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Indómitas

by Uve Magazine
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La Feria del Libro de Madrid se prepara para acoger Indómitas, una iniciativa en la que el arte es el denominador común, organizada por el festival POETAS. La muestra contará con la participación de 22 editoriales que se encuentran fuera de los circuitos comerciales habituales.

La Feria del Libro de Madrid, que se celebrará los días 26, 27 y 28 de mayo, será el escenario perfecto para que los visitantes puedan disfrutar de un espacio en el que se darán cita la creatividad, la innovación y las nuevas narrativas. La muestra ocupará una estructura modular abierta de 8x10m y será una oportunidad única para conocer iniciativas nacionales e internacionales que explorarán formatos como el fanzine, la revista ensamblada o el libro de artista.

En palabras de Pep Olona, ​​coordinador del festival POETAS y de Arrebato Libros, uno de los sellos que participan en Indómitas: «Estamos muy felices de abrir ahora esta nueva puerta junto con la Feria del Libro de Madrid, para que, por primera vez, estas editoriales, que son otra forma de ver la producción editorial, también están presentes en un evento de gran escala y que permiten ampliar la visión del público a la Feria».

La presencia de estas editoriales en la Feria del Libro de Madrid es una muestra de la apertura de la feria hacia nuevas tendencias y formas de entender el libro y la cultura en general. Como explica Eva Orúe, directora de la Feria del Libro de Madrid, la feria es la casa de las editoriales, y en esta edición acogerá a más de mil editoriales españolas, incluyendo aquellas que tienen menos títulos y las que tienen más de 700 títulos.

Además, la presencia de Indómitas en la Feria del Libro de Madrid es una oportunidad para descubrir editoriales difíciles de “sujetar o amansar”, como las que participarán en este evento. Se trata de editoriales que expanden el concepto de libro y que, en un fin de semana, Indómitas nos mostrará que no hay libro que no pueda hacerse si hay un editor dispuesto a transgredir los límites.

La muestra ocupará una estructura modular abierta de 8x10m durante el primer fin de semana.

Indómitas’
(Feria del Libro de Madrid, del 26 al 28 de mayo)

NACIONALES

Libros de artista:

1.- ROBERTO EQUISOAIN & DESIREE RUBIO https://robertoequisoain.com y http://rubiodemarzo.com (Zaragoza y Madrid)

Revistas ensambladas:

2.- LA MÁS BELLA www.lamasbella.es (Madrid)

3.- LA LATA www.lalata.es (Albacete)

Fanzines:

4.- Almacén de análisis www.almacendeanalisis.com (Madrid)

5.- Kit Caníbal www.kitcanibal.com (Madrid)

6.- Las Ciervas https://www.rubenbarroso.com/art-books-shop/las-ciervas-revista-ilustrada-hecha-a-mano (Cáceres)

7.- El Naufraguito https://www.elnaufraguito.com (Barcelona)

8.- Mancebía Postigo https://mancebiapostigo.tumblr.com/laeditorial (Barcelona)

Editoriales:

9.- Alkibla www.alkibla.net (Madrid)

10.- Cabeza de Chorlito www.cabezadechorlito.net (Madrid)

11.- L.U.P.I. LA ÚNICA PUERTA A LA IZQUIERDA https://launicapuertaalaizquierda.es (Bilbao)

12.- Media Vaca https://www.mediavaca.com (Valencia)

13.- Meninas Cartoneras https://meninascartoneras.com (Madrid)

14.- Cartonera del escorpión azul https://cartoneradelescopionazul.blogspot.com (Madrid)

15.- Fuera d Carta http://fueradcarta.info (Málaga)

16.- Piedra papel Libros https://piedrapapellibros.com (Madrid)

17.- Arrebato Libros https://www.arrebatolibros.com (Madrid)

INTERNACIONALES

18.- ÁLBUM DEL UNIVERSO BAKTERIAL  https://www.aub.pe/inicio.html (Lima, Perú)

19.- EDICIONES DOCUMENTA https://edicionesdocumenta.com.ar/editorial (Buenos Aires, Argentina)

20.- UGLY DUCKLING PRESSE  https://uglyducklingpresse.org (Nueva York, Estados Unidos)

21.- PEZ EN EL HIELO https://pezenelhielo.wordpress.com (Montevideo, Uruguay)

22.- HAMBRE / SALVAJE / JARDÍN https://nada.com.co/EDITORIALES (Bogotá, Colombia)

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AgendaArte

#Versiona Thyssen. Decimosexta edición

by Uve Magazine
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El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza ha lanzado la decimosexta edición de #VersionaThyssen, un concurso que invita a jóvenes de entre 16 y 35 años a reinterpretar algunas de las obras de la colección del museo. La iniciativa cuenta con la colaboración de la Comunidad de Madrid y UNIQLO LifeWear.

El concurso se llevará a cabo en varias convocatorias a lo largo del año, y la primera de ellas ya ha comenzado. Hasta el 7 de mayo, los participantes pueden compartir su creación en Instagram bajo el hashtag #VersionaThyssen y optar así a uno de los seis premios que van desde 500 a 1.000 euros, así como ventajas en el museo.

Además, se otorgarán dos premios especiales al finalizar todas las convocatorias del año. Uno de ellos consiste en un cheque de 3.000 euros, mientras que el otro es una residencia artística de uno a tres meses, preferiblemente en Berlín o Barcelona, ​​financiada por PRIOR Art Space.

La edición actual ofrece a los participantes seis obras de la colección del museo para versionar. Las obras elegidas son: Retrato de una dama hilando (hacia 1531), de Maerten van Heemskerck; El columpio (hacia 1750-1752), de Jean-Honoré Fragonard; Autorretrato con gorra y dos cadenas (hacia 1642 – 1643), de Rembrandt Harmensz van Rijn; Toms River (1905), de John Frederick Peto; Ninfa en una fuente (reverso: Pan persiguiendo a una ninfa) (1855), de Arnold Böcklin, y Muchacha sentada (Poldi Lodzinsky) (hacia 1910), de Egon Schiele.

Toms River (1905)

Durante este año, #VersionaThyssen tendrá otras dos ediciones: del 1 de junio al 2 de julio y del 11 de septiembre al 21 de octubre.
Toda la información relevante sobre el concurso puede encontrarse en la web del museo: https://www.museothyssen.org/concurso-versionathyssen

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ArteEntrevistas

ENTREVISTA Helena Toraño Caso

by Emain Juliana
written by Emain Juliana

En el segundo número de la revista Uve Magazine, conversamos con la artista plástica Helena Toraño, aquí os dejamos parte de la entrevista.

Arranquemos volviendo la vista atrás, ¿cómo nace tu interés por el arte?

Desde muy pequeñina empecé a disfrutar mucho dibujando y pintando, y mis primeros recuerdos ya incluyen lápices de colores y libretas. En casa siempre hubo libros de arte: Botticelli, Van Gogh, Gauguin, Tamara de Lempicka… ¡Me encantaba mirar las reproducciones de sus obras! Además, mis padres nos llevaban a mí y a mis hermanas a ver exposiciones y museos, así que creo que mi interés por el arte nace gracias a ellos, que nos educaron en el amor y el respeto por la cultura.

¿Recuerdas el momento determinante en el que consideraste seriamente dedicarte de pleno a la pintura?

Esa siempre fue mi intención.

A los dieciséis años me fui a vivir a Gijón para estudiar el bachiller artístico en la Universidad Laboral (en Llanes, de donde soy, no existía esa especialidad) y luego me licencié en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco en 2007.

Estuve unos cuantos años compaginando trabajos muy diversos con proyectos artísticos y exposiciones, pero en 2014, cuando me concedieron el Premio Asturias de Artes Plásticas del Principado, decidí probar suerte y enfocar toda mi energía y mi tiempo en hacer lo que siempre había querido: pintar.

«Me identifico bastante con el arte pop, sobre todo con el británico, que no se centra tanto en el impacto inmediato, sino que es más narrativo, algo más íntimo y con un halo nostálgico. Los colores planos y muy vivos y los elementos de la cultura popular están muy presentes en mi trabajo».

¿Qué artistas y estilos pictóricos consideras que han sido grandes influencias en tu pintura?

Hay artistas que me interesan mucho formalmente (su técnica, los temas que tratan, su paleta, sus composiciones…) y otros de los que me interesa su forma de trabajar, de mirar el mundo y de plasmarlo, aunque estéticamente esté más alejada de ellos.

Una de las cosas que más me gusta es mirar obras de otros artistas, visitar exposiciones, hojear libros, así que tengo muchísimos referentes; algunos me acompañan desde siempre y otros los voy descubriendo a medida que pasa el tiempo, así que la lista no para de crecer.

A continuación, te voy a nombrar solo algunos de ellos y solo me voy a centrar en pintores (porque también hay cineastas, fotógrafos, músicos, actores, etcétera):

David Hockney, Henri Rousseau, Félix Vallotton, Leonora Carrington, Georgia O’Keeffe, Edward Hopper, Peter Blake, Pauline Boty, Charlotte Salomon, Gertrude Abercrombie, Suzanne Valadon, Isabel Villar…

Me identifico bastante con el arte pop, sobre todo con el británico, que no se centra tanto en el impacto inmediato, sino que es más narrativo, algo más íntimo y con un halo nostálgico. Los colores planos y muy vivos y los elementos de la cultura popular están muy presentes en mi trabajo. Pero las épocas que más me gustan y a las que pertenecen muchos de mis artistas preferidos son el posimpresionismo y las primeras vanguardias: la escuela de PontAven, los Nabis, el fauvismo, el simbolismo… Ese momento de ruptura y de búsqueda donde primaba la subjetividad y la libertad expresiva me resulta emocionante.

«Una de las cosas que más me gusta es mirar obras de otros artistas, visitar exposiciones, hojear libros, así que tengo muchísimos referentes».

¿Cómo es tu proceso de creación?

Mi estado normal es el de estar en búsqueda continua, siempre atenta: leyendo, viendo películas, escuchando música, hojeando revistas, haciendo fotos… Tengo una libreta en la que voy apuntando las ideas que surgen de esa búsqueda y en la que voy realizando bocetos, y así, cuando me enfrento, por ejemplo, a la creación de una serie de cuadros, acudo a ella y decido sobre qué bocetos quiero trabajar.

Aquí es donde tengo que ir poniéndome límites para empezar a concretar y perfilar el concepto que voy a desarrollar, y es, quizás, la parte que me resulta más difícil.

Cuando sé qué dirección quiero tomar sigo realizando bocetos, elijo los formatos y comienza la fase más disfrutona, la de pintar. Suelo hacer los bocetos en escala de grises porque, aunque me gusta tener la composición muy clara antes de empezar a trabajar sobre el lienzo, la elección de los colores prefiero ir decidiéndola sobre la marcha.

¿Qué historias hay detrás de tu trabajo?

A mí me gusta más sugerir que contar. Me gusta plantear escenas que evoquen historias, pero de una manera abierta, poco concreta. De esta manera, pretendo que sea el espectador quien, a través de sus conocimientos o de sus experiencias personales, les dé uno u otro significado. Así, una obra puede tener tantas interpretaciones como espectadores la contemplen y esto no hace más que enriquecerla.

La relación de las protagonistas de tus obras con la naturaleza es una constante en tu trabajo.

Sí, la naturaleza y la conexión con ella son unas de mis mayores inspiraciones. Además, después del confinamiento que vivimos en 2020 creo que es un aspecto que se ha pronunciado enormemente tanto en mis obras como en mi día a día. Disfruto mucho de la sensación del aire fresco y del sol en la cara, el olor a salitre y a hierba mojada, el viento en el pelo… y precisamente son estas sensaciones las que me gusta que mis cuadros transmitan.

El resto de la entrevista la encontrarás en nuestra revista impresa a la venta en librerías y en la web uvebooks.com y muy pronto también en digital.

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Lucian Freud

by Uve Magazine
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El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, en colaboración con la National Gallery de Londres, dedica una retrospectiva al pintor británico Lucian Freud (1922-2011), con motivo del centenario de su nacimiento. La exposición, comisariada por Daniel Herrmann en Londres y por Paloma Alarcó en Madrid, reúne más de medio centenar de obras que muestran las siete décadas de producción de uno de los artistas europeos más significativos del siglo XX. El extenso catálogo, con textos de los comisarios y contribuciones de diferentes especialistas en su obra y de varios artistas contemporáneos, plantea nuevas preguntas sobre la relevancia actual de la obra de Freud para acercarlo a las nuevas generaciones. Tras su presentación en Londres, donde puede verse hasta el 22 de enero de 2023, la muestra llega a mediados de febrero al museo madrileño, donde cuenta con la colaboración de la Comunidad de Madrid.

Desde sus primeras obras, de mediados del siglo XX, de una minuciosidad primitivista y un cierto aire neorromántico y surreal, Freud toma partido por el arte figurativo y adopta una postura de resistencia en medio de las corrientes abstractas dominantes.

FICHA DE LA EXPOSICIÓN

Título:Lucian Freud. Nuevas perspectivas

Organizadores: Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y The National Gallery, Londres

Con la colaboración de: Comunidad de Madrid.

Sede y fechas: Londres, The National Gallery, del 1 de octubre de 2022 al 22 de enero de 2023; Madrid, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, del 14 de febrero al 18 de junio de 2023.

Comisarios: Daniel F. Herrmann, curator of modern and contemporary projects de la National Gallery de Londres, y Paloma Alarcó, jefe de conservación de pintura moderna del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.

Comisaria técnica: Clara Marcellán, conservadora de pintura moderna del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.

Número de obras: 55

Publicaciones: Catálogo con textos de Daniel F. Herrmann y Paloma Alarcó, además de Christina Kennedy, Catherine Lampert, Maria H. Loh, Nicholas Penny, Gregory Salter, Jasper Sharp, Andrew Wilson y de los artistas David Dawson, Tracey Emin, Chantal Joffe y Jutta Koether.

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ArteEventos

El Thyssen restaura ‘La Virgen de la Humildad’ de Fra Angelico

by Uve Magazine
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El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta Fra Angelico. Restauración de La Virgen de la Humildad, una instalación especial en torno a esta obra maestra de la colección que acaba de ser restaurada. El montaje se exhibe en la sala 11 y muestra los resultados y las conclusiones del trabajo realizado.

Tras su presentación en Madrid, el cuadro regresará al Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC), donde se exhibe habitualmente como parte del depósito del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.

Este proyecto ha sido posible gracias al apoyo de Bank of America, que lo ha incluido en su programa Art Conservation Project como receptor de una de las 19 ayudas internacionales otorgadas en 2022 para la restauración y conservación de obras de arte.

Guido di Piero da Mugello, conocido como Fra Giovanni da Fiesole o, más popularmente, como Fra Angelico (Vicchio, hacia 1395/1400-Roma, 1455), ingresó en el convento de San Domenico entre 1418 y 1421, poco después de haber iniciado su actividad artística como miniaturista. Comenzó a pintar trípticos y tablas de arte sacro y, a principios de los años 30, ya gozaba de un reconocido prestigio, siendo considerado uno de los grandes pintores de Florencia. Sus pinturas religiosas estaban concebidas para la devoción de los que las contemplaban y para el propio pintor, que consideraba su trabajo como una forma de oración.

La Virgen de la Humildad (hacia 1433-1435) representa a la Virgen con el Niño y pertenece al inicio del periodo de madurez del artista. La obra está repleta de detalles simbólicos, como las azucenas que aluden a la pureza de María y las rosas rojas y blancas que hacen referencia a la pasión de Cristo. Frente a la frontalidad y al uso del dorado típicos del siglo anterior, Fra Angelico introduce en esta obra un tipo de luz y una paleta de colores que suponen una novedad adoptada durante el Quattrocento. Además, recurre a técnicas con las que ya había experimentado en otras pinturas, como la realización de incisiones que le ayudan a crear las texturas y los volúmenes de los paños.

La tabla formó parte de la colección del rey Leopoldo I de Bélgica y, entre 1909 y 1935, de la colección Pierpont Morgan Library de Nueva York. En 1935 fue adquirida por Heinrich Thyssen-Bornemisza y, tras su muerte, fue su hija, la condesa Margit Batthyáni, quien la recibió en herencia hasta que su hermano, el barón Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza, se la compró para su colección en 1986. Es una de las obras maestras de la colección Thyssen y solo se ha podido ver en tres ocasiones en el museo de Madrid (en 2006, en 2009 y en 2021), ya que forma parte de las casi 80 obras de las escuelas italiana y alemana depositadas desde 1992 en Barcelona, primero en el Monasterio de Pedralbes y, desde 2004, en el MNAC.

FICHA DE LA EXPOSICIÓN
Título: FRA ANGELICO. Restauración de La Virgen de la Humildad.
Organizador: Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, con el apoyo de Bank of America.
Sede y fechas: Madrid, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, del 19 de diciembre de 2022 al 12
de diciembre de 2023.
Más información: https://www.museothyssen.org/

Del 19 de diciembre de 2022 al 12 de diciembre de 2023

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Visiones expandidas. Fotografía y experimentación.

by Uve Magazine
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El centro cultural de la Fundación ”la Caixa” acoge la muestra Visiones expandidas que propone un recorrido por una rama de la fotografía mas alternativa y experimental en colaboración con el Musée National d’Art Moderne – Centre National d’Art et de Culture Georges Pompidou de París.
La muestra, con 172 obras de 107 artistas, se adentra en el juego y la experimentación, la creación de realidades ficticias, en esta muestra podemos encontrar obras de Man Ray, László Moholy-Nagy, Lisa Oppenheim, Florence Henri, William Klein, Brassaï, André Breton, Rudolf Steiner, Barbara Kruger, Constantin Brancusi, Olafur Eliasson, Paul Éluard, Barbara Morgan y Suzanne Muzard, entre muchos otros.

Ellen Carey, Self-portrait, 1987. Centre Pompidou, MNAM-CCI/Philippe Migeat/Dist. RMN-GP. © Ellen Carey.

Desde sus orígenes, la fotografía ha estado sujeta a los muchos y constantes avances de los procesos químicos y técnicos. A comienzos del siglo XX, artistas de vanguardia como los dadaístas y los surrealistas, así como los artistas
modernos cercanos al constructivismo, mostraron un especial interés por el medio fotográfico, que entonces se consideraba la herramienta contemporánea por excelencia. De hecho, la fotografía no solo ofrecía nuevas posibilidades
formales para explorar y expresar el espíritu de los tiempos modernos, sino que, al no estar vinculada a una larga tradición ni a las redes de difusión clásicas, encarnaba además la libertad de acción y pensamiento al servicio de
innovaciones formales y de críticas sociales o políticas. De esta forma, collages, fotomontajes, fotogramas y puntos de vista radicales generaron una nueva gramática visual.
En la segunda mitad del siglo, una nueva generación llevaría aún más lejos esas experimentaciones visuales y diluiría todas las fronteras establecidas entre las diferentes disciplinas artísticas ―pintura, escultura y cine, pero también performance―. Esa investigación y esa creatividad constantes persisten en la actualidad gracias a numerosos artistas que cuestionan la naturaleza de las imágenes y su rol en el mundo actual. Ahora, fruto de la revolución impulsada por las tecnologías digitales, trasladan la fotografía experimental a horizontes creativos inéditos.

La exposición, que se podrá visitar hasta el 26 de marzo de 2023 en CaixaForum Madrid, se compone de seis ámbitos temáticos: «Luz», «Movimiento», «Alteraciones», «Recrear mundos», «La visión a prueba» y «Anatomías». 

https://caixaforum.org/es/madrid/p/visiones-expandidas_a88451080

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ArteEventos

En el ojo del huracán. Vanguardia en Ucrania

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Desde el 29 de noviembre se podrá disfrutar en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza de la muestra En el ojo del huracán. Vanguardia en Ucrania, 1900-1930, esta exposición exhibe el desarrollo de la vanguardia ucraniana durante las primeras décadas del siglo XX, mostrando las diferentes tendencias artísticas.

La exposición se organiza cronológicamente, incluyendo la obra de los principales maestros de la vanguardia ucraniana, tales como Oleksandr Bohomazov, Vasyl Yermilov, Viktor Palmov y Anatol Petrytskyi. También se muestra todo el amplio abanico de estilos e identidades que van desde las pinturas neobizantinas de los seguidores de Mykhailo Boichuk o las obras experimentales de la Kultur Lige, que buscaban promover su visión del arte contemporáneo ucraniano y yidis, respectivamente, a las piezas de Kazymyr Malevych y El Lissitzky, artistas por excelencia de la vanguardia internacional que trabajaron en Ucrania y dejaron una huella significativa en el desarrollo de la escena artística nacional. Del mismo modo, se presentan ejemplos de figuras de renombre internacional que nacieron y comenzaron sus carreras en Ucrania, como Alexandra Exter, Wladimir Baranoff-Rossiné y Sonia Delaunay. La muestra consta de un total de 69 obras.

Se trata del estudio más completo realizado hasta la fecha del arte ucraniano de vanguardia, que cuenta con numerosos e importantes préstamos del National Art Museum of Ukraine y del Museum of Theatre, Music and Cinema of Ukraine, y con el que el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza quiere celebrar el dinamismo y la diversidad de la escena artística ucraniana, al tiempo que salvaguarda el patrimonio del país durante la intolerable ocupación actual de su territorio por parte de Rusia. Tras su presentación en Madrid, la muestra viajará al Museum Ludwig de Colonia.

En el ojo del huracán. Vanguardia en Ucrania, 1900-1930

En el ojo del huracán. Vanguardia en Ucrania, 1900-1930.

Organiza: Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.

Sede y fechas: Madrid, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, del 29 de noviembre de 2022 al 30 de abril de 2023. Colonia, Museum Ludwig, del 3 de junio al 24 de septiembre de 2023.

Comisariada por: Konstantin Akinsha, Katia Denysova y Olena Kashuba-Volvach.

Comisaria técnica en Madrid: Marta Ruiz del Árbol, conservadora de pintura moderna del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.

Más información: www.museothyssen.org

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AgendaArteEventos

Tattoo. Arte bajo la piel

by Uve Magazine
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Tattoo. Arte bajo la piel, producida y organizada por el Musée du Quai Branly – Jaques Chirac de París y la Fundación ”la Caixa”, propone un viaje al singular universo del tatuaje desde una visión antropológica y analiza el resurgimiento de este fenómeno global.

Esta muestra presenta un recorrido de más de 240 piezas de todo el mundo entre pinturas, dibujos, libros, siliconas con tinta, herramientas para tatuar, máscaras, fotografías, sellos y 9 audiovisuales, sigue a tatuadores y tatuados a través de épocas y continentes para explorar las confluencias que han convertido el tatuaje en una forma de expresión artística mundial. Entre ellos se encuentra la tatuadora filipina Whang-od Oggay, de 105 años, considerada como la última maestra que utiliza el batok (tatuaje tradicional hecho a mano).

El tatuaje encierra una gran historia técnica y estética de más de 5.000 años, donde los tatuadores y los tatuados son sus portavoces diarios. Por primera vez en España, se podrá ver la mayor exposición histórica que ahonda en el tatuaje como gesto artístico y rinde homenaje a aquellos artistas que han hecho evolucionar el arte del tatuaje, pero cuyo papel nunca se ha reivindicado en los museos.
La muestra explora, desde un enfoque antropológico inédito, los distintos usos del tatuaje a lo largo de la historia y el papel social que desempeña esta práctica ancestral en las culturas del mundo: desde la represión a la reivindicación. Así, los visitantes viajarán a través del tatuaje por todos los continentes descubriendo sus orígenes, la evolución que han experimentado las técnicas y el modo en que conviven en sincretismo distintas corrientes vinculadas al arte del tatuaje, que es ya un fenómeno mundial.
En pleno boom del tatuaje, se calcula que el 12 % de los ciudadanos de Europa lleva, al menos, uno. No obstante, la fascinación por el tatuaje cuenta con una larga trayectoria: desde el impulso de la atracción de feria hasta la inmediatez de la cultura callejera, el tatuaje encarna el deseo de expresar a los demás no solo lo que somos, sino también lo que queremos ser, transformando así la piel en un particular lienzo.

Como es habitual, la exposición va más allá de la sala con la publicación a cargo de la Fundación “la Caixa” de un catálogo de la muestra y la organización de un completo programa de actividades.
La especialista Clara Peñalver coordinará el ciclo Todo sobre el tatuaje que incluye conferencias y mesas redondas que tratarán el fenómeno desde ópticas tan diversas como la historia, el arte, la espiritualidad, la ciencia, la moda o la salud mental, con la participación de Sandra Martínez Rossi, Mik Garreta, Cristina Vara Ocón, Laura Cubero, Josep Martí, Mariló Fernández, Mónica Salmerón y Lorena Maria Soria Reyes.

Expo Tattoo en Caixaforum

La noche del 3 de febrero será la Noche del Tatuaje, que aunará a tatuadores de prestigio internacional trabajando en directo con charlas, arte urbano y música.

Tattoo. Arte bajo la piel
Del 9 de noviembre de 2022 al 5 de marzo de 2023
CaixaForum Zaragoza
Avenida Anselmo Clavé, 4
50004 Zaragoza
Tel. 976 76 82 00
[email protected]
Horario
De lunes a domingo y festivos, de 10 a 20 h
Servicio de Información de la Fundación ”la Caixa”
Tel. 900 223 040
De lunes a viernes, de 9 a 17 h

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Alicia en el país de las maravillas Por Dalí, Ernst, Laurencin & Tenniel

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La exposición Alicia en el país de las maravillas. Por Dalí, Ernst, Laurencin & Tenniel, está comisariada por Helena Alonso, consta de un total de 74 obras, de las cuales 60 son grabados y explora la relación entre la obra mas destacada de Lewis Carroll, pseudónimo de Charles Lutwidge Dodgson (Reino Unido, 1832-1898), y el surrealismo, la ilustración y las ciencias matemáticas.

Esta muestra, desentraña la influencia entre la novela de Carroll y las obras de Dalí, Max Ernst, Laurecin y Teniel, que discurren entre varios mundos, el de la realidad y el onírico, el tiempo y la metamorfosis, las matemáticas y la lógica.

Lewis Carroll, “Alice Liddell”, c.1870

La serie de 13 grabados de Dalí que encontramos en la exposición fueron un encargo de Maecenas Press – Random House de Nueva York en 1969 para ilustrar una edición de la famosa novela de Carroll. Cada grabado ilustra uno de
los 12 capítulos del libro, más el del frontispicio. En todos ellos, Alicia aparece representada como una joven saltando a la cuerda.

Max Ernst fue una figura fundamental del movimiento dadá y del surrealismo, Ernst se siente fascinado por el mundo creativo de Lewis Carroll y por Alicia, por lo que en 1970 dedica una serie de litografías al universo literario del escritor, de las que se pueden ver nueve en esta exposición. 

Los grabados de Laurencin  pertenecen a una edición especial de Alicia en el país de las maravillas encargados por la editorial The Black Sun Press en 1930 ilustradas con seis litografías de la artista en color y otras seis en sanguina, de la que solo se hicieron solo 20 ejemplares.  La artista destaca la parte más femenina del personaje en un tipo de obras que se caracterizan por las formas planas, herencia de su etapa cubista, y el empleo de tonos claros, casi al pastel, alejados de otras versiones más oscuras de Alicia.

Tenniel realizó los grabados originales para Alicia en el país de las maravillas bajo las instrucciones de Carroll y están datados en 1868 y realizados con los electrotipos originales, antes de que Carroll mandará destruirlos en 1896.
John Tenniel grabó en bloques de madera (xilografía) las imágenes para la primera publicación del libro y los bañó en cobre, creando unos bloques denominados electrotipos. Una vez creados, los bloques de madera fueron separados y se conservaron sin ser usados nunca para grabar. Estos electrotipos originales de la novela, con los que se realizaron los grabados que vemos en la exposición, se fueron desgastando, así, en 1896, Carroll ordenó que se hiciesen unos nuevos a partir de los bloques de madera guardados y que se destruyeran los electrotipos desgastados. Los bloques de madera originales se depositaron en la cámara acorazada de un banco y permanecieron en secreto hasta que se descubrieron en
1981. Actualmente se hallan en la British Library.
Entre 1865 (fecha de la primera edición de Alicia, de la que solo se conservan 22 ejemplares en el mundo) y 1896, todos los grabados se realizaron con los electrotipos originales sin que se anotara el número de tirada, práctica común en la historia del grabado. A partir de 1896, las tiradas fueron realizadas con los nuevos electrotipos, hasta que dejaron de emplearse.

Además de las visitas presenciales, la Fundación Canal ofrece la posibilidad de visitar la exposición online, a través de un site que permite realizar una visita virtual 360º interactiva por la muestra y complementan la muestra la organización visitas-taller para familias.

Información facilitada por la Fundación Canal Isabel II.
Información y reservas: www.fundacioncanal.com

– Laborables y festivos de 11:00 a 20:00 horas.

– Miércoles de 11:00 a 15:00 horas.

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Cartas de amor a las ciudades

by Uve Magazine
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 El docuweb Cartas de amor a las ciudades recoge una selección de estos paisajes urbanos de las colecciones Thyssen-Bornemisza para reflexionar acerca de las múltiples realidades y perspectivas de nuestras urbes, coincidiendo además con la celebración el 31 de octubre del Día Mundial de las Ciudades.

A lo largo de la historia, las ciudades han sido un motivo de inspiración para los artistas, cuyas emociones y experiencias han quedado reflejadas en sus obras.
Se trata del tercer docuweb realizado dentro del marco de colaboración entre el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y la Fundación BBVA. Tras Artistas migrantes y Volver a la naturaleza, este proyecto pone en diálogo la diversidad de miradas que los artistas han tenido sobre algunas ciudades clave para el desarrollo del mundo occidental con la visión contemporánea de distintas personalidades del ámbito de la literatura, la historia del arte, la arquitectura y el urbanismo.

Jardines de Luxemburgo, 1928

Los contenidos de este docuweb se reúnen en un espacio inspirado en la obra Nueva York, 3 (inacabado) de Piet Mondrian, en los gabinetes de curiosidades y en diferentes morfologías de espacios urbanos. Su diseño permite al usuario navegar de dos formas distintas: una primera no lineal, llamada “Deriva”, a modo de flânerie o paseo, y una segunda, titulada “Rumbo”, que propone un recorrido más ordenado y estructurado en ejes temáticos y tipologías de contenidos, como un inventario museográfico o archivístico.
Acorde a esta idea de “ciudad”, el usuario puede elegir además entre modo “noche” y modo “día”, metáfora visual que invita a pensar sobre cómo se perciben nuestras ciudades en diferentes momentos de una jornada.
Cartas de amor a las ciudades da la bienvenida con Ojos dentro de ojos. La ciudad viva y pintada, una pieza audiovisual en la que la escritora madrileña Marta Sanz realiza una lectura personal de la ciudad basándose en recuerdos familiares y obras del museo y anticipa los temas que tratarán el resto de los participantes. Marta Sanz es doctora en Literatura Contemporánea por la Universidad Complutense de Madrid. Ha sido Premio Ojo Crítico de Narrativa, Premio NH Vargas Llosa de Relato y finalista del Premio Nadal en 2006.
Tras esta introducción, el recorrido se divide en cinco secciones principales: Periferias, Caminar, Plaza, Ventanas y Memorias. Cada una de ellas está formada por una serie de contenidos audiovisuales, entre los que se encuentran vídeos protagonizados por los diferentes especialistas participantes en el proyecto, podcasts, obras de arte digitalizadas y cartas escritas por Salvador Martín, del área de Educación del museo, y las historiadoras Ana Gómez y Mariola Campelo.

https://www.museothyssen.org/webdocs/conectathyssen/cartas-amor-ciudades/

Este nuevo proyecto, dentro del programa de colaboración entre el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y la Fundación BBVA ambas instituciones, ofrece una lectura contemporánea de las colecciones del museo para abordar la importancia de nuestras ciudades como espacios para la vida y el encuentro colectivo.

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