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Música

MESSA “Fire on the Roof”

by Uve Magazine 15/04/2025
written by Uve Magazine

MESSA prende fuego al doom metal con su nuevo videoclip "Fire on the Roof"

Desde Italia, MESSA regresa con fuerza con el videoclip de “Fire on the Roof”, uno de los cortes más magnéticos de su nuevo álbum The Spin, publicado el 11 de abril por Metal Blade Records. Un tema cargado de emoción, distorsión y atmósfera, que confirma el momento brillante que atraviesa la banda.

Con The Spin, MESSA firma su cuarto disco y quizá el más ambicioso hasta la fecha. Su característico scarlet doom —una mezcla de doom metal, rock gótico, jazz y una sensibilidad casi cinematográfica— alcanza aquí una nueva dimensión. El álbum no se limita a seguir caminos conocidos: los moldea, los rompe y los reconstruye a su manera.

The Spin cuenta además con colaboraciones como la del músico Andrea Mantione (Nuovo Testamento) en los sintetizadores del propio “Fire on the Roof”, y una portada del artista visual Nico Vascellari, que aporta un guiño contemporáneo a esta propuesta cargada de matices.

MESSA ya no es solo una banda revelación del underground: es uno de los nombres imprescindibles del metal actual. Y The Spin, su confirmación definitiva.

“Fire on the Roof” habla de amores imposibles, de esa atracción que arde por dentro y empuja a cruzar límites. “Hay una maldición, un miedo, unas llamas que te arrastran al infierno… pero también un impulso que no puedes ignorar”, explica la banda. El resultado es una canción intensa y vulnerable a partes iguales, reforzada por un videoclip tan sugestivo como visceral.

La crítica ha sido clara: MESSA está en su mejor momento. Decibel Magazine lo considera “una obra que combina doom, goth, heavy metal y jazz con honestidad y fuerza”; Metal Hammer destaca la mezcla de “una voz excepcional con momentos íntimos y riffs abrasadores”; y Deaf Forever no duda en decir que es su disco más sólido hasta ahora.

15/04/2025 0 comments
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ArteCinePersonajes

«Blancanieves y los siete enanitos»

by Uve Magazine 06/04/2025
written by Uve Magazine

El primer sueño animado del cine

En diciembre de 1937, una película animada protagonizada por una joven de piel blanca como la nieve, un espejo parlante y siete pequeños mineros cambió para siempre la historia del cine. Blancanieves y los siete enanitos, el primer largometraje animado producido por Walt Disney, no solo rompió todas las expectativas técnicas y narrativas del momento, sino que dio lugar a un nuevo lenguaje cinematográfico que transformó la animación en un arte mayor. Basada en el cuento popular recogido por los hermanos Grimm, la película no tardó en conquistar al público y en convertirse en un hito cultural que, a día de hoy, sigue generando lecturas simbólicas, sociales y críticas desde múltiples disciplinas.

La producción del filme fue, en sí misma, un acto de fe. En una época en la que la animación era considerada un entretenimiento breve y menor, Walt Disney se atrevió a soñar en grande. Su idea de realizar una película animada de más de una hora de duración fue recibida con escepticismo por su entorno, hasta el punto de que el proyecto fue apodado internamente como “la locura de Disney”. Sin embargo, la convicción de Disney era inquebrantable. Inició la producción en 1934 y, durante tres años, dirigió los esfuerzos de un equipo de más de 750 artistas, animadores y técnicos que trabajaron con una dedicación casi artesanal. El presupuesto inicial de 250.000 dólares pronto se vio desbordado y superó el millón y medio, una cifra descomunal para la época, en plena Gran Depresión. Disney llegó incluso a hipotecar su casa para poder concluir la película.

Ese esfuerzo titánico se tradujo en una obra de una calidad visual y emocional sin precedentes. Técnicamente innovadora, Blancanieves fue la primera película en utilizar la cámara multiplano, un dispositivo que otorgaba profundidad a las escenas mediante capas superpuestas. Los fondos eran auténticas pinturas al óleo, cuidadosamente elaboradas para dar una atmósfera envolvente, mientras que los personajes presentaban un diseño estilizado que buscaba un equilibrio entre realismo y caricatura. Inspirados por la ilustración europea del siglo XIX, los artistas de Disney buscaron dotar de densidad narrativa a cada escena. No era solo una historia: era una experiencia.

Una noche para la historia

El estreno, el 21 de diciembre de 1937 en el Carthay Circle Theatre de Los Ángeles, fue un acontecimiento sin precedentes. Asistieron celebridades como Marlene Dietrich y Charlie Chaplin, y la ovación del público fue unánime. Blancanieves no solo fue un éxito artístico, sino también económico: recaudó más de ocho millones de dólares, convirtiéndose en la película más taquillera hasta ese momento. En 1939, Disney fue galardonado con un Oscar honorífico acompañado de siete pequeñas estatuillas, una por cada enanito, en un gesto que selló su lugar en la historia del cine.

Más allá de su éxito inmediato,  el filme pasó de ser un éxito cinematográfico a un referente cultural y cambió la percepción social de los cuentos de hadas. Blancanieves consolidó la animación como una forma legítima de arte cinematográfico, demostrando que era posible construir relatos complejos y emocionalmente resonantes a través del dibujo. A la vez, reflejó los valores morales y estéticos de su época. La protagonista encarna el ideal de feminidad de los años treinta: dócil, trabajadora, pura y maternal. Es cuidada por figuras masculinas (los enanitos, el cazador, el príncipe), pero carece de agencia real: no toma decisiones, no se enfrenta directamente a su antagonista, y su salvación depende de un beso ajeno. Frente a ella, la madrastra representa un poder femenino peligroso: es vanidosa, inteligente, ambiciosa, y por ello debe ser destruida. Esta dicotomía entre la mujer buena y la mujer mala es uno de los aspectos más revisados por la crítica contemporánea.

Significado histórico y social

Numerosas interpretaciones se han propuesto desde entonces para descifrar los símbolos que habitan la historia. Desde una perspectiva psicoanalítica, Blancanieves puede leerse como un relato de iniciación: la joven, al huir de casa y adentrarse en el bosque, atraviesa un proceso simbólico de muerte y renacimiento. La manzana, fruto del conocimiento prohibido, puede entenderse como un despertar sexual o emocional; el sueño dentro del ataúd de cristal representa una etapa de latencia, de espera, hasta que el beso del príncipe —acto que, por cierto, ha sido cuestionado en lecturas feministas contemporáneas— la devuelve a la vida. Bruno Bettelheim, en Psicoanálisis de los cuentos de hadas, interpreta los personajes como fragmentos de la psique: los enanitos serían aspectos protectores del yo, mientras que la reina reflejaría los conflictos internos no resueltos, como la envidia o la represión materna.

Desde la óptica feminista, la película ha sido objeto de fuertes críticas por la construcción de la protagonista como figura pasiva y por la glorificación de la belleza como valor supremo. La relación con el príncipe es prácticamente inexistente: no se conocen, no hablan, y sin embargo él es quien tiene el poder de “despertarla”. Esta pasividad ha sido contrastada con la acción decidida de la madrastra, cuyo castigo es, en última instancia, una lección moral: la ambición y el deseo femenino fuera del hogar deben ser reprimidos.

En clave sociológica, Blancanieves también ha sido interpretada como un vehículo de los valores conservadores del New Deal: la exaltación del trabajo, la comunidad doméstica, la obediencia y la humildad. La cabaña de los enanitos es un refugio del orden frente al caos del exterior, una pequeña sociedad masculina autosuficiente donde Blancanieves ocupa el papel de cuidadora. El mensaje implícito: el mundo funciona mejor cuando cada uno cumple su función.

Sin embargo, lo más fascinante de esta película es que, a pesar de su clara inscripción histórica, sigue siendo un texto abierto a la interpretación. El relato de Blancanieves se ha reinventado en múltiples ocasiones, en versiones oscuras, revisionistas, satíricas y subversivas. Desde Blancanieves y la leyenda del cazador hasta Shrek, pasando por parodias, homenajes y experimentos artísticos, su figura ha sido reescrita, cuestionada y adaptada a los nuevos tiempos. Incluso la propia Disney ha abordado revisiones de su legado con una mirada más crítica y contemporánea y casi un siglo después, Blancanieves y los siete enanitos sigue siendo un punto de referencia en la historia del cine. Su influencia no se limita a la animación: es un modelo de narrativa visual, una lección de técnica y un espejo en el que se han proyectado, generación tras generación, los valores, miedos y deseos de la cultura occidental. Al igual que el espejo mágico de la reina, esta película nos devuelve una imagen de lo que fuimos y de lo que seguimos siendo.

06/04/2025 0 comments
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ArteEventos

El Museo Thyssen y El puente de Waterloo

by Uve Magazine 03/04/2025
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El Museo Thyssen presenta la restauración de El puente de Waterloo, de André Derain, un viaje al corazón del color fauvista

Del 3 de abril al 23 de junio de 2025, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza ofrece a sus visitantes una oportunidad única: contemplar la obra El puente de Waterloo (1906), de André Derain, recién restaurada y exhibida en un montaje especial en la sala 33 de la colección permanente. Esta intervención forma parte de una ambiciosa campaña de micromecenazgo impulsada con el apoyo de Mastercard, que ha permitido no solo su recuperación, sino también un detallado estudio técnico sobre la técnica pictórica del artista.

Durante quince meses, el equipo de restauración del museo se ha sumergido en un proceso minucioso para devolver a la obra su colorido vibrante y la luminosidad característica del fauvismo. Las investigaciones realizadas mediante radiografía, reflectografía infrarroja, fotografía rasante y transmitida, así como análisis de materiales, han permitido conocer en profundidad tanto el estado de conservación del cuadro como las decisiones técnicas de Derain, aunque el análisis ha revelado que el artista trabajó de forma poco convencional: empleó pinceladas de colores casi puros —rojos intensos como el bermellón y el naftol, amarillos de cinc y naranjas de cromo— que aplicó en yuxtaposición, sin mezclas, junto a áreas donde dejó visible la capa de preparación del lienzo. Esta base, con una alta concentración de blanco de plomo, sílice y carbonato cálcico, aporta una luminosidad adicional al conjunto.

Uno de los hallazgos más llamativos ha sido la manera en que Derain construyó el volumen y la profundidad del paisaje sin recurrir al claroscuro tradicional. En lugar de sombras, utilizó contrastes cromáticos para definir las formas. Gracias a la fotografía con luz rasante, se ha podido observar cómo las pinceladas se vuelven más empastadas y verticales en el cielo, especialmente en la zona superior derecha, para representar la intensidad de la luz solar. En cambio, el puente y los edificios aparecen definidos con trazos más finos y lisos, generando una sensación de distancia.

El estudio radiográfico confirmó que la composición no sufrió modificaciones desde su concepción, mientras que la reflectografía infrarroja reveló el uso de un óleo ligero para dibujar con precisión las siluetas del puente y la ciudad, en contraste con las texturas densas del cielo y el agua.

El proceso de restauración también ha abordado importantes daños estructurales. El lienzo presentaba desgarros, especialmente en los bordes, que comprometían su estabilidad. Estos fueron cuidadosamente suturados y reforzados. En la esquina superior derecha, se conservó un parche antiguo que no afecta a la integridad de la pintura.

Uno de los mayores retos fue la limpieza de la superficie, debido a la suciedad acumulada, la contaminación y la presencia de un barniz envejecido de colofonia que apagaba la atmósfera cromática de la obra. La intervención exigió una limpieza diferenciada, pigmento a pigmento, ya que cada color reaccionaba de manera distinta a los disolventes. La presencia de la capa de preparación al descubierto obligó a adoptar un enfoque aún más delicado y específico, pero gracias a este proceso, El puente de Waterloo ha recuperado su luz vibrante, sus contrastes y la energía cromática que lo convierten en una de las piezas más destacadas del periodo fauvista. Esta restauración ha sido posible gracias a la generosidad de más de 200 particulares y empresas que participaron en la campaña de micromecenazgo abierta entre septiembre de 2023 y enero de 2024. Entre los principales donantes destacan la Amiga mecenas Sabela González, las empresas Spain Inside y Tauck, Mastercard, Idónika y los Amigos del museo, que aportaron el 68 % de las donaciones particulares.

Una muestra de cómo la colaboración ciudadana puede ayudar a preservar y poner en valor el patrimonio artístico común, permitiéndonos ver con nuevos ojos la intensidad de una obra que vuelve a brillar con la fuerza original de su autor.

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ArteLiteratura

«Los mundos de Alicia». Un viaje a través del espejo del tiempo

by Uve Magazine 30/03/2025
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Del 3 de abril al 3 de agosto, CaixaForum Madrid acoge Los mundos de Alicia. Soñar el país de las maravillas, una exposición que invita a recorrer el largo camino que ha seguido el personaje de Lewis Carroll desde su creación hasta hoy. Se trata de la mayor muestra dedicada a Alicia en el país de las maravillas, y lo hace desde un enfoque amplio, creativo y muy visual.

La exposición, organizada en colaboración con el V&A Museum de Londres y producida por la Fundación ”la Caixa”, propone un viaje por las muchas vidas de Alicia: su origen en la Inglaterra victoriana, sus distintas adaptaciones al cine y al teatro, su presencia en la moda, la ciencia o las artes plásticas, y cómo ha llegado a convertirse en una figura moderna, reinterpretada desde una mirada actual.

A lo largo de cinco secciones —La invención de Alicia, A través de la pantalla, Alicia, puerta a otros mundos, Alicia en escena y Convertirse en Alicia— se ofrece un recorrido temático que permite descubrir el contexto en el que se escribió el libro, las ideas que lo atraviesan y las muchas formas en las que se ha seguido leyendo y transformando desde 1865. La muestra sigue el hilo narrativo de los doce capítulos del libro original, pero no es una simple retrospectiva: es también una invitación a mirar el mundo desde otro ángulo.

1. La invención de Alicia nos sitúa en el contexto literario, social y político de la Inglaterra victoriana, para entender la génesis de una obra que desafió las convenciones de su tiempo.
2. A través de la pantalla recoge las múltiples versiones cinematográficas y televisivas que han reinterpretado la historia de Carroll, desde las primeras adaptaciones mudas hasta las propuestas más experimentales.
3. Alicia, puerta a otros mundos se adentra en cómo temas como el sueño, el tiempo o el espacio han nutrido movimientos artísticos y discursos filosóficos contemporáneos.
4. Alicia en escena explora la apropiación del personaje en el ámbito teatral y escénico, donde se convierte en una llave para imaginar lo imposible.
5. Convertirse en Alicia ofrece una mirada actual: la niña curiosa se transforma en una figura empoderada y polifacética, símbolo de libertad, exploración y resistencia.

Con una puesta en escena inmersiva, que combina materiales históricos, piezas audiovisuales y propuestas contemporáneas, Los mundos de Alicia muestra cómo esta historia sigue viva, conectando con temas tan actuales como la identidad, la imaginación o el paso del tiempo.

30/03/2025 0 comments
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EventosLiteratura

Orvallo, el murmullo de la lluvia

by Uve Magazine 28/03/2025
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La primera presentación de Orvallo tendrá lugar el viernes 28 de marzo a las 19:00 horas en la Librería Cervantes de Oviedo, con la participación de la autora y de la periodista y socióloga Verónica García-Peña. Será la primera de varias presentaciones que también llevarán el libro a Copenhague (25 de abril) y a la Feria del Libro en Español en Malmö (14 de junio).

Hay lluvias que no hacen ruido. No golpean con fuerza ni despiertan sobresaltos. Simplemente caen, como si acariciaran el suelo, empapando todo lo que encuentran a su paso. A esa llovizna sutil, persistente y casi invisible se la llama orvallo en Asturias. Y con esa misma delicadeza es como Marta Pastur Rubio construye su segundo libro, una colección de relatos breves que, sin levantar la voz, cala hondo.

Publicado por Uve Books y con una edición cuidada —rústica con solapas, 12 x 17 cm, 80 páginas— Orvallo es mucho más que una suma de historias. Es un viaje entre la memoria y la realidad, entre la mirada de la infancia y los ecos de la adultez. Es también un homenaje a los recuerdos, al poder de lo vivido y a las pequeñas cosas que, aunque fugaces, nos transforman.

Una autora entre dos mundos

Marta Pastur nació en Asturias, pero desde 2018 reside en Copenhague. Pedagoga de formación y máster en Neuropsicología Educativa por la Universidad de Alcalá de Henares, ha hecho de su pasión por la enseñanza un modo de vida. Tras trabajar como docente en Dinamarca, fundó su propia academia de español para niños, llamada Pollitos, donde conjuga su amor por el idioma con su vocación pedagógica.

Esa doble vida entre el norte de España y el norte de Europa ha impregnado su literatura. Si con Victoria sin cuerno, su primer libro, exploró el ámbito de la narrativa infantil ilustrada, ahora, con Orvallo, da un paso firme hacia la literatura para adultos, sin perder de vista la mirada inocente y perpleja de la niñez, aunque no es solo un libro de recuerdos ni una simple evocación nostálgica. Es también una cartografía emocional que conecta el pasado con el presente, la voz de la niña con la conciencia de la mujer, el yo autobiográfico con las vidas de muchos otros niños y niñas que Pastur ha conocido a lo largo de su vida profesional.

Desde su primer relato, despliega una sensibilidad aguda hacia lo cotidiano. Juegos infantiles, viajes en coche, charlas en el aula, el silencio de un hospital o la curiosidad ante lo desconocido se convierten en materia narrativa. A través de escenas breves, la autora teje una red de significados que giran en torno a la identidad, la fragilidad y la resistencia de la infancia.

Cada relato funciona como una pequeña estampa, una imagen que se fija en la memoria con la intensidad de un olor, una palabra o un gesto. En Efecto Proust, por ejemplo, se explora el poder de los recuerdos olfativos. En otros, como Pas de chat o Apego, se abordan el miedo a la ausencia, la pérdida y la transformación interior que implica crecer, pero lo que verdaderamente distingue a Orvallo es su capacidad para mostrar la infancia como un territorio complejo, donde conviven la ternura y el desconcierto, el juego y el trauma, la inocencia y la lucidez. Marta Pastur no idealiza el mundo infantil, sino que lo presenta como un espacio de construcción, resistencia y asombro.

La infancia como metáfora

“Con este libro de relatos he querido tender un puente entre la niñez y la vida adulta”, afirma la autora. Y ese puente se construye no solo a partir de sus vivencias personales, sino también de las historias reales de muchos niños y niñas con los que ha trabajado en Dinamarca. Algunos relatos están inspirados en situaciones conmovedoras, como la de Anisa, una niña que deseaba tener la piel blanca porque en su país el tono oscuro era sinónimo de marginación. O la de Mark y Thomas, que descubren muy pronto la vulnerabilidad de ser inmigrantes en un país ajeno.

A través de estas historias, la autora consigue ampliar el foco y trascender lo autobiográfico. Aunque Orvallo parte de lo íntimo, de lo local, se proyecta hacia lo universal. Sus temas —el apego, el miedo, la pérdida, el aprendizaje, la ternura, la nostalgia— son compartidos por lectores de cualquier edad o procedencia.

Pedagogía y literatura: un vínculo natural

El oficio de Marta Pastur como pedagoga atraviesa toda la obra. No en el sentido de una literatura didáctica, sino en el uso de la observación como herramienta narrativa. “Este proyecto nace de mi obsesión por observar”, confiesa. Y esa mirada atenta, empática, generosa, recorre cada una de las páginas del libro.

En cuentos como Hipotonía, Codo a codo o Laboratorio, la autora explora el vínculo con los niños desde la experiencia docente. Las preguntas inesperadas de los pequeños, su forma única de interpretar el mundo, su necesidad de conexión y de refugio, se convierten en claves para reflexionar también sobre la adultez y sus carencias. Estos  relatos sugieren que muchas veces somos los adultos quienes más tenemos que aprender. Y que hay una sabiduría silenciosa en los niños que solo se revela si nos detenemos, si escuchamos, si nos dejamos mojar por ese orvallo invisible que es la infancia.

Nostalgia sin almíbar

Otro de los hilos conductores del libro es la nostalgia. No como simple melancolía, sino como una forma de recuperar y resignificar lo vivido. La autora ha confesado que el libro fue también una suerte de catarsis, una forma de volver al origen desde la distancia. Desde Copenhague, este libro le ha permitido reencontrarse con su Asturias natal, con los paisajes, las personas y las emociones que la vieron crecer.

En este sentido, los relatos tienen un aire de retorno. Hay en ellos un deseo de detener el tiempo, de conservar lo perdido, de dar forma a lo inasible. Y sin embargo, no cae en la trampa del sentimentalismo. Su tono es contenido, su lirismo medido, su sensibilidad, madura. Cada texto está escrito con una prosa limpia y lírica, que sabe cuándo callar, cuándo insinuar, cuándo dejar que el lector complete el sentido. Es una escritura que no subraya, que confía en el poder de los detalles, en los gestos mínimos, en lo que queda flotando entre líneas.

Un libro que interpela

Orvallo no es un libro para devorar de una sentada. Es más bien una obra para saborear con lentitud, como quien mira llover por la ventana. Su lectura invita a detenerse, a recordar, a mirar con otros ojos lo cotidiano.

Al final, lo que Marta Pastur logra con este libro es algo muy difícil: hablarnos de cosas pequeñas que, en realidad, no lo son. Porque detrás de cada escena hay un mundo emocional que todos reconocemos. Porque todos fuimos niños alguna vez. Y todos seguimos arrastrando a ese niño interior, aunque a veces lo olvidemos.

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ArteCineEventosMúsica

Blur, To the End

by Uve Magazine 25/03/2025
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Viernes 28 de marzo de 2025 – CaixaForum Madrid
Proyección: 20:00 h | Warm up DJ: desde las 19:30 h | VOSE | 102 minutos
Sesión presentada por Esteban Girón

En el marco del ciclo In-Edit On Tour, CaixaForum Madrid acoge la proyección de Blur, To the End, un documental dirigido por Toby L. que se adentra en el regreso de una de las bandas clave del britpop: Blur. Con sensibilidad y cercanía, la película no solo repasa los grandes éxitos del grupo, sino que retrata con honestidad el reencuentro emocional y creativo de Damon Albarn, Graham Coxon, Alex James y Dave Rowntree tras ocho años de silencio discográfico.


El filme arranca con el proceso de grabación de The Ballad of Darren (2023), su primer álbum en casi una década, y culmina con los dos macroconciertos celebrados en Wembley. Pero más allá del espectáculo, lo que narra To the End es la historia de una amistad compleja, las heridas del tiempo y la capacidad de la música para dar sentido incluso a lo que ya parecía cerrado. Alegría, vulnerabilidad, orgullo, melancolía, cansancio, lesiones, lágrimas y humor negro: todos estos matices atraviesan este último capítulo vital de unos músicos que siguen conectando con varias generaciones.

Intervienen en el documental, además de los miembros de la banda, figuras esenciales como el productor James Ford, el mánager Mike Smith y el actor Phil Daniels, voz inolvidable en Parklife. Una obra para fans, sí, pero también para quienes quieran asomarse al interior de una banda que supo convertir lo cotidiano en himno y lo colectivo en identidad.

La sesión será presentada por el músico y comunicador Esteban Girón y contará con un warm up previo desde las 19:30 h, a cargo de Don Viti (Víctor Patiño), DJ de referencia en la escena madrileña, que ofrecerá una sesión especialmente comisariada para la ocasión, inspirada en el universo Blur.

Ciclo de música – In-Edit On Tour

Del 14 de marzo al 4 de abril de 2025 – CaixaForum Madrid

Esta proyección forma parte de In-Edit On Tour, el ciclo que acerca a distintas ciudades españolas una cuidada selección de los mejores documentales musicales que han pasado por el prestigioso In-Edit, Festival Internacional de Documental Musical de Barcelona. Tras veinte años apostando de forma exclusiva por el documental musical, In-Edit se ha consolidado como un referente internacional, con ediciones en diferentes países y un firme compromiso con la música como herramienta narrativa, social y emocional.

De la electrónica al rock clásico, pasando por el reggae, el punk, el flamenco, el jazz o las propuestas más experimentales, el ciclo demuestra que la música sigue siendo una de las formas más poderosas para contar quiénes somos, de dónde venimos y hacia dónde vamos.

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ArteSin categoría

El enigma oculto bajo las pirámides de Egipto

by Uve Magazine 23/03/2025
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Desde que Al-Mamún, califa de Bagdad, ordenó abrir por la fuerza un túnel en la Gran Pirámide en el siglo IX, las pirámides de Guiza no han dejado de ser objeto de fascinación, teorías descabelladas y, sobre todo, muchas preguntas sin respuesta. A lo largo de los siglos, se han intentado explicar su función, su modo de construcción y el simbolismo que encierran, siempre con la certeza de que fueron concebidas como tumbas monumentales para los faraones. Pero hoy, a la luz de los descubrimientos recientes, esa certeza empieza a desdibujarse. La combinación de nuevas tecnologías, como el radar de penetración terrestre o las cámaras térmicas de alta precisión, con hallazgos arqueológicos desconcertantes, ha abierto una puerta inesperada a la posibilidad de que aún no entendemos realmente qué son estas estructuras, ni para qué fueron concebidas.

Uno de los hallazgos más recientes proviene del proyecto internacional Scan Pyramids, que en 2023 detectó una anomalía térmica en la cara este de la Gran Pirámide de Keops. Gracias a cámaras infrarrojas, los investigadores descubrieron bloques de piedra a nivel del suelo con una diferencia de temperatura de hasta seis grados respecto a los bloques contiguos. Esta variación no se explica por el simple efecto del sol o la erosión. En las imágenes, mientras la mayoría del monumento aparece teñido de azules y magentas, estas zonas anómalas brillan en tonos cálidos. La posibilidad de que estas diferencias escondan una cámara o cavidad no explorada ha reavivado el interés por una pirámide que, a pesar de haber sido medida, escaneada y atravesada, sigue resistiéndose a ser comprendida del todo. A este hallazgo se suma otro descubrimiento: un corredor oculto de nueve metros de largo en la parte superior de la misma pirámide, detectado también por los sensores del equipo, que se une a una estructura en forma de L ubicada a pocos metros de profundidad y a una posible cámara entre los tres y diez metros bajo la superficie. Todo parece indicar que el interior de Keops no solo es más complejo de lo que pensábamos, sino que hay zonas clave que aún no han sido tocadas.

Pero lo que ha descolocado aún más a la comunidad arqueológica ha sido el trabajo conjunto de Corrado Malanga, de la Universidad de Pisa, y Filippo Biondi, de la Universidad de Strathclyde, quienes han utilizado un radar de apertura sintética (SAR) para mapear el subsuelo de Guiza. Los resultados, publicados en 2022 y actualizados recientemente, muestran un mundo oculto bajo la meseta: cinco estructuras cilíndricas verticales con techos inclinados, todas ellas ubicadas bajo la pirámide de Kefrén, conectadas mediante ocho pozos en espiral que descienden hasta 648 metros de profundidad, y que a su vez se vinculan con dos grandes estructuras cúbicas de 80 metros de lado. En conjunto, esta red subterránea forma un complejo de al menos dos kilómetros de largo que se extiende bajo las tres pirámides principales. Los investigadores aseguran que estas formaciones no son naturales y sugieren que podrían haber servido como cámaras acústicas, generadores energéticos o algún tipo de estructura cuyo propósito aún escapa a nuestra comprensión. Aunque estas ideas rozan lo fantástico, lo cierto es que los datos están ahí, esperando ser interpretados.

Por otro lado, la imagen clásica del constructor egipcio también ha empezado a resquebrajarse. En marzo de 2025, un equipo arqueológico descubrió esqueletos en el sur de Egipto, procedentes de Nubia y datados en torno al 3000 a. C., lo que los sitúa por delante de la construcción de las pirámides. Esta cronología plantea una cuestión delicada: ¿eran los constructores de las pirámides una fuerza local egipcia homogénea, como se ha creído, o participaron en su levantamiento pueblos de otras regiones? La osteóloga Sarah Field, citada por el Daily Mail, señaló que este hallazgo podría cambiar la forma en que entendemos el origen y la organización de quienes levantaron las grandes construcciones. A este hallazgo se suma el trabajo en Tombos (Sudán del Sur), donde la arqueóloga Sara Schrader descubrió pequeñas pirámides de adobe con restos humanos que revelan una vida de trabajo físico intenso. Hasta ahora se asumía que las tumbas piramidales estaban reservadas a la élite, pero estos descubrimientos sugieren lo contrario: que personas de clases bajas también podían ser enterradas en estructuras de ese tipo, lo que abre nuevas preguntas sobre el simbolismo, la funcionalidad y el acceso social a estos espacios.

Las pirámides fueron construidas entre los años 2630 y 2500 a. C., como tumbas para los faraones de la IV Dinastía, mediante enormes rampas y una estructura de organización laboral altamente sofisticada. Pero cada nuevo descubrimiento parece horadar esa narrativa y recordar que, aunque creamos conocerlas, las pirámides siguen siendo estructuras incomprensibles en muchos aspectos. Como si fueran más que tumbas, más que símbolos, más que monumentos. Como si su verdadero propósito aún estuviera enterrado, esperando el momento —y la tecnología adecuada— para salir a la luz.

23/03/2025 0 comments
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EventosLiteratura

¿De qué muere un buitre? La exploración poética de Nerea Aguado Alonso

by Uve Magazine 20/03/2025
written by Uve Magazine

En el poemario ¿De qué muere un buitre?, Nerea Aguado Alonso invita al lector a sumergirse en una profunda reflexión sobre la naturaleza de la vida, la muerte y la existencia humana en el contexto del mundo natural. A través de una serie de poemas, aborda temas como la dualidad, la transitoriedad, la resistencia y la interconexión, tejiendo una narrativa poética que nos lleva a explorar los misterios y complejidades de la existencia.

La obra nos sitúa en el paisaje de las Bardenas Reales, un escenario que, más allá de su valor natural, se convierte en un espacio simbólico donde se entrelazan memoria, identidad y pérdida. La autora regresa a este territorio para rescatar no solo sus sonidos y colores, sino también su lenguaje, sus localismos, sus elementos que se diluyen con el paso del tiempo.

Uno de los detonantes del poemario fue el hallazgo de un buitre muerto al pie de un molino de viento, un símbolo que sintetiza la paradoja del progreso y la destrucción. Este hecho, junto a la pérdida de familiares y de su mascota, llevó a Aguado Alonso a explorar el duelo desde una perspectiva lírica, reivindicando la necesidad de detenerse, observar y sentir en una sociedad que a menudo rechaza estas pausas.

La poeta logra en ¿De qué muere un buitre? publicado por Uve Books, un equilibrio entre lo onírico y lo terrenal, entre la dureza del paisaje y la delicadeza de la palabra. Sus versos, acompañados por las ilustraciones de Yulia Podlinnova, componen un universo en el que el cielo y la tierra dialogan, y en el que la poesía se alza como un refugio frente a la fugacidad del tiempo.

Este nuevo poemario se presenta el 21 de marzo a las 19:00 horas en Cabanillas, Navarra, en un encuentro especial en el que Nerea Aguado Alonso será entrevistada por el músico y compositor Patxi Morillas Araque. Una conversación que ahondará en la profundidad de su poesía, su vínculo con la naturaleza y la palabra como territorio de resistencia.

20/03/2025 0 comments
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LiteraturaPensamiento

Woolf y Plath. Dos jardines, dos miradas

by Uve Magazine 18/03/2025
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Para aquellos que trabajan con la palabra, la imagen o la música, un jardín no es solo un espacio físico, sino una metáfora de la mente y la memoria. En él, los pensamientos germinan, maduran o se marchitan, y las ideas encuentran su propio ritmo de crecimiento. Quizá por eso, tantos escritores han encontrado en los jardines su mejor espacio de creación, entre ellos Virginia Woolf y Sylvia Plath, dos autoras que miraron la naturaleza con ojos distintos, pero que vieron en ella un reflejo de su propio mundo interior.

Virginia Woolf tenía una relación simbólica y estética con el jardín, que se refleja tanto en su vida como en su obra. Su casa en Monk’s House, en Sussex, contaba con un exuberante jardín que ella y su esposo, Leonard Woolf, cuidaban con esmero. Ese espacio no solo era un refugio físico, sino también un universo simbólico en el que la escritora exploraba la conexión entre la naturaleza, la memoria y la identidad.

El jardín de Woolf era un lugar de contemplación y de escritura. Desde su estudio, una cabaña separada de la casa principal, tenía vistas a la vegetación y a los juegos de luz en las hojas y flores. En sus diarios, menciona con frecuencia el proceso de cultivar plantas y el placer de observar los cambios de las estaciones. Esa atención a la naturaleza se filtra en sus novelas, donde los espacios verdes funcionan como metáforas de la vida interior de los personajes.

En Al faro, por ejemplo, la naturaleza aparece en su dimensión cíclica, reflejando el paso del tiempo y la inevitabilidad del cambio. La maleza que crece en la casa vacía simboliza la huella del tiempo y la forma en que la ausencia transforma los espacios. En La señora Dalloway, el parque de Regent’s Park y los jardines urbanos sirven como puntos de conexión entre los personajes, un espacio donde los pensamientos fluyen libremente y donde las barreras sociales parecen difuminarse por un momento.

Por otro lado, en la obra de Sylvia Plath, la naturaleza adquiere un carácter inquietante y simbólico, alejado de la contemplación serena que ofrece el jardín de Virginia Woolf. Mientras que Woolf encontraba en el paisaje un espacio de fluidez y reflexión sobre la identidad y el tiempo, Plath transforma la naturaleza en una imagen de tensión emocional, de lucha y conflicto interno. En sus poemas, las flores y los paisajes vegetales no son simples adornos o fuentes de belleza, sino metáforas de la transformación, la opresión y la muerte. En Ariel, los caballos desbocados al amanecer encarnan una energía salvaje e incontrolable, los tulipanes aparecen como presencias demasiado vivas, casi agresivas en su color, y la colmena se convierte en un símbolo ambivalente de feminidad y poder, a la vez productivo y amenazante. A diferencia de Woolf, cuyo jardín servía como reflejo del transcurrir del tiempo y la conexión con el mundo exterior, en Plath la naturaleza es más visceral, más afilada, reflejando la batalla interna con la identidad y la enfermedad mental. En La campana de cristal, la protagonista, Esther Greenwood, percibe la naturaleza con una mezcla de fascinación y repulsión, en una búsqueda desesperada por encontrar su lugar en un mundo que le resulta extraño y ajeno. Así, mientras Woolf cultivaba su jardín como un espacio de introspección y armonía con lo efímero, Plath lo convertía en un espejo de sus propias inquietudes, donde la belleza se entrelazaba con la amenaza y lo natural se tornaba en una presencia inquietante, casi opresiva.

Jardines de papel, la simbología del paisaje en la literatura

En definitiva, los jardines han sido desde siempre espacios de inspiración, refugio y contemplación. En su quietud, ofrecen un ritmo distinto al del mundo exterior, uno marcado por el crecimiento lento de las plantas, la transformación de las estaciones y la presencia constante de la naturaleza en sus ciclos de muerte y renacimiento. Un jardín florecido invita a la expansión de los sentidos, con colores, perfumes y la sensación de vida en su máximo esplendor. Es un escenario para la creatividad, donde la luz y las sombras juegan en las hojas, y la imaginación puede divagar con la misma libertad con la que se entrelazan las ramas.

Ambas escritoras, a su manera, utilizaron la naturaleza como un espejo de su mundo interior, construyendo solidos paisajes literarios que rememoramos fielmente en sus textos.

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Arte

Helen Frankenthaler. Pintura sin reglas

by Uve Magazine 16/03/2025
written by Uve Magazine

El Museo Guggenheim Bilbao acogerá, del 11 de abril al 28 de septiembre de 2025, la exposición Pintura sin reglas , una ambiciosa retrospectiva dedicada a la artista estadounidense Helen Frankenthaler, una de las figuras más influyentes del arte abstracto del siglo XX. Organizada en colaboración con la Fondazione Palazzo Strozzi de Florencia y la Helen Frankenthaler Foundation de Nueva York, la muestra ofrecerá un recorrido por más de cinco décadas de creación artística. A través de un conjunto de obras representativas de su trayectoria, la exposición invita al público a descubrir el universo pictórico de un artista que transformó la manera en que entendemos la pintura.

Helen Frankenthaler (1928-2011) fue una pionera del expresionismo abstracto y una de las precursoras del Color Field Painting , un movimiento en el que el color y la forma se convierten en los protagonistas absolutos de la obra. Su trabajo se caracteriza por un equilibrio singular entre el control y la espontaneidad, por una experimentación constante con los materiales y por una búsqueda incesante de nuevos lenguajes pictóricos. La exposición en el Guggenheim Bilbao permitirá comprender la evolución de su producción artística, desde sus primeras exploraciones en los años cincuenta hasta sus creaciones finales en el siglo XXI, resaltando su capacidad de innovación y su influencia en generaciones posteriores de artistas.

La muestra reunirá una cuidada selección de sus obras más emblemáticas, incluyendo pinturas de gran formato que permiten apreciar la audacia de su enfoque y la profundidad emocional de su trabajo. A través de este recorrido, los visitantes podrán observar cómo Frankenthaler logró expandir los límites de la pintura, creando un lenguaje visual único que desafiaba las normas establecidas. Pintura sin reglas se convierte así en un homenaje a una artista que nunca dejó de reinventarse y que supo construir un legado que sigue vigente en la actualidad.

El poder de la experimentación y el diálogo con su tiempo.

Helen Frankenthaler irrumpió en la escena artística neoyorquina de los años cincuenta con una propuesta que desafiaba las convenciones del expresionismo abstracto. Influenciada por los grandes nombres de la época, como Jackson Pollock y Willem de Kooning, pero también por artistas de generaciones anteriores como Hans Hofmann, Frankenthaler desarrolló un enfoque personal que revolucionó la pintura. Su técnica más innovadora fue el remojo-stain , que consistía en verter pintura diluida directamente sobre lienzos sin impresión, permitiendo que los colores se fusionaran con la tela y crearan efectos de transparencia y fluidez sin precedentes.

Este método de trabajo, que combinaba una aparente espontaneidad con un control preciso del resultado, fue una de sus mayores contribuciones a la historia del arte. La técnica no solo le permitió generar composiciones de gran expresividad y luminosidad, sino que también influyó en otros artistas que más tarde desarrollarían el Color Field Painting , como Morris Louis y Kenneth Noland. Frankenthaler demostró que la pintura podía ser un espacio de exploración sin restricciones, en el que la interacción entre color, forma y superficie se convertía en el verdadero protagonista.

Uno de los aspectos más interesantes de la exposición en el Guggenheim Bilbao es la manera en que se presenta la obra de Frankenthaler en diálogo con la producción artística de su tiempo. Pintura sin reglas no solo ofrece un recorrido por su trayectoria individual, sino que también contextualiza su trabajo dentro del efervescente ambiente creativo de la Nueva York de mediados del siglo XX. La muestra reúne algunas de sus pinturas más representativas junto con piezas de otros artistas con los que mantuvieron estrechos lazos creativos y de amistad, reflejando así la riqueza de una época en la que la pintura adquirió una nueva dimensión.

Frankenthaler siempre fue un artista permeable a las influencias de su entorno, pero su trabajo nunca quedó subordinado a ellas. Su capacidad de absorber referencias y transformarlas en un lenguaje propio le permitió mantenerse a la vanguardia de la experimentación artística durante más de cinco décadas. Desde sus primeras obras, en las que se percibe el impacto de la acción pictórica de Pollock, hasta sus creaciones más tardías, marcadas por un uso más meditativo del color y la composición, Frankenthaler construyó un corpus artístico de una riqueza inigualable.

El recorrido expositivo también pone en valor su versatilidad como creadora. Aunque es conocido sobre todo por su obra pictórica, Frankenthaler trabajó en una amplia variedad de medios, incluyendo la xilografía, el grabado y la escultura. Su experimentación con las técnicas de impresión la llevó a desarrollar un estilo innovador que desafiaba las convenciones del grabado tradicional, explorando la posibilidad de trasladar la fluidez de su pintura al papel. Estos trabajos, aunque menos conocidos que sus grandes lienzos, reflejan la misma inquietud creativa que caracteriza toda su producción.

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