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Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

ArteNoticias

El Thyssen revela claves ocultas de un Degas

by Uve Magazine 30/11/2025
written by Uve Magazine

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza exhibirá, del 17 de noviembre de 2025 al 1 de marzo de 2026, un montaje especial dedicado al estudio técnico de En la sombrerería (1882), uno de los primeros pasteles de Edgar Degas centrados en la vida cotidiana. La obra, marcada por una fragilidad excepcional, ha sido analizada en profundidad por el Área de Restauración del museo gracias al mecenazgo de la Fundación María Cristina Masaveu Peterson, lo que ha permitido comparar el pastel con otras piezas del artista y confirmar tanto la calidad del soporte como la complejidad de su proceso creativo.

Las investigaciones revelan una composición muy meditada desde los primeros trazos, con apenas ligeras correcciones visibles bajo la superficie. La radiografía confirma su buen estado de conservación y la presencia de un cartón mecanizado como soporte, mientras que el examen del papel y de las capas de color muestra el característico método del pintor: una superposición minuciosa de pasteles fijados capa a capa con un producto que evitaba brillos y alteraciones cromáticas. Todo apunta a que ese fijativo era el elaborado por su amigo Luigi Chialiva, cuya fórmula —basada en caseína, bórax y alcohol— aparece registrada en una patente estadounidense de 1899.

La muestra ofrece una mirada privilegiada al oficio de Degas, a sus decisiones técnicas y a la delicadeza de una obra que, pese a su aparente sencillez, encierra un proceso de trabajo riguroso y lleno de matices. Una ocasión singular para redescubrir al maestro del pastel y comprender cómo construía la textura, la luz y el movimiento en una escena tan íntima como la de una sombrerería parisina.

30/11/2025 0 comments
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AgendaArteEventos

“Revelaciones” de Marina Vargas

by Valeria Cruz 10/02/2025
written by Valeria Cruz

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta Revelaciones, la octava edición del ciclo Kora, una iniciativa que impulsa el trabajo de mujeres artistas contemporáneas desde una mirada de género. La exposición, comisariada por Semíramis González, recoge la obra de Marina Vargas (Granada, 1980) y propone una relectura de las figuras femeninas tradicionalmente relegadas en el arte, especialmente en el ámbito de lo sagrado y lo espiritual. Tras su paso por Madrid, la muestra itinerará al Museo de Arte Contemporáneo de Querétaro (México) de septiembre de 2025 a enero de 2026.

El protagonismo de lo oculto

La exposición parte de la figura de María Magdalena para construir un recorrido que da visibilidad a mujeres cuya presencia ha sido silenciada o distorsionada en la historia del arte. Vargas entrelaza estas figuras con símbolos, palabras, lecturas del tarot y otros recursos vinculados a su universo creativo.

Las obras expuestas, muchas de ellas creadas específicamente para esta muestra, establecen un diálogo con los espacios del museo y con piezas de la colección permanente, así como con préstamos de instituciones como el Museo Nacional de Escultura. El resultado es un conjunto inédito en el que pintura, escultura, dibujo y sonido convergen en un espacio de reinterpretación y resistencia.

Marina Vargas, Piedad

Cuatro secciones, cuatro cartas del tarot

La exposición se articula en torno a cuatro secciones, cada una de ellas representada por una gran carta del tarot, elemento recurrente en la obra de Vargas.

  1. Palabra: En esta primera sección, el lenguaje es protagonista. Una instalación muestra frases en lengua de signos (española y universal) tomadas de teólogas feministas como Cynthia Bourgeault, artistas como Hannah Wilke, figuras históricas como Juana de Arco y escritoras como Kate Millet, junto con lemas feministas actuales. En el mismo espacio se encuentra la escultura Magdalena (2024), un par de manos unidas en un triángulo que remite al útero y a las movilizaciones feministas. Estas piezas establecen un diálogo con la pintura Hércules en la corte de Onfalia (1537) de Hans Cranach, donde las manos cobran un especial protagonismo.

  2. Visión: En esta sala, Vargas aborda la enfermedad como proceso de transformación. A través de piezas como Mére-Mer (2024), una serie de cangrejos que descienden por la pared en referencia al signo astrológico de cáncer; Lo divino Femenino (2024), un tapiz bordado con la Cruz de Camarga y caracoles usados en rituales afrocubanos; y Exvotos (2022), moldes utilizados en sesiones de radioterapia cubiertos de oro, la artista rememora su experiencia con el cáncer de mama. La sección culmina con la carta del tarot de El Mundo, símbolo de renacimiento.

  3. Cuerpo: Presidida por dos esculturas de la serie Piedad, esta sección juega con la idea del cuerpo fragmentado. Una de las esculturas cuelga del techo, mientras que otra, craquelada en el suelo, parece abrirse para mostrar lo oculto. Estas piezas dialogan con La Virgen del árbol seco (hacia 1465) de Petrus Christus, donde el Árbol de la Ciencia florece nuevamente tras la concepción de Jesús. La sala concluye con la carta del tarot de La Fuerza, que representa la resistencia de las mujeres a lo largo de la historia.

  4. Egipcíaca: Esta última sección se desarrolla en un espacio completamente negro y se centra en la figura de Santa María Egipcíaca, representada en la talla de Luis Salvador Carmona (1734-1766) cedida por el Museo Nacional de Escultura. La obra dialoga con la fotografía de Vargas Noli Me Tangere. La Incredulidad (2020), en la que la artista aparece mastectomizada, y con la tabla La Magdalena (1477-1478) de Derick Baegert. La voz de María Botto, actriz que interpretó a María Magdalena en la película Resucitado (2016), acompaña este espacio con la lectura del significado de las cartas del tarot diseñadas por la artista.

Un arte que revisa la historia

Para Semíramis González, Revelaciones es mucho más que una muestra inédita de Marina Vargas: es un ejercicio de cuestionamiento de las estructuras patriarcales que han dominado el relato del arte. “No se trata solo de dar nombre a las mujeres ocultadas en lo sagrado, sino también de desmontar los códigos visuales que las han cosificado y relegado a los márgenes”, afirma la comisaria.

Marina Vargas, licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Granada y con un máster en Producción e Investigación en Lenguajes Artísticos, ha desarrollado un trabajo multidisciplinar que abarca escultura, pintura, dibujo y fotografía. Su obra forma parte de importantes colecciones institucionales como las de Artium (Vitoria-Gasteiz), CA2M (Madrid), CAAM (Las Palmas de Gran Canaria) o la Fundación Benetton (Italia), entre otras.

Con Revelaciones, Vargas sigue explorando los modelos de representación heredados y los arquetipos visuales que han condicionado el papel de la mujer en la historia del arte. La exposición invita a repensar la iconografía sagrada desde una óptica contemporánea, convirtiéndose en una propuesta imprescindible para quienes buscan una mirada crítica y renovadora sobre el arte y su historia.

10/02/2025 0 comments
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ArteEventos

Guardi y Venecia en el Thyssen

by Uve Magazine 04/02/2025
written by Uve Magazine

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta por primera vez en Madrid la colección completa de obras de Francesco Guardi perteneciente al Museo Calouste Gulbenkian. Gracias a un acuerdo de colaboración entre ambas instituciones, del 3 de febrero al 11 de mayo de 2025, los visitantes podrán disfrutar de 18 óleos y un dibujo del pintor veneciano, el artista más representado en la colección del financiero armenio Calouste Sarkis Gulbenkian (1869-1955).

Guardi y la veduta veneciana

Miembro de una familia de pintores, Francesco Guardi (1712-1793) se formó en el taller familiar junto a su hermano mayor, Gianantonio. Durante sus primeros años se dedicó a la pintura de temas religiosos e históricos, pero fue en su madurez cuando se especializó en la veduta, la representación de paisajes urbanos. Influenciado por Canaletto, Guardi evolucionó su estilo a través de una pincelada suelta y vibrante, logrando una atmósfera más poética e idealizada que la de su predecesor.

Las obras expuestas, fechadas entre 1765 y 1791, muestran distintos rincones de Venecia, desde vistas icónicas como el Puente de Rialto o el Palacio Ducal, hasta celebraciones populares como la Fiesta de la Ascensión. También incluyen escenas de los alrededores de la ciudad y caprichos arquitectónicos, ejemplos de su libertad creativa en la composición paisajística.

Un recorrido por la Venecia de Guardi

La exposición, comisariada por Mar Borobia, se divide en dos secciones: “La ciudad y sus fiestas” y “Terraferma y los caprichos”, y se exhibe en tres salas de la colección permanente del Thyssen.

En las salas 13 y 14 se presentan escenas festivas y panoramas urbanos que reflejan la animación y el esplendor de Venecia en el siglo XVIII. Entre las piezas más destacadas se encuentran La fiesta de la Ascensión en la plaza de San Marcos (h. 1775), en la que el pintor plasma con pinceladas rápidas el bullicio de la celebración.

Otro lienzo significativo es La partida del Bucintoro (h. 1765-1780), que capta la salida de la galera de los dux desde la dársena veneciana. Asimismo, Regata en el Gran Canal (h. 1775) y El puente de Rialto según el proyecto de Palladio (h. 1770) ofrecen diferentes perspectivas de la ciudad.

Otras obras que completan esta sección incluyen El Canal de Giudecca con la Iglesia de Santa Marta (h. 1770-1780), Pórtico con figuras (h. 1778), El pórtico del Palacio Ducal (h. 1778) y El Gran Canal junto al puente de Rialto (h. 1780-1790), todas representaciones que revelan la maestría de Guardi en la creación de atmósferas vibrantes.

Terraferma y los caprichos

La segunda sección, en la sala 15, exhibe la faceta más libre e imaginativa del pintor. Su pincelada suelta y expresiva captura el paso del tiempo y el deterioro arquitectónico con un tono melancólico. Obras como Capricho con arco romano en ruinas y templo circular (h. 1770-1780) muestran su talento para la composición idealizada.

El interés de Guardi por la vida cotidiana se refleja en Las compuertas en Dolo (h. 1774-1776), donde retrata la actividad del río Brenta. Asimismo, La isla de San Giorgio Maggiore (h. 1790) es un bello ejemplo de su visión de la arquitectura veneciana.

Un legado compartido

La exposición culmina con dos obras clave: Regata en el Gran Canal junto al puente de Rialto (h. 1791) de Giacomo Guardi, hijo del artista, y Il Bucintoro (h. 1745-1750) de Canaletto, prestada por la Colección Thyssen-Bornemisza al Museu Nacional d’Art de Catalunya. Esta última obra sirvió de inspiración para Guardi en una de sus composiciones más emblemáticas.

Esta muestra representa una oportunidad única para admirar el genio de Francesco Guardi y su visión de Venecia en un contexto inigualable, el Museo Thyssen-Bornemisza, donde la tradición y la modernidad se encuentran en un diálogo continuo sobre el arte y la historia.

04/02/2025 0 comments
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ArteEventos

Narraciones gráficas: Mujeres y saberes rurales

by Uve Magazine 03/12/2024
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El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta un documental sobre la quinta edición de Narraciones gráficas: Mujeres y saberes rurales

– En colaboración con FADEMUR, el proyecto visibiliza los conocimientos populares transmitidos por generaciones de mujeres rurales.
– Inspirado en la exposición Lo oculto en las colecciones Thyssen-Bornemisza.
– Disponible en la web de EducaThyssen: www.educathyssen.org/mujeres-saberes.

Madrid, 27 de noviembre de 2024.
El área de Educación del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta un documental que documenta el trabajo desarrollado en la quinta edición de Narraciones gráficas, un proyecto educativo que conecta el arte con temas sociales y fomenta el pensamiento crítico. Esta edición, realizada en colaboración con la Federación de Asociaciones de Mujeres Rurales (FADEMUR), explora los saberes ocultos y la memoria de mujeres rurales, tomando como inspiración la exposición Lo oculto en las colecciones Thyssen-Bornemisza.

Desde su creación en 2019, Narraciones gráficas busca acercar el arte a diferentes colectivos, promoviendo el diálogo intergeneracional y la reflexión. Desde 2021, el proyecto trabaja con asociaciones de mujeres rurales, evolucionando hacia un enfoque dinámico y participativo.

En esta convocatoria, el equipo educativo del museo colaboró con la Asociación AURA FADEMUR en la comarca de Arlanza (Burgos), recolectando bailes, leyendas, recetas y tradiciones que reflejan el legado cultural femenino. Estas mujeres, custodias del patrimonio inmaterial, han sido fundamentales para preservar los valores y costumbres locales.

El proyecto culminó con la exposición Mujeres y saberes, celebrada entre el 15 de junio y el 15 de septiembre de 2023 en el Centro Cultural La Consolación de Villamayor de los Montes (Burgos). Dividida en tres secciones —Celebrar, Curar y Creer—, la muestra combinó obras del museo con tradiciones locales en formatos como fotografías, objetos y podcasts. Cerca de 500 personas participaron en la exposición, dinamizada por las propias mujeres de FADEMUR.

El documental, producido por Walden Audiovisual, recoge este proceso y ya puede verse en la web de EducaThyssen: www.educathyssen.org/mujeres-saberes.

03/12/2024 0 comments
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AgendaArteEventos

Peter Halley en el Thyssen

by Uve Magazine 16/10/2024
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El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza se prepara para acoger una importante retrospectiva dedicada al influyente artista contemporáneo Peter Halley, del 19 de octubre de 2024 al 19 de enero de 2025. Esta exposición, comisariada por Guillermo Solana, forma parte del programa de muestras en torno a la colección de Blanca y Borja Thyssen-Bornemisza y marca el regreso de Halley a España, donde no se le había dedicado una exposición de este calibre desde 1992, cuando el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía organizó una retrospectiva sobre su obra. La actual muestra abarca un extenso periodo, desde 1985 hasta 2024, y está compuesta por una selección de veinte pinturas pertenecientes a colecciones tanto públicas como privadas de España. Lo más destacado de esta exposición es que el propio Halley ha participado activamente en su curaduría, seleccionando las obras y diseñando el plan de instalación. Además, este proyecto ha sido organizado en colaboración con el Ajuntament de Palma y el Casal Solleric, donde la exposición viajará en primavera de 2025.

Peter Halley irrumpió en la escena artística en los años 80, aportando una visión crítica y profundamente sociológica a la tradición del arte abstracto-geométrico, hasta entonces dominada por ideales formalistas y utópicos. A través de su obra, Halley desafía las concepciones convencionales de la geometría como un símbolo de racionalidad ideal, reinterpretándola como un reflejo del confinamiento y el control social, impregnado de un trasfondo distópico. Sus representaciones del cuadrado, un elemento venerado casi religiosamente por artistas como Malévich y Josef Albers, adquieren un tono irónico en su obra, donde se transforman en iconos de prisiones, celdas y conductos. Esta visión crítica de la geometría se traduce en composiciones que evocan circuitos integrados y diagramas de flujo, anticipando así la sociedad hiperconectada y, a la vez, profundamente aislada de la era digital.

Un rasgo distintivo del trabajo de Halley es su uso audaz de colores fluorescentes, conocidos como Day-glo, que evocan la intensidad y la energía de las pantallas electrónicas. A través de esta paleta cromática, Halley se ha consolidado como uno de los coloristas más experimentales de su generación, aportando un enfoque novedoso a la relación entre el color, el espacio y el contexto social. Su capacidad para conjugar estos elementos lo convierte en una figura fundamental dentro del arte contemporáneo, y su influencia sigue siendo evidente en artistas y movimientos actuales.

A lo largo de su carrera, Halley ha mantenido su independencia artística, evitando el apoyo de grandes galerías comerciales y optando por colaboraciones a largo plazo con galeristas de confianza en distintos países. Esta exposición también resalta la fuerte conexión que el artista ha establecido con España, donde su obra ha sido bien recibida desde su primera aparición en 1986, cuando participó en la colectiva El arte y su doble: una perspectiva de Nueva York, organizada por la Fundación Caja de Pensiones en Madrid. Poco después, en 1992, el Museo Reina Sofía le dedicó una retrospectiva que ya había recorrido museos europeos como el Musée d’Art Contemporain de Burdeos y el Stedelijk Museum de Ámsterdam. Fue a partir de ese momento que Halley comenzó a exponer con regularidad en galerías españolas, como la Galería Senda en Barcelona y con el galerista Javier López en Madrid, consolidando su relación con el país.

Las pinturas de Halley se encuentran en importantes colecciones públicas y privadas españolas, incluyendo el Museo Reina Sofía, la Fundación “la Caixa” y el Institut Valencià d’Art Modern (IVAM), lo que subraya la relevancia de su obra en el panorama artístico español. Además, cuenta con una instalación permanente en la Biblioteca Pública José Hierro de Usera, en Madrid, inspirada en el cuento La biblioteca de Babel de Jorge Luis Borges, lo que muestra su interés por la intersección entre el arte y la literatura.

La exposición en el Thyssen-Bornemisza ofrece una visión completa de la trayectoria artística de Peter Halley, con veinte pinturas de gran formato que recorren su evolución estilística desde 1985 hasta la actualidad. Obras tempranas como Cárcel (1985) y Comercio de pieles (1994) reflejan un minimalismo monocromático, mientras que trabajos posteriores como Edutainment y Apagón (ambas de 2005), o Gravedad (2006), muestran una mayor complejidad en la repetición de formas, la superposición de planos y el uso de una paleta cromática más variada. En sus creaciones más recientes, Halley sigue profundizando en los temas que caracterizaron su obra temprana, pero con un enfoque renovado. Ejemplos de ello son Mágico a medias (2018), Clemencia (2019) y La nota alta (2020), donde multiplica las formas geométricas y suaviza su paleta de colores, creando composiciones de gran dinamismo y luminosidad.

La exposición de Peter Halley en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza no solo representa una oportunidad para apreciar la evolución de uno de los grandes maestros de la abstracción contemporánea, sino también para reflexionar sobre las conexiones entre el arte, la sociedad y la tecnología en el mundo actual.

16/10/2024 0 comments
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AgendaEventosMúsica

Momentos Alhambra | Tardes Thyssen 2024

by Uve Magazine 14/06/2024
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Del 21 de junio al 28 de septiembre de 2024, regresan los  conciertos a las Terrazas del Museo Thyssen con una nueva edición de #TardesThyssen, patrocinada por Cervezas Alhambra. Bajo el título “Desde las Lindes”, el ciclo de 2024 ofrecerá diez actuaciones musicales de artistas nacionales e internacionales, abarcando una amplia gama de géneros, desde folk y R&B hasta electrónica, flamenco, jazz y pop.

Los conciertos se llevarán a cabo los viernes y sábados de junio y septiembre a las 20h, y como en ediciones anteriores, la entrada es libre hasta completar aforo.

Diversidad Sonora en el Corazón del Arte

La programación de esta edición busca acercar al público propuestas con identidades sonoras diversas, presentando músicas tradicionalmente consideradas periféricas y que ahora se sitúan en el centro del escenario. Esta integración de música y arte se ve reflejada en la selección de diez obras de la exposición “La memoria colonial en las colecciones Thyssen-Bornemisza”, que estarán vinculadas a cada concierto.

Calendario de Actuaciones

21 de junio | Çantamarta x Joven con vestido japonés. El quimono

Çantamarta, un trío formado por dos músicos españoles y uno venezolano, ofrece un cruce de fronteras musicales con influencias del R&B, Neo-Soul, hip hop y house, enriquecido por elementos caribeños.

22 de junio | Calequi y las Panteras x Jinete árabe

Javier Calequi, junto a Lauri Revuelta y Luisa Corral, nos invita a un viaje sonoro por América, con ritmos y armonías latinas, folk y pop.

28 de junio | Queidem x Dos desnudos femeninos en un paisaje

Queidem, alquimista del transformismo pop, explora paisajes emocionales a través de instrumentaciones delicadas y viscerales.

29 de junio | Edu Requejo x El rastro perdido

El barcelonés Edu Requejo nos enfrenta al caos y la diversidad global con su mezcla de jazz, trap, pop y música antillana.

13 de septiembre | Yerai Cortés x Mujer en un diván

Yerai Cortés, destacado en el panorama flamenco nacional, expresa su arte con la guitarra española, combinando raíces gitanas y virtuosismo técnico.

14 de septiembre | Alex Conde Trio x Retrato de un hombre de la isla de Dominica

Este trío de jazz, compuesto por piano, contrabajo y batería, fusiona el flamenco con una técnica impecable y composiciones sorprendentes.

20 de septiembre | Los Sara Fontán x Franzi ante una silla tallada

El dúo Los Sara Fontán ofrece una poderosa mezcla de post rock, electrónica e improvisación, explorando el diálogo entre percusión y violín.

21 de septiembre | Marina Gallardo x La toilette

Marina Gallardo presenta una fusión de pop y folk-rock, con momentos de suavidad acústica y explosiones de guitarra eléctrica.

27 de septiembre | Skygaze x La cala

Skygaze apuesta por la experimentación compositiva con una fuerte presencia electrónica, abarcando hip hop, house, jazz, soul y funk.

28 de septiembre | Carly Gibert x Pesca en el estrecho de Long Island a la altura de New Rochelle

Carly Gibert, artista y cantautora, cautiva con su voz única y su capacidad para fusionar hip hop, R&B y funk en una experiencia multicultural y bilingüe.

14/06/2024 0 comments
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AgendaArteEventos

Celebración del 150 aniversario de Julio Romero de Torres en el Museo Thyssen-Bornemisza

by Uve Magazine 22/05/2024
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En el marco del 150 aniversario del nacimiento del destacado pintor cordobés Julio Romero de Torres, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza exhibe una de sus obras más emblemáticas: “La Chiquita Piconera”. Esta obra, realizada entre 1929 y 1930, poco antes de la muerte del artista, es considerada su testamento pictórico y estará disponible para el público del 6 de mayo al 28 de julio de 2024.

Un Homenaje al Maestro

La exhibición de “La Chiquita Piconera” ha sido posible gracias al préstamo del Museo Julio Romero de Torres de Córdoba y el apoyo del Ayuntamiento de Córdoba. La obra se presenta en la sala 45 del museo, dedicada a los realismos de entreguerras, donde comparte espacio con obras de artistas de renombre como Pablo Picasso, Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz y Balthus. Esta combinación de obras ofrece un contexto rico y profundo, permitiendo a los visitantes apreciar diferentes enfoques y estilos dentro de un mismo periodo histórico.

“La Chiquita Piconera” es una representación sublime del talento de Julio Romero de Torres. Con una técnica casi fotográfica, el pintor captura la esencia íntima de una humilde habitación. En el centro de la escena, una joven, la modelo María Teresa López, está sentada frente a un brasero de cobre, mirando de forma directa e intensa al espectador. Esta mirada penetrante conecta emocionalmente con quien la observa, invitándolo a reflexionar sobre la vida de la protagonista.

La atmósfera de la pintura se enriquece con una puerta entreabierta que permite vislumbrar el paisaje cordobés al anochecer. En el fondo se distinguen el Guadalquivir, el Puente Romano, el paseo de la Ribera y la Torre de la Calahorra, elementos que enmarcan la escena y aportan una capa adicional de profundidad y realismo.

Más Allá de la Denuncia Social

En el ocaso de su vida, Julio Romero de Torres regresó a temas que había explorado en su juventud, pero con una nueva profundidad y madurez. “La Chiquita Piconera” va más allá de la simple denuncia social, exponiendo la crudeza de la vida marginal de su protagonista en una imagen cargada de melancolía y sensualidad. La obra no solo destaca por su temática, sino también por su ejecución técnica y la capacidad del pintor para sintetizar su trayectoria vital y artística.

 

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Arte

El arte y la salud mental

by Valeria Cruz 18/05/2024
written by Valeria Cruz

La conexión entre el arte y la salud mental es un tema candente. El arte, en sus diversas formas, puede ser una fuente de consuelo, reflexión y sanación. A través de colores, formas y expresiones, nos permite conectar con nuestras emociones más profundas, ofreciendo una vía para la autocomprensión y el alivio emocional. Ahora, gracias a una innovadora investigación, se está explorando cómo esta conexión puede ser medida y entendida científicamente.

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Quirónsalud y la Universidad Rey Juan Carlos (URJC) han iniciado un estudio pionero para investigar cómo el arte puede influir en la salud de las personas. Este proyecto, denominado “Emociones a través del arte”, tiene como objetivo analizar las emociones predominantes que provocan más de 200 cuadros de las colecciones del Museo Thyssen-Bornemisza. Utilizando avanzadas técnicas de inteligencia artificial y análisis biométrico, este estudio busca identificar las emociones inconscientes que se generan al observar estas obras de arte.

La ciencia detrás del arte

El estudio combina varias técnicas innovadoras para captar y analizar las reacciones emocionales de los espectadores. Una cámara recoge las expresiones faciales y las codifica en emociones mediante un algoritmo. Además, se mide la respuesta psicogalvánica de la piel, es decir, las microgotas de sudor que se producen al experimentar una emoción, junto con el seguimiento ocular (eyetracking) para registrar los movimientos de los ojos mientras las personas observan las pinturas. Estos datos permitirán clasificar cada obra en una de las ocho emociones básicas, ofreciendo una comprensión detallada de cómo interactuamos con el arte.

Este enfoque multidisciplinario no solo enriquece el campo del arte y la salud mental, sino que también ofrece aplicaciones prácticas. Los resultados de esta investigación estarán disponibles en 2025 y se presentarán en un catálogo de clasificación de cuadros por emociones, en artículos científicos y en la web del museo. Además, se producirán piezas audiovisuales que mostrarán tanto el proceso de investigación como sus conclusiones, permitiendo al público explorar las obras de arte desde una perspectiva emocional.

Una colaboración transformadora

La doctora Cristina Caramés, directora asistencial y de investigación de Quirónsalud, destaca la importancia de esta colaboración: “Trabajamos cada día para construir juntos un futuro de salud y bienestar para las personas. Y lo hacemos desde la evidencia científica, colaborando en iniciativas que puedan ayudar a descubrir cómo el arte puede mejorar la salud.”

Fernando García Muiña, vicerrector de Investigación, Innovación y Transferencia de la URJC, añade: “Este proyecto representa una perfecta simbiosis entre ciencia, arte y tecnología. Nuestra concepción de universidad multidisciplinar abre un amplio abanico de futuras colaboraciones, que revierta en el bienestar de la sociedad.”

Por su parte, Evelio Acevedo, director gerente del Museo Thyssen-Bornemisza, expresa su entusiasmo por esta iniciativa: “El poder transformador del arte es innegable, y esta investigación nos permitirá profundizar en el impacto emocional que nuestras obras ejercen en el público. Esperamos que este proyecto inspire tanto a nivel social como personal.”

Un futuro saludable a través del arte

La relación entre arte y salud mental no es solo un tema de estudio académico; es una realidad palpable en la vida cotidiana de muchas personas. La capacidad del arte para evocar emociones y fomentar la reflexión personal puede ser una herramienta poderosa en el camino hacia la salud mental y el bienestar. Este estudio pionero no solo aportará nuevos conocimientos sobre cómo interactuamos con el arte, sino que también abrirá nuevas posibilidades para utilizar el arte como una herramienta terapéutica.

Así, mientras exploramos los colores y formas en las galerías del Museo Thyssen-Bornemisza, también estamos navegando por los paisajes emocionales de nuestras propias mentes, encontrando en cada pincelada una oportunidad para la sanación y el crecimiento personal. Con la ciencia y el arte trabajando juntos, el futuro de nuestra salud mental se ve cada vez más brillante y lleno de color.

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ArteEventos

Robert Nava

by Uve Magazine 14/05/2024
written by Uve Magazine

En un juego deliberado de colores y formas que desafían los cánones establecidos, Robert Nava irrumpe en el escenario artístico internacional con una exposición monográfica en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza. Bajo la cuidadosa curaduría de Guillermo Solana, la muestra presenta diecisiete obras de gran formato que son un testimonio vibrante de la singular voz de Nava en el panorama del arte contemporáneo. Entre estas destacan piezas como Volador con castillo a la espalda (2021) y Tormenta en el río Rojo (2023), ambas pertenecientes a la influyente colección de Blanca y Borja Thyssen-Bornemisza.

Sus lienzos están protagonizados por seres mitológicos zoomórficos que habitan espacios de tensión y violencia, construyendo escenas crípticas en las que no existe el relato, sino la mera acción; tiburones con las fauces abiertas, caimanes ensangrentados, dragones, ángeles alados y otros monstruos híbridos son algunas de las criaturas que caracterizan su iconografía. Las formas son esquemáticas y planas, sin sensación de profundidad, ejecutadas como habría hecho un niño antes de descubrir la perspectiva.

Los cuadernos de Robert Nava, en los que dibuja a modo de ejercicio para registrar ideas, son fundamentales para su proceso creativo. Muchos de estos apuntes pasan posteriormente al lienzo teniendo en cuenta la técnica y las proporciones adecuadas al nuevo soporte. Sus creaciones se trasladan a los grandes cuadros a través del aerosol, de acrílicos y de óleo en barra, materiales que le permiten trabajar con rapidez.

Las obras que forman parte de la exposición pertenecen a su producción más reciente, entre 2019 y 2024, periodo en el que su pintura se caracteriza por ser más pictórica, rica y vigorosa. Todas ellas atestiguan la energía característica del artista, reflejan su capacidad en cierto modo infantil para la fantasía y la creatividad e invitan al espectador a meditar sobre la pérdida de la inocencia y su recuperación.

FICHA DE LA EXPOSICIÓN

Título: Robert Nava

Organizador: Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.

Sede y fechas: Madrid, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, del 11 de mayo al 22 de septiembre de 2024  

Comisario: Guillermo Solana, director artístico del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.

Coordinadora: Paula Luengo, conservadora y responsable de exposiciones del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

14/05/2024 0 comments
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AgendaArteEventos

Noemi Iglesias Barrios: Love Me Fast

by Uve Magazine 31/01/2024
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El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta la fascinante exhibición “Love Me Fast” de Noemi Iglesias Barrios, la séptima entrega del programa Kora, comisariado por Rocío de la Villa, que anualmente ofrece una perspectiva de género en sus exposiciones. En esta ocasión, la atención se centra en la obra de Noemi Iglesias Barrios, nacida en Langreo en 1987. La exposición presenta alrededor de veinte piezas que establecen un diálogo con obras seleccionadas de las colecciones del museo, utilizando una amplia gama de medios artísticos, como bronce, cristal, vídeo, fotografía y, sobre todo, porcelana.

Love Me Fast, 2023

“Love Me Fast” es la reflexión de la artista asturiana sobre el amor romántico en la era de las redes sociales, donde se idealiza el amor en un contexto de consumismo y se enfrenta a las relaciones tóxicas que a menudo surgen. El resultado es una serie de obras de gran belleza que desafían la distinción entre arte y artesanía en la historia del arte, y en el arte contemporáneo del siglo XXI. Noemi Iglesias es una de las artistas contemporáneas que han devuelto la cerámica y la porcelana al centro del mundo artístico, participando en ferias, bienales y exposiciones en museos. Su profundo interés por esta antigua técnica la llevó a realizar numerosas residencias en centros de estudio en diversos países, desde Grecia, el Reino Unido y Hungría hasta China, Corea y Taiwán, alcanzando un alto grado de maestría en su ejecución. La dedicación y paciencia requeridas para dominar la porcelana parecen actuar como un contrapunto al “amor rápido” que la artista analiza y critica sin rodeos en su obra.

La exposición comienza en la sala 45 de la colección permanente, donde la artista ha dejado una nota titulada “Last Time Lover” junto a la emblemática “Habitación de hotel” de Edward Hopper, presumiblemente la que su protagonista estaría leyendo y cuyo texto fue generado por un software de inteligencia artificial. De esta manera, Iglesias nos sumerge en el mundo de las relaciones amorosas contemporáneas, cada vez más mercantilizadas y mediadas por aplicaciones que alejan el concepto del amor romántico tradicional para convertirlo en una experiencia virtual y engañosa. Basándose en sus propias vivencias, marcadas por diversos estados amorosos intercalados con períodos de aislamiento idiomático y cultural durante sus residencias en el extranjero, Noemi Iglesias aborda sus heridas personales con un toque de humor y sarcasmo.

Everlasting, 2019

A medida que avanzamos en la exposición, entramos en las salas dedicadas a la exhibición en sí. En el primer espacio, la obra “El rapto de Europa” de Simon Vouet (circa 1640) y las dos versiones rococó de “El columpio” a cargo de Fragonard (circa 1750-1752) y Lancret (circa 1735-1740) se enfrentan a tres exquisitos ramos de flores de porcelana y a “El mito de Europa” (2023), una impresionante guirnalda adornada con una variedad de flores azules, destacando algunos pétalos amarillos en referencia a la bandera de la Comunidad Europea. El siglo XVIII marcó el inicio de la fabricación de porcelana en Europa, un producto de lujo que anteriormente se importaba de China.

Sede y fechas: Madrid, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, del 29 de enero al 28 de abril de 2024. Salas de exposiciones de la primera planta (53 a 56) y sala 45 de la colección permanente.

Nº de obras: 25 obras de Noemi Iglesias Barrios y 10 de las colecciones del museo

Comisaria: Rocío de la Villa

Coordinadora: Laura Andrada, Área de Conservación del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Catálogo con textos de Noemi Iglesias Barrios, Rocío de la Villa y Guillermo Solana, director artístico del museo.

Actividad complementaria: conversación entre Noemi Iglesias y Rocío de la Villa el 14 de febrero, día de los enamorados, a las 17.30 h. Salón de actos, acceso libre hasta completar aforo.

31/01/2024 0 comments
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