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Arte

Arte

Antoni Gaudí y su legado inmortal

by Valeria Cruz 10/06/2024
written by Valeria Cruz

El 10 de junio de 1926, Antoni Gaudí, uno de los más grandes arquitectos del siglo XX, perdió la vida tras ser atropellado por un tranvía en Barcelona. A casi un siglo de su trágica muerte, su influencia se siente no solo en Barcelona, sino en el mundo entero. Su obra maestra, la Sagrada Familia, junto con otros monumentos emblemáticos como La Pedrera y la Casa Batlló, continúan asombrando a millones de visitantes cada año.

Antoni Gaudí nació el 25 de junio de 1852, aunque se debate si en Reus o Riudoms, en una familia de caldereros. Esta herencia familiar influyó profundamente en su visión espacial y su habilidad para transformar superficies en volúmenes. Desde joven, Gaudí mostró un talento excepcional para el dibujo, lo que lo llevó a estudiar arquitectura en la Escuela de Arquitectura de Barcelona. Su formación no fue convencional, y alternó sus estudios con colaboraciones con reconocidos arquitectos de la época, como Josep Fontserè y Francisco de Paula del Villar.

La carrera de Gaudí despegó cuando impresionó al industrial Eusebi Güell durante la Exposición Universal de París de 1878. Esta relación no solo cimentó su reputación, sino que también le permitió realizar algunas de sus obras más importantes. Entre las construcciones financiadas por Güell destacan el Palau Güell, el Parque Güell y la Cripta de la Colonia Güell, todas ellas muestras del estilo único y visionario de Gaudí.

Su primer gran encargo fue la Casa Vicens, construida entre 1883 y 1888. Este edificio modernista marcó el inicio de una carrera llena de innovaciones arquitectónicas. En 1903, Gaudí fue encargado de remodelar un edificio existente para Josep Batlló. La transformación incluyó una nueva fachada y un interior que se ha convertido en una obra de arte por derecho propio. También conocida como Casa Milà, La Pedrera, encargada por Pedro Milá y Camps entre 1906 y 1910, refleja la etapa naturalista de Gaudí. Inspirada en formas orgánicas, es una de las construcciones más visitadas de Barcelona.

Sin embargo, la obra cumbre de Gaudí es, sin duda, la Sagrada Familia. Aceptó hacerse cargo de este proyecto en 1883 y dedicó los últimos años de su vida casi exclusivamente a esta monumental basílica. Gaudí transformó el proyecto inicial de Francisco de Paula del Villar, infundiendo su visión única. A pesar de diversas dificultades, incluida una crisis económica y la pérdida de seres queridos, Gaudí se mantuvo firme en su dedicación al templo, que describió como su “gran obra”.

Gaudí sufrió un cambio radical en su vida personal, pasando de ser un dandy a llevar una vida austera y dedicada exclusivamente a su trabajo y su fe. Esta transformación fue tan profunda que el día de su muerte, su apariencia descuidada llevó a que fuera confundido con un mendigo. Tras ser atropellado por un tranvía en la Gran Vía de les Corts Catalanes, fue llevado al Hospital de la Santa Creu donde, a pesar de ser reconocido, ya era demasiado tarde para salvarlo. Murió a los 73 años, en la plenitud de su carrera.

Gaudí fue enterrado en la capilla de Nuestra Señora del Carmen de la cripta de la Sagrada Familia. Su funeral congregó a una multitud que quería despedir al hombre que había cambiado la faz de la arquitectura. Hoy, a casi cien años de su muerte, Gaudí sigue siendo una figura central en la historia de la arquitectura. Su obra, especialmente la Sagrada Familia, sigue en construcción, con la esperanza de completarse para el centenario de su muerte en 2026. Este aniversario no solo marca la pérdida de un genio, sino también la celebración de su duradera influencia y su visión, que transciende el tiempo.

10/06/2024 0 comments
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ArteEventos

Un viaje entre el realismo y la abstracción

by Uve Magazine 26/05/2024
written by Uve Magazine

El Museo Guggenheim Bilbao presenta la esperada retrospectiva de Martha Jungwirth, una artista austriaca cuya obra desafía las convenciones y explora la frontera sutil entre el realismo y la abstracción. Esta exhibición, patrocinada por Occident, estará abierta al público del 7 de junio al 22 de septiembre de 2024, y promete ofrecer una visión integral de la trayectoria de Jungwirth, que abarca seis décadas de creación artística. Nacida en Viena en 1940, Martha Jungwirth se ha consagrado como una figura crucial en el panorama artístico contemporáneo. Su obra se caracteriza por trazos explosivos y gestuales, así como por tonos vibrantes que buscan expresar emociones profundas más que representar narrativas lineales. Desde sus primeros años en la Universität für angewandte Kunst de Viena hasta la actualidad, Jungwirth ha desarrollado un estilo único que fusiona influencias de la forma humana, los animales, la historia del arte y sus viajes alrededor del mundo.

Martha Jungwirth Bucéfalo (Bukephalos), 2021

La exposición reúne cerca de setenta obras, incluyendo acuarelas, óleos y tres libros de artista que abarcan casi cincuenta años de producción. Sus pinturas y dibujos, siempre en la frontera entre el realismo y la abstracción, nos invitan a experimentar la espontaneidad y la vitalidad de sus composiciones erráticas y colores intensos. El recorrido de la exposición comienza con las primeras obras de Jungwirth, que incluyen dibujos de gran formato de objetos cotidianos y retratos. Estas piezas iniciales, que forman parte de la serie Indesit, representan el comienzo de sus exploraciones sutiles entre el realismo y la abstracción. Aunque pudiera parecer sorprendente para una artista abstracta, el retrato es un género recurrente en su obra, donde fusiona la forma humana con pinceladas expresivas y colores vibrantes, capturando la esencia íntima de sus modelos. A medida que avanza la exhibición, se exploran las “escapadas de pintura” de Jungwirth, donde sus viajes y la observación de la naturaleza se convierten en un catalizador para la creación artística. Desde la década de 1970, sus viajes no solo han sido una fuente de inspiración, sino también una forma de investigación artística. Las obras resultantes no son simples representaciones de lugares, sino respuestas emocionales a los estados de ánimo y sensaciones desatadas por la naturaleza.

Martha Jungwirth Toro (Stier), 2020

En la sección dedicada a los animales, se destaca la serie Australidelfos (Australidelphia), creada en 2020, que se centra en los marsupiales australianos. Esta serie no solo homenajea a estas criaturas antiguas, sino que también reflexiona sobre los devastadores incendios forestales de Australia en 2019 y 2020. Las composiciones cromáticas de sus pinturas simbolizan la violencia y la tragedia enfrentada por estas especies, ofreciendo una visión conmovedora y crítica de la relación entre la humanidad y la naturaleza. La muestra también revela la continua inspiración de Jungwirth en la historia del arte, con series de pinturas que dialogan con obras de Richard Gerstl, Frans Hals y Oskar Kokoschka, entre otros. Sus interpretaciones de las obras maestras de Francisco de Goya y Édouard Manet, por ejemplo, demuestran cómo Jungwirth imprime su peculiar vocabulario artístico en cada pieza, creando desviaciones radicales de las fuentes originales.

Una de las características más distintivas del trabajo de Jungwirth es su uso innovador de materiales. Sus pinturas no se limitan a lienzos tradicionales, sino que se extienden a soportes inesperados como cartón, libros de contabilidad y papel de estraza. Esta elección de materiales poco convencionales permite a Jungwirth explorar los límites del control y el caos, desafiando las normas artísticas establecidas y creando un diálogo entre lo ordenado y lo espontáneo. A través de su obra, Jungwirth nos invita a experimentar una profunda conexión entre el yo y el mundo. Sus pinturas no son meras imágenes, sino condensaciones de experiencias, emociones y recuerdos. Con una comprensión aguda de las especificidades de la realidad, Jungwirth ofrece al espectador un atisbo de las profundidades de la percepción y la conciencia humanas.

26/05/2024 0 comments
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Arte

La odisea de los retratos robados de Bacon

by Valeria Cruz 23/05/2024
written by Valeria Cruz

En el tranquilo y señorial barrio de la Plaza de la Encarnación, junto al Senado en Madrid, se perpetró en 2015 un robo que sacudió los cimientos del mundo del arte contemporáneo. Cinco retratos del célebre pintor irlandés Francis Bacon, valorados en 30 millones de euros, fueron sustraídos del domicilio de José Capelo, amante y amigo del artista. Estos óleos, que Bacon había legado a Capelo, decoraban el dormitorio principal de su vivienda, añadiendo un toque personal e íntimo a la colección.

La operación policial para recuperar estas obras ha sido una auténtica odisea, llena de giros inesperados, detenciones y alianzas con informantes. Tras casi nueve años de intensas investigaciones, la Brigada de Patrimonio de la Policía Nacional ha logrado localizar uno de los dos retratos que aún estaban desaparecidos. Este hallazgo fue posible gracias a la detención de dos personas involucradas en la receptación de los cuadros robados. Los agentes, con la colaboración de uno de los detenidos, encontraron el retrato en un inmueble de Madrid.

El cuadro, un retrato de José Capelo firmado por Bacon en 1989, fue identificado gracias a las fotografías proporcionadas por su propietario y la inscripción en el reverso de la obra. La recuperación de este retrato es un hito significativo en una investigación que ha sido una montaña rusa de emociones y frustraciones para todos los implicados.

Los protagonistas de un robo cinematográfico

La banda responsable del robo estaba compuesta por un elenco de personajes variopintos: un marchante de arte, peristas, joyeros del Rastro de Madrid y hasta un conductor de Uber. Esta diversidad de perfiles hizo que la trama fuera más compleja y difícil de desentrañar. Desde 2015, los cuadros han pasado por numerosas manos en intentos fallidos de venta, dejando un rastro de pistas que los investigadores han seguido meticulosamente.

A lo largo de la investigación, se han detenido a 16 personas, incluidos los autores materiales y el presunto cerebro de la operación, Cristóbal García. Sin embargo, a pesar de las pruebas contundentes en su contra, García y sus cómplices solo fueron condenados por receptación y se les impuso una multa de 3.600 euros, debido a la falta de pruebas para condenarlos por el robo en sí.

Intentos fallidos y una recuperación inesperada

Desde el robo, la banda intentó vender las obras en varias ocasiones sin éxito. En el primer intento, en septiembre de 2015, Ricardo Barbastro, uno de los detenidos, ofreció los cuadros a su primo, un empleado de una galería de arte, quien rechazó la oferta por sospechar de su procedencia. El segundo intento fue en febrero de 2016, durante una reunión en Majadahonda, Madrid, que también fracasó.

El tercer intento de venta fue el que finalmente llevó a la desarticulación de la banda. Un anticuario en Sitges, sospechando de la procedencia de uno de los cuadros, consultó con Art Register, una empresa británica especializada en arte robado. La compañía confirmó que se trataba de una obra robada y alertó a la Brigada de Patrimonio de la Policía, que utilizó la huella digital de la fotografía enviada por el anticuario para rastrear a los autores.

El cuarto intento de venta se produjo en enero de 2021, cuando el conocido “detective del arte” Arthur Brand informó a la Policía sobre un video en el que se veían los cuadros junto a una portada de EL PAÍS. Aunque la operación policial para recuperar las obras en ese momento no tuvo éxito, proporcionó pistas cruciales que llevaron a la reciente recuperación del cuarto retrato.

El futuro del caso y la búsqueda del quinto retrato

A pesar de estos avances, la investigación aún no ha concluido. La Policía sigue buscando el quinto retrato, con la esperanza de cerrar finalmente este capítulo oscuro en la historia del arte contemporáneo español. Este caso ha demostrado la dificultad casi insuperable de vender una obra de arte robada, especialmente cuando se trata de piezas tan icónicas como las de Francis Bacon.

El robo de los retratos de Bacon no solo ha puesto de manifiesto las vulnerabilidades en la seguridad del patrimonio artístico, sino que también ha subrayado la importancia de la colaboración internacional y la tenacidad de las fuerzas de seguridad. Cada obra recuperada es un testimonio de la dedicación de los investigadores y una victoria para el legado cultural que representa el arte de Bacon.

23/05/2024 0 comments
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AgendaArteEventos

Celebración del 150 aniversario de Julio Romero de Torres en el Museo Thyssen-Bornemisza

by Uve Magazine 22/05/2024
written by Uve Magazine

En el marco del 150 aniversario del nacimiento del destacado pintor cordobés Julio Romero de Torres, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza exhibe una de sus obras más emblemáticas: “La Chiquita Piconera”. Esta obra, realizada entre 1929 y 1930, poco antes de la muerte del artista, es considerada su testamento pictórico y estará disponible para el público del 6 de mayo al 28 de julio de 2024.

Un Homenaje al Maestro

La exhibición de “La Chiquita Piconera” ha sido posible gracias al préstamo del Museo Julio Romero de Torres de Córdoba y el apoyo del Ayuntamiento de Córdoba. La obra se presenta en la sala 45 del museo, dedicada a los realismos de entreguerras, donde comparte espacio con obras de artistas de renombre como Pablo Picasso, Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz y Balthus. Esta combinación de obras ofrece un contexto rico y profundo, permitiendo a los visitantes apreciar diferentes enfoques y estilos dentro de un mismo periodo histórico.

“La Chiquita Piconera” es una representación sublime del talento de Julio Romero de Torres. Con una técnica casi fotográfica, el pintor captura la esencia íntima de una humilde habitación. En el centro de la escena, una joven, la modelo María Teresa López, está sentada frente a un brasero de cobre, mirando de forma directa e intensa al espectador. Esta mirada penetrante conecta emocionalmente con quien la observa, invitándolo a reflexionar sobre la vida de la protagonista.

La atmósfera de la pintura se enriquece con una puerta entreabierta que permite vislumbrar el paisaje cordobés al anochecer. En el fondo se distinguen el Guadalquivir, el Puente Romano, el paseo de la Ribera y la Torre de la Calahorra, elementos que enmarcan la escena y aportan una capa adicional de profundidad y realismo.

Más Allá de la Denuncia Social

En el ocaso de su vida, Julio Romero de Torres regresó a temas que había explorado en su juventud, pero con una nueva profundidad y madurez. “La Chiquita Piconera” va más allá de la simple denuncia social, exponiendo la crudeza de la vida marginal de su protagonista en una imagen cargada de melancolía y sensualidad. La obra no solo destaca por su temática, sino también por su ejecución técnica y la capacidad del pintor para sintetizar su trayectoria vital y artística.

 

22/05/2024 0 comments
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ArteEventos

Yoshitomo Nara. Un universo de emociones

by Emain Juliana 20/05/2024
written by Emain Juliana

La Fundación BBVA  patrocina una monumental exposición dedicada a Yoshitomo Nara que presenta en el Museo Guggenheim Bilbao. Esta exhibición ofrece una oportunidad única para explorar cuatro décadas de la prolífica carrera de este destacado artista japonés. Del 28 de junio al 3 de noviembre de 2024, los visitantes podrán sumergirse en el fascinante mundo de Nara, guiados por la curadora Lucía Agirre. Nara, nacido en 1959 en Hirosaki, Japón, ha recibido tanto el respaldo de la crítica internacional como el reconocimiento del público. Sus imágenes de niños con grandes cabezas y ojos expresivos, que pueden parecer amenazantes y vulnerables a la vez, son inconfundibles y evocan una mezcla de emociones complejas. Estas figuras, que a menudo parecen al borde de un estallido emocional, reflejan la propia infancia y experiencias de Nara, así como su profundo conocimiento de la música, el arte y la sociedad.

La música, especialmente el rock y el punk, ha sido una constante fuente de inspiración para Nara. Desde sus inicios, la música ha acompañado sus momentos de creación, infundiendo en sus obras una energía y un espíritu de rebeldía. Las letras de las canciones que escuchaba, aunque no siempre comprendidas literalmente, resonaban en él a nivel emocional, lo que se refleja en la intensidad de sus obras. La exposición en el Guggenheim Bilbao destaca esta conexión, mostrando cómo Nara ha integrado estas influencias musicales en su arte. La obra de Nara está llena de símbolos y temas recurrentes que reflejan su continuidad de pensamiento a lo largo de los años. Elementos como la casa de tejado rojo, los brotes de hierba, el fuego y el cuchillo aparecen frecuentemente, creando una iconografía personal que invita a los espectadores a reflexionar sobre su propia existencia. Estos motivos no solo representan aspectos de su vida, sino que también resuenan con las experiencias y emociones de su audiencia, haciendo que sus obras sean profundamente universales y accesibles.

Yoshitomo Nara

Esta exposición es la primera gran retrospectiva individual de Nara en España y en un destacado museo europeo. Tras su estancia en Bilbao, la muestra viajará a Baden-Baden y Londres, adaptándose a cada espacio y proporcionando una experiencia única en cada ubicación. La colaboración con el Museum Frieder Burda y la Hayward Gallery subraya la importancia y el alcance internacional de esta exposición. Las experiencias personales de Nara, desde su infancia aislada hasta sus viajes y estancias en Europa, han sido cruciales en la formación de su visión artística. Su primer viaje a Europa en 1980 le permitió contemplar de cerca las grandes obras maestras del arte medieval y renacentista, lo que supuso un despertar emocional y una revelación artística para él. Estas influencias se combinan en su obra con la estética del Neoexpresionismo alemán, aprendido durante su formación en la Kunstakademie de Düsseldorf bajo la tutela de A. R. Penck.

Los eventos traumáticos, como el gran terremoto de Japón oriental en 2011, también han dejado una huella profunda en la obra de Nara. La devastación y el sufrimiento que presenció lo llevaron a reflexionar sobre su papel como artista y a dirigir su atención a proyectos comunitarios en la región de Tohoku. Este cambio en su cosmovisión se refleja en sus obras más recientes, donde la temática de la protección y la comunidad se vuelve central. Además de la exposición, el Museo Guggenheim Bilbao ha diseñado una serie de espacios educativos y contenidos digitales bajo la iniciativa Didaktika. Esta plataforma, patrocinada por la Fundación EDP, ofrece al público herramientas y recursos para una apreciación más profunda de la obra de Nara, incluyendo una biografía detallada del artista y una exploración de la música que ha inspirado su vida.

Yoshitomo Nara

Con su rica iconografía y su profundo sentido de humanidad, Nara nos recuerda la importancia de la empatía y la conexión en el arte y en la vida.

20/05/2024 0 comments
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Arte

El arte y la salud mental

by Valeria Cruz 18/05/2024
written by Valeria Cruz

La conexión entre el arte y la salud mental es un tema candente. El arte, en sus diversas formas, puede ser una fuente de consuelo, reflexión y sanación. A través de colores, formas y expresiones, nos permite conectar con nuestras emociones más profundas, ofreciendo una vía para la autocomprensión y el alivio emocional. Ahora, gracias a una innovadora investigación, se está explorando cómo esta conexión puede ser medida y entendida científicamente.

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Quirónsalud y la Universidad Rey Juan Carlos (URJC) han iniciado un estudio pionero para investigar cómo el arte puede influir en la salud de las personas. Este proyecto, denominado “Emociones a través del arte”, tiene como objetivo analizar las emociones predominantes que provocan más de 200 cuadros de las colecciones del Museo Thyssen-Bornemisza. Utilizando avanzadas técnicas de inteligencia artificial y análisis biométrico, este estudio busca identificar las emociones inconscientes que se generan al observar estas obras de arte.

La ciencia detrás del arte

El estudio combina varias técnicas innovadoras para captar y analizar las reacciones emocionales de los espectadores. Una cámara recoge las expresiones faciales y las codifica en emociones mediante un algoritmo. Además, se mide la respuesta psicogalvánica de la piel, es decir, las microgotas de sudor que se producen al experimentar una emoción, junto con el seguimiento ocular (eyetracking) para registrar los movimientos de los ojos mientras las personas observan las pinturas. Estos datos permitirán clasificar cada obra en una de las ocho emociones básicas, ofreciendo una comprensión detallada de cómo interactuamos con el arte.

Este enfoque multidisciplinario no solo enriquece el campo del arte y la salud mental, sino que también ofrece aplicaciones prácticas. Los resultados de esta investigación estarán disponibles en 2025 y se presentarán en un catálogo de clasificación de cuadros por emociones, en artículos científicos y en la web del museo. Además, se producirán piezas audiovisuales que mostrarán tanto el proceso de investigación como sus conclusiones, permitiendo al público explorar las obras de arte desde una perspectiva emocional.

Una colaboración transformadora

La doctora Cristina Caramés, directora asistencial y de investigación de Quirónsalud, destaca la importancia de esta colaboración: “Trabajamos cada día para construir juntos un futuro de salud y bienestar para las personas. Y lo hacemos desde la evidencia científica, colaborando en iniciativas que puedan ayudar a descubrir cómo el arte puede mejorar la salud.”

Fernando García Muiña, vicerrector de Investigación, Innovación y Transferencia de la URJC, añade: “Este proyecto representa una perfecta simbiosis entre ciencia, arte y tecnología. Nuestra concepción de universidad multidisciplinar abre un amplio abanico de futuras colaboraciones, que revierta en el bienestar de la sociedad.”

Por su parte, Evelio Acevedo, director gerente del Museo Thyssen-Bornemisza, expresa su entusiasmo por esta iniciativa: “El poder transformador del arte es innegable, y esta investigación nos permitirá profundizar en el impacto emocional que nuestras obras ejercen en el público. Esperamos que este proyecto inspire tanto a nivel social como personal.”

Un futuro saludable a través del arte

La relación entre arte y salud mental no es solo un tema de estudio académico; es una realidad palpable en la vida cotidiana de muchas personas. La capacidad del arte para evocar emociones y fomentar la reflexión personal puede ser una herramienta poderosa en el camino hacia la salud mental y el bienestar. Este estudio pionero no solo aportará nuevos conocimientos sobre cómo interactuamos con el arte, sino que también abrirá nuevas posibilidades para utilizar el arte como una herramienta terapéutica.

Así, mientras exploramos los colores y formas en las galerías del Museo Thyssen-Bornemisza, también estamos navegando por los paisajes emocionales de nuestras propias mentes, encontrando en cada pincelada una oportunidad para la sanación y el crecimiento personal. Con la ciencia y el arte trabajando juntos, el futuro de nuestra salud mental se ve cada vez más brillante y lleno de color.

18/05/2024 0 comments
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AgendaArteEventos

Exposición Elliott Erwitt. La comedia humana

by Uve Magazine 16/05/2024
written by Uve Magazine

Un homenaje a la mirada única de un maestro de la fotografía

Madrid, 14 de mayo de 2024 – La Fundación Canal inaugura una exposición dedicada al renombrado fotógrafo franco-estadounidense Elliott Erwitt, titulada “Elliott Erwitt: La comedia humana”. Esta muestra, coproducida junto con Magnum Photos y comisariada por Andrea Holzherr, directora global de exposiciones de Magnum Photos, forma parte de la sección oficial del circuito de exposiciones de PhotoESPAÑA 2024.

Una colección única

La exposición reúne 135 obras icónicas de Elliott Erwitt, todas provenientes directamente de su estudio. Estas imágenes, positivadas por el propio fotógrafo, reflejan su distintiva habilidad para capturar la esencia de lo cotidiano con humor, ingenio y un profundo sentido humano. Erwitt, quien falleció en 2023, es conocido por su talento para encontrar lo extraordinario en lo ordinario y por mostrar la comicidad inherente a la condición humana.

La muestra está dividida en tres secciones, cada una de ellas dedicada a diferentes ámbitos que fueron fuente de inspiración para Erwitt: personas, animales y formas.

  1. Personas: Esta sección destaca las anécdotas y momentos cotidianos que Erwitt elevó a lo extraordinario. Aquí se incluyen dos subsecciones:

    • Observando gente: Fotografías que demuestran la capacidad de Erwitt para captar momentos caprichosos y absurdos.
    • Observando museos: Imágenes que reflejan la fascinación del fotógrafo por las salas de museos y sus visitantes.
  2. Animales: A través de tres subsecciones, se muestra la afinidad de Erwitt por los animales, especialmente los perros:

    • Perros: Instantáneas que humanizan a estos animales y los presentan como personajes de su particular comedia humana.
    • Perspectiva perruna: Imágenes que ofrecen una visión única desde la perspectiva de los perros.
    • Otros animales: Fotografías de diversas especies que convivían en entornos urbanos, mostrando la diversidad animal en la ciudad.
  3. Formas: Esta sección presenta yuxtaposiciones de objetos que crean realidades abstractas:

    • Abstracciones: Fotografías que combinan materialidades y elementos geométricos, manipulando la luz de manera precisa.
    • Composiciones: Imágenes donde las personas no son los elementos primordiales, destacando otras formas de abordar la fotografía.
USA. NYC. 1946.

Las obras expuestas

Entre las 135 copias de época presentadas, 122 son impresiones de pequeño formato conocidas como “impresiones de trabajo”, utilizadas por Erwitt para desarrollar libros y revistas. Además, la exposición incluye 13 copias de gran formato (76 x 101 cm), denominadas “impresiones maestras”, supervisadas directamente por el fotógrafo para ser exhibidas en museos y galerías. Esta combinación de impresiones crea una colección única que se muestra por primera vez al público.

Una invitación a la reflexión

Elliott Erwitt describía la fotografía como un medio que, cuando es bueno, es interesante, y cuando es excelente, es irracional y mágico. Esta exposición invita al espectador a explorar la interpretación subjetiva y emotiva de la realidad a través de las lentes de Erwitt. Sus fotografías, mayoritariamente en blanco y negro, ofrecen una visión interpretativa y expresiva, liberando al color para centrarse en la esencia de los tonos y sus intensidades.

“Elliott Erwitt: La comedia humana” es una oportunidad única para sumergirse en la obra de un maestro de la fotografía y disfrutar de su capacidad para capturar la comedia de la vida diaria con un toque de humor y humanidad.

16/05/2024 0 comments
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ArtePersonajes

Luis XIV. El esplendor y la sombra del Rey Sol

by Valeria Cruz 15/05/2024
written by Valeria Cruz

La doble cara de la Monarquía: Opulencia y crisis bajo el reinado de Luis XIV

Luis XIV, conocido como el Rey Sol, se erige como una de las figuras más emblemáticas de la monarquía absoluta. Nacido el 5 de septiembre de 1638 en Saint-Germain-en-Laye, su nacimiento fue interpretado como un presagio divino, marcado por la peculiaridad de nacer con dos dientes. Desde su infancia, destinado a reinar, Luis XIV personificó el poder y la autoridad divina, llevando a Francia a la cúspide de su poder y a la vez a los desafíos que preludiarían su declive.

 

El fallecimiento prematuro de Luis XIII dejó al joven príncipe bajo la regencia de su madre, Ana de Austria. Durante estos años formativos, el Cardenal Mazarino fue encargado de su educación y la gestión del reino. Fue Mazarino quien inculcó en Luis la importancia de la soberanía absoluta y el manejo astuto del poder. La tumultuosa época de la Fronda, una serie de conflictos armados entre la nobleza y la corona, marcó profundamente al joven rey. Estos eventos le enseñaron la importancia de controlar a la aristocracia y fortalecieron su determinación de gobernar sin intermediarios, estableciendo las bases de su gobierno absolutista.

A la muerte de Mazarino en 1661, Luis XIV tomó las riendas del poder de manera definitiva. Con apenas 23 años, rechazó la figura de un primer ministro y se proclamó a sí mismo como el único y verdadero gobernante. Este acto no solo simbolizaba su deseo de control total sino también su creencia en el derecho divino de los reyes, una doctrina que afirmaba que su poder emanaba directamente de Dios. Durante su reinado, Luis XIV transformó el paisaje político y cultural de Francia, centralizando el gobierno en el Palacio de Versalles, donde la corte se convirtió en un instrumento de su poder absoluto.

El matrimonio de Luis XIV con María Teresa de Austria en 1660 fue un movimiento diplomático calculado, destinado a solidificar la paz con España y a posicionar a Francia ventajosamente en futuros conflictos territoriales. Aunque este matrimonio no fue particularmente feliz o apasionado, cumplió su propósito político, demostrando el pragmatismo que Luis aplicaba a sus alianzas. Bajo su liderazgo, Francia experimentó una expansión significativa, no solo territorial sino también cultural, promoviendo las artes y la ciencia como medios para glorificar el estado y su gobierno.

Versalles: Escenario de Poder y Arte

El Palacio de Versalles es quizás el legado más representativo de Luis XIV, un símbolo opulento de su reinado y un escenario cuidadosamente orquestado de poder absoluto. En Versalles, Luis XIV controlaba todos los aspectos de la corte, desde la etiqueta hasta las interacciones personales, asegurando que los nobles estuvieran ocupados en la corte y lejos de sus bases de poder regional, lo que mitigaba su capacidad de desafiar su autoridad. Además, Versalles se convirtió en el centro de la vida cultural, atrayendo a artistas, músicos y escritores que contribuyeron al florecimiento del Barroco francés.

A pesar del esplendor de su corte y su éxito en centralizar el poder, el final del reinado de Luis XIV estuvo marcado por dificultades. Los costosos conflictos como la Guerra de Sucesión Española drenaron los recursos del país y desgastaron la paciencia de su pueblo. Además, la rigidez de su control empezó a sembrar las semillas de descontento que eventualmente llevarían a la Revolución Francesa. Luis XIV murió el 1 de septiembre de 1715, dejando atrás un legado complejo de grandeza y despotismo, un legado que influiría en la monarquía francesa hasta su eventual caída

Luis XIV dejó un legado complejo y multifacético. Su reinado extendió el poder de Francia a nuevas alturas, pero también sembró las semillas de futuros problemas que emergieron en la Revolución Francesa. A través de su vida, desde su educación hasta su muerte, Luis XIV encarnó la idea del Rey como el estado mismo, una noción que dominó la monarquía francesa hasta su colapso a finales del siglo XVIII. Su política, su patrocinio de las artes, y su construcción de Versalles permanecen como testimonios de su visión y su poder, haciendo de su época una de las más notables en la historia de Francia.

15/05/2024 0 comments
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AgendaArteEventos

Inauguración de la Exposición “Sorolla en 100 objetos”

by Uve Magazine 14/05/2024
written by Uve Magazine

El 13 de mayo, se ha inaugurado en el Museo Sorolla una nueva exposición en conmemoración del centenario de la muerte del pintor valenciano Joaquín Sorolla. Titulada Sorolla en 100 objetos, esta muestra ha sido organizada por el Museo Sorolla y la Fundación Museo Sorolla, con el patrocinio de la Fundación Mutua Madrileña y la Fundación Iberdrola España, y la colaboración de El Corte Inglés. La exposición estará abierta al público desde el 14 de mayo hasta el 29 de septiembre de 2024.

La exposición Sorolla en 100 objetos ofrece un acercamiento innovador a la vida y obra del pintor conocido como el maestro de la luz. A través de cien objetos seleccionados minuciosamente, la muestra hilvana pequeñas historias que, al entrelazarse, presentan una narración fragmentada pero rica de la vida de Joaquín Sorolla Bastida (1863-1923). Cada pieza, desde cartas y fotografías hasta objetos de su colección personal, como un capitel califal del siglo X o un relieve de la Santísima Trinidad del siglo XVI, nos sumerge en una microhistoria que revela aspectos poco conocidos de su vida.

La visión de la comisaria

Covadonga Pitarch Angulo, comisaria de la exposición, ha llevado a cabo un exhaustivo trabajo de investigación para descubrir al Sorolla más íntimo y humano a través de estos objetos cotidianos y raros. Pitarch Angulo ha destacado la importancia de estos objetos en la comprensión de la vida del pintor: “Cada pieza es una puerta abierta a una faceta de su existencia, ya sea en lo personal, lo familiar, o lo profesional”. Entre los objetos expuestos se encuentran cartas personales, fotografías antiguas, dibujos, pinturas y hasta el pasaporte del artista, cada uno con su propia historia y relevancia.

Un recorrido a través de 16 secciones

La exposición se organiza en 16 secciones temáticas, cada una de las cuales permite trazar una biografía algo desordenada pero profundamente reveladora de Sorolla. A lo largo del recorrido, los visitantes pueden descubrir la pasión del pintor por el coleccionismo, su amor por la familia y sus relaciones profesionales. Cada sección cierra con una obra emblemática, el último retrato que realizó Sorolla en 1920: el retrato de Mabel Rick. Esta pintura no solo cierra cada sección, sino que también actúa como un punto culminante de la exposición, recordándonos el talento inigualable del artista hasta sus últimos días.

Sorolla en 100 objetos culmina un año de celebraciones y homenajes al pintor valenciano en el centenario de su fallecimiento. Durante el último año, el Museo Sorolla ha presentado una serie de exposiciones y actividades dedicadas a honrar la memoria y legado de Joaquín Sorolla. Esta muestra final, que estará disponible hasta el 29 de septiembre de 2024, representa el cierre perfecto a un programa expositivo que ha permitido a los amantes del arte redescubrir y profundizar en la figura de Sorolla.

Un viaje personal y artístico

La exposición no solo busca resaltar el talento artístico de Sorolla, sino también su vida personal y sus pasiones. Los objetos seleccionados revelan un hombre multifacético: un pintor dedicado, un coleccionista apasionado, un padre cariñoso y un marido atento. Esta visión íntima de Sorolla proporciona una comprensión más profunda de su arte, mostrando cómo su vida personal y sus experiencias se reflejaban en su obra.

Retrato de Mabel Rick, señora de Pérez de Ayala. 1920

Visitar Sorolla en 100 objetos es una oportunidad única para conocer de cerca al hombre detrás del genio. El Museo Sorolla ofrece así un viaje fascinante a través de los objetos que acompañaron a Sorolla a lo largo de su vida, permitiendo a los visitantes experimentar de primera mano las historias y recuerdos que conformaron su existencia. Esta exposición promete ser una experiencia inolvidable para todos aquellos que deseen acercarse más al mundo de Joaquín Sorolla.

No pierdas la oportunidad de visitar esta exposición única en el Museo Sorolla de Madrid hasta el 29 de septiembre de 2024 y sumergirte en las cien microhistorias que componen la vida de este excepcional pintor.

Pasaporte de Sorolla, marzo de 1919, Museo Sorolla, n.º inv. DA805
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ArteEventos

Robert Nava

by Uve Magazine 14/05/2024
written by Uve Magazine

En un juego deliberado de colores y formas que desafían los cánones establecidos, Robert Nava irrumpe en el escenario artístico internacional con una exposición monográfica en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza. Bajo la cuidadosa curaduría de Guillermo Solana, la muestra presenta diecisiete obras de gran formato que son un testimonio vibrante de la singular voz de Nava en el panorama del arte contemporáneo. Entre estas destacan piezas como Volador con castillo a la espalda (2021) y Tormenta en el río Rojo (2023), ambas pertenecientes a la influyente colección de Blanca y Borja Thyssen-Bornemisza.

Sus lienzos están protagonizados por seres mitológicos zoomórficos que habitan espacios de tensión y violencia, construyendo escenas crípticas en las que no existe el relato, sino la mera acción; tiburones con las fauces abiertas, caimanes ensangrentados, dragones, ángeles alados y otros monstruos híbridos son algunas de las criaturas que caracterizan su iconografía. Las formas son esquemáticas y planas, sin sensación de profundidad, ejecutadas como habría hecho un niño antes de descubrir la perspectiva.

Los cuadernos de Robert Nava, en los que dibuja a modo de ejercicio para registrar ideas, son fundamentales para su proceso creativo. Muchos de estos apuntes pasan posteriormente al lienzo teniendo en cuenta la técnica y las proporciones adecuadas al nuevo soporte. Sus creaciones se trasladan a los grandes cuadros a través del aerosol, de acrílicos y de óleo en barra, materiales que le permiten trabajar con rapidez.

Las obras que forman parte de la exposición pertenecen a su producción más reciente, entre 2019 y 2024, periodo en el que su pintura se caracteriza por ser más pictórica, rica y vigorosa. Todas ellas atestiguan la energía característica del artista, reflejan su capacidad en cierto modo infantil para la fantasía y la creatividad e invitan al espectador a meditar sobre la pérdida de la inocencia y su recuperación.

FICHA DE LA EXPOSICIÓN

Título: Robert Nava

Organizador: Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.

Sede y fechas: Madrid, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, del 11 de mayo al 22 de septiembre de 2024  

Comisario: Guillermo Solana, director artístico del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.

Coordinadora: Paula Luengo, conservadora y responsable de exposiciones del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

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