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AgendaArte

Nueva edición de “Aprendiendo a través del arte” en el Guggenheim Bilbao

by Uve Magazine 01/08/2025
written by Uve Magazine

El 21 de septiembre de 2025 finaliza una nueva edición de Aprendiendo a través del arte, una exposición que recoge el trabajo desarrollado por niñas y niños de primaria junto a artistas contemporáneos, dentro de un programa educativo que lleva más de dos décadas consolidándose como un referente en el Museo Guggenheim Bilbao.

Lejos de los modelos convencionales de exposición, este proyecto parte de una premisa distinta: el arte no es solo una asignatura ni un contenido adicional, sino una forma de pensar, observar, cuestionar y comunicar. A lo largo de veinte sesiones, artistas residentes colaboran con el alumnado de varios centros escolares del País Vasco, integrando los contenidos curriculares —desde ciencias hasta lengua o matemáticas— en procesos creativos que transforman la manera de aprender y enseñar.

Las piezas que se muestran en el museo son el resultado de ese recorrido compartido, en el que la experimentación, el juego y la reflexión toman un papel central. Más que obras terminadas, son rastros de un proceso de investigación visual que nace en el aula y se traslada al espacio expositivo. Cada grupo ha trabajado un tema distinto, muchas veces a partir de inquietudes reales del grupo o del entorno, como el paso del tiempo, la convivencia, el paisaje, las lenguas o la identidad.

Una de las claves de este programa está en su planteamiento metodológico. No se trata de que los niños “hagan arte” en el sentido tradicional, sino de que utilicen herramientas artísticas para explorar el mundo. Esta perspectiva convierte cada actividad en una oportunidad para mirar lo cotidiano desde otro ángulo, generar preguntas, encontrar relaciones inesperadas o reformular lo aprendido desde una dimensión más sensible.

El museo ofrece así no solo una exposición, sino un espacio donde el visitante puede asomarse al aula y descubrir cómo los más jóvenes interpretan lo que les rodea. Las obras, aunque concebidas en contextos escolares, logran activar en el espectador adulto una mirada distinta, menos cerrada y más permeable a la duda. Se rompen las jerarquías entre saberes “serios” y formas de expresión consideradas menores. Aquí, un collage hecho con papeles de colores puede abrir una conversación sobre el tiempo, la pérdida o la memoria.

Para el Guggenheim Bilbao, Aprendiendo a través del arte es más que un proyecto educativo: es una manera de abrir el museo a la comunidad, de establecer vínculos con el territorio y de repensar el papel de las instituciones culturales. La exposición no pretende exhibir destrezas técnicas ni fomentar vocaciones artísticas tempranas, sino mostrar cómo el arte puede intervenir en los procesos de aprendizaje de forma natural y significativa.

Con cada nueva edición, el programa acumula materiales, experiencias y enfoques distintos, que no solo sirven como archivo pedagógico, sino como inspiración para docentes, artistas y profesionales de la educación. En un contexto donde el pensamiento creativo suele quedar al margen de los sistemas educativos más rígidos, esta iniciativa propone una alternativa real y efectiva, basada en la escucha, la participación y el respeto por la mirada infantil.

01/08/2025 0 comments
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MúsicaPersonajes

Muere Ozzy Osbourne a los 76 años

by Uve Magazine 23/07/2025
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Ozzy Osbourne, cantante británico y una de las figuras centrales en la historia del heavy metal, falleció el martes 22 de julio a los 76 años, según confirmó su familia en un comunicado. No se han dado más detalles sobre la causa de la muerte. Llevaba más de dos décadas con problemas de salud, entre ellos un diagnóstico de Parkinson hecho público en 2020.

La noticia llega apenas dos semanas después de lo que terminó siendo su última aparición pública: Back to the Beginning, un concierto benéfico celebrado el 5 de julio en Villa Park, Birmingham, junto a los miembros originales de Black Sabbath. Osbourne permaneció sentado durante toda la actuación debido a su estado físico, pero participó en varios temas junto a Tony Iommi, Geezer Butler y Bill Ward. El evento recaudó 140 millones de libras y fue seguido por unas 45.000 personas en directo.

Nacido en Aston, Birmingham, en 1949, John Michael Osbourne inició su carrera musical a finales de los años sesenta. Fue el vocalista de Black Sabbath desde su fundación en 1968 hasta su expulsión en 1979, aunque regresó en varias etapas posteriores. Durante su primera etapa, la banda publicó discos como Paranoid, Master of Reality y Vol. 4, considerados fundamentales en la definición del heavy metal como género musical.

Tras su salida del grupo, Osbourne inició una carrera en solitario con el álbum Blizzard of Ozz (1980), al que siguieron otros títulos como Diary of a Madman, Bark at the Moon o No More Tears. Su discografía se mantuvo activa durante cuatro décadas, y acumuló más de 100 millones de discos vendidos entre su etapa con Black Sabbath y su carrera en solitario.

Ozzy Osbourne in the press room at Spike TV's "Scream Awards 2006". Pantages Theatre, Hollywood, CA. 10-07-06

Además de su trayectoria musical, fue conocido por su comportamiento excéntrico dentro y fuera del escenario. Algunas de sus actuaciones más comentadas incluyeron incidentes como morder la cabeza de un murciélago durante un concierto en 1982. En los años 2000 ganó visibilidad entre nuevas generaciones al protagonizar el reality familiar The Osbournes, emitido por MTV entre 2002 y 2005.

Durante los últimos años, Osbourne padeció múltiples problemas de salud. En 2019 sufrió una caída que agravó lesiones previas en la columna. En 2020 hizo público su diagnóstico de Parkinson, aunque continuó con proyectos musicales y apariciones puntuales. En entrevistas recientes describió su estado físico como “muy limitado” y había cancelado varias giras por razones médicas.

Tras la noticia de su fallecimiento, músicos como Gene Simmons, Elton John y Rod Stewart publicaron mensajes breves de despedida. Coldplay le dedicó una versión de “Changes” durante su concierto en Nashville. La familia Osbourne ha solicitado respeto a su privacidad y no ha anunciado por ahora ningún acto público. La muerte de Osbourne marca el final de una carrera extensa, iniciada hace más de cincuenta años, en la que combinó actividad discográfica, giras internacionales, apariciones televisivas y múltiples colaboraciones. Fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll como parte de Black Sabbath en 2006, y recibió varios premios a lo largo de su vida, incluido un Grammy a la carrera artística.

Se espera que en los próximos días se publiquen más detalles sobre las circunstancias de su fallecimiento. Por el momento, no hay confirmación sobre posibles homenajes o actos conmemorativos organizados por la familia o sus antiguos compañeros de banda.

23/07/2025 0 comments
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AgendaCine

Lugares reales que inspiraron películas

by Uve Magazine 13/07/2025
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Hay películas que nos marcan por sus historias o por sus personajes inolvidables. Pero, a veces, lo que permanece grabado en nuestra memoria son sus escenarios: paisajes sobrecogedores, ciudades mágicas o parajes exóticos que parecen sacados de un sueño… y que, sorprendentemente, existen de verdad.

Viajar siguiendo las huellas del cine es una de las experiencias más emocionantes que puede vivir un amante de las películas. No solo porque pisas el mismo suelo que tus personajes favoritos, sino porque, de algún modo, entras en la historia, formas parte de la película. Aquí tienes diez destinos de película donde realidad y ficción se dan la mano… y que, si tienes ocasión, deberías visitar al menos una vez en la vida.

1. Matamata, Nueva Zelanda – Hobbiton (El Señor de los Anillos y El Hobbit)

En el corazón de la Isla Norte neozelandesa, a apenas dos horas de Auckland, se encuentra Matamata, una tranquila zona de colinas verdes y pastos infinitos. Para muchos, sería simplemente un bonito rincón rural… si no fuera porque Peter Jackson decidió convertirlo en Hobbiton, el pueblo de Bilbo y Frodo Bolsón.

Hoy, Hobbiton es uno de los sets cinematográficos más visitados del mundo. Pasear por sus senderos es como entrar en la Comarca: las casitas hobbit con sus puertas redondas, diminutos jardines, bancos de madera y pequeños utensilios cotidianos parecen habitados todavía. La visita incluye rincones célebres como la casa de Bilbo, la emblemática puerta verde, el Puente de Piedra o el Green Dragon Inn, donde puedes probar cervezas especialmente elaboradas para el lugar.

Curiosamente, el set original se desmontó tras El Señor de los Anillos, pero se reconstruyó con materiales permanentes para el rodaje de El Hobbit, y desde entonces se mantiene abierto como atracción turística. El nivel de detalle es tan minucioso que incluso las verduras en los huertos son reales y se cultivan durante todo el año para mantener la ilusión de un lugar habitado.

2. Skellig Michael, Irlanda – Star Wars

Frente a las costas del condado de Kerry, en Irlanda, emerge Skellig Michael, una isla escarpada y dramática que parece flotar en mitad del Atlántico. Esta roca, declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, se convirtió en el exilio de Luke Skywalker en Star Wars: El Despertar de la Fuerza y Los Últimos Jedi.

La isla es famosa por su monasterio del siglo VI, un conjunto de celdas de piedra y escalones vertiginosos que serpentean la ladera. Llegar a la cima es toda una aventura: más de 600 escalones de roca tallados a mano, expuestos al viento y a las olas. Las vistas recompensan cada esfuerzo, con el océano extendiéndose infinito en todas direcciones.

Las visitas a Skellig Michael son muy limitadas. Solo operan en verano, dependen del buen clima y están sujetas a cupo para proteger tanto a los visitantes como a la fauna local, especialmente las colonias de frailecillos. Aun así, muchos fans de Star Wars se embarcan en la travesía para vivir su momento jedi en uno de los lugares más místicos de Irlanda.

3. Petra, Jordania – Indiana Jones y La última cruzada

En el sur de Jordania, oculta tras un estrecho desfiladero llamado el Siq, se alza de pronto una gigantesca fachada de piedra rosa: Al Khazneh, o “El Tesoro”. Este edificio es uno de los símbolos de Petra, la antigua ciudad nabatea que asombra al mundo desde hace siglos.

En Indiana Jones y la Última Cruzada, Al Khazneh se convirtió en la entrada al templo que custodia el Santo Grial. Aunque en la película parece que el interior esconde interminables pasillos y trampas mortales, la realidad es diferente: la cámara interior de El Tesoro es pequeña y poco profunda. El resto de escenas se rodaron en estudios.

Sin embargo, recorrer Petra sigue siendo como adentrarse en una película de aventuras. Las fachadas esculpidas, los enormes cañones de roca y las tumbas talladas crean un escenario sobrecogedor. Petra no es solo un monumento, sino toda una ciudad troglodita, con templos, teatros y calles excavadas en la roca. No sorprende que la UNESCO la haya catalogado como Patrimonio de la Humanidad y que figure entre las Siete Maravillas del Mundo Moderno.

4. Salzburg, Austria – Sonrisas y lágrimas

Pocos lugares tienen una asociación tan fuerte con un musical como Salzburg con The Sound of Music (Sonrisas y Lágrimas). Aunque en su momento la película fue recibida con cierto escepticismo en Austria, con el paso de los años se ha convertido en un símbolo turístico y cultural.

En la ciudad y sus alrededores se encuentran decenas de localizaciones del rodaje. Los jardines de Mirabell, donde Julie Andrews canta “Do-Re-Mi”, el Monasterio Nonnberg, donde vivía María, o el Palacio Leopoldskron, que en el film es la mansión de los von Trapp. También puedes recorrer praderas abiertas con vistas a los Alpes, exactamente donde María gira con los brazos abiertos en la célebre escena inicial.

Salzburg ofrece visitas guiadas que incluyen anécdotas, canciones y hasta oportunidades para recrear momentos de la película. Para los fans, es como entrar en un musical en vivo.

5. Alnwick Castle, Reino Unido – Harry Potter

En Northumberland, al norte de Inglaterra, se levanta Alnwick Castle, una fortaleza medieval que ha resistido batallas, asedios… y una invasión de fans de Harry Potter. Fue aquí donde se filmaron las escenas de vuelo en escoba de las dos primeras películas, y donde Harry aprendió sus primeras maniobras aéreas con Madame Hooch.

Hoy, Alnwick ofrece recorridos tematizados, actividades de “clases de vuelo”, y exposiciones sobre el rodaje. Pero incluso sin la conexión mágica, el castillo merece la visita por su propia historia: ha sido residencia de los duques de Northumberland durante más de 700 años, y ha aparecido en otras producciones como Robin Hood: Prince of Thieves y Downton Abbey.

Una aventura de cine… en la vida real

Viajar siguiendo las huellas del cine es mucho más que turismo: es entrar en mundos que, de alguna manera, ya nos pertenecen. Cada lugar de esta lista encierra no solo belleza o historia, sino la emoción de haber sido escenario de relatos que nos han hecho soñar.

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AgendaEventos

La fotografía como vía hacia lo invisible

by Uve Magazine 12/06/2025
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Desde sus inicios, la fotografía ha sido mucho más que un simple acto de documentación. Para numerosos autores, la cámara se ha transformado en una herramienta de introspección, capaz de traducir lo intangible en imágenes que hablan del tiempo, los sueños o el misterio. Este enfoque artístico convierte la fotografía en un espacio de interpretación simbólica y poética, donde lo visible se subordina a lo que apenas puede nombrarse.

Con motivo de la exposición Duane Michals. El fotógrafo de lo invisible, la Fundación Canal organiza un encuentro único con David Jiménez, uno de los fotógrafos más destacados del panorama español actual. Acompañado por Javier Díaz-Guardiola, Jiménez compartirá su mirada sobre la fotografía como medio de revelación, capaz de trascender lo evidente y convertirse en lenguaje emocional y filosófico.

📅 1 de julio de 2025
🕡 De 18:30 a 20:00 h
📍 Auditorio de la Fundación Canal (Mateo Inurria, 2)
Toda la recaudación se destinará al Centro de día de patología dual de la Fundación Proyecto Hombre Madrid.

Reserva aquí tu entrada

12/06/2025 0 comments
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AgendaEventos

Isabel Coixet y el arte de narrar en fragmentos

by Uve Magazine 10/06/2025
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Del 10 de junio al 14 de septiembre de 2025
Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, sala 30
Comisaria: Estrella de Diego
En el marco de PhotoEspaña 2025

La directora y guionista Isabel Coixet (Barcelona, 1960) presenta una faceta menos conocida, pero igual de personal: la de artista visual. Bajo el título Collages. Aprendizaje en la desobediencia, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza acoge una selección de cincuenta obras que dialogan con su universo cinematográfico a través del lenguaje del collage.

Comisariada por Estrella de Diego y dentro de la programación de PhotoEspaña 2025, la muestra invita al espectador a transitar por territorios narrativos que, aunque ajenos al celuloide, comparten con el cine de Coixet una estructura fragmentaria y evocadora. En palabras de la comisaria, “las historias mejor contadas son las que se construyen a retazos”, una idea que se materializa aquí mediante papeles, imágenes, frases y ensamblajes diversos que exigen una lectura activa, entre la intuición y la deducción.

Desde el papel al soporte digital, pasando por el lienzo, el cartón pluma o el táblex, los collages presentados exploran múltiples técnicas y formatos, manteniendo siempre la impronta emocional y política que caracteriza la obra de Coixet. Muchas de las piezas han sido realizadas entre 2021 y 2024, aunque también se incluyen algunas anteriores, conformando así una panorámica que revela la evolución de su mirada y su compromiso con la narración desde lo mínimo y lo cotidiano.

No es casual que Coixet elija el collage como forma de expresión: esta técnica, nacida en los inicios del siglo XX con artistas como Braque, Picasso, Schwitters o Höch, encuentra en el montaje cinematográfico un aliado natural. Ambos lenguajes —el del collage y el del cine— ensamblan fragmentos para construir sentido, y ambos apelan al margen de lo adivinatorio, a la complicidad del espectador para llenar los huecos y reconstruir un relato.

En estas composiciones también hay lugar para el juego multilingüe: frases en diferentes idiomas irrumpen como llamadas de atención, como claves de lectura que invitan a entrar y salir del plano visual, al igual que sucede en muchas de sus películas. Temas aparentemente menores —una taza, una mirada, un recuerdo, una textura— adquieren una resonancia poética y crítica. En esa atención a las “cosas pequeñas” se despliega una ética de la desobediencia: observar lo que se pasa por alto, recomponer lo roto, desafiar las formas canónicas de contar.

La exposición Isabel Coixet. Collages. Aprendizaje en la desobediencia no es solo un recorrido por la obra plástica de una cineasta; es, también, una invitación a pensar la imagen como territorio narrativo, político y sensible. Un lugar donde mirar es, siempre, una forma de leer.

10/06/2025 0 comments
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AgendaEventosLiteratura

Arranca la Feria del Libro de Madrid

by Uve Magazine 31/05/2025
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Madrid abre su feria del libro con un arranque potente: grandes autoras, autores y tributos literarios.

Nueva York, el español como lengua de identidad, homenajes a Ana María Matute y Mario Vargas Llosa, y una mirada al sur de la literatura: así comienza la 84.ª edición de la Feria del Libro de Madrid, con un fin de semana inaugural que promete ser un mosaico vibrante de ideas, memorias y lenguajes.

Sábado 31 de mayo: del español como resistencia a la memoria viva

La jornada inaugural se despliega con una charla de alto voltaje intelectual: Estados Unidos Hispanos. Una defensa del español, con María Negroni, Eduardo Lago y Carmen Boullosa. El español, más que una lengua extranjera en Estados Unidos, es una presencia resistente y moldeada por millones. Esta conversación propone una celebración del idioma como entidad viva que se transforma y a la vez se afirma como emblema de identidad.

A la misma hora, dos grandes homenajes emocionan a los amantes de la literatura: Ana María Matute, en el centenario de su nacimiento, y Mario Vargas Llosa, figura emblemática del Boom latinoamericano, serán recordados por escritores como Dolores Redondo, Manuel Vilas, Claudia Piñeiro y Javier Cercas, entre otros. Dos actos para recordar el poder de la palabra y el peso de una trayectoria.

Por la tarde, la escritora Marta Sanz se encuentra con Vivian Gornick, una de las grandes voces del ensayo autobiográfico, en un diálogo íntimo sobre feminismo, literatura y vida. Mientras tanto, el ensayista y poeta Eliot Weinberger conversa con Bárbara Mingo sobre lo poético en el pensamiento.

La jornada culmina con dos reflexiones complementarias: una sobre la identidad literaria latinoamericana en Europa —con Karina Sainz Borgo, Andrés Neuman y Natalia García Freire—, y otra sobre las narrativas indígenas y mestizas, de la mano de Socorro Venegas y Juan Carlos Méndez Guédez. Dos mesas para mirar desde el exilio, desde las raíces y desde las fisuras de la historia.

Domingo 1 de junio: voces del sur, del amor y de la ciencia ficción

El domingo trae nuevos registros. Yeguas de Troya, el giro literario de Caballo de Troya hacia escrituras del sur dirigidas por Gabriela Wiener, presenta a sus autoras en una mesa rabiosa y necesaria, con Tamara Grosso, Yolanda Arroyo Pizarro, Luciana De Mello y Pino Luna.

En una línea similar, El pulso de la verdad reúne a Lina Meruane, Claudia Salazar y Juan Álvarez para hablar sobre escritura y violencia, justicia y reparación.

Uno de los momentos más esperados será la celebración de la reedición de Fragmentos de un discurso amoroso, de Roland Barthes, donde Paula Ducay e Inés García revisitarán el deseo desde el pensamiento. Y más tarde, Gabriela Mistral será homenajeada con lecturas e intervenciones desde Chile, en el marco de los 80 años de su Nobel.

La jornada también acoge mesas de exploración: El tatuaje como forma de literatura, con Luna Miguel y Pablo Cerezo; Julio Camba, el cronista lúcido de Nueva York; y la literatura fantástica y de ciencia ficción iberoamericana, con autoras como Maielis González y Laura Chivite, que reinventan el presente desde lo insólito.

Encuentros y firmas

Como cada año, el público podrá conocer y conseguir firmas de autoras y autores destacados. Entre los nombres presentes este fin de semana están Vivian Gornick, Dolores Redondo, Julia Navarro, Marta Sanz, Sergio del Molino, Beatriz Serrano, Milena Busquets, Alana S. Portero y muchos más.

Un inicio con pulso y mirada múltiple

La Feria del Libro de Madrid comienza su 84.ª edición con una programación que combina celebración, memoria crítica, escritura desde los márgenes y exploraciones literarias que cruzan el Atlántico. Una apertura potente, diversa y profundamente literaria que marca el tono de una edición con mucho que decir.

31/05/2025 0 comments
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Música

Vader relanza Litany en vinilo por su 25.º aniversario

by Uve Magazine 25/05/2025
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Los titanes polacos del death metal, Vader, celebran el 25.º aniversario de Litany, su clásico álbum de 2000, con una reedición especial en vinilo a través del sello Metal Blade Records. Considerado uno de los trabajos más intensos y feroces de la banda, Litany regresa con un nuevo remasterizado y una cuidada presentación que hará las delicias de los fans más acérrimos y de los coleccionistas del metal extremo.

La nueva edición en vinilo estará disponible a partir del 6 de junio de 2025, y vendrá acompañada de un libreto de 16 páginas con notas inéditas escritas por Peter Wiwczarek, líder, vocalista y guitarrista de la banda. El álbum ha sido remasterizado para este formato por Wojtek Wieslawski en los Hertz Recording Studio, realzando aún más la potencia de sus 11 temas en poco más de 30 minutos de auténtico asalto sonoro.

Las versiones disponibles de esta reedición son:

  • LP negro de 180 gramos (edición ilimitada)

  • LP vinilo marmolado violeta transparente (edición ilimitada)

  • LP vinilo transparente con salpicaduras doradas (limitado a 500 copias)

  • LP vinilo azul con salpicaduras negras (edición limitada a 200 copias – edición de la banda)

  • LP vinilo marmolado marrón dorado (limitado a 400 copias – exclusivo para EE. UU.)

Los pedidos anticipados ya están disponibles tanto en Europa como en Norteamérica.

El guitarrista y fundador Peter Wiwczarek reflexiona en el libreto:

“Litany fue sin duda nuestro álbum más rápido y brutal… Este año celebra su cuarto de siglo, y queremos recordaros la fuerza de estos riffs salvajes. El álbum volverá a los escenarios en todo su esplendor. Muchas de las canciones no se han tocado desde la gira promocional de 2000-2001. Algunas, jamás han sido tocadas. Os invito al mundo de Litany. Recordad… ¡entráis bajo vuestra propia responsabilidad!”

Para acompañar esta conmemoración, Vader ha anunciado una gira veraniega con una serie de actuaciones en festivales europeos, donde interpretarán Litany al completo en varios conciertos seleccionados. El estreno de este show especial tendrá lugar el 7 de junio en el Mystic Fest de Gdańsk, Polonia.

Fechas destacadas de la gira 2025:

  • 07.06 – Gdańsk (Polonia) – Mystic Fest (estreno show “Litany”)

  • 28.06 – Viveiro (España) – Resurrection Fest

  • 04.07 – Ballenstedt (Alemania) – RockHarz Fest

  • 16.08 – Dinkelsbühl (Alemania) – Summer Breeze Open Air

  • 30.08 – Zamość (Polonia)

  • 31.08 – Barczewo (Polonia) – Skarbiec Kultury Europejskiej

Para los que quieran revivir la energía implacable de este álbum, ya puede escucharse la versión remasterizada del tema de apertura, “Wings”, en plataformas digitales. Un aperitivo sonoro que anticipa la devastación que Vader desatará una vez más con este tributo a uno de sus discos más emblemáticos.

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AgendaArteEventos

Ayako Rokkaku o el arte como paraíso fugaz

by Uve Magazine 23/05/2025
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Del 23 de mayo al 7 de septiembre de 2025 – Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza abre sus salas a la artista japonesa Ayako Rokkaku (Chiba, 1982) con una exposición que invita al visitante a sumergirse en un universo tan etéreo como vibrante. Bajo el título Ayako Rokkaku. Para los momentos en que te sientes paraíso, la muestra —comisariada por Guillermo Solana, director artístico del museo— reúne una treintena de obras entre pinturas, esculturas e instalaciones que recorren la evolución artística de una creadora autodidacta que ha hecho de la intuición y la energía su sello personal.

Reconocida por sus grandes lienzos pintados con los dedos, Rokkaku ha creado a lo largo de los años un lenguaje visual propio, donde lo onírico, lo infantil y lo natural conviven en armonía. Desde sus primeras obras sobre cartón reciclado, en las que los motivos marinos ya comenzaban a emerger, hasta sus más recientes esculturas en bronce, la exposición revela un imaginario en constante transformación. Nada es permanente en su obra: las figuras aparecen y se disuelven como nubes que cambian de forma en el cielo, uno de los elementos naturales que más fascinan a la artista.

La muestra, enmarcada dentro del programa expositivo dedicado a la colección de Blanca y Borja Thyssen-Bornemisza —que incluye dos piezas de la artista—, culmina con Paraíso (2025), un monumental díptico de 3 por 6 metros que supone un hito en la trayectoria de Rokkaku. Inspirada en El Paraíso de Tintoretto, la artista interpreta el lienzo veneciano del siglo XVI en clave contemporánea: Jesús y María coronados por flores, ángeles rodeados de peces, conejos en círculo y patitos ascendiendo hacia el cielo. Es la primera vez que Rokkaku realiza una obra basada directamente en otra, y el resultado es una fusión entre la tradición pictórica occidental y su particular visión lúdica y espontánea del mundo.

Desde sus comienzos en Japón hasta su etapa en Berlín, la artista ha explorado técnicas como la pintura acrílica aplicada con los dedos, el uso de ceras, lápices y la superposición de capas. Ha sido influida por el expresionismo abstracto y por figuras como Jackson Pollock y Cy Twombly, cuyas huellas pueden reconocerse en los fondos de sus cuadros, donde se mezcla el caos y la ternura de lo infantil.

Rokkaku también es conocida por sus performances de pintura en directo, en las que comparte con el público la inmediatez del acto creativo. Con motivo de la apertura de la exposición, el museo acogerá una performance pictórica el 23 de mayo en dos sesiones: de 10:30 a 12:30 y de 14:00 a 16:00 horas, en el hall del museo. Una oportunidad única para asistir a la gestación de un paraíso efímero, construido con las manos desnudas y los colores de la imaginación.

Ficha técnica

  • Título: Ayako Rokkaku. Para los momentos en que te sientes paraíso

  • Fechas: Del 23 de mayo al 7 de septiembre de 2025

  • Lugar: Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid

  • Comisario: Guillermo Solana

  • Obras expuestas: 29

  • Publicación: Catálogo con textos de Danaï Loukas y Guillermo Solana

  • Performance: 23 de mayo, 10:30–12:30 y 14:00–16:00 h, hall del museo

Una exposición que no sólo muestra la evolución de una artista, sino que nos recuerda que el arte puede ser, en sí mismo, un paraíso que aparece cuando más lo necesitamos.

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EventosMúsicaSin categoría

Killswitch Engage regresa a lo grande

by Uve Magazine 06/05/2025
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Killswitch Engage incluirá en su esperada gira dos paradas muy especiales en España: el 1 de octubre en Madrid (La Riviera) y el 2 de octubre en Barcelona (Razzmatazz).

Los titanes del metalcore Killswitch Engage, tres veces nominados a los Grammy y con varios discos de platino a sus espaldas, acaban de anunciar su esperadísima gira como cabeza de cartel por Reino Unido y Europa. La banda —formada por Jesse Leach (voz), Adam Dutkiewicz (guitarra), Joel Stroetzel (guitarra), Mike D’Antonio (bajo) y Justin Foley (batería)— estará acompañada por un cartel de auténtico lujo que incluye a Hatebreed, Fit For An Autopsy, Decapitated y Employed To Serve, dependiendo de la fecha y el país.

El tour constará de dos etapas y 25 fechas entre septiembre y diciembre de 2025, comenzando en Lisboa (Portugal) y cerrando en Helsinki (Finlandia). Entre las paradas más destacadas figura el OVO Arena Wembley de Londres, un lugar emblemático para cualquier banda de rock y metal.

En palabras del vocalista Jesse Leach:

«Estoy deseando compartir escenario con bandas de primer nivel como Decapitated, Hatebreed, Fit For An Autopsy y Employed To Serve. Es un cartel monstruoso y una oportunidad perfecta para tocar algunos de los nuevos temas, además de un buen repaso a nuestro catálogo. ¡Hace seis años que no encabezamos una gira por Europa y Reino Unido! Estoy seguro de que esta gira hará girar cabezas y dejará recuerdos imborrables».

Las entradas y paquetes VIP saldrán a la venta general el viernes 9 de mayo a las 10:00 BST, con preventas disponibles a partir del martes 6 de mayo.

Fechas confirmadas del tour

Primera etapa (septiembre–octubre)

  • 29/09 – Lisboa (POR)

  • 01/10 – Madrid (SPA)

  • 02/10 – Barcelona (SPA)

  • 04/10 – Milán (ITA)

  • 05/10 – Zúrich (SWI)

  • 06/10 – París (FRA)

  • 08/10 – Wolverhampton (UK)

  • 09/10 – Manchester (UK)

  • 11/10 – Newcastle (UK)

  • 12/10 – Cardiff (UK)

  • 13/10 – Leeds (UK)

  • 15/10 – Glasgow (SCO)

  • 17/10 – Londres (UK)

  • 19/10 – Belfast (UK)

  • 20/10 – Dublín (IRE)

Segunda etapa (noviembre–diciembre)

  • 20/11 – Colonia (GER)

  • 21/11 – Ludwigsburg (GER)

  • 22/11 – Berlín (GER)

  • 24/11 – Praga (CZE)

  • 25/11 – Leipzig (GER)

  • 27/11 – Hamburgo (GER)

  • 28/11 – Copenhague (DEN)

  • 29/11 – Estocolmo (SWE)

  • 01/12 – Oslo (NOR)

  • 03/12 – Helsinki (FIN)

Un álbum que marca un antes y un después

Killswitch Engage llega a esta gira con energías renovadas gracias a su nuevo disco, This Consequence, lanzado en febrero de 2025 a través de Metal Blade. El álbum ha sido recibido con entusiasmo tanto por la crítica como por los fans, destacando temas como “Forever Aligned”, “I Believe” y el más reciente “Collusion”. Jesse Leach asegura que este trabajo fue creado con un propósito muy claro:

«Encendió una chispa en mí. Tenía que ser un disco de otro nivel, diferente, que mostrara el esfuerzo que estamos poniendo».

El proceso creativo, intensamente colaborativo, llevó a la banda a trabajar cara a cara en su sala de ensayo en Massachusetts, cuidando cada detalle. Adam Dutkiewicz recuerda:

«Pusimos mucha presión en cada elemento, y Jesse estuvo increíblemente abierto a los comentarios. Todo el esfuerzo hizo que el disco fuera mejor».

25 años de metal que hizo historia

Killswitch Engage surgió del corazón industrial de Massachusetts en 2000, revolucionando el sonido del metal moderno con una mezcla explosiva de guitarras técnicas, actitud hardcore y letras profundas. Su disco Alive Or Just Breathing (2002) marcó un hito, y desde entonces no han dejado de crecer: tres nominaciones a los Grammy, discos de oro y platino, y giras compartidas con gigantes como Iron Maiden, Slipknot y Slayer. Con casi 3.000 millones de reproducciones acumuladas, la banda sigue demostrando por qué es uno de los pilares del metal de las últimas décadas.

Si eres amante del metal, esta gira es una cita ineludible. Los fans podrán disfrutar de un repertorio que repasa toda la carrera de Killswitch Engage, además de descubrir en directo los potentes nuevos temas de This Consequence.

06/05/2025 0 comments
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YOU: El cuerpo como arquitectura radical

by Uve Magazine 30/04/2025
written by Uve Magazine

Una confrontación entre cuerpo, espacio y vídeo transforma el Guggenheim Bilbao en una experiencia física y radical del arte contemporáneo.

La exposición YOU, que se presenta en el Museo Guggenheim Bilbao del 3 de abril al 7 de septiembre de 2025, propone un diálogo vibrante entre dos artistas fundamentales en el desarrollo del arte corporal y el vídeo como herramienta crítica: Vito Acconci (1940–2017) y Sergio Prego (n. 1969). Aunque separados por una generación y por contextos culturales distintos, la obra de ambos se entrelaza en torno a una serie de obsesiones comunes: el cuerpo como punto de partida, el espacio como extensión (o límite) del yo, y la videoperformance como medio para tensar esas fronteras.

El título de la muestra, YOU, no es casual: apela directamente al espectador. En lugar de contemplar obras, se le invita a ocuparlas, a pensarse dentro de ellas. En el trabajo de Acconci, esta apelación al “tú” —al otro, al que mira, al que escucha, al que reacciona— se convierte en una constante que desestabiliza la pasividad del espectador tradicional. En el de Prego, esta relación se materializa en estructuras que retan al visitante a habitar físicamente lo que parece inestable, hinchable, frágil.

El cuerpo como discurso

Vito Acconci, poeta antes que performer, entendió pronto que la página no bastaba. A finales de los años sesenta y principios de los setenta, trasladó su búsqueda lingüística al espacio físico y convirtió su propio cuerpo en el texto. En vídeos como Centers (1971), Theme Song (1973) o Pryings (1971), Acconci pone en escena situaciones de incomodidad, invasión o seducción en las que el artista habla, toca, respira, susurra, y hasta acosa al espectador. Son trabajos de una potencia incómoda, donde el vídeo no actúa como mero registro, sino como espacio de confrontación. La cámara, casi siempre fija, convierte el encuadre en un umbral: no documenta un acto, sino que lo contiene.

La muestra reúne algunas de las piezas más influyentes de este periodo, obras que redefinieron la performance desde un lugar íntimo y conceptual. En Theme Song, por ejemplo, Acconci se tumba frente a la cámara y canta una y otra vez fragmentos de canciones pop mientras susurra frases a la audiencia, intentando seducirla. Es una escena doméstica y desquiciante al mismo tiempo, que desmonta la frontera entre lo privado y lo público, entre lo espontáneo y lo coreografiado.

Estas obras tempranas del artista estadounidense anticipan preocupaciones que, décadas después, serán revisitadas desde una óptica muy distinta por Sergio Prego. En su caso, la fisicidad no es tanto el objeto del gesto artístico como su herramienta.

Vito Acconci. Tres estudios de adaptación (Three Adaptation Studies, 1970) Película Super-8 transferida a vídeo, b/n, sin sonido, 8 min. Cortesía de Maria Acconci & Electronic Arts Intermix, Nueva York. © Vito Acconci, VEGAP, Bilbao 2025

Arquitecturas de aire y movimiento

Formado en la escena experimental vasca y con una trayectoria internacional consolidada, Sergio Prego ha desarrollado una práctica escultórica y performativa que parte de la acción para reformular el espacio. Si en Acconci el cuerpo es insistente, invasivo, una especie de obsesión, en Prego es dinámico, abstracto, casi coreográfico. Sus vídeos de finales de los noventa y principios de los 2000, como Ikurriña Quarter o Tetsuo Bound to Fail, remiten al cine experimental y al lenguaje del videoclip, pero su verdadera aportación se sitúa en la escultura expandida. Con estructuras neumáticas, Prego propone espacios efímeros y habitables, burbujas de aire que alteran la arquitectura institucional desde dentro. Su serie Rubber Walls o las instalaciones hinchables que ha desarrollado en los últimos años son ejemplos de una escultura que respira, literalmente.

En la exposición del Guggenheim Bilbao, estas piezas dialogan con las de Acconci no sólo en términos conceptuales, sino también formales. El uso del vídeo como dispositivo espacial, el interés por la performatividad del cuerpo y el cuestionamiento de los límites físicos del museo como contenedor de arte son puntos de contacto clave entre ambos artistas. La tensión entre lo íntimo y lo monumental, entre lo efímero y lo persistente, recorre toda la muestra.

Sergio Prego. Bisectriz, 2008 Vídeo, color, sin sonido, 3 min 14 sec. Cortesía del artista © Sergio Prego, Bilbao, 2025

YOU: Un espacio en disputa

Más que una exposición cronológica, YOU se articula como un campo de fuerzas donde las obras de ambos artistas se potencian mutuamente. El recorrido no está organizado por épocas o estilos, sino por temas que se cruzan, se repiten y se reformulan. La elección de vídeos e instalaciones no busca la exhaustividad, sino la intensidad: cada pieza es un fragmento de un discurso mayor sobre el cuerpo, el lenguaje y la arquitectura.

El espacio del museo, con su imponente estructura diseñada por Frank Gehry, se convierte aquí en un tercer actor. Las obras de Acconci y Prego no sólo se adaptan a él, sino que lo cuestionan. En el caso de Acconci, sus vídeos minan la neutralidad del cubo blanco con una subjetividad desbordada. En el de Prego, sus estructuras neumáticas invaden pasillos, atrios y galerías con una organicidad que desafía la rigidez del edificio.

Este tipo de montaje resalta también una dimensión política que a menudo pasa desapercibida en exposiciones centradas en el cuerpo. Acconci, en su momento, fue acusado de transgredir límites morales; Prego, por su parte, subvierte los límites institucionales. En ambos casos, el arte se plantea como una forma de fricción: contra el lenguaje, contra el espacio, contra la pasividad del espectador. Uno de los aciertos de la exposición es evitar la idealización retrospectiva. Acconci no es presentado como un “padre fundador”, sino como un artista cuya obra sigue incomodando, interpelando, generando reacciones ambivalentes. Sus vídeos no han perdido fuerza, y en el contexto actual —saturado de pantallas, cuerpos mediatizados y performances cotidianas en redes sociales— adquieren nuevas lecturas.

Prego, por su parte, se muestra como un heredero que ha sabido reinventar el diálogo con el espacio y el cuerpo desde una sensibilidad contemporánea. Sus obras no imitan a Acconci, pero tampoco lo niegan: lo atraviesan, lo replantean, lo traducen. En este sentido, YOU es también una exposición sobre la transmisión de lenguajes, sobre la continuidad (y ruptura) de una tradición performativa.

Conclusión: lo que queda del gesto

YOU es una exposición exigente, pero profundamente estimulante. No busca complacer al visitante, sino colocarlo en una posición incómoda, activa, física. Al recorrerla, uno no sólo contempla arte: lo siente, lo respira, lo encarna. Es una propuesta coherente con la trayectoria del Museo Guggenheim Bilbao, que ha sabido apostar por proyectos arriesgados sin perder su vocación pública.

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