tarde, cuando envejece, solo gruñe para sí mismo. Se vuelve infantil, y como en sus años de observación del guardián ha llegado incluso a distinguir las pulgas en el cuello de piel de su abrigo, les ruega también a ellas que le ayuden y logren ablandar el corazón del guardián.

Con el tiempo, su vista se debilita, y ya no sabe si la oscuridad a su alrededor es real o si sus ojos le engañan. Pero ahora, en medio de las tinieblas, distingue un resplandor que se filtra inexorablemente a través de la puerta de la ley.

No le queda ya mucho tiempo de vida.

Antes de su muerte, todas las experiencias de aquellos años se condensan en su mente en una única pregunta que hasta entonces no había formulado al guardián. Le hace una seña, pues ya no puede enderezar su cuerpo entumecido. El guardián tiene que inclinarse profundamente hacia él, pues con los años la diferencia de tamaño ha cambiado en gran perjuicio del hombre.

—¿Qué más quieres saber ahora? —pregunta el guardián—. Eres insaciable.

—Todos aspiran a entrar en la ley —dice el hombre—, ¿cómo es posible, entonces, que en todos estos años nadie, salvo yo, haya solicitado entrar?

El guardián, viendo que el hombre se halla en su último aliento, le grita al oído:

—Nadie más podía entrar por aquí, porque esta puerta estaba destinada solo para ti. Ahora voy a cerrarla.

Marino Costa

07/02/2025 0 comments
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ArteEventos

Guardi y Venecia en el Thyssen

by Uve Magazine 04/02/2025
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El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta por primera vez en Madrid la colección completa de obras de Francesco Guardi perteneciente al Museo Calouste Gulbenkian. Gracias a un acuerdo de colaboración entre ambas instituciones, del 3 de febrero al 11 de mayo de 2025, los visitantes podrán disfrutar de 18 óleos y un dibujo del pintor veneciano, el artista más representado en la colección del financiero armenio Calouste Sarkis Gulbenkian (1869-1955).

Guardi y la veduta veneciana

Miembro de una familia de pintores, Francesco Guardi (1712-1793) se formó en el taller familiar junto a su hermano mayor, Gianantonio. Durante sus primeros años se dedicó a la pintura de temas religiosos e históricos, pero fue en su madurez cuando se especializó en la veduta, la representación de paisajes urbanos. Influenciado por Canaletto, Guardi evolucionó su estilo a través de una pincelada suelta y vibrante, logrando una atmósfera más poética e idealizada que la de su predecesor.

Las obras expuestas, fechadas entre 1765 y 1791, muestran distintos rincones de Venecia, desde vistas icónicas como el Puente de Rialto o el Palacio Ducal, hasta celebraciones populares como la Fiesta de la Ascensión. También incluyen escenas de los alrededores de la ciudad y caprichos arquitectónicos, ejemplos de su libertad creativa en la composición paisajística.

Un recorrido por la Venecia de Guardi

La exposición, comisariada por Mar Borobia, se divide en dos secciones: “La ciudad y sus fiestas” y “Terraferma y los caprichos”, y se exhibe en tres salas de la colección permanente del Thyssen.

En las salas 13 y 14 se presentan escenas festivas y panoramas urbanos que reflejan la animación y el esplendor de Venecia en el siglo XVIII. Entre las piezas más destacadas se encuentran La fiesta de la Ascensión en la plaza de San Marcos (h. 1775), en la que el pintor plasma con pinceladas rápidas el bullicio de la celebración.

Otro lienzo significativo es La partida del Bucintoro (h. 1765-1780), que capta la salida de la galera de los dux desde la dársena veneciana. Asimismo, Regata en el Gran Canal (h. 1775) y El puente de Rialto según el proyecto de Palladio (h. 1770) ofrecen diferentes perspectivas de la ciudad.

Otras obras que completan esta sección incluyen El Canal de Giudecca con la Iglesia de Santa Marta (h. 1770-1780), Pórtico con figuras (h. 1778), El pórtico del Palacio Ducal (h. 1778) y El Gran Canal junto al puente de Rialto (h. 1780-1790), todas representaciones que revelan la maestría de Guardi en la creación de atmósferas vibrantes.

Terraferma y los caprichos

La segunda sección, en la sala 15, exhibe la faceta más libre e imaginativa del pintor. Su pincelada suelta y expresiva captura el paso del tiempo y el deterioro arquitectónico con un tono melancólico. Obras como Capricho con arco romano en ruinas y templo circular (h. 1770-1780) muestran su talento para la composición idealizada.

El interés de Guardi por la vida cotidiana se refleja en Las compuertas en Dolo (h. 1774-1776), donde retrata la actividad del río Brenta. Asimismo, La isla de San Giorgio Maggiore (h. 1790) es un bello ejemplo de su visión de la arquitectura veneciana.

Un legado compartido

La exposición culmina con dos obras clave: Regata en el Gran Canal junto al puente de Rialto (h. 1791) de Giacomo Guardi, hijo del artista, y Il Bucintoro (h. 1745-1750) de Canaletto, prestada por la Colección Thyssen-Bornemisza al Museu Nacional d’Art de Catalunya. Esta última obra sirvió de inspiración para Guardi en una de sus composiciones más emblemáticas.

Esta muestra representa una oportunidad única para admirar el genio de Francesco Guardi y su visión de Venecia en un contexto inigualable, el Museo Thyssen-Bornemisza, donde la tradición y la modernidad se encuentran en un diálogo continuo sobre el arte y la historia.

04/02/2025 0 comments
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EventosLiteratura

Madrid y Nueva York en la Feria del Libro 2025

by Uve Magazine 19/01/2025
written by Uve Magazine

La Feria del Libro de Madrid 2025 ha elegido a la ilustradora argentina Coni Curi para diseñar el cartel oficial de su 84.ª edición, un encargo que une las culturas de Madrid y Nueva York, tema central de este año. Inspirada por el diseño gráfico estadounidense de las décadas de 1920 a 1940, la artista aportará su estilo único, al que denomina NeoNostalgia, para reflejar la conexión entre estas dos icónicas ciudades.

La directora de la Feria, Eva Orúe, explicó que la elección de Curi se debió a su capacidad para evocar la gráfica vintage y reinterpretarla desde una perspectiva contemporánea: “Su estilo nos parecía perfecto para esta colaboración. Estamos seguros de que hará justicia a los imaginarios de Nueva York que todos llevamos dentro, sin desconectarse del presente”. Ambas ciudades comparten una rica diversidad cultural y social, plasmada en sus paisajes, su historia migratoria y su vibrante vida literaria. Espacios como Central Park y El Retiro, este último sede de la Feria, representan los puentes que inspirarán el diseño del cartel.

Para Coni Curi, este proyecto es un sueño hecho realidad. “Como fanática de la literatura, como artista, como migrante y como enamorada de las calles de Madrid, me pareció increíble que me eligieran. Al principio sentí miedo por el desafío, pero estoy emocionada de ver mi trabajo paseándose por toda la Feria al ritmo de la gente y los libros”. La artista imagina esta edición como un punto de encuentro entre Madrid y Nueva York, dos ciudades que, aunque distintas en paisaje y ritmo, han sido escenarios de innumerables ficciones literarias y cinematográficas.

El diseño definitivo del cartel, que promete reflejar esta relación transatlántica a través del característico uso de colores vibrantes y referencias nostálgicas de Curi, se desvelará en abril, a pocas semanas del inicio de la Feria. Mientras tanto, la ilustradora se prepara para su primera visita al evento, que añade un toque especial a su participación.

Coni Curi, nacida en Buenos Aires en 1993 y residente en Valencia, ha desarrollado un estilo único que combina pasado y presente. Su fascinación por los catálogos antiguos, los envoltorios de frutas, las cajas de fósforos y la porcelana decorativa se refleja en proyectos como el Tarot de la Fuerza o el Sacred Sisterhood Tarot. Este enfoque le ha permitido crear una comunidad de seguidores en redes sociales (@conicuri), quienes comparten su amor por lo vintage.

La expectación por el cartel que representará la conexión cultural entre Madrid y Nueva York crece día a día. Eva Orúe concluyó: “Habrá que contener la impaciencia para verlo. Hay muchas ganas”. La 84.ª Feria del Libro de Madrid promete ser un evento inolvidable en el calendario literario internacional, celebrando el arte, la literatura y los lazos que unen a dos grandes ciudades.

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Sin categoría

El arte de coleccionar libros

by Uve Magazine 02/01/2025
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En una época en la que el mundo parece girar en torno a la inmediatez de las pantallas digitales, el acto de coleccionar libros es un refugio para quienes buscan algo más perdurable, tangible y lleno de significado. Lejos de ser un simple pasatiempo, el coleccionismo de libros se ha convertido en una forma de conectar con la historia, la cultura y el arte. Desde ediciones raras hasta libros ilustrados, cada ejemplar cuenta una historia que va más allá de sus palabras. En este artículo exploraremos el fascinante mundo del coleccionismo literario, sus motivaciones y cómo empezar tu propia colección.

La belleza de lo único

Los libros son mucho más que meros contenedores de historias. Algunos destacan por su diseño, su encuadernación y su historia editorial. En especial, las ediciones especiales y limitadas se elevan al rango de objetos artísticos. Estas ediciones, con sus cubiertas ilustradas y materiales cuidadosamente seleccionados, no solo capturan la atención del lector, sino también de coleccionistas que buscan piezas únicas.

Las encuadernaciones en cuero, los grabados en relieve o los papeles especiales convierten a ciertos libros en piezas codiciadas. Cada elemento diseñado cuidadosamente aporta valor y singularidad al ejemplar, haciéndolo digno de un lugar en cualquier colección.

Historia entre páginas

Coleccionar libros antiguos o raros es como sostener un fragmento de historia entre las manos. Cada ejemplar lleva consigo no solo la narrativa que contiene, sino también las huellas del tiempo. Las primeras ediciones, por ejemplo, pueden ofrecer una visión única del proceso creativo de un autor, con posibles erratas, dedicatorias o diseños originales que no se replicaron en versiones posteriores.

En las librerías anticuarias, es posible encontrar verdaderos tesoros literarios. Cada libro encontrado en estos lugares tiene su propia historia: tal vez perteneciera a una familia que lo cuidó con esmero o pasara por generaciones de lectores que dejaron sus anotaciones a los márgenes. Estos ejemplares se convierten en testigos mudos de vidas pasadas y de momentos únicos en la historia de la literatura.

Libros como inversión

Aunque muchos coleccionistas persiguen libros por pasión, también existe un atractivo económico en este mundo. Los libros raros y las ediciones limitadas suelen incrementar su valor con el tiempo, especialmente cuando están bien conservados. Una primera edición de un autor clásico o un ejemplar firmado por el escritor puede alcanzar precios sorprendentes en subastas.

Para aquellos que ven el coleccionismo como una posible inversión, es importante investigar y conocer el mercado. Algunos factores que determinan el valor de un libro incluyen su estado, la rareza de la edición, la demanda y el prestigio del autor. Sin embargo, más allá del dinero, muchos coinciden en que el verdadero valor de un libro radica en la conexión emocional que genera.

Cómo empezar tu colección

El mundo del coleccionismo puede parecer intimidante al principio, pero con unos pasos sencillos es posible adentrarse en él de manera natural y gratificante. Aquí algunos consejos para comenzar:

  1. Define un tema Decide qué tipo de libros deseas coleccionar. ¿Te atraen las primeras ediciones, los libros ilustrados o las temáticas específicas como la literatura feminista o los cuentos góticos? Tener un enfoque claro te ayudará a centrar tus búsquedas y a construir una colección coherente.

  2. Investiga Conoce el mercado, los autores y las editoriales relacionadas con tu tema de interés. Visitar librerías especializadas, anticuarias y ferias del libro es una excelente manera de aprender y descubrir joyas ocultas. También puedes explorar catálogos online que ofrecen selecciones curadas de libros únicos.

  3. Cuida tus ejemplares La conservación es clave en el coleccionismo. Guarda los libros en un lugar fresco, seco y protegido de la luz solar directa. Considera el uso de fundas protectoras para evitar daños por manipulación o condiciones ambientales.

  4. Conecta con otros coleccionistas Participar en comunidades y foros de coleccionismo te permitirá intercambiar conocimientos, descubrir oportunidades y, por qué no, hacer nuevas amistades con intereses comunes.

Coleccionar libros no solo se trata de poseerlos, sino también de experimentarlos. El aroma de un libro antiguo, la textura de sus páginas y los detalles de su encuadernación son elementos que cautivan los sentidos y enriquecen la experiencia. Además, cada ejemplar en una colección puede contar una historia personal: el lugar donde fue adquirido, la razón por la que fue elegido o los momentos compartidos con su lectura.

Una forma de preservar la cultura

El coleccionismo de libros es también una manera de salvaguardar la cultura y las historias que nos conectan con el pasado. Cada libro coleccionado es un testimonio de su tiempo, una representación de las ideas, el arte y la sociedad que lo crearon. Al atesorar estos objetos, los coleccionistas contribuyen a mantener viva la herencia literaria y artística para las futuras generaciones.

El coleccionismo de libros es una forma de preservar la cultura, el arte y las historias que nos definen como sociedad. Más allá de su valor económico, cada libro coleccionado tiene un significado único para su propietario, convirtiéndose en un puente entre el pasado y el presente. Ya sea que estés empezando tu colección o que busques ampliar tus horizontes literarios, recuerda que en cada página hay un universo esperando ser descubierto.

Sumérgete en este apasionante viaje. ¡Descubre, colecciona y comparte la magia de los libros!

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ArteCine

Nosferatu y el origen del terror visual

by Uve Magazine 27/12/2024
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Desde sus inicios, el cine ha sido un medio capaz de explorar los rincones más oscuros de la imaginación humana, y pocas obras encarnan este potencial como Nosferatu: Una sinfonía del horror (1922) dirigida por F. W. Murnau. .

Esta película no solo transformó el género del terror, sino que también se convirtió en un emblema del cine mudo, destacando por su audaz mezcla de innovación, polémica y un estilo visual inolvidable.

Su génesis parte del deseo del productor Albin Grau de plasmar un relato de vampiros en la gran pantalla. Grau, un ocultista apasionado por lo sobrenatural, se inspiró en anécdotas sobre vampiros que escuchó de un campesino serbio durante la Primera Guerra Mundial. Aunque la idea inicial era adaptar la novela Drácula de Bram Stoker, los problemas legales con los derechos de autor llevaron al guionista Henrik Galeen a transformar la narrativa, creando así a Graf Orlok, un vampiro que redefiniría el terror visual y emocional.

La producción fue asumida por Prana Film, una compañía que, destinada a explorar temáticas esotéricas, apenas sobreviviría a los problemas legales que vendrían después. La elección de F. W. Murnau como director fue clave para dar vida a esta visión sombría.

Murnau, es uno de los nombres más emblemáticos del cine expresionista alemán. Nacido el 28 de diciembre de 1888 en Bielefeld, Alemania, se convirtió en una figura clave en la evolución del cine durante las primeras décadas del siglo XX. Su capacidad para conjugar innovación técnica, narrativa y visual lo estableció como uno de los directores más influyentes de la historia del séptimo arte.

Antes de adentrarse en el mundo del cine, Murnau estudió literatura alemana, historia del arte y teatro en la Universidad de Heidelberg, lo que marcó profundamente su estilo cinematográfico. Durante este período, descubrió las obras de escritores como Goethe y Schopenhauer, cuyas ideas filosóficas y literarias encontrarían eco en sus películas. Tras servir en la Primera Guerra Mundial como piloto, regresó a Alemania y comenzó a trabajar en teatro bajo la tutela de Max Reinhardt, un destacado director teatral. Este contacto con el teatro expresionista, conocido por su enfoque visual en la iluminación y la escenografía, sentó las bases de su posterior trabajo en el cine.

Murnau debutó como director en 1919 con la película Der Knabe in Blau. Sin embargo, fue su trabajo en Der letzte Mann (1924) el que lo consolidó como un innovador. En esta obra, utilizó la llamada “cámara desencadenada”, que permitía movimientos fluidos y expresivos, una revolución para la época. Además, Der letzte Mann destacó por su narrativa visual, evitando el uso de intertítulos y confiando exclusivamente en las imágenes para contar su historia. Sin embargo, su obra más icónica ha sido Nosferatu: Una sinfonía del horror .

Conocido por su dominio del lenguaje visual y su inclinación por el expresionismo, Murnau creó una estética envolvente que marcaría un estándar en el cine. El rodaje, realizado en paisajes naturales de Alemania y Eslovaquia, capturó la atmósfera escalofriante que requería la historia. El Castillo de Orava, con sus corredores sombríos y torres góticas, se convirtió en un personaje más de la película, reforzando el entorno ominoso.

Nosferatu, 1922

El papel del Conde Orlok, el vampiro de apariencia cadavérica y movimientos antinaturales, fue interpretado por Max Schreck, un actor cuya presencia en pantalla resultó muy inquietante. Nacido el 6 de septiembre de 1879 en Berlín, Alemania, Schreck se formó en artes dramáticas y desarrolló gran parte de su carrera en el teatro antes de incursionar en el cine. Aunque actuó en varias películas, su interpretación en Nosferatu eclipsó el resto de su carrera. Su habilidad para encarnar al Conde Orlok, con una transformación física impresionante, lo consolidó como una figura imprescindible del cine de terror.

Gustav von Wangenheim, nacido el 18 de febrero de 1895 en Wiesbaden, Alemania, interpretó a Thomas Hutter, el joven agente inmobiliario que viaja al castillo del Conde Orlok y desata los eventos principales de la historia. Von Wangenheim provenía de una familia de actores y tenía experiencia tanto en teatro como en cine. Además de su carrera actoral, fue director y escritor, destacándose por su compromiso con las ideas progresistas de la época. Aunque su papel en Nosferatu es recordado principalmente por su ingenuidad y valentía, su vida posterior estuvo marcada por su afiliación al partido comunista y su exilio durante el nazismo. Por su parte, Greta Schröder, nacida el 27 de junio de 1891 en Düsseldorf, Alemania, dio vida a Ellen Hutter, la esposa de Thomas, cuya pureza e inocencia se convierten en un elemento central de la trama. Ellen es el objetivo del Conde Orlok y también la clave de su destrucción. Schröder era una actriz destacada del cine mudo y participó en varias producciones alemanas durante la década de 1920. Sin embargo, su legado cinematográfico está irremediablemente ligado a Nosferatu, donde su actuación transmite una mezcla de vulnerabilidad y fortaleza que cautiva a los espectadores.

Alexander Granach interpretó a Knock, el jefe de Hutter, un personaje excéntrico y perturbador que actúa como sirviente humano del Conde Orlok. Granach, nacido el 18 de abril de 1890 en el Imperio Austrohúngaro (actual Ucrania), tuvo una infancia humilde antes de dedicarse al teatro. Su carácter expresivo y su talento natural lo llevaron al éxito en el escenario y el cine. Después de Nosferatu, continuó su carrera en Alemania hasta que el ascenso del nazismo lo obligó a emigrar a los Estados Unidos, donde trabajó en producciones de Hollywood. Su interpretación de Knock, con su locura y gestos exagerados, sigue siendo uno de los elementos más memorables de la película.

Georg H. Schnell interpretó a Herr Harding, amigo cercano de los Hutter, mientras que Ruth Landshoff dio vida a Annie, su esposa. Aunque sus roles son secundarios, ambos actores aportaron una dimensión realista y emocional a la historia. Schnell fue un actor con una carrera prolífica en el cine mudo, mientras que Landshoff también se destacó como escritora y periodista, especialmente tras emigrar a los Estados Unidos debido a su origen judío.

Uno de los aspectos más impactantes de Nosferatu fue la interpretación de Max Schreck como el Conde Orlok, cuya transformación física, con orejas puntiagudas, ojos hundidos y una cadavérica apariencia, creó una de las figuras más icónicas del cine de terror. Su inquietante presencia en pantalla generó mitos sobre su identidad, incluyendo la idea de que era un vampiro real, una ficción explorada en Shadow of the Vampire (2000). Aunque estas leyendas son solo parte del folclore cinematográfico, su actuación sigue siendo objeto de fascinación. El lenguaje visual de Murnau, marcado por el uso innovador de la luz y la sombra, elevó la película a un nivel artístico excepcional, con técnicas como la aceleración, la inversión de negativos y el stop-motion que aportaron un aura sobrenatural al film. Escenas memorables, como la del Conde Orlok emergiendo rígidamente de su ataúd o proyectando su sombra alargada en una escalera, simbolizan el dominio visual de Murnau y su capacidad para capturar la esencia del terror. Sin embargo, la película no estuvo exenta de controversias, ya que Florence Stoker, viuda de Bram Stoker, demandó a Prana Film por violación de derechos de autor, logrando que se ordenara la destrucción de todas las copias de la película. Afortunadamente, algunas versiones sobrevivieron gracias a distribuciones internacionales y copias clandestinas, lo que aseguró que Nosferatu alcanzara el estatus de clásico. Con el tiempo, la obra ha sido restaurada y revalorizada, consolidándose como una fuente de inspiración para cineastas, artistas y escritores.

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