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ArteSin categoría

El enigma oculto bajo las pirámides de Egipto

by Uve Magazine 23/03/2025
written by Uve Magazine

Desde que Al-Mamún, califa de Bagdad, ordenó abrir por la fuerza un túnel en la Gran Pirámide en el siglo IX, las pirámides de Guiza no han dejado de ser objeto de fascinación, teorías descabelladas y, sobre todo, muchas preguntas sin respuesta. A lo largo de los siglos, se han intentado explicar su función, su modo de construcción y el simbolismo que encierran, siempre con la certeza de que fueron concebidas como tumbas monumentales para los faraones. Pero hoy, a la luz de los descubrimientos recientes, esa certeza empieza a desdibujarse. La combinación de nuevas tecnologías, como el radar de penetración terrestre o las cámaras térmicas de alta precisión, con hallazgos arqueológicos desconcertantes, ha abierto una puerta inesperada a la posibilidad de que aún no entendemos realmente qué son estas estructuras, ni para qué fueron concebidas.

Uno de los hallazgos más recientes proviene del proyecto internacional Scan Pyramids, que en 2023 detectó una anomalía térmica en la cara este de la Gran Pirámide de Keops. Gracias a cámaras infrarrojas, los investigadores descubrieron bloques de piedra a nivel del suelo con una diferencia de temperatura de hasta seis grados respecto a los bloques contiguos. Esta variación no se explica por el simple efecto del sol o la erosión. En las imágenes, mientras la mayoría del monumento aparece teñido de azules y magentas, estas zonas anómalas brillan en tonos cálidos. La posibilidad de que estas diferencias escondan una cámara o cavidad no explorada ha reavivado el interés por una pirámide que, a pesar de haber sido medida, escaneada y atravesada, sigue resistiéndose a ser comprendida del todo. A este hallazgo se suma otro descubrimiento: un corredor oculto de nueve metros de largo en la parte superior de la misma pirámide, detectado también por los sensores del equipo, que se une a una estructura en forma de L ubicada a pocos metros de profundidad y a una posible cámara entre los tres y diez metros bajo la superficie. Todo parece indicar que el interior de Keops no solo es más complejo de lo que pensábamos, sino que hay zonas clave que aún no han sido tocadas.

Pero lo que ha descolocado aún más a la comunidad arqueológica ha sido el trabajo conjunto de Corrado Malanga, de la Universidad de Pisa, y Filippo Biondi, de la Universidad de Strathclyde, quienes han utilizado un radar de apertura sintética (SAR) para mapear el subsuelo de Guiza. Los resultados, publicados en 2022 y actualizados recientemente, muestran un mundo oculto bajo la meseta: cinco estructuras cilíndricas verticales con techos inclinados, todas ellas ubicadas bajo la pirámide de Kefrén, conectadas mediante ocho pozos en espiral que descienden hasta 648 metros de profundidad, y que a su vez se vinculan con dos grandes estructuras cúbicas de 80 metros de lado. En conjunto, esta red subterránea forma un complejo de al menos dos kilómetros de largo que se extiende bajo las tres pirámides principales. Los investigadores aseguran que estas formaciones no son naturales y sugieren que podrían haber servido como cámaras acústicas, generadores energéticos o algún tipo de estructura cuyo propósito aún escapa a nuestra comprensión. Aunque estas ideas rozan lo fantástico, lo cierto es que los datos están ahí, esperando ser interpretados.

Por otro lado, la imagen clásica del constructor egipcio también ha empezado a resquebrajarse. En marzo de 2025, un equipo arqueológico descubrió esqueletos en el sur de Egipto, procedentes de Nubia y datados en torno al 3000 a. C., lo que los sitúa por delante de la construcción de las pirámides. Esta cronología plantea una cuestión delicada: ¿eran los constructores de las pirámides una fuerza local egipcia homogénea, como se ha creído, o participaron en su levantamiento pueblos de otras regiones? La osteóloga Sarah Field, citada por el Daily Mail, señaló que este hallazgo podría cambiar la forma en que entendemos el origen y la organización de quienes levantaron las grandes construcciones. A este hallazgo se suma el trabajo en Tombos (Sudán del Sur), donde la arqueóloga Sara Schrader descubrió pequeñas pirámides de adobe con restos humanos que revelan una vida de trabajo físico intenso. Hasta ahora se asumía que las tumbas piramidales estaban reservadas a la élite, pero estos descubrimientos sugieren lo contrario: que personas de clases bajas también podían ser enterradas en estructuras de ese tipo, lo que abre nuevas preguntas sobre el simbolismo, la funcionalidad y el acceso social a estos espacios.

Las pirámides fueron construidas entre los años 2630 y 2500 a. C., como tumbas para los faraones de la IV Dinastía, mediante enormes rampas y una estructura de organización laboral altamente sofisticada. Pero cada nuevo descubrimiento parece horadar esa narrativa y recordar que, aunque creamos conocerlas, las pirámides siguen siendo estructuras incomprensibles en muchos aspectos. Como si fueran más que tumbas, más que símbolos, más que monumentos. Como si su verdadero propósito aún estuviera enterrado, esperando el momento —y la tecnología adecuada— para salir a la luz.

23/03/2025 0 comments
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EventosLiteratura

¿De qué muere un buitre? La exploración poética de Nerea Aguado Alonso

by Uve Magazine 20/03/2025
written by Uve Magazine

En el poemario ¿De qué muere un buitre?, Nerea Aguado Alonso invita al lector a sumergirse en una profunda reflexión sobre la naturaleza de la vida, la muerte y la existencia humana en el contexto del mundo natural. A través de una serie de poemas, aborda temas como la dualidad, la transitoriedad, la resistencia y la interconexión, tejiendo una narrativa poética que nos lleva a explorar los misterios y complejidades de la existencia.

La obra nos sitúa en el paisaje de las Bardenas Reales, un escenario que, más allá de su valor natural, se convierte en un espacio simbólico donde se entrelazan memoria, identidad y pérdida. La autora regresa a este territorio para rescatar no solo sus sonidos y colores, sino también su lenguaje, sus localismos, sus elementos que se diluyen con el paso del tiempo.

Uno de los detonantes del poemario fue el hallazgo de un buitre muerto al pie de un molino de viento, un símbolo que sintetiza la paradoja del progreso y la destrucción. Este hecho, junto a la pérdida de familiares y de su mascota, llevó a Aguado Alonso a explorar el duelo desde una perspectiva lírica, reivindicando la necesidad de detenerse, observar y sentir en una sociedad que a menudo rechaza estas pausas.

La poeta logra en ¿De qué muere un buitre? publicado por Uve Books, un equilibrio entre lo onírico y lo terrenal, entre la dureza del paisaje y la delicadeza de la palabra. Sus versos, acompañados por las ilustraciones de Yulia Podlinnova, componen un universo en el que el cielo y la tierra dialogan, y en el que la poesía se alza como un refugio frente a la fugacidad del tiempo.

Este nuevo poemario se presenta el 21 de marzo a las 19:00 horas en Cabanillas, Navarra, en un encuentro especial en el que Nerea Aguado Alonso será entrevistada por el músico y compositor Patxi Morillas Araque. Una conversación que ahondará en la profundidad de su poesía, su vínculo con la naturaleza y la palabra como territorio de resistencia.

20/03/2025 0 comments
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LiteraturaPensamiento

Woolf y Plath. Dos jardines, dos miradas

by Uve Magazine 18/03/2025
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Para aquellos que trabajan con la palabra, la imagen o la música, un jardín no es solo un espacio físico, sino una metáfora de la mente y la memoria. En él, los pensamientos germinan, maduran o se marchitan, y las ideas encuentran su propio ritmo de crecimiento. Quizá por eso, tantos escritores han encontrado en los jardines su mejor espacio de creación, entre ellos Virginia Woolf y Sylvia Plath, dos autoras que miraron la naturaleza con ojos distintos, pero que vieron en ella un reflejo de su propio mundo interior.

Virginia Woolf tenía una relación simbólica y estética con el jardín, que se refleja tanto en su vida como en su obra. Su casa en Monk’s House, en Sussex, contaba con un exuberante jardín que ella y su esposo, Leonard Woolf, cuidaban con esmero. Ese espacio no solo era un refugio físico, sino también un universo simbólico en el que la escritora exploraba la conexión entre la naturaleza, la memoria y la identidad.

El jardín de Woolf era un lugar de contemplación y de escritura. Desde su estudio, una cabaña separada de la casa principal, tenía vistas a la vegetación y a los juegos de luz en las hojas y flores. En sus diarios, menciona con frecuencia el proceso de cultivar plantas y el placer de observar los cambios de las estaciones. Esa atención a la naturaleza se filtra en sus novelas, donde los espacios verdes funcionan como metáforas de la vida interior de los personajes.

En Al faro, por ejemplo, la naturaleza aparece en su dimensión cíclica, reflejando el paso del tiempo y la inevitabilidad del cambio. La maleza que crece en la casa vacía simboliza la huella del tiempo y la forma en que la ausencia transforma los espacios. En La señora Dalloway, el parque de Regent’s Park y los jardines urbanos sirven como puntos de conexión entre los personajes, un espacio donde los pensamientos fluyen libremente y donde las barreras sociales parecen difuminarse por un momento.

Por otro lado, en la obra de Sylvia Plath, la naturaleza adquiere un carácter inquietante y simbólico, alejado de la contemplación serena que ofrece el jardín de Virginia Woolf. Mientras que Woolf encontraba en el paisaje un espacio de fluidez y reflexión sobre la identidad y el tiempo, Plath transforma la naturaleza en una imagen de tensión emocional, de lucha y conflicto interno. En sus poemas, las flores y los paisajes vegetales no son simples adornos o fuentes de belleza, sino metáforas de la transformación, la opresión y la muerte. En Ariel, los caballos desbocados al amanecer encarnan una energía salvaje e incontrolable, los tulipanes aparecen como presencias demasiado vivas, casi agresivas en su color, y la colmena se convierte en un símbolo ambivalente de feminidad y poder, a la vez productivo y amenazante. A diferencia de Woolf, cuyo jardín servía como reflejo del transcurrir del tiempo y la conexión con el mundo exterior, en Plath la naturaleza es más visceral, más afilada, reflejando la batalla interna con la identidad y la enfermedad mental. En La campana de cristal, la protagonista, Esther Greenwood, percibe la naturaleza con una mezcla de fascinación y repulsión, en una búsqueda desesperada por encontrar su lugar en un mundo que le resulta extraño y ajeno. Así, mientras Woolf cultivaba su jardín como un espacio de introspección y armonía con lo efímero, Plath lo convertía en un espejo de sus propias inquietudes, donde la belleza se entrelazaba con la amenaza y lo natural se tornaba en una presencia inquietante, casi opresiva.

Jardines de papel, la simbología del paisaje en la literatura

En definitiva, los jardines han sido desde siempre espacios de inspiración, refugio y contemplación. En su quietud, ofrecen un ritmo distinto al del mundo exterior, uno marcado por el crecimiento lento de las plantas, la transformación de las estaciones y la presencia constante de la naturaleza en sus ciclos de muerte y renacimiento. Un jardín florecido invita a la expansión de los sentidos, con colores, perfumes y la sensación de vida en su máximo esplendor. Es un escenario para la creatividad, donde la luz y las sombras juegan en las hojas, y la imaginación puede divagar con la misma libertad con la que se entrelazan las ramas.

Ambas escritoras, a su manera, utilizaron la naturaleza como un espejo de su mundo interior, construyendo solidos paisajes literarios que rememoramos fielmente en sus textos.

18/03/2025 0 comments
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Arte

Helen Frankenthaler. Pintura sin reglas

by Uve Magazine 16/03/2025
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El Museo Guggenheim Bilbao acogerá, del 11 de abril al 28 de septiembre de 2025, la exposición Pintura sin reglas , una ambiciosa retrospectiva dedicada a la artista estadounidense Helen Frankenthaler, una de las figuras más influyentes del arte abstracto del siglo XX. Organizada en colaboración con la Fondazione Palazzo Strozzi de Florencia y la Helen Frankenthaler Foundation de Nueva York, la muestra ofrecerá un recorrido por más de cinco décadas de creación artística. A través de un conjunto de obras representativas de su trayectoria, la exposición invita al público a descubrir el universo pictórico de un artista que transformó la manera en que entendemos la pintura.

Helen Frankenthaler (1928-2011) fue una pionera del expresionismo abstracto y una de las precursoras del Color Field Painting , un movimiento en el que el color y la forma se convierten en los protagonistas absolutos de la obra. Su trabajo se caracteriza por un equilibrio singular entre el control y la espontaneidad, por una experimentación constante con los materiales y por una búsqueda incesante de nuevos lenguajes pictóricos. La exposición en el Guggenheim Bilbao permitirá comprender la evolución de su producción artística, desde sus primeras exploraciones en los años cincuenta hasta sus creaciones finales en el siglo XXI, resaltando su capacidad de innovación y su influencia en generaciones posteriores de artistas.

La muestra reunirá una cuidada selección de sus obras más emblemáticas, incluyendo pinturas de gran formato que permiten apreciar la audacia de su enfoque y la profundidad emocional de su trabajo. A través de este recorrido, los visitantes podrán observar cómo Frankenthaler logró expandir los límites de la pintura, creando un lenguaje visual único que desafiaba las normas establecidas. Pintura sin reglas se convierte así en un homenaje a una artista que nunca dejó de reinventarse y que supo construir un legado que sigue vigente en la actualidad.

El poder de la experimentación y el diálogo con su tiempo.

Helen Frankenthaler irrumpió en la escena artística neoyorquina de los años cincuenta con una propuesta que desafiaba las convenciones del expresionismo abstracto. Influenciada por los grandes nombres de la época, como Jackson Pollock y Willem de Kooning, pero también por artistas de generaciones anteriores como Hans Hofmann, Frankenthaler desarrolló un enfoque personal que revolucionó la pintura. Su técnica más innovadora fue el remojo-stain , que consistía en verter pintura diluida directamente sobre lienzos sin impresión, permitiendo que los colores se fusionaran con la tela y crearan efectos de transparencia y fluidez sin precedentes.

Este método de trabajo, que combinaba una aparente espontaneidad con un control preciso del resultado, fue una de sus mayores contribuciones a la historia del arte. La técnica no solo le permitió generar composiciones de gran expresividad y luminosidad, sino que también influyó en otros artistas que más tarde desarrollarían el Color Field Painting , como Morris Louis y Kenneth Noland. Frankenthaler demostró que la pintura podía ser un espacio de exploración sin restricciones, en el que la interacción entre color, forma y superficie se convertía en el verdadero protagonista.

Uno de los aspectos más interesantes de la exposición en el Guggenheim Bilbao es la manera en que se presenta la obra de Frankenthaler en diálogo con la producción artística de su tiempo. Pintura sin reglas no solo ofrece un recorrido por su trayectoria individual, sino que también contextualiza su trabajo dentro del efervescente ambiente creativo de la Nueva York de mediados del siglo XX. La muestra reúne algunas de sus pinturas más representativas junto con piezas de otros artistas con los que mantuvieron estrechos lazos creativos y de amistad, reflejando así la riqueza de una época en la que la pintura adquirió una nueva dimensión.

Frankenthaler siempre fue un artista permeable a las influencias de su entorno, pero su trabajo nunca quedó subordinado a ellas. Su capacidad de absorber referencias y transformarlas en un lenguaje propio le permitió mantenerse a la vanguardia de la experimentación artística durante más de cinco décadas. Desde sus primeras obras, en las que se percibe el impacto de la acción pictórica de Pollock, hasta sus creaciones más tardías, marcadas por un uso más meditativo del color y la composición, Frankenthaler construyó un corpus artístico de una riqueza inigualable.

El recorrido expositivo también pone en valor su versatilidad como creadora. Aunque es conocido sobre todo por su obra pictórica, Frankenthaler trabajó en una amplia variedad de medios, incluyendo la xilografía, el grabado y la escultura. Su experimentación con las técnicas de impresión la llevó a desarrollar un estilo innovador que desafiaba las convenciones del grabado tradicional, explorando la posibilidad de trasladar la fluidez de su pintura al papel. Estos trabajos, aunque menos conocidos que sus grandes lienzos, reflejan la misma inquietud creativa que caracteriza toda su producción.

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LiteraturaReseñas

Reseña: Un mundo feliz, de Aldous Huxley

by Uve Magazine 12/03/2025
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Cuando Aldous Huxley publicó Un mundo feliz en 1932, su visión de una sociedad dominada por el placer, el consumismo y la biotecnología parecía una exageración. Sin embargo, casi un siglo después, la realidad ha demostrado que muchas de sus ideas eran, más que fantasía, una premonición inquietantemente precisa.

¿De qué va Un mundo feliz?

En este clásico de la literatura distópica, Huxley nos traslada a un futuro donde los seres humanos son creados en laboratorios y condicionados desde su nacimiento para desempeñar roles específicos en una sociedad perfectamente organizada. Aquí no hay guerras ni pobreza, pero tampoco arte, literatura ni pensamiento crítico. La estabilidad se mantiene gracias a la manipulación biológica, la distracción constante y el soma, una droga que elimina cualquier forma de sufrimiento.

El protagonista, Bernard Marx, empieza a cuestionar este sistema “perfecto” cuando conoce a John, un “salvaje” que ha crecido fuera de esta sociedad y que, al entrar en ella, pone en evidencia sus contradicciones. A través de su historia, Huxley plantea preguntas que siguen resonando hoy: ¿estamos dispuestos a sacrificar la libertad por la comodidad? ¿El placer constante nos hace realmente felices? ¿Qué significa ser humano en un mundo diseñado para evitar el dolor?

Un mundo feliz, Aldous Huxley. Primera edición

Huxley y el futuro que se parece demasiado al presente

Aunque Huxley escribió su novela hace casi un siglo, el paralelismo con nuestra sociedad es sorprendente. No vivimos en un mundo donde los bebés nacen en frascos ni tomamos soma para mantenernos felices, pero… ¿y si ya estamos más cerca de ese mundo de lo que creemos?

  • Entretenimiento y distracción constante
    En la sociedad de Un mundo feliz, la gente está demasiado ocupada con placeres superficiales como el sexo, los espectáculos y el consumo para cuestionarse nada. Hoy, las redes sociales, el streaming y el entretenimiento digital cumplen una función similar: nos mantienen distraídos, bombardeados por contenido, sin tiempo para detenernos a pensar.
  • La felicidad obligatoria y la positividad tóxica
    En la novela, cualquier emoción negativa es vista como un error que debe corregirse. En nuestro tiempo, la cultura del “pensamiento positivo” nos dice que debemos ser felices a toda costa, ignorando que el dolor y la tristeza son parte natural de la vida.
  • Manipulación genética y biotecnología
    En Un mundo feliz, las personas son diseñadas biológicamente para cumplir un rol. Hoy, con tecnologías como CRISPR, la fertilización in vitro y la edición genética, la idea de seleccionar ciertas características en los bebés ya no es ciencia ficción.
  • El consumismo como motor de la sociedad
    Huxley imaginó un mundo donde la gente es condicionada desde la infancia para consumir sin parar. En nuestra realidad, la moda rápida, la obsolescencia programada y la publicidad omnipresente hacen que comprar y desechar productos se haya convertido en una costumbre cotidiana.
  • La supresión del pensamiento crítico
    Aunque tenemos acceso a más información que nunca, la desinformación, las noticias falsas y la saturación de contenido han hecho que, en lugar de pensar más, muchas personas prefieran aceptar lo primero que ven. Como en Un mundo feliz, la mejor forma de controlar a una sociedad no es la censura, sino distraerla hasta que deje de hacer preguntas.

¿Por qué leer Un mundo feliz hoy?

Más que una novela, Un mundo feliz es una advertencia. Huxley no nos dice que el placer o la tecnología sean malos, sino que cuando la felicidad artificial se convierte en la única meta, corremos el riesgo de perder lo que nos hace humanos: la capacidad de cuestionar, de sentir y de buscar un significado más profundo en la vida.

Quizá no vivamos en un futuro donde tomamos soma para olvidar nuestras preocupaciones, pero, ¿qué diferencia hay entre eso y pasar horas en TikTok para evadir la realidad? Al final, la pregunta sigue siendo la misma: ¿estamos construyendo un mundo feliz… o simplemente un mundo distraído?

Aldous Huxley

Aldous Huxley (1894-1963) fue un escritor, ensayista y filósofo británico, reconocido por su aguda visión crítica de la sociedad y su exploración de temas como la tecnología, la política, la espiritualidad y la naturaleza humana.

Nació en Godalming, Inglaterra, en una familia de intelectuales: su abuelo era el célebre biólogo Thomas Henry Huxley y su hermano, Julian Huxley, un destacado científico. Huxley estudió en Eton y luego en la Universidad de Oxford, donde se graduó en Literatura Inglesa. Una enfermedad ocular en su juventud afectó gravemente su visión, lo que influyó en su perspectiva del mundo y en su inclinación hacia la filosofía y la literatura.

En 1932 publicó Un mundo feliz, su novela más famosa, en la que imaginó una sociedad distópica controlada por el placer y la manipulación científica. Más adelante, en obras como Las puertas de la percepción (1954), exploró los efectos de sustancias psicodélicas en la conciencia, influyendo en la contracultura de los años 60.

A lo largo de su vida, Huxley vivió en distintos países, estableciéndose en los Estados Unidos en la década de 1930. Allí trabajó en Hollywood como guionista y profundizó en el estudio del misticismo y la filosofía oriental.

Murió en 1963 en Los Ángeles, el mismo día que John F. Kennedy fue asesinado, lo que hizo que su fallecimiento pasara casi desapercibido.

12/03/2025 0 comments
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AgendaEventos

Primera edición del festival Biophest

by Uve Magazine 10/03/2025
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Matadero Madrid inaugura Biophest, el primer festival que celebra la conexión entre humanos y naturaleza. Del 4 al 6 de abril, Matadero Madrid, centro de creación contemporánea del Área de Cultura, Turismo y Deporte, acogerá la primera edición de Biophest, un festival innovador que explora el vínculo emocional entre las personas y la naturaleza a través de una amplia variedad de actividades. Charlas, talleres, conciertos, exposiciones y rutas guiadas conforman la programación de este evento comisariado por la experta en botánica urbana Elena Páez y la especialista en comunicación cultural Eva F. Cortés.

Biophest surge con la intención de fomentar la biofilia, término que define el amor innato de los seres humanos por la naturaleza. El festival propone un espacio de reflexión y experimentación artística que promueve una conexión más profunda con el entorno vegetal, desde el aprendizaje práctico hasta la inmersión sensorial en instalaciones artísticas y experiencias musicales. Entre las actividades destacadas se incluyen talleres donde los asistentes podrán desarrollar habilidades en jardinería y botánica, aprendiendo a realizar esquejes, mantener espacios verdes urbanos, identificar y cuidar plantas de interior o confeccionar kokedamas, una técnica japonesa inspirada en el bonsái y el ikebana.

El festival contará con la presencia de destacados especialistas que ofrecerán su visión sobre la conexión entre el ser humano y la naturaleza. Entre los ponentes se encuentran Santiago Beruete, filósofo, antropólogo y jardinero, que aboga por una cosmovisión biocéntrica; Sue Stuart-Smith, psiquiatra y escritora británica, autora de La mente bien ajardinada; y Eduardo Barba, paisajista e investigador botánico, quien explorará la relación entre arte y botánica en su charla El arte de las plantas. También participarán Marco Martella, escritor y director de la revista Jardins, y la artista y comisaria de exposiciones Toya Legido, que analizará el papel de la naturaleza en la producción artística.

Los asistentes podrán sumergirse en instalaciones interactivas que exploran la relación entre arte y naturaleza. Plant-based, de Cyrus Clarke, es una innovadora serie de arte digital generativo que evoluciona y captura carbono. Crisálida, de Casa Protea, representa un refugio de musgo que simboliza la transformación y regeneración de la vida vegetal. Además, la instalación Phonofolium, de Scenocosme, permite a los visitantes interactuar con un árbol vivo que emite sonidos en respuesta al tacto humano. En el Terrario de Nave Una, la exposición Variedades de lechugas locales, de Ecosecha, y el proyecto Banco de intercambio de semillas ofrecen un acercamiento a la biodiversidad agrícola y la sostenibilidad.

Biophest también contará con un programa musical que explora la relación entre sonido y naturaleza. La inauguración del festival estará marcada por un homenaje a Plantasia, el icónico álbum de Mort Garson creado para el disfrute de las plantas. El sábado, el productor Brian D’Souza presentará Mushroom Music, inspirado en la comunicación de los hongos, mientras que el domingo cerrará el festival Jordi Sapena con Salve Monstera, un álbum que fusiona lo electrónico con lo orgánico. Además, el festival propone diversas rutas para redescubrir la naturaleza en entornos urbanos. Cuando el río habla recorrerá el Manzanares como un organismo vivo cargado de historia ecológica y social, mientras que Elogio a la jardinería punk invitará a explorar jardines espontáneos que rompen con las normas tradicionales. Otra de las rutas destacadas es La nave de las patatas, un recorrido por el Palacio de Cristal de Arganzuela, espacio que alberga más de 9.000 especies vegetales.

Los más pequeños también tendrán su espacio en Biophest con talleres diseñados para fomentar su curiosidad por la naturaleza. El desafío del bosque y La naturaleza de los objetos están dirigidos a niñas y niños a partir de seis años, con dinámicas que combinan juego y aprendizaje sobre el mundo vegetal. Biophest, organizado por Intermediae y Matadero Madrid, cuenta con el patrocinio de As Pedras, El Águila y la Asociación para la Certificación Española Forestal (PEFC España). Este evento refuerza la línea de trabajo de Intermediae en torno a la permacultura y la ecología crítica, ofreciendo una oportunidad única para repensar la relación entre arte, naturaleza y bienestar humano. Las inscripciones para las actividades gratuitas y la compra de entradas para los talleres de adultos ya están disponibles en intermediae.es.

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AgendaEventos

Madrid inaugura su primera Feria del Cómic en marzo

by Uve Magazine 06/03/2025
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Madrid se prepara para celebrar un acontecimiento inédito en su escena cultural: la primera edición de la Feria del Cómic de Madrid. El evento tendrá lugar del 27 al 30 de marzo en Matadero Madrid y reunirá durante cuatro días a los amantes del noveno arte en un espacio de intercambio y encuentro con figuras destacadas del panorama nacional e internacional.

Organizada por el Ayuntamiento de Madrid y la Asociación de Librerías de Madrid, con la colaboración de la Fundación Germán Sánchez Ruipérez, FSC (Forest Stewardship Council) y Radio 3 (RNE), esta feria nace con la vocación de convertirse en un referente para lectores, profesionales del sector y creadores.

La feria contará con 36 casetas, gestionadas por librerías madrileñas, muchas de ellas especializadas en cómic, lo que ofrecerá una oportunidad excepcional para descubrir una amplia oferta editorial. Además, el evento incluirá presentaciones, charlas, encuentros con autores y actividades para todos los públicos.

Marta Rivera de la Cruz, delegada del Área de Gobierno de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, ha expresado su entusiasmo ante la inauguración de la feria: “Nos alegra anunciar que Madrid tendrá su Feria del Cómic. Ha estado muy presente en la ciudad a través de librerías y bibliotecas, y ahora contará con su propio evento de referencia”.

Un cartel con identidad propia

El ilustrador y Premio Nacional de Cómic 2015, Javier Olivares, ha sido el encargado de diseñar el cartel de esta primera edición. Su propuesta busca capturar la esencia de la historieta de forma visual, destacando las posibilidades narrativas del medio.

Una programación con tres grandes ejes

La comisaria de la feria, Elisa McCausland, ha diseñado una programación alineada con la propuesta artística de Olivares. Los tres ejes temáticos de la feria son:

  • La casa como unidad narrativa: centrado en relatos autobiográficos y cómics de memorias personales.

  • La ciudad como espacio de experimentación: explorando el cómic de crónica urbana y su relación con la memoria histórica y los movimientos sociales.

  • Los multiversos como oportunidades de encuentro: abordando los géneros de ficción, la experimentación gráfica y el cómic contemporáneo.

Actividades para todos los públicos

Las actividades se desarrollarán en tres escenarios principales: Casa del Lector, Matadero y Cineteca. En esta última, se proyectarán películas dentro del ciclo Autoras de cine, autoras de cómic, con la participación de figuras como Richard McGuire, creador de Aquí (2014), cuya adaptación cinematográfica, Here, será proyectada en Cineteca.

Asimismo, habrá espacios profesionales para libreros y editores, mesas redondas sobre crítica de cómic y librerías especializadas, así como emisiones en directo de programas de Radio 3 y pódcasts especializados.

Horarios y acceso

Las casetas estarán abiertas el jueves 27 de marzo de 16:00 a 20:00 h. y de 11:00 a 20:00 h. de viernes a domingo. La Feria del Cómic de Madrid promete ser una cita imprescindible para explorar la riqueza del sector y conectar con la diversidad del cómic en todas sus manifestaciones.

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ArtePersonajes

Las cinco pintoras más importantes del siglo XX

by Uve Magazine 16/02/2025
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A lo largo del siglo XX, la pintura experimentó una revolución sin precedentes. Movimientos como el surrealismo, el expresionismo y el arte abstracto transformaron la manera en que concebimos el arte. En este contexto, cinco pintoras se alzaron como figuras fundamentales, desafiando las normas impuestas y transitando un camino difícil para las mujeres en el mundo del arte.

Frida Kahlo (1907-1954)

Pocas artistas han logrado convertir su vida en un testimonio visual tan impactante como Frida Kahlo. Su obra, profundamente autobiográfica, refleja el dolor físico y emocional que la acompañó durante toda su existencia. Con un estilo surrealista, pero enraizado en el folclore mexicano, Kahlo exploró temas como la identidad, la maternidad y la política. Obras como Las dos Fridas y Autorretrato con collar de espinas que refleja otro de sus grandes tormentos,  su relación con Diego Rivera. Su obra está llena de iconografía, simbolismo y dolor físico.

Las dos Fridas

Georgia O’Keeffe (1887-1986)

Pionera del modernismo en los Estados Unidos, Georgia O’Keeffe revolucionó la representación de la naturaleza y la abstracción. Sus famosas pinturas de flores, como Jimson Weed/White Flower No. 1, y sus paisajes del suroeste estadounidense destacan por su atrevimiento formal y el uso innovador del color. Su trabajo se caracteriza por el desarrollo en series, donde exploraba un motivo —ya fuera una flor, un paisaje, un hueso o una estructura arquitectónica— que primero debía despertar en ella una emoción intensa. Una vez capturada esa sensación, la traducía en varias pinturas, abordando el tema desde distintos ángulos hasta agotar su interés por él.

Georgia O’Keeffe prácticamente todas las interpretaciones que se hicieron sobre sus obras

Abstraction Blue

Tamara de Lempicka (1898-1980)

Emblema del Art Déco, Tamara de Lempicka capturó la elegancia y el glamur de los años 20 y 30 con su estilo inconfundible. Sus retratos, caracterizados por formas caraterísticas de Art Decó y una paleta de colores vibrante, reflejan el espíritu de la modernidad. Obras como Autorretrato en un Bugatti Verde o La joven con un vestido verde  consolidaron su reputación como una de las pintoras más icónicas de su tiempo.

Se advierte en su obra una profunda admiración por Ingres, pero también ecos de Botticelli y del Manierismo en general. Sus géneros predilectos son el desnudo y el retrato, donde aparecen hombres de porte elegante o mujeres etéreas, envueltas en vestidos de telas ondulantes.

Asimismo, algunos críticos han señalado la presencia de elementos cubistas en su trabajo. La artista, que tuvo contacto con el movimiento, incorporó en ciertas piezas una sutil geometrización de las formas.

La joven con un vestido verde

Leonora Carrington (1917-2011)

Figura clave del surrealismo, Leonora Carrington desarrolló una obra que combina mitología, simbolismo y una visión onírica del mundo. De origen británico, pero con una profunda conexión con México, Carrington creó universos en los que lo mágico y lo real se entrelazan de manera inconfundible. Su pintura El mundo mágico de los mayas es una muestra del sincretismo y la fascinación por lo esotérico que marcó su producción artística.

Autorretrato

Louise Bourgeois (1911-2010)

Si bien Louise Bourgeois es más conocida por su trabajo escultórico, su obra pictórica y sus dibujos desempeñaron un papel crucial en su desarrollo artístico. A través de sus creaciones, exploró temas como la memoria, el cuerpo y la psique humana. Su icónica serie de pinturas y dibujos Femme Maison ofrece una profunda reflexión sobre la identidad femenina y la relación entre el espacio doméstico y la autonomía personal.

Femme maison
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LiteraturaPensamientoPersonajes

Ante la ley, relato de Franz Kafka

by Uve Magazine 07/02/2025
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Ante la ley de Franz Kafka (1915) es una breve parábola que encapsula la angustia existencial y la burocracia impenetrable, temas recurrentes en la obra del autor.

Este cuento, incluido en El proceso, ilustra la impotencia del individuo frente a sistemas inescrutables y sugiere la inutilidad de la espera pasiva ante las barreras impuestas por el poder. Su ambigüedad ha dado pie a múltiples interpretaciones, desde una lectura existencialista hasta una alegoría sobre la inaccesibilidad de la verdad o la justicia.

Ante la ley se alza un guardián. Llega un hombre del campo y solicita entrar en la ley. Pero el guardián le dice que, por ahora, no puede permitirle la entrada. El hombre reflexiona y pregunta si más tarde se le permitirá entrar.

—Es posible —dice el guardián—, pero no ahora.

Puesto que la puerta de la ley está abierta, como siempre, y el guardián se aparta a un lado, el hombre se inclina para mirar a través de la puerta, hacia el interior. Al notar esto, el guardián suelta una carcajada y dice:

—Si tanto te tienta, prueba a entrar a pesar de mi prohibición.

—Pero advierte: soy poderoso. Y no soy más que el primer guardián. Entre las salas hay otros guardianes, cada uno más poderoso que el anterior. Ni siquiera yo puedo soportar la mirada del tercero.

El hombre del campo no esperaba tales dificultades; la ley debería estar siempre accesible para todos, piensa. Pero al observar más detenidamente al guardián, su abrigo de piel, su gran nariz puntiaguda, su larga y fina barba negra tártara, decide aguardar hasta obtener el permiso para entrar.

El guardián le entrega un taburete y le permite sentarse a un lado de la puerta.

Allí se sienta durante días y años. Hace innumerables intentos por ser admitido y fatiga al guardián con sus súplicas. Este, de vez en cuando, le somete a pequeños interrogatorios, le pregunta por su tierra natal y por muchas otras cosas, pero tales cuestiones son indiferentes, como las que formulan los grandes señores, y al final siempre le repite que aún no puede dejarle entrar.

El hombre, que ha emprendido su viaje bien provisto, emplea cuanto posee, por valioso que sea, para sobornar al guardián. Este lo acepta todo, pero dice:

—Solo lo tomo para que no pienses que has dejado de hacer algo.

A lo largo de los años, el hombre ha observado casi sin descanso al guardián. Poco a poco, olvida a los otros guardianes, y este primero le parece el único obstáculo para entrar en la ley.

Maldice la desdichada coincidencia, al principio con impaciencia y a grandes voces; más tarde, cuando envejece, solo gruñe para sí mismo. Se vuelve infantil, y como en sus años de observación del guardián ha llegado incluso a distinguir las pulgas en el cuello de piel de su abrigo, les ruega también a ellas que le ayuden y logren ablandar el corazón del guardián.

Con el tiempo, su vista se debilita, y ya no sabe si la oscuridad a su alrededor es real o si sus ojos le engañan. Pero ahora, en medio de las tinieblas, distingue un resplandor que se filtra inexorablemente a través de la puerta de la ley.

No le queda ya mucho tiempo de vida.

Antes de su muerte, todas las experiencias de aquellos años se condensan en su mente en una única pregunta que hasta entonces no había formulado al guardián. Le hace una seña, pues ya no puede enderezar su cuerpo entumecido. El guardián tiene que inclinarse profundamente hacia él, pues con los años la diferencia de tamaño ha cambiado en gran perjuicio del hombre.

—¿Qué más quieres saber ahora? —pregunta el guardián—. Eres insaciable.

—Todos aspiran a entrar en la ley —dice el hombre—, ¿cómo es posible, entonces, que en todos estos años nadie, salvo yo, haya solicitado entrar?

El guardián, viendo que el hombre se halla en su último aliento, le grita al oído:

—Nadie más podía entrar por aquí, porque esta puerta estaba destinada solo para ti. Ahora voy a cerrarla.

Marino Costa

07/02/2025 0 comments
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ArteEventos

Guardi y Venecia en el Thyssen

by Uve Magazine 04/02/2025
written by Uve Magazine

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta por primera vez en Madrid la colección completa de obras de Francesco Guardi perteneciente al Museo Calouste Gulbenkian. Gracias a un acuerdo de colaboración entre ambas instituciones, del 3 de febrero al 11 de mayo de 2025, los visitantes podrán disfrutar de 18 óleos y un dibujo del pintor veneciano, el artista más representado en la colección del financiero armenio Calouste Sarkis Gulbenkian (1869-1955).

Guardi y la veduta veneciana

Miembro de una familia de pintores, Francesco Guardi (1712-1793) se formó en el taller familiar junto a su hermano mayor, Gianantonio. Durante sus primeros años se dedicó a la pintura de temas religiosos e históricos, pero fue en su madurez cuando se especializó en la veduta, la representación de paisajes urbanos. Influenciado por Canaletto, Guardi evolucionó su estilo a través de una pincelada suelta y vibrante, logrando una atmósfera más poética e idealizada que la de su predecesor.

Las obras expuestas, fechadas entre 1765 y 1791, muestran distintos rincones de Venecia, desde vistas icónicas como el Puente de Rialto o el Palacio Ducal, hasta celebraciones populares como la Fiesta de la Ascensión. También incluyen escenas de los alrededores de la ciudad y caprichos arquitectónicos, ejemplos de su libertad creativa en la composición paisajística.

Un recorrido por la Venecia de Guardi

La exposición, comisariada por Mar Borobia, se divide en dos secciones: “La ciudad y sus fiestas” y “Terraferma y los caprichos”, y se exhibe en tres salas de la colección permanente del Thyssen.

En las salas 13 y 14 se presentan escenas festivas y panoramas urbanos que reflejan la animación y el esplendor de Venecia en el siglo XVIII. Entre las piezas más destacadas se encuentran La fiesta de la Ascensión en la plaza de San Marcos (h. 1775), en la que el pintor plasma con pinceladas rápidas el bullicio de la celebración.

Otro lienzo significativo es La partida del Bucintoro (h. 1765-1780), que capta la salida de la galera de los dux desde la dársena veneciana. Asimismo, Regata en el Gran Canal (h. 1775) y El puente de Rialto según el proyecto de Palladio (h. 1770) ofrecen diferentes perspectivas de la ciudad.

Otras obras que completan esta sección incluyen El Canal de Giudecca con la Iglesia de Santa Marta (h. 1770-1780), Pórtico con figuras (h. 1778), El pórtico del Palacio Ducal (h. 1778) y El Gran Canal junto al puente de Rialto (h. 1780-1790), todas representaciones que revelan la maestría de Guardi en la creación de atmósferas vibrantes.

Terraferma y los caprichos

La segunda sección, en la sala 15, exhibe la faceta más libre e imaginativa del pintor. Su pincelada suelta y expresiva captura el paso del tiempo y el deterioro arquitectónico con un tono melancólico. Obras como Capricho con arco romano en ruinas y templo circular (h. 1770-1780) muestran su talento para la composición idealizada.

El interés de Guardi por la vida cotidiana se refleja en Las compuertas en Dolo (h. 1774-1776), donde retrata la actividad del río Brenta. Asimismo, La isla de San Giorgio Maggiore (h. 1790) es un bello ejemplo de su visión de la arquitectura veneciana.

Un legado compartido

La exposición culmina con dos obras clave: Regata en el Gran Canal junto al puente de Rialto (h. 1791) de Giacomo Guardi, hijo del artista, y Il Bucintoro (h. 1745-1750) de Canaletto, prestada por la Colección Thyssen-Bornemisza al Museu Nacional d’Art de Catalunya. Esta última obra sirvió de inspiración para Guardi en una de sus composiciones más emblemáticas.

Esta muestra representa una oportunidad única para admirar el genio de Francesco Guardi y su visión de Venecia en un contexto inigualable, el Museo Thyssen-Bornemisza, donde la tradición y la modernidad se encuentran en un diálogo continuo sobre el arte y la historia.

04/02/2025 0 comments
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