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Surrealismos. La era de la máquina

by Uve Magazine
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La fundación canal Isabel II acoge Surrealismos: La era de la máquina, ofrece un viaje íntimo a través de la intersección entre el arte y la tecnología en el siglo pasado. A través de obras cuidadosamente seleccionadas, la exposición nos invita a reflexionar sobre el impacto duradero que la máquina ha tenido en nuestra percepción del mundo y en la evolución del arte moderno.

Marcel Duchamp. Rotoreliefs (Relieves de rotor). Discos ópticos. Concebidos en 1935. Ejemplar de 1965. 6 discos impresos en doble carasobre un eje giratorio para discos inserto en una caja de madera recubierta de terciopelo negro. Colección Marion Meyer. Association Internationale Man Ray, París. © Man Ray 2015 Trust / VEGAP, 2024

En medio de los cambios sociales y culturales desencadenados por la Gran Guerra, surgieron movimientos artísticos como el dadaísmo, desafiando las normas establecidas y buscando nuevas formas de expresión en una sociedad impulsada por la ciencia y la tecnología. Los dadaístas, con su enfoque disruptivo, crearon obras que reflejaban la agitación de la época, utilizando elementos de maquinaria y materiales industriales en sus collages abstractos.

La figura de Alfred Stieglitz, cuya visión transformó la fotografía en un medio artístico reconocido, también ocupa un lugar destacado en la exposición. Su trabajo pionero con el grupo Photo-Secession y la revista Camera Work sentaron las bases del arte estadounidense moderno, introduciendo la vanguardia en Estados Unidos.

Pero es la obra de artistas rebeldes como Marcel Duchamp, Francis Picabia y Man Ray la que da forma al movimiento Dadá en la vibrante escena artística de Nueva York. Aquí, el objeto industrial seriado hizo su primera aparición en la historia del arte, dejando una marca indeleble en la evolución del surrealismo.

Más tarde, Salvador Dalí expandiría aún más los límites del surrealismo, introduciendo el concepto del arte como máquina del pensamiento. La comisaria de la exposición, Pilar Parcerisas, nos guía a través de este fascinante viaje, destacando cómo el surrealismo revela el cuerpo como una máquina que elabora sueños y deseos.

La exposición alberga una amplia variedad de obras, que van desde fotografías hasta pinturas, esculturas y objetos ready-made. Cada pieza es un testimonio de la explosión creativa que caracterizó el inicio del siglo XX y sigue siendo una fuente de inspiración en la historia del arte.

Francis Picabia. Revista 291, núm. 5-6. En portada: retrato de Alfred Stieglitz por Francis Picabia. Julio y agosto 1915. Comitè Picabia, París. © Francis Picabia, VEGAP, Madrid, 2024

DATOS DE LA EXPOSICIÓN
Surrealismos. La era de la máquina
Del 7 de febrero al 21 de abril de 2024
Fundación Canal Isabel II
Sala Mateo Inurria 2 – Madrid

Comisaria: Pilar Parcerisas
Entrada libre y gratuita
Horario: Laborables y festivos: 11 a 20 h, excepto los miércoles: 11 a 15 h.
Excepcionalmente, el miércoles 7 de febrero la exposición permanecerá abierta hasta las 20:30 h.

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Noemi Iglesias Barrios: Love Me Fast

by Uve Magazine
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El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta la fascinante exhibición “Love Me Fast” de Noemi Iglesias Barrios, la séptima entrega del programa Kora, comisariado por Rocío de la Villa, que anualmente ofrece una perspectiva de género en sus exposiciones. En esta ocasión, la atención se centra en la obra de Noemi Iglesias Barrios, nacida en Langreo en 1987. La exposición presenta alrededor de veinte piezas que establecen un diálogo con obras seleccionadas de las colecciones del museo, utilizando una amplia gama de medios artísticos, como bronce, cristal, vídeo, fotografía y, sobre todo, porcelana.

Love Me Fast, 2023

“Love Me Fast” es la reflexión de la artista asturiana sobre el amor romántico en la era de las redes sociales, donde se idealiza el amor en un contexto de consumismo y se enfrenta a las relaciones tóxicas que a menudo surgen. El resultado es una serie de obras de gran belleza que desafían la distinción entre arte y artesanía en la historia del arte, y en el arte contemporáneo del siglo XXI. Noemi Iglesias es una de las artistas contemporáneas que han devuelto la cerámica y la porcelana al centro del mundo artístico, participando en ferias, bienales y exposiciones en museos. Su profundo interés por esta antigua técnica la llevó a realizar numerosas residencias en centros de estudio en diversos países, desde Grecia, el Reino Unido y Hungría hasta China, Corea y Taiwán, alcanzando un alto grado de maestría en su ejecución. La dedicación y paciencia requeridas para dominar la porcelana parecen actuar como un contrapunto al “amor rápido” que la artista analiza y critica sin rodeos en su obra.

La exposición comienza en la sala 45 de la colección permanente, donde la artista ha dejado una nota titulada “Last Time Lover” junto a la emblemática “Habitación de hotel” de Edward Hopper, presumiblemente la que su protagonista estaría leyendo y cuyo texto fue generado por un software de inteligencia artificial. De esta manera, Iglesias nos sumerge en el mundo de las relaciones amorosas contemporáneas, cada vez más mercantilizadas y mediadas por aplicaciones que alejan el concepto del amor romántico tradicional para convertirlo en una experiencia virtual y engañosa. Basándose en sus propias vivencias, marcadas por diversos estados amorosos intercalados con períodos de aislamiento idiomático y cultural durante sus residencias en el extranjero, Noemi Iglesias aborda sus heridas personales con un toque de humor y sarcasmo.

Everlasting, 2019

A medida que avanzamos en la exposición, entramos en las salas dedicadas a la exhibición en sí. En el primer espacio, la obra “El rapto de Europa” de Simon Vouet (circa 1640) y las dos versiones rococó de “El columpio” a cargo de Fragonard (circa 1750-1752) y Lancret (circa 1735-1740) se enfrentan a tres exquisitos ramos de flores de porcelana y a “El mito de Europa” (2023), una impresionante guirnalda adornada con una variedad de flores azules, destacando algunos pétalos amarillos en referencia a la bandera de la Comunidad Europea. El siglo XVIII marcó el inicio de la fabricación de porcelana en Europa, un producto de lujo que anteriormente se importaba de China.

Sede y fechas: Madrid, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, del 29 de enero al 28 de abril de 2024. Salas de exposiciones de la primera planta (53 a 56) y sala 45 de la colección permanente.

Nº de obras: 25 obras de Noemi Iglesias Barrios y 10 de las colecciones del museo

Comisaria: Rocío de la Villa

Coordinadora: Laura Andrada, Área de Conservación del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Catálogo con textos de Noemi Iglesias Barrios, Rocío de la Villa y Guillermo Solana, director artístico del museo.

Actividad complementaria: conversación entre Noemi Iglesias y Rocío de la Villa el 14 de febrero, día de los enamorados, a las 17.30 h. Salón de actos, acceso libre hasta completar aforo.

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ArteLiteratura

Marie Bashkirtseff, la pintora que le ganó al olvido

by Diana Nastasescu
written by Diana Nastasescu

Marie Bashkirtseff (1858-1884) vivió su corta vida entre Rusia y Francia durante la segunda mitad del siglo XIX. Murió en 1884, a la temprana edad de veinticinco años, de tuberculosis. Hija de una familia noble, recibió una educación exquisita de manos de diferentes tutores mientras viajaba por Europa. Tenía pleno dominio de siete idiomas, dos de los cuales clásicos; le gustaba cantar y tocaba siete instrumentos. La ópera parecía su vocación en la vida, pero con dieciséis años comenzó a perder su voz y oído, por lo que abandonó la música para centrar sus esfuerzos en la pintura. En París ingresó en una de las pocas escuelas de arte que aceptaban en sus aulas a las mujeres, la Académie Julien, donde coincidió con Catherine Breslau y centró sus obras en el lado más desfavorecido de la sociedad.

Comenzó a escribir su diario con solamente doce años y lo hizo hasta días antes de su fallecimiento. Escribió sin pensar en ser leída, aunque pretendiendo ser leída, y por ello lo hizo con una sinceridad que desarma. Marie escribe su vida para ser descubierta una vez ya no tenga edad y, en su cometido, se compara con Edmond de Goncourt y Guy de Maupassant –con quienes mantuvo correspondencia. Se rebelaba así a la amenaza constante de la muerte:  «¿Morir? Sería absurdo. Y, sin embargo, me parece que voy a morir. No puedo vivir. No soy un ser normal». En el prólogo que escribió poco antes de fallecer, Marie expresó su temor al olvido. Que una vida tan llena de ambición acabe en la nada la espantaba y, tanto su obra artística como su diario, eran las armas con las que pretendía combatirlo: «¡Vivir, tener tanta ambición, sufrir, combatir y, por último, el olvido! El olvido… Como si no hubiese existido nunca».

Marie Bashkirtseff

Su diario tiene el carácter de un documento histórico sobre la vida de las mujeres nobles en el siglo XIX y sobre la enfermedad. La misma autora, un año antes de su fallecimiento y desconocedora si antes de abandonar la vida habría llegado a ser ilustre o no –aunque afirmó, de forma categórica, que los únicos caminos válidos serían la celebridad o la muerte–, sostiene que el interés del diario también radica en la descripción de la cotidianidad, de la vida privada, ya que «siempre es curiosa la vida de una mujer día a día, sin afectación, como si nadie en el mundo hubiera de leerlo nunca». Asimismo, en el decurso del diario podemos observar la evolución de la joven, quien comienza despreciando a aquellas mujeres que profanan el matrimonio por dejarse ver por sus maridos con los rizadores puestos, y acaba declamando contra la desigualdad social y pidiendo la misma libertad de ir y venir de los hombres, sin la cual consideraba que nadie podía llegar a ser un gran artista: «¡Oh, cuánto me desespera ser mujer!».

Las molestias de los hombres les proporcionan honores, gloria y popularidad, en tanto que las de las mujeres no proporcionan nada. (…) ¡Las mujeres no serán nunca más que mujeres! Y, sin embargo… Si se las educase de la misma manera que a los hombres, la desigualdad que deploro quedaría anulada, y solo quedaría la que es inherente a la naturaleza misma.

Es inquietante adentrarse en la lectura del diario de Marie, porque existió, fue una persona real que mantuvo un registro de sus experiencias día a día. Y, aunque el género es marcado por la subjetividad y la autorrepresentación, con el paso de los días la imagen de la autora se escapa a su propio control. Marie es una joven egoísta, arrogante, materialista y superficial. Una todavía niña de catorce años que piensa que sabe lo que es el amor cuando queda prendada del duque de Hamilton sin siquiera haber hablado con él, y al que espera conquistar deslumbrándolo a través de su triunfo en el escenario. Una historia de amor que, por otro lado, recuerda a las novelas románticas de Jane Austen por las reflexiones de la joven: «cuando no se habla a nadie de la persona a quien se ama, ese amor es más intenso; en tanto que si se habla de ella constantemente (…) el amor se torna menos intenso. El amor es como un frasco de esencia: si permanece tapado, el olor es fuerte, mientras que, si queda abierto, se evapora». Pero también es una mujer ambiciosa e inteligente, con mucho talento para las artes.

La Marie de su Diario no es un simple personaje ni se reduce a estos rasgos, sino que es una persona tan viva que parece hablarnos a través de sus páginas. La autorreflexión de Marie intensifica la sensación de realidad, pues la autora revisa las entradas anteriores y parece prever su futuro –se pregunta: «¿Llegaré a morir de repente, presa de alguna enfermedad?»–, un futuro trágico que las lectoras ya conocemos. Marie fue una una feminista avant la lettre: una mujer que amó, que soñó con la gloria y legó más de cuarenta cuadros a museos de todo el mundo, que sufrió la degradación de su cuerpo, que se quejó de las normas del decoro que limitaban las vidas de las mujeres y que le ganó al olvido gracias a su diario.

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ArteLiteraturaPensamientoSin categoría

¿De quién son las ideas?

by Emain Juliana
written by Emain Juliana

Recientemente, una buena amiga compartió conmigo un caso flagrante de robo de ideas, una experiencia que, lamentablemente, no es ajena para muchos de nosotros. En ocasiones, hemos visto cómo personas de confianza se apropian de nuestras ideas o proyectos de una manera tan detallada que reconocemos nuestra visión y creatividad reflejadas en ellos. Esta situación no solo despierta sentimientos de indignación y tristeza, sino que también plantea cuestiones profundas sobre la propiedad intelectual y la ética en el mundo actual.

Este es un tema complejo que trasciende las esferas personales. Muchas veces, al plantear la pregunta ¿De quién son las ideas? nos encontramos con una respuesta sorprendente y, en ocasiones, preocupante: Las ideas no son de nadie. Esta afirmación, aparentemente simple, esconde una serie de matices y debates éticos que vale la pena explorar.

En un mundo cada vez más interconectado y orientado hacia la innovación, las ideas son el motor del progreso. Desde avances tecnológicos hasta creaciones artísticas y proyectos empresariales, las ideas impulsan el cambio y la evolución. Sin embargo, la falta de reconocimiento y protección de la propiedad intelectual puede tener efectos negativos tanto a nivel individual como en la sociedad en su conjunto.

Uno de los aspectos más problemáticos es que a menudo ocurre entre personas de confianza. Cuando confiamos en alguien para compartir nuestras visiones y proyectos, esperamos que esa confianza se respete. El hecho de que alguien cercano pueda apropiarse de nuestras ideas plantea interrogantes sobre la integridad y la ética en las relaciones interpersonales y sobre nosotros mismos, pero también debemos preguntarnos si la falta de un reconocimiento adecuado de la autoría puede inhibir la creatividad y la innovación. Si las personas sienten que sus ideas pueden ser tomadas sin permiso o crédito, pueden volverse mas reticentes a compartir sus pensamientos e inquietudes. Esto limita el potencial de la sociedad para generar soluciones innovadoras a los desafíos que enfrentamos.

Pero ¿Cuál es el perfil del ladrón de ideas? No existe, solo comparten la característica de apropiarse indebidamente de las creaciones de otros. Esto incluye a oportunistas sin ética que buscan beneficio personal, competidores desleales que intentan ganar ventaja en el mercado, imitadores sin creatividad, personas desesperadas por avanzar en sus carreras o proyectos, individuos con falta de conciencia ética, aquellos con acceso privilegiado que abusan de su posición, y personas con baja autoestima que buscan demostrar su valía a través del trabajo ajeno. 

Vamos a retrotraernos al pasado, donde la propiedad intelectual y la atribución eran conceptos menos definidos y regulados que en la actualidad. Esto dio lugar a situaciones en las que las contribuciones individuales eran minimizadas o directamente robadas sin consecuencias significativas.

Aquí tenemos algunos de los robos mas conocidos de la historia.

Hipatia de Alejandría, una matemática y filósofa del siglo IV, es un ejemplo destacado. A pesar de sus contribuciones significativas a la astronomía y las matemáticas, sus ideas fueron eclipsadas por sus contemporáneos masculinos. Su caso no es único; a lo largo de los siglos, muchas mujeres científicas, literarias y artísticas enfrentaron desafíos similares.

Thomas Edison vs. Nikola Tesla: Esta es una de las rivalidades más famosas en la historia de la ciencia y la tecnología. Edison, conocido por su trabajo de la invención de la bombilla eléctrica, se ha visto acusado de robar ideas y conceptos de Nikola Tesla, un inventor e ingeniero eléctrico que contribuyó significativamente al desarrollo de sistemas de corriente alterna y otras tecnologías eléctricas.

Alexander Graham Bell vs. Elisha Gray: La invención del teléfono fue objeto de una disputa entre Alexander Graham Bell y Elisha Gray. Ambos presentaron patentes para el teléfono el mismo día en 1876, lo que llevó a un prolongado conflicto legal. Bell finalmente recibió la patente, pero la contribución de Gray en el desarrollo del teléfono es ampliamente reconocida.

James Macpherson: El poeta escocés fue acusado de plagiar obras del poeta épico galés Ossian, afirmando haber traducido los poemas del gaélico escocés. Sin embargo, se ha debatido la autenticidad de estas traducciones y se ha sugerido que los había inventado él mismo.

Émilie du Châtelet: Científica y matemática francesa del siglo XVIII, realizó importantes contribuciones al campo de la física, incluyendo una traducción y comentario de las obras de Isaac Newton. A pesar de sus logros, su trabajo fue eclipsado por el renombre de Newton.

Pero en la actualidad seguimos teniendo casos de apropiación, robo de ideas o plagio.

Ruth Wakefield: Creadora de las famosas galletas con chispas de chocolate. Sin embargo, durante años, la receta de estas galletas fue utilizada por la empresa Nestlé sin darle crédito, lo que llevó a un acuerdo legal en el que finalmente se reconoció su autoría.

Quentin Rowan, bajo el seudónimo de “Q.R. Markham”, publicó la novela Assassin of Secrets, que resultó ser un plagio masivo de varias novelas de espías, copiando párrafos enteros de autores como Robert Ludlum y Charles McCarry.

Steve Jobs y Apple vs. Xerox: A finales de la década de 1970, Xerox desarrolló una interfaz gráfica de usuario (GUI) que fue un precursor importante de la computación moderna. Steve Jobs y Apple se inspiraron en esta tecnología para crear la Macintosh, pero algunos argumentan que esto se hizo sin el debido reconocimiento a Xerox.

Bueno, querido lector, espero que si te has visto en esta situación recuerdes que es importante intentar aprender de la experiencia y toma medidas para proteger tus futuras ideas y proyectos. Esto puede incluir acuerdos de confidencialidad, contratos sólidos y un mayor cuidado al compartir tus conceptos, y ante todo, no permitas que te impida seguir siendo creativo y persiguiendo nuevas oportunidades. A veces, las mejores ideas surgen como respuesta a este tipo de desafíos.

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Arte

La fotografía espiritual. Capturando lo invisible

by Emain Juliana
written by Emain Juliana

La historia de la fotografía espiritual abarca más de un siglo y ha supuesto una profunda influencia en el ámbito de la creencia en lo paranormal. Desde sus orígenes en el siglo XIX, se ha vinculado estrechamente con la noción de que las cámaras poseen la capacidad de capturar no solamente la apariencia física de las personas, sino también la esencia de sus almas y la presencia de los fallecidos.

.La idea de que una imagen pudiera capturar no solo la apariencia física de una persona, sino también su alma, era poderosa. Esto llevó al surgimiento de la fotografía post-mortem, una práctica que implicaba tomar retratos de personas fallecidas. Estos retratos eran a menudo la última imagen de un ser querido antes de partir y se creía que preservaban el alma del difunto.

Además de los retratos post-mortem, la fotografía espiritual también estuvo influenciada por el movimiento espiritista que ganó popularidad en ese momento.

El espiritismo, afirmaba que los seres humanos podían comunicarse con los espíritus de los difuntos a través de las médiums durante las sesiones espiritistas. La fotografía espiritual se convirtió en una herramienta importante para respaldar y validar estas creencias. Durante las sesiones, médiums y fotógrafos colaboraron para intentar capturar imágenes de espíritus. Estas imágenes se consideraron pruebas de contacto con el más allá.

Uno de los pioneros de la fotografía espiritual fue William H. Mumler, quien afirmaba poder capturar imágenes de espíritus en sus fotografías. Su notoriedad creció cuando él mismo apareció en una de sus propias imágenes junto a lo que afirmaba ser el espíritu de una prima fallecida. A pesar de ser acusado de fraude, Mumler fue absuelto, pero su trabajo sigue siendo objeto de controversia.

Fotografía espiritual fue William H. Mumler, Mary Todd Lincoln con el fantasma de su marido, Abraham Lincoln

La era de la Fotografía Espiritual en el siglo XX

A medida que avanzaba el siglo XX, la fotografía espiritual continuó evolucionando. Surgieron nuevas técnicas y enfoques para capturar lo espiritual en una imagen. La fotografía de auras se volvió popular, Semyon Kirlian afirmaba poder capturar la energía espiritual que rodea a las personas sin cámaras ni película fotográfica mediante una placa de descargas, un campo eléctrico y una fuente de alto voltaje. Aunque estos conceptos eran ampliamente debatidos ya menudo se consideraban pseudociencia, demostraron la continua fascinación de la sociedad por la conexión entre la fotografía y la espiritualidad.

En la misma línea, la fotografía de fantasmas y fenómenos paranormales se volvió cada vez más popular. Las imágenes de supuestos fantasmas y actividad paranormal se difundieron ampliamente, y algunos afirmaron que estas imágenes proporcionaron pruebas sólidas de la existencia de lo sobrenatural. Sin embargo, muchas de estas imágenes también fueron objeto de escrutinio y escepticismo.

Acusaciones de fraude y controversia

En el transcurso de la historia de la fotografía espiritual, ha habido numerosas acusaciones de fraude. Muchas de las imágenes de espíritus y fenómenos paranormales se han revelado como trucos fotográficos o manipulaciones. Los fotógrafos espirituales y los médiums han sido objeto de escrutinio y escepticismo por parte de investigadores y críticos que cuestionan la autenticidad de sus afirmaciones.

William Hope (1863-1933) se convirtió en una figura prominente en el mundo de la fotografía espiritista en la primera mitad del siglo XX y fundó el Crewe Circle, un grupo de personas interesadas en la comunicación con los espíritus a través de la fotografía.

William Hope tomó numerosas fotografías que, según él, mostraban evidencia de la existencia de espíritus. Estas imágenes incluían retratos de personas vivas junto a lo que afirmaba ser la aparición de seres queridos fallecidos. Hope argumentaba que sus fotografías eran pruebas concretas de la comunicación con el más allá y que no podían explicarse mediante trucos fotográficos o manipulaciones.

Sin embargo, las actividades de William Hope y su trabajo fueron objeto de controversia y escepticismo desde el principio. Muchos críticos y expertos en fotografía argumentaron que las imágenes de Hope eran el resultado de técnicas de doble exposición y manipulación de negativos. En particular, se creía que Hope utilizaba negativos preparados previamente con imágenes de espíritus y luego los combinaba con retratos de las personas vivas para crear la ilusión de una aparición espiritual en la fotografía.

Poco a poco crecía la sospecha sobre la autenticidad de su trabajo y en 1922, la Sociedad de Investigación Psíquica llevó a cabo una investigación en la que concluyó que las fotografías de William Hope eran el resultado de fraudes deliberados.

Eva Carrière fue una famosa médium francesa que se asoció con el investigador y fotógrafo espiritual Albert von Schrenck-Notzing. Juntos realizaron sesiones fotográficas en las que afirmaban capturar de espíritus en forma de ectoplasma. Estas imágenes han sido ampliamente criticadas y consideradas fraudulentas, ya que se cree que se trataba de trucos y engaños.

Ted Serios (1918-2006): Aunque no era un fotógrafo en el sentido tradicional, Ted Serios afirmaba tener la capacidad de proyectar imágenes desde su mente a través de una cámara, un fenómeno conocido como “fotografía mental”. Sus supuestas habilidades fueron objeto de investigaciones científicas, pero también suscitó controversias y escepticismo.

Fotografía espiritual de William Hope

A lo largo de la historia, la fotografía espiritual ha sido una fascinación constante y una forma de explorar la conexión entre lo físico y lo espiritual. Si bien muchas de las prácticas y técnicas asociadas con esta forma de fotografía han sido objeto de escepticismo y debate, su impacto en la cultura y la espiritualidad no puede negarse. La persistente fascinación por la conexión entre la fotografía y la espiritualidad nos recuerda la profunda influencia que esta forma de arte tiene en nuestras vidas.

A medida que avanzamos en la era digital, la fotografía continúa siendo una herramienta poderosa para capturar no solo la apariencia exterior de las personas, sino también su alma interior, explorando preguntas eternas sobre la esencia humana y nuestra relación con lo desconocido.

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Arte

Picasso, lo sagrado y lo profano

by Uve Magazine
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Del 4 de octubre de 2023 al 14 de enero de 2024, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta “Picasso, lo sagrado y lo profano”, última exposición vinculada a la Celebración Picasso 1973/2023, bajo la comisaría de Paloma Alarcó. Ubicada en las salas 53 a 55, esta muestra explora la audaz y aproximación original de Picasso hacia el arte clásico y temas de tradición judeocristiana, demostrando su habilidad para integrar y reflexionar sobre el arte previo y la esencia de la pintura. Picasso fusionó lo divino con lo humano, intuyendo una dimensión sagrada en las expresiones artísticas desde tiempos ancestrales, ofreciendo interpretaciones innovadoras del arte pasado y claves para el mundo contemporáneo.

El arte para Picasso fue una herramienta para enfrentar temores y desafíos humanos. Se veía a sí mismo como un chamán, capaz de transformar el mundo visible, sirviendo como puente entre culturas, arte y espectadores, desdibujando límites entre lo sagrado y profano.

La exposición cuenta con 38 obras, 22 de Picasso. A las piezas del Thyssen, se suman préstamos del Musée national Picasso-Paris y otros coleccionistas, incluyendo obras de El Greco, Rubens, y más. La muestra abarca tres décadas del artista, estableciendo diálogos sobre su interpretación personal de temas tradicionales europeos y españoles. Destacan su fusión de mitos y rituales paganos con cristianos, abordando temáticas universales como vida, muerte y violencia. La exposición se divide en tres temáticas: “Iconofagia”, que aborda su apropiación del pasado artístico; “Laberinto personal”, centrado en la reinterpretación de mitos clásicos, y “Ritos sagrados y profanos”, explorando su relación con rituales y alegorías cristianas.

FICHA DE LA EXPOSICIÓN

Título: Picasso, lo sagrado y lo profano

Organizador: Museo Nacional Thyssen-Bornemisza con el apoyo de la Comisión Nacional para la Conmemoración del 50 aniversario de la muerte de Pablo Picasso y el excepcional apoyo del Musée national Picasso-Paris

Patrocinio Celebración Picasso 1973/2023: Telefónica/ACE

Sede y fechas: Madrid, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, del 4 de octubre de 2023 al 14 de enero de 2024

Comisaria: Paloma Alarcó, jefe de conservación de Pintura Moderna del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Número de obras: 38

Publicaciones: Catálogo con texto de Paloma Alarcó

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Exposiciones. Maestras

by Uve Magazine
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El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta la exposición Maestras, comisariada por Rocío de la Villa, que ofrece un recorrido por las contribuciones artísticas de creadoras desde finales del siglo XVI hasta las primeras décadas del siglo XX. La exposición consta de más de un centenar de piezas, incluyendo pinturas, esculturas, obras sobre papel y textiles, y está enmarcada en una perspectiva feminista.

Judit y su criada, 1618-1619

La muestra se estructura en ocho secciones que exploran diferentes aspectos de la contribución de las mujeres al mundo del arte:

  1. Sororidad I. La causa delle donne: Esta sección aborda el debate en Europa sobre la capacidad intelectual y los derechos de las mujeres desde finales del siglo XIV hasta la Revolución francesa. Destaca la obra de artistas del norte de Italia que narran la historia de figuras femeninas fuertes.

  2. Botánicas, conocedoras de maravillas: Explora el papel de las artistas en el género de la naturaleza muerta y el bodegón con insectos, destacando su capacidad de observación y conocimientos científicos.

  3. Ilustradas y académicas: En la época de la Ilustración en Francia, las mujeres artistas participaron activamente en la escena cultural y artística, centrándose en géneros como el retrato y la pintura de género.

  4. Colonialismo/ Orientalismo/ Costumbrismo: Examina la influencia del colonialismo en el arte y cómo las artistas aportaron perspectivas diferentes y más dignas a la representación de otras culturas.

  5. Trabajos, cuidados: Muestra la representación de mujeres trabajadoras en diferentes oficios y profesiones, destacando la interacción entre ellas en sus obras.

  6. Nuevas maternidades: Aborda la representación de la maternidad desde la perspectiva de las propias mujeres, alejándose del discurso patriarcal del “ángel del hogar”.

  7. Sororidad II. Complicidades: Explora la representación de la amistad entre mujeres en situaciones de complicidad y momentos compartidos.

  8. Emancipadas: Examina la contribución de las artistas a los movimientos vanguardistas entre 1900 y 1937, resaltando su independencia y creatividad.

La exposición destaca el papel de estas mujeres artistas, algunas de las cuales fueron reconocidas en su tiempo pero luego borradas de la historia del arte. Además, se enfoca en la sororidad y la colaboración entre artistas, mecenas y galeristas que compartieron valores y condiciones socioculturales favorables a pesar del sistema patriarcal. Esta muestra es parte de la redefinición feminista en curso en el Museo Thyssen y cuenta con el patrocinio de Carolina Herrera.

Tras su presentación en Madrid, una versión reducida de la exposición estará disponible en el Arp Museum Bahnhof Rolandseck de Remagen, Alemania. Maestras resalta la importancia de reconocer y celebrar la contribución de las mujeres al mundo del arte a lo largo de la historia.

Sedes y fechas: Madrid (España), Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, del 31 de octubre de 2023 al 4 de febrero de 2024; Remagen (Alemania), Arp Museum Bahnhof Rolandseck, del 25 de febrero al 16 de junio de 2024.

Dirección: Paseo del Prado, 8. 28014, Madrid. Salas de exposiciones temporales, planta baja.

Horario: De martes a domingo, de 10 a 19 horas; sábados, de 10 a 21 horas. Lunes cerrado.  

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La primera colección de NFTs

by Emain Juliana
written by Emain Juliana

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y Olyverse, una plataforma vanguardista de entretenimiento que une a aficionados y celebridades en un metaverso de experiencias inmersivas y arte en forma de NFT exclusivos, han anunciado un acuerdo sin precedentes en Madrid el 19 de julio de 2023. Esta colaboración pionera fusiona el mundo del arte tradicional con tecnologías disruptivas, marcando un hito en la evolución artística.

 

Imagen proporcionada por El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

El acuerdo propicia el lanzamiento de una experiencia inmersiva sin igual en el museo, donde los visitantes no solo podrán disfrutar de la muestra digital “Les Vessenots en Auvers” de Van Gogh, sino también sumergirse en el metaverso para explorar una experiencia artística sin igual. El Museo Thyssen-Bornemisza se convierte así en precursor en España al integrar tecnología blockchain y arte, democratizando el acceso a nuevos formatos y abriendo las puertas hacia el futuro junto a Olyverse. Esta alianza revoluciona la presentación artística al público, fusionando lo tradicional con lo digital de manera inédita.

Este emocionante proyecto permite a cien coleccionistas poseer una obra certificada de Van Gogh, con cada una de las cien piezas de “Les Vessenots en Auvers”, para experimentarla de un modo completamente renovado. Estos activos digitales están disponibles en la plataforma de Olyverse, respaldados por blockchain para garantizar la autenticidad y unicidad de cada pieza, certificados directamente por el museo. La oferta se extenderá a otros mercados, como el NFT Marketplace de Telefónica.

La rueda de prensa de presentación contó con la aclamada actriz Cayetana Guillén Cuervo y figuras clave como Carlos Grenoir, CEO de Olyverse, Evelio Acevedo, director gerente del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, y Guillermo Solana, director artístico del museo. Según Grenoir, esta colaboración emocionante fusiona arte tradicional y digital de forma espectacular, acercando así el arte al mundo 3.0 digital.

Acevedo, por su parte, expresó el entusiasmo del museo al asociarse con Olyverse, una empresa líder en la innovación artística basada en NFT. Destacó que esta colaboración ofrece la oportunidad de difundir la emoción artística a nivel global a través de los Non-Fungible Tokens, presentando la colección única del museo a una comunidad más digital.

Una mesa redonda posterior exploró cómo la tecnología se adapta a distintos aspectos de la vida, como el arte, el deporte y los negocios, con la participación de figuras destacadas del mundo tecnológico y artístico.

Esta alianza innovadora entre el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y Olyverse marca el inicio de una aventura revolucionaria, donde el arte tradicional se integra en el metaverso, y el metaverso se hace accesible desde una institución de renombre. Con casi 900 obras de arte de la familia Thyssen-Bornemisza, el museo es hogar de una colección pictórica de renombre mundial, que abarca desde el siglo XII al XX.

Esta colaboración sin precedentes entre el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y Olyverse fusiona arte y tecnología en una experiencia inmersiva única, permitiendo a los coleccionistas y aficionados explorar nuevas dimensiones del arte y el entretenimiento en el metaverso. Esta alianza representa un emocionante paso hacia el futuro de la cultura y la creatividad.

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Nosferatu. Sinfonía del horror

by Uve Magazine
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Durante las décadas de 1920 y 1930, el cine alemán experimentó una de las épocas más innovadoras y prolíficas de su historia, durante este periodo, los cineastas alemanes desarrollaron una serie de técnicas cinematográficas revolucionarias y produjeron obras maestras que todavía son reconocidas y estudiadas en la actualidad. Se caracterizó por su estilo visual audaz, temáticas oscuras y psicológicas, y una representación distorsionada de la realidad. Los cineastas expresionistas alemanes utilizaron la estética para explorar los miedos y ansiedades de la sociedad posterior a la Primera Guerra Mundial que además se vio asolada por el hambre generalizada y una pandemia de gripe que, según se estima, segaron la vida de más de 50 millones de personas.

Ejemplos destacados del cine expresionista alemán incluyen El gabinete del Dr. Caligari (1920) dirigida por Robert Wiene y Nosferatu (1922) dirigida por FW Murnau.

Ambos films presentan escenografías angulosas, sombras exageradas y contrastes marcados entre luces y sombras para crear un ambiente de pesadilla.

Nosferatu es una adaptación no autorizada de la novela Drácula de Bram Stoker, Murnau realizó bastantes cambios respecto a la novela, tanto en los nombres de los protagonistas como en algunos aspectos de la trama para evitar problemas legales con la viuda de Stoker, pero de manera totalmente infructuosa, ya que en 1925, Florence Stoker logró que las autoridades judiciales ordenaran la destrucción de todas las copias de Nosferatu, en base a que se demostró que  el guión estaba basado en la obra maestra de su marido fallecido en 1912. Afortunadamente, algunas copias sobrevivieron y Nosferatu ha sido aclamada y estudiada desde entonces.

La película hoy día es considerada un clásico  y una de las primeras películas de vampiros de la historia del cine.

La trama de Nosferatu narra la historia de  Thomas Hutter, un agente inmobiliario, que viaja al remoto castillo del Conde Orlok (un alter ego de Drácula) en los Cárpatos para finalizar una venta de propiedades. A medida que Hutter pasa tiempo en el castillo, descubre que el conde es en realidad un vampiro sediento de sangre. Después de escapar del castillo, Hutter regresa a su ciudad natal, pero el conde Orlok lo sigue y siembra el caos y la muerte por allá donde pasa. La historia se centra en la lucha de Thomas Hutter por detener a Orlok antes de que sea demasiado tarde.

El film es conocido por su atmósfera inquietante y su estilo visual expresionista. Murnau desarrolló una variedad de técnicas cinematográficas innovadoras para crear un ambiente terrorífico. La escenografía de la película presenta paisajes angulosos y distorsionados, y se utilizan sombras y luces contrastantes para acentuar el suspenso y el horror. El maquillaje y la puesta en escena de Max Schreck, quien interpretó brillantemente al Conde Orlok, también contribuyó a ser recordado por su apariencia monstruosa y memorable.

Esta obra maestra de Murnau sentó las bases para la exhibición cinematográfica de los vampiros y estableció muchos de los elementos icónicos que se asocian con ellos en la actualidad. La figura espeluznante y alargada de Max Schreck como el Conde Orlok se ha convertido en una imagen icónica del género del horror y ha influido en numerosas cineastas y películas posteriores.

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Encuentros: obras de la Colección TBA21

by Uve Magazine
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El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza en colaboración con TBA21 Thyssen-Bornemisza Art Contemporary presenta, entre el 31 de mayo y el 8 de octubre de 2023, «Encuentros: obras de la Colección TBA21», un montaje especial en las salas 30 a 52 de la primera planta que escenifica un prolífico diálogo entre la recién reinstalada colección de arte moderno del museo y más de veinticinco obras de la Colección TBA21. Estos «Encuentros» ponen de manifiesto la pasión coleccionista de cuatro generaciones de la familia Thyssen y examinan las narrativas y sensibilidades transhistóricas que se dan cita en sus respectivas colecciones.

El recorrido sugiere nuevas conexiones entre la creación artística de distintos períodos y culturas. Este intercambio de miradas entre artistas visuales muy distanciados en el tiempo evidencia que no solo los estilos y modos de expresión cambian, sino también la propia concepción de la figura humana, del género, así como las ideas sobre identidad, naturaleza y cultura.
Las yuxtaposiciones de obras que tienen lugar en «Encuentros» proponen a los visitantes visiones alternativas que demuestran la capacidad que tiene el museo de abrirse a diferentes formas de entender e interpretar el mundo. La contemplación de las obras invitadas de la Colección TBA21 que presentamos enriquecerá el conocimiento de propuestas artísticas más recientes, de nombres destacados como Ai Weiwei, Sarah Lucas, Regina de Miguel, Cindy Sherman, Álvaro Urbano o Andrea Fraser, entre otros, y ampliará la comprensión y valoración de las obras de la colección del museo con impresiones diversas.

Más información:
Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

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