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AgendaArteEventos

Celebración del 150 aniversario de Julio Romero de Torres en el Museo Thyssen-Bornemisza

by Uve Magazine 22/05/2024
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En el marco del 150 aniversario del nacimiento del destacado pintor cordobés Julio Romero de Torres, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza exhibe una de sus obras más emblemáticas: “La Chiquita Piconera”. Esta obra, realizada entre 1929 y 1930, poco antes de la muerte del artista, es considerada su testamento pictórico y estará disponible para el público del 6 de mayo al 28 de julio de 2024.

Un Homenaje al Maestro

La exhibición de “La Chiquita Piconera” ha sido posible gracias al préstamo del Museo Julio Romero de Torres de Córdoba y el apoyo del Ayuntamiento de Córdoba. La obra se presenta en la sala 45 del museo, dedicada a los realismos de entreguerras, donde comparte espacio con obras de artistas de renombre como Pablo Picasso, Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz y Balthus. Esta combinación de obras ofrece un contexto rico y profundo, permitiendo a los visitantes apreciar diferentes enfoques y estilos dentro de un mismo periodo histórico.

“La Chiquita Piconera” es una representación sublime del talento de Julio Romero de Torres. Con una técnica casi fotográfica, el pintor captura la esencia íntima de una humilde habitación. En el centro de la escena, una joven, la modelo María Teresa López, está sentada frente a un brasero de cobre, mirando de forma directa e intensa al espectador. Esta mirada penetrante conecta emocionalmente con quien la observa, invitándolo a reflexionar sobre la vida de la protagonista.

La atmósfera de la pintura se enriquece con una puerta entreabierta que permite vislumbrar el paisaje cordobés al anochecer. En el fondo se distinguen el Guadalquivir, el Puente Romano, el paseo de la Ribera y la Torre de la Calahorra, elementos que enmarcan la escena y aportan una capa adicional de profundidad y realismo.

Más Allá de la Denuncia Social

En el ocaso de su vida, Julio Romero de Torres regresó a temas que había explorado en su juventud, pero con una nueva profundidad y madurez. “La Chiquita Piconera” va más allá de la simple denuncia social, exponiendo la crudeza de la vida marginal de su protagonista en una imagen cargada de melancolía y sensualidad. La obra no solo destaca por su temática, sino también por su ejecución técnica y la capacidad del pintor para sintetizar su trayectoria vital y artística.

 

22/05/2024 0 comments
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AgendaArteEventos

Exposición Elliott Erwitt. La comedia humana

by Uve Magazine 16/05/2024
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Un homenaje a la mirada única de un maestro de la fotografía

Madrid, 14 de mayo de 2024 – La Fundación Canal inaugura una exposición dedicada al renombrado fotógrafo franco-estadounidense Elliott Erwitt, titulada “Elliott Erwitt: La comedia humana”. Esta muestra, coproducida junto con Magnum Photos y comisariada por Andrea Holzherr, directora global de exposiciones de Magnum Photos, forma parte de la sección oficial del circuito de exposiciones de PhotoESPAÑA 2024.

Una colección única

La exposición reúne 135 obras icónicas de Elliott Erwitt, todas provenientes directamente de su estudio. Estas imágenes, positivadas por el propio fotógrafo, reflejan su distintiva habilidad para capturar la esencia de lo cotidiano con humor, ingenio y un profundo sentido humano. Erwitt, quien falleció en 2023, es conocido por su talento para encontrar lo extraordinario en lo ordinario y por mostrar la comicidad inherente a la condición humana.

La muestra está dividida en tres secciones, cada una de ellas dedicada a diferentes ámbitos que fueron fuente de inspiración para Erwitt: personas, animales y formas.

  1. Personas: Esta sección destaca las anécdotas y momentos cotidianos que Erwitt elevó a lo extraordinario. Aquí se incluyen dos subsecciones:

    • Observando gente: Fotografías que demuestran la capacidad de Erwitt para captar momentos caprichosos y absurdos.
    • Observando museos: Imágenes que reflejan la fascinación del fotógrafo por las salas de museos y sus visitantes.
  2. Animales: A través de tres subsecciones, se muestra la afinidad de Erwitt por los animales, especialmente los perros:

    • Perros: Instantáneas que humanizan a estos animales y los presentan como personajes de su particular comedia humana.
    • Perspectiva perruna: Imágenes que ofrecen una visión única desde la perspectiva de los perros.
    • Otros animales: Fotografías de diversas especies que convivían en entornos urbanos, mostrando la diversidad animal en la ciudad.
  3. Formas: Esta sección presenta yuxtaposiciones de objetos que crean realidades abstractas:

    • Abstracciones: Fotografías que combinan materialidades y elementos geométricos, manipulando la luz de manera precisa.
    • Composiciones: Imágenes donde las personas no son los elementos primordiales, destacando otras formas de abordar la fotografía.
USA. NYC. 1946.

Las obras expuestas

Entre las 135 copias de época presentadas, 122 son impresiones de pequeño formato conocidas como “impresiones de trabajo”, utilizadas por Erwitt para desarrollar libros y revistas. Además, la exposición incluye 13 copias de gran formato (76 x 101 cm), denominadas “impresiones maestras”, supervisadas directamente por el fotógrafo para ser exhibidas en museos y galerías. Esta combinación de impresiones crea una colección única que se muestra por primera vez al público.

Una invitación a la reflexión

Elliott Erwitt describía la fotografía como un medio que, cuando es bueno, es interesante, y cuando es excelente, es irracional y mágico. Esta exposición invita al espectador a explorar la interpretación subjetiva y emotiva de la realidad a través de las lentes de Erwitt. Sus fotografías, mayoritariamente en blanco y negro, ofrecen una visión interpretativa y expresiva, liberando al color para centrarse en la esencia de los tonos y sus intensidades.

“Elliott Erwitt: La comedia humana” es una oportunidad única para sumergirse en la obra de un maestro de la fotografía y disfrutar de su capacidad para capturar la comedia de la vida diaria con un toque de humor y humanidad.

16/05/2024 0 comments
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Literatura

Vida y legado de Alice Munro

by Uve Magazine 14/05/2024
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Alice Ann Laidlaw, conocida mundialmente como Alice Munro, nació el 10 de julio de 1931 en Wingham, Ontario, y falleció el 13 de mayo de 2024 en Ontario. La escritora canadiense, galardonada con el Premio Nobel de Literatura en 2013 y el Premio Internacional Man Booker en 2009, es considerada una de las escritoras contemporáneas más destacadas en lengua inglesa. Su capacidad para plasmar las complejidades de la vida cotidiana en cuentos breves le ha valido el título de “Chéjov canadiense”.

Primeros años y vida personal

Alice Munro nació en una granja en Wingham, Ontario, durante una época de depresión económica. Esta vida rural y modesta influyó profundamente en su escritura, proporcionando el trasfondo para muchos de sus relatos. Desde joven mostró un interés por la literatura, trabajando en diversos empleos para costear sus estudios en la Universidad de Western Ontario, donde conoció a su primer marido, James Munro.

Se casaron en 1951 y se mudaron a Vancouver. Alice tuvo su primera hija a los 21 años y, tras el nacimiento de dos hijas más, la familia se trasladó a Victoria en 1963, donde el matrimonio regentó una librería. La pareja se divorció en 1972, y Alice Munro regresó a Ontario, donde continuó su carrera literaria mientras vivía en su antigua universidad. En 1976, se casó con Gerald Fremlin, con quien consolidó su vida y carrera literaria.

Trayectoria literaria

Munro comenzó a escribir cuentos en 1950, pero su primer libro, Danza de las sombras felices (Dance of the Happy Shades), no se publicó hasta 1968. Esta colección de cuentos ganó el Governor General’s Award, el premio literario más prestigioso de Canadá. Su siguiente éxito fue La vida de las mujeres (Lives of Girls and Women) en 1971, un libro de relatos interconectados que a menudo se lee como una novela.

En 1978, publicó ¿Quién te crees que eres? (Who Do You Think You Are?, titulado fuera de Canadá como The Beggar Maid), que le valió otro Governor General’s Award. Durante los años siguientes, Munro continuó publicando prolíficamente, con títulos como Las lunas de Júpiter (1982), El progreso del amor (1986), Amistad de juventud (1990) y Secretos a voces (1994).

Desde la década de 1980, Munro publicó una nueva colección de cuentos cortos al menos cada cuatro años. Sus historias aparecieron primero en revistas prestigiosas como The New Yorker, The Atlantic y Harper’s Magazine. Aunque fue traducida al español en esa década, su reconocimiento en el mundo hispanohablante creció notablemente en el siglo XXI, especialmente con Odio, amistad, noviazgo, amor, matrimonio (2001) y Escapada (2004).

Las obras de Munro a menudo se centran en las relaciones humanas y los dilemas de la vida cotidiana, especialmente desde la perspectiva de las mujeres. Sus relatos, caracterizados por su enfoque regional en el condado de Huron, Ontario, son comparados con los de escritores del sur rural de los Estados Unidos, como William Faulkner y Flannery O’Connor. Sin embargo, los personajes de Munro tienden a enfrentar sus problemas con una intensidad más contenida.

Munro es conocida por su habilidad para capturar las complejidades de la vida a través de momentos epifánicos y detalles reveladores. Sus historias examinan el paso del tiempo y la imposibilidad de detener su avance, un tema recurrente que comparte con Chéjov. Sus personajes femeninos son especialmente complejos, enfrentando conflictos internos y sociales con una profundidad psicológica notable.

Munro ha reconocido la influencia de grandes escritoras como Katherine Anne Porter, Flannery O’Connor, Carson McCullers y Eudora Welty, así como de narradores como James Agee y William Maxwell. Su asociación con el editor Douglas Gibson también fue crucial en su carrera. Munro y Gibson trabajaron juntos desde 1986, y cuando Gibson publicó sus memorias en 2011, Munro escribió la introducción.

Adaptaciones y legado

Las historias de Munro han sido adaptadas al cine en varias ocasiones, incluyendo Martha, Ruth y Edie (1988), Edge of Madness (2002), Lejos de ella (2006), Hateship Loveship (2013) y Julieta (2016). Cada adaptación ha contribuido a expandir su influencia y el reconocimiento de su obra a un público más amplio.

En La vista desde Castle Rock (2006), Munro hizo un balance de la historia de su familia y sus raíces escocesas. Aunque habló de retirarse después de este libro, publicó Demasiada felicidad (2009) y Mi vida querida (2012), este último considerado como una especie de confesión definitiva.

14/05/2024 0 comments
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AgendaArteEventos

Inauguración de la Exposición “Sorolla en 100 objetos”

by Uve Magazine 14/05/2024
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El 13 de mayo, se ha inaugurado en el Museo Sorolla una nueva exposición en conmemoración del centenario de la muerte del pintor valenciano Joaquín Sorolla. Titulada Sorolla en 100 objetos, esta muestra ha sido organizada por el Museo Sorolla y la Fundación Museo Sorolla, con el patrocinio de la Fundación Mutua Madrileña y la Fundación Iberdrola España, y la colaboración de El Corte Inglés. La exposición estará abierta al público desde el 14 de mayo hasta el 29 de septiembre de 2024.

La exposición Sorolla en 100 objetos ofrece un acercamiento innovador a la vida y obra del pintor conocido como el maestro de la luz. A través de cien objetos seleccionados minuciosamente, la muestra hilvana pequeñas historias que, al entrelazarse, presentan una narración fragmentada pero rica de la vida de Joaquín Sorolla Bastida (1863-1923). Cada pieza, desde cartas y fotografías hasta objetos de su colección personal, como un capitel califal del siglo X o un relieve de la Santísima Trinidad del siglo XVI, nos sumerge en una microhistoria que revela aspectos poco conocidos de su vida.

La visión de la comisaria

Covadonga Pitarch Angulo, comisaria de la exposición, ha llevado a cabo un exhaustivo trabajo de investigación para descubrir al Sorolla más íntimo y humano a través de estos objetos cotidianos y raros. Pitarch Angulo ha destacado la importancia de estos objetos en la comprensión de la vida del pintor: “Cada pieza es una puerta abierta a una faceta de su existencia, ya sea en lo personal, lo familiar, o lo profesional”. Entre los objetos expuestos se encuentran cartas personales, fotografías antiguas, dibujos, pinturas y hasta el pasaporte del artista, cada uno con su propia historia y relevancia.

Un recorrido a través de 16 secciones

La exposición se organiza en 16 secciones temáticas, cada una de las cuales permite trazar una biografía algo desordenada pero profundamente reveladora de Sorolla. A lo largo del recorrido, los visitantes pueden descubrir la pasión del pintor por el coleccionismo, su amor por la familia y sus relaciones profesionales. Cada sección cierra con una obra emblemática, el último retrato que realizó Sorolla en 1920: el retrato de Mabel Rick. Esta pintura no solo cierra cada sección, sino que también actúa como un punto culminante de la exposición, recordándonos el talento inigualable del artista hasta sus últimos días.

Sorolla en 100 objetos culmina un año de celebraciones y homenajes al pintor valenciano en el centenario de su fallecimiento. Durante el último año, el Museo Sorolla ha presentado una serie de exposiciones y actividades dedicadas a honrar la memoria y legado de Joaquín Sorolla. Esta muestra final, que estará disponible hasta el 29 de septiembre de 2024, representa el cierre perfecto a un programa expositivo que ha permitido a los amantes del arte redescubrir y profundizar en la figura de Sorolla.

Un viaje personal y artístico

La exposición no solo busca resaltar el talento artístico de Sorolla, sino también su vida personal y sus pasiones. Los objetos seleccionados revelan un hombre multifacético: un pintor dedicado, un coleccionista apasionado, un padre cariñoso y un marido atento. Esta visión íntima de Sorolla proporciona una comprensión más profunda de su arte, mostrando cómo su vida personal y sus experiencias se reflejaban en su obra.

Retrato de Mabel Rick, señora de Pérez de Ayala. 1920

Visitar Sorolla en 100 objetos es una oportunidad única para conocer de cerca al hombre detrás del genio. El Museo Sorolla ofrece así un viaje fascinante a través de los objetos que acompañaron a Sorolla a lo largo de su vida, permitiendo a los visitantes experimentar de primera mano las historias y recuerdos que conformaron su existencia. Esta exposición promete ser una experiencia inolvidable para todos aquellos que deseen acercarse más al mundo de Joaquín Sorolla.

No pierdas la oportunidad de visitar esta exposición única en el Museo Sorolla de Madrid hasta el 29 de septiembre de 2024 y sumergirte en las cien microhistorias que componen la vida de este excepcional pintor.

Pasaporte de Sorolla, marzo de 1919, Museo Sorolla, n.º inv. DA805
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ArteEventos

Robert Nava

by Uve Magazine 14/05/2024
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En un juego deliberado de colores y formas que desafían los cánones establecidos, Robert Nava irrumpe en el escenario artístico internacional con una exposición monográfica en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza. Bajo la cuidadosa curaduría de Guillermo Solana, la muestra presenta diecisiete obras de gran formato que son un testimonio vibrante de la singular voz de Nava en el panorama del arte contemporáneo. Entre estas destacan piezas como Volador con castillo a la espalda (2021) y Tormenta en el río Rojo (2023), ambas pertenecientes a la influyente colección de Blanca y Borja Thyssen-Bornemisza.

Sus lienzos están protagonizados por seres mitológicos zoomórficos que habitan espacios de tensión y violencia, construyendo escenas crípticas en las que no existe el relato, sino la mera acción; tiburones con las fauces abiertas, caimanes ensangrentados, dragones, ángeles alados y otros monstruos híbridos son algunas de las criaturas que caracterizan su iconografía. Las formas son esquemáticas y planas, sin sensación de profundidad, ejecutadas como habría hecho un niño antes de descubrir la perspectiva.

Los cuadernos de Robert Nava, en los que dibuja a modo de ejercicio para registrar ideas, son fundamentales para su proceso creativo. Muchos de estos apuntes pasan posteriormente al lienzo teniendo en cuenta la técnica y las proporciones adecuadas al nuevo soporte. Sus creaciones se trasladan a los grandes cuadros a través del aerosol, de acrílicos y de óleo en barra, materiales que le permiten trabajar con rapidez.

Las obras que forman parte de la exposición pertenecen a su producción más reciente, entre 2019 y 2024, periodo en el que su pintura se caracteriza por ser más pictórica, rica y vigorosa. Todas ellas atestiguan la energía característica del artista, reflejan su capacidad en cierto modo infantil para la fantasía y la creatividad e invitan al espectador a meditar sobre la pérdida de la inocencia y su recuperación.

FICHA DE LA EXPOSICIÓN

Título: Robert Nava

Organizador: Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.

Sede y fechas: Madrid, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, del 11 de mayo al 22 de septiembre de 2024  

Comisario: Guillermo Solana, director artístico del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.

Coordinadora: Paula Luengo, conservadora y responsable de exposiciones del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

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Literatura

Benito Pérez Galdós. Entre la pluma y la política

by Uve Magazine 10/05/2024
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Primeros años

Benito Pérez Galdós nació en Las Palmas de Gran Canaria el 10 de mayo de 1843, en el seno de una familia de clase media, siendo hijo de Sebastián Pérez, un teniente coronel del Ejército, y de Dolores Galdós. Desde su infancia, Galdós mostró un talento precoz para la música, el dibujo y, sobre todo, la literatura, lo que presagiaba su futura vocación como escritor. Criado en un ambiente cargado de debates políticos y sociales, el joven Galdós desarrolló una sensibilidad especial hacia las problemáticas de su tiempo, lo cual se reflejaría más adelante en su vasta producción literaria.

Carrera literaria

A los diecinueve años, Galdós se trasladó a Madrid, donde su vida tomaría un giro decisivo. En la capital española, se vio profundamente influenciado por figuras destacadas como Francisco Giner de los Ríos, fundador de la Institución Libre de Enseñanza, quien le introdujo al krausismo y alentó sus primeros pasos en la escritura. Su incursión en el periodismo como colaborador en publicaciones como La Nación y El Debate marcó el inicio de su carrera, donde sus artículos y críticas reflejaban una preocupación constante por el contexto social y político de España.

Sus primeras novelas, como La Fontana de Oro (1870), La Sombra (1871) y El Audaz (1871), muestran influencias del Romanticismo, pero pronto daría paso a una etapa de mayor madurez literaria con obras como Doña Perfecta (1876) y Fortunata y Jacinta (1886-1887). Esta última es un vasto mural de la sociedad madrileña de la época y es considerada una de sus obras cumbre, esta novela relata las vidas cruzadas de dos mujeres de distinta extracción social unidas por un destino funesto,  en ella explora las complejidades del alma humana a través de un realismo que hace presagiar la llagada del Naturalismo Francés a España.

Galdós fue un maestro del Realismo, un estilo que buscaba representar la vida y la sociedad con precisión y detalle minucioso. 

Uno de los aspectos más destacados de la obra de Galdós es su compromiso con los problemas sociales de su tiempo. A través de sus novelas y su participación activa en la política, abordó temas como la injusticia social, la corrupción, y la lucha entre la tradición y la modernidad. Este compromiso no solo lo estableció como un cronista de su época, sino también como un pensador progresista cuya visión podría ayudar a entender y resolver problemas contemporáneos. Generaciones de escritores y pensadores han encontrado en Galdós un modelo de cómo la literatura puede influir y reflejar cambios sociales.

Episodios Nacionales

En 1873, Galdós comenzó a publicar los Episodios Nacionales, una serie de novelas que constituyen un fresco histórico sin parangón de la España del siglo XIX. A través de estas obras, Galdós no solo pretendía narrar los grandes eventos y personajes de su país, sino también dar voz a los ciudadanos comunes, aquellos cuyas vidas se veían moldeadas por las corrientes de la historia. Desde las guerras carlistas hasta la Restauración borbónica, los Episodios Nacionales ofrecen una perspectiva crítica y a menudo desencantada de la política y la sociedad españolas.

Vida personal y últimos años

Galdós nunca se casó, pero su vida personal estuvo marcada por relaciones significativas, incluidos amoríos con figuras literarias como Emilia Pardo Bazán. Su correspondencia revela un hombre de profundos afectos y convicciones, comprometido con un ideal de amor libre y sincero, aunque crítico de las costumbres licenciosas de su tiempo. En los últimos años de su vida, la ceguera y las dificultades económicas ensombrecieron su existencia, pero no menguaron su producción literaria. A pesar de estos desafíos, Galdós continuó escribiendo, completando la monumental serie de los Episodios Nacionales y participando activamente en la vida política española hasta su muerte en 1920.

La obra de Galdós, profunda y extensa, lo establece no solo como el novelista más importante de España después de Cervantes, sino también como un cronista lúcido de la vida y los conflictos de su tiempo. Su legado perdura, ofreciendo una visión crítica y compasiva de la sociedad que le tocó vivir.

10/05/2024 0 comments
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EventosLiteratura

Presentación del cartel de la 83ª Edición de la Feria del Libro de Madrid

by Uve Magazine 08/04/2024
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La 83ª edición de la Feria del Libro de Madrid ha sido presentada el jueves pasado en la sede del Instituto Cervantes de Madrid, con la revelación del cartel que la ilustrará, a cargo del renombrado artista Mikel Casal (San Sebastián, 1965). El evento, programado del 31 de mayo al 16 de junio, busca resaltar la sinergia entre el deporte y la lectura, mostrando cómo ambas actividades nutren tanto el cuerpo como la mente. El cartel de Casal encarna el lema de este año: ‘Entrena tu mente, lee tu cuerpo’.

Durante el evento, el subdirector de Cultura del Instituto Cervantes, Ernesto Pérez Zúñiga, dio la bienvenida a los presentes y elogió la propuesta gráfica del autor, quien explicó que su obra «juega con la idea de que tanto el hábito de la lectura como el de la práctica deportiva son maneras de poner en práctica una posición vital, una posición luminosa». Casal reveló que para la realización del cartel utilizó una técnica híbrida que combina texturas hechas a mano y técnicas digitales, así como elementos geométricos y gestos sencillos habituales en sus trabajos. Además, el uso de los colores olímpicos es un guiño al tema central de la Feria este año: el deporte.

Eva Orúe, directora de la Feria del Libro de Madrid, elogió el trabajo del ilustrador, destacando que el cartel es “gozoso y colorido, rebosante de sentido del humor y con el estilo inconfundible que nos animó a proponerle su realización”.

La presentación también incluyó la versión que la ONCE ha realizado para uno de sus cupones, una iniciativa que se ha convertido en un clásico de la Feria. Carmen Bayarri, directora del Servicio Bibliográfico de la ONCE, subrayó la importancia de la accesibilidad en el mundo del libro y celebró la colaboración con la Feria del Libro de Madrid, que permitirá que la imagen creada por Mikel Casal llegue a 5,5 millones de cupones.

La adaptación del cartel para personas con discapacidad visual se logró mediante el resaltado táctil de las partes del cuerpo del personaje y los libros que lo rodean, utilizando diferentes texturas para cada uno de los colores, además de una leyenda táctil con las correspondientes equivalencias y escritura en braille.

El cartel ya está disponible en la página web de la Feria, así como en diversas adaptaciones para objetos como bolsas, camisetas, cuadernos, marcapáginas y tazas.

Mikel Casal, galardonado con el Premio Euskadi de Ilustración en 2016, ha dejado su marca en el mundo del arte desde su infancia marcada por la influencia marinera de su familia. Su conexión con el mar y las historias de viajes marítimos han moldeado su estilo único, ganándole reconocimiento internacional a través de premios como la Medalla de Plata de la Society for News Design y su colaboración con destacados medios como The Guardian, Diario El Universal, Sunday Times y Vanity Fair.

08/04/2024 0 comments
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EventosLiteraturaSin categoría

Nace la Red Estatal de Ferias del Libro en España

by Uve Magazine 14/03/2024
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En un gesto de unión y colaboración, las ferias del libro de diferentes rincones de España han dado un paso adelante hacia la creación de la Red Estatal de Ferias del Libro. Esta iniciativa, que une a 19 ferias en su nacimiento, busca promover la lectura, dinamizar la venta de libros y fortalecer el tejido cultural en un entorno en constante evolución.

A pesar de sus diferencias en tamaño, estructura y origen, todas las ferias comparten un objetivo común: estimular la lectura y enriquecer el sector del libro. Según Eva Orúe, directora de la Feria del Libro de Madrid, estas ferias son esenciales para insuflar vida a la cadena del libro y mantenerla vibrante.

En esta red, cada feria aporta su singularidad y experiencia, pero todas se comprometen a trabajar juntas para compartir conocimientos, establecer alianzas estratégicas y mejorar la calidad y sostenibilidad de sus eventos. Desde la Feria del Libro de Valladolid, su directora, Amparo Herrero, destaca el potencial de esta colaboración para enriquecer la experiencia de cada feria y fomentar la cultura en sus respectivas ciudades.

La diversidad de modelos de ferias representadas en esta red refleja la riqueza cultural de España y su compromiso con la promoción de la lectura. Más allá de su función comercial, estas ferias se han convertido en verdaderas agitadoras culturales, enriqueciendo las comunidades a las que pertenecen.

La Red Estatal de Ferias del Libro aspira a convertirse en un espacio de transparencia y profesionalidad, facilitando el diálogo entre los diferentes actores del sector del libro y las administraciones públicas. Su creación es un testimonio del compromiso compartido de promover la lectura y la cultura en toda España.

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ArteEventosSin categoría

Surrealismos. La era de la máquina

by Uve Magazine 11/03/2024
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La fundación canal Isabel II acoge Surrealismos: La era de la máquina, ofrece un viaje íntimo a través de la intersección entre el arte y la tecnología en el siglo pasado. A través de obras cuidadosamente seleccionadas, la exposición nos invita a reflexionar sobre el impacto duradero que la máquina ha tenido en nuestra percepción del mundo y en la evolución del arte moderno.

Marcel Duchamp. Rotoreliefs (Relieves de rotor). Discos ópticos. Concebidos en 1935. Ejemplar de 1965. 6 discos impresos en doble carasobre un eje giratorio para discos inserto en una caja de madera recubierta de terciopelo negro. Colección Marion Meyer. Association Internationale Man Ray, París. © Man Ray 2015 Trust / VEGAP, 2024

En medio de los cambios sociales y culturales desencadenados por la Gran Guerra, surgieron movimientos artísticos como el dadaísmo, desafiando las normas establecidas y buscando nuevas formas de expresión en una sociedad impulsada por la ciencia y la tecnología. Los dadaístas, con su enfoque disruptivo, crearon obras que reflejaban la agitación de la época, utilizando elementos de maquinaria y materiales industriales en sus collages abstractos.

La figura de Alfred Stieglitz, cuya visión transformó la fotografía en un medio artístico reconocido, también ocupa un lugar destacado en la exposición. Su trabajo pionero con el grupo Photo-Secession y la revista Camera Work sentaron las bases del arte estadounidense moderno, introduciendo la vanguardia en Estados Unidos.

Pero es la obra de artistas rebeldes como Marcel Duchamp, Francis Picabia y Man Ray la que da forma al movimiento Dadá en la vibrante escena artística de Nueva York. Aquí, el objeto industrial seriado hizo su primera aparición en la historia del arte, dejando una marca indeleble en la evolución del surrealismo.

Más tarde, Salvador Dalí expandiría aún más los límites del surrealismo, introduciendo el concepto del arte como máquina del pensamiento. La comisaria de la exposición, Pilar Parcerisas, nos guía a través de este fascinante viaje, destacando cómo el surrealismo revela el cuerpo como una máquina que elabora sueños y deseos.

La exposición alberga una amplia variedad de obras, que van desde fotografías hasta pinturas, esculturas y objetos ready-made. Cada pieza es un testimonio de la explosión creativa que caracterizó el inicio del siglo XX y sigue siendo una fuente de inspiración en la historia del arte.

Francis Picabia. Revista 291, núm. 5-6. En portada: retrato de Alfred Stieglitz por Francis Picabia. Julio y agosto 1915. Comitè Picabia, París. © Francis Picabia, VEGAP, Madrid, 2024

DATOS DE LA EXPOSICIÓN
Surrealismos. La era de la máquina
Del 7 de febrero al 21 de abril de 2024
Fundación Canal Isabel II
Sala Mateo Inurria 2 – Madrid

Comisaria: Pilar Parcerisas
Entrada libre y gratuita
Horario: Laborables y festivos: 11 a 20 h, excepto los miércoles: 11 a 15 h.
Excepcionalmente, el miércoles 7 de febrero la exposición permanecerá abierta hasta las 20:30 h.

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AgendaArteEventos

Noemi Iglesias Barrios: Love Me Fast

by Uve Magazine 31/01/2024
written by Uve Magazine

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta la fascinante exhibición “Love Me Fast” de Noemi Iglesias Barrios, la séptima entrega del programa Kora, comisariado por Rocío de la Villa, que anualmente ofrece una perspectiva de género en sus exposiciones. En esta ocasión, la atención se centra en la obra de Noemi Iglesias Barrios, nacida en Langreo en 1987. La exposición presenta alrededor de veinte piezas que establecen un diálogo con obras seleccionadas de las colecciones del museo, utilizando una amplia gama de medios artísticos, como bronce, cristal, vídeo, fotografía y, sobre todo, porcelana.

Love Me Fast, 2023

“Love Me Fast” es la reflexión de la artista asturiana sobre el amor romántico en la era de las redes sociales, donde se idealiza el amor en un contexto de consumismo y se enfrenta a las relaciones tóxicas que a menudo surgen. El resultado es una serie de obras de gran belleza que desafían la distinción entre arte y artesanía en la historia del arte, y en el arte contemporáneo del siglo XXI. Noemi Iglesias es una de las artistas contemporáneas que han devuelto la cerámica y la porcelana al centro del mundo artístico, participando en ferias, bienales y exposiciones en museos. Su profundo interés por esta antigua técnica la llevó a realizar numerosas residencias en centros de estudio en diversos países, desde Grecia, el Reino Unido y Hungría hasta China, Corea y Taiwán, alcanzando un alto grado de maestría en su ejecución. La dedicación y paciencia requeridas para dominar la porcelana parecen actuar como un contrapunto al “amor rápido” que la artista analiza y critica sin rodeos en su obra.

La exposición comienza en la sala 45 de la colección permanente, donde la artista ha dejado una nota titulada “Last Time Lover” junto a la emblemática “Habitación de hotel” de Edward Hopper, presumiblemente la que su protagonista estaría leyendo y cuyo texto fue generado por un software de inteligencia artificial. De esta manera, Iglesias nos sumerge en el mundo de las relaciones amorosas contemporáneas, cada vez más mercantilizadas y mediadas por aplicaciones que alejan el concepto del amor romántico tradicional para convertirlo en una experiencia virtual y engañosa. Basándose en sus propias vivencias, marcadas por diversos estados amorosos intercalados con períodos de aislamiento idiomático y cultural durante sus residencias en el extranjero, Noemi Iglesias aborda sus heridas personales con un toque de humor y sarcasmo.

Everlasting, 2019

A medida que avanzamos en la exposición, entramos en las salas dedicadas a la exhibición en sí. En el primer espacio, la obra “El rapto de Europa” de Simon Vouet (circa 1640) y las dos versiones rococó de “El columpio” a cargo de Fragonard (circa 1750-1752) y Lancret (circa 1735-1740) se enfrentan a tres exquisitos ramos de flores de porcelana y a “El mito de Europa” (2023), una impresionante guirnalda adornada con una variedad de flores azules, destacando algunos pétalos amarillos en referencia a la bandera de la Comunidad Europea. El siglo XVIII marcó el inicio de la fabricación de porcelana en Europa, un producto de lujo que anteriormente se importaba de China.

Sede y fechas: Madrid, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, del 29 de enero al 28 de abril de 2024. Salas de exposiciones de la primera planta (53 a 56) y sala 45 de la colección permanente.

Nº de obras: 25 obras de Noemi Iglesias Barrios y 10 de las colecciones del museo

Comisaria: Rocío de la Villa

Coordinadora: Laura Andrada, Área de Conservación del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Catálogo con textos de Noemi Iglesias Barrios, Rocío de la Villa y Guillermo Solana, director artístico del museo.

Actividad complementaria: conversación entre Noemi Iglesias y Rocío de la Villa el 14 de febrero, día de los enamorados, a las 17.30 h. Salón de actos, acceso libre hasta completar aforo.

31/01/2024 0 comments
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