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Noticias

AgendaArteNoticias

El Thyssen revisita Express de Robert Rauschenberg

by Uve Magazine 13/01/2026
written by Uve Magazine

En el marco del centenario del nacimiento de Robert Rauschenberg, el Museo Thyssen-Bornemisza presenta una instalación especial en torno a Express (1963), una de las obras más representativas de un artista que cambió de forma radical la manera de entender el arte en el siglo XX. La propuesta cuenta con el apoyo de la Robert Rauschenberg Foundation y se inscribe en un amplio programa internacional de revisión crítica de su legado.

Rauschenberg: Express. En movimiento

Formado en el experimental Black Mountain College, Rauschenberg creció artísticamente en un entorno donde la pintura convivía con la música, la danza y la acción. Esa educación transversal marcó toda su trayectoria y explica su rechazo a las jerarquías tradicionales entre disciplinas. Frente al expresionismo abstracto dominante en los años cincuenta, su obra introdujo materiales cotidianos, imágenes procedentes de los medios de masas y una relación directa con la realidad inmediata.

Comisariada por Marta Ruiz del Árbol, conservadora senior de Pintura Moderna, la instalación propone una nueva lectura de Express, atendiendo tanto a su compleja iconografía como a su impulso experimental. La obra se sitúa en continuidad con los célebres Combines de Rauschenberg, piezas híbridas que borraron las fronteras entre pintura y escultura y que resultaron decisivas para el desarrollo del arte pop, el neo-dada y buena parte del arte contemporáneo posterior.

La muestra subraya también el papel central de Express en la consagración internacional del artista, tras recibir en 1964 el Gran Premio de Pintura de la Bienal de Venecia, un reconocimiento que confirmó la potencia de una obra incómoda, abierta y profundamente innovadora.

Más allá de la revisión histórica, esta instalación invita a reflexionar sobre la vigencia del pensamiento de Rauschenberg y su firme convicción de que el arte no es un objeto aislado, sino una herramienta de transformación individual y social. Una ocasión clara y directa para redescubrir a uno de los grandes agitadores del arte del siglo XX y medir el alcance real de su legado artístico y ético.

Del 3 de febrero al 24 de mayo de 2026

13/01/2026 0 comments
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AgendaNoticias

España, país invitado en los Ithra Cultural Days 2026

by Uve Magazine 12/01/2026
written by Uve Magazine

Del 12 al 31 de enero de 2026, el King Abdulaziz Center for World Culture (Ithra), uno de los grandes centros culturales de Oriente Medio, dedica su programación a España dentro de sus Ithra Cultural Days, un evento que busca acercar culturas a través del arte, la música, el cine, la gastronomía y la experiencia directa del público.

No se trata de una exposición puntual ni de una semana temática al uso. Durante casi tres semanas, Ithra se transforma por completo para ofrecer una imagen amplia y contemporánea de la cultura española, combinando tradición, creación actual y propuestas participativas. España es el país invitado de esta edición tras el éxito de otras anteriores dedicadas a Japón o Corea del Sur, que atrajeron a cientos de miles de visitantes.

El recorrido por el festival es deliberadamente diverso. Hay exposiciones visuales que muestran fotografía, diseño y moda; espacios dedicados al cine español, con proyecciones y encuentros; y una programación escénica que incluye música, danza y reinterpretaciones de clásicos. Entre los platos fuertes figura una versión escénica de Carmen, pensada para dialogar con públicos no occidentales sin perder su identidad original.

La música ocupa un lugar central. El flamenco aparece como uno de los grandes reclamos, pero no como postal turística, sino integrado en un programa que también incluye zarzuela, músicas regionales y propuestas contemporáneas. La intención es clara: mostrar una cultura viva, compleja y en evolución constante.

Uno de los aspectos más cuidados del evento es la experiencia del visitante. Ithra no se limita a mostrar: invita a participar. Talleres creativos, actividades familiares, espacios infantiles y demostraciones artesanales permiten al público saudí acercarse de forma directa a la cultura española, más allá de la contemplación pasiva.

La gastronomía refuerza esta idea de experiencia total. Mercados temporales y espacios culinarios presentan sabores españoles desde una mirada amplia, evitando reducir la cocina a unos pocos clichés reconocibles. Comer, aquí, forma parte del relato cultural.

Más allá de lo artístico, Ithra Cultural Days funciona como una operación de diplomacia cultural de alto nivel. En un contexto internacional marcado por la necesidad de tender puentes culturales, la presencia española en Arabia Saudí adquiere un valor simbólico y estratégico. No es solo una celebración, sino una forma de diálogo entre tradiciones, públicos y formas de entender la cultura.

12/01/2026 0 comments
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AgendaMúsicaNoticias

Los conciertos y festivales más esperados de 2026

by Clara Belmonte 07/01/2026
written by Clara Belmonte

BAD BUNNY

Bad Bunny llegará a España en 2026 con una residencia de doce conciertos —dos en Barcelona y diez en Madrid—, un formato poco habitual en el país. La venta de 600.000 entradas en una sola jornada sitúa esta gira como la de mayor volumen registrada para un artista internacional desde que existen datos oficiales.

Info: Barcelona y Madrid. Del 22 de mayo al 15 de junio. Entradas agotadas.

ROSALÍA

Lux llega con promesa de cambio de formato. La gira arranca en Francia en marzo y en España se concentra en Madrid y Barcelona. Lo que se espera (y lo que tiene sentido, si se mira el disco): un directo más musical, con cuerdas y coro, y canciones antiguas adaptadas a ese registro. Por lo demás, pocas certezas: en este punto, la gira es un contenedor de incógnitas con una sola garantía, que es el control del detalle.

Info: Madrid y Barcelona. Del 30 de marzo al 18 de abril. Entradas agotadas.

THE WEEKND

Cuatro estadios para cerrar la gira europea y dejar claro que lo suyo no va de “venir a cantar”, sino de traer un espectáculo completo. Si se toma como referencia el montaje de 2023: pantallas gigantes, iluminación a gran escala, pirotecnia y teatralidad. Un show pensado para verse desde lejos y que aun así tenga puntos de atención en primer plano.

Info: Madrid y Barcelona. Del 28 de agosto al 1 de septiembre. 57–595 €.

 

GIRAS NACIONALES CON RECORRIDO LARGO

 

LA OREJA DE VAN GOGH

El retorno de Amaia activa el mecanismo clásico: repertorio conocido, público transversal y una gira extensa de pabellones. No es una gira breve “de reencuentro”, sino un plan de temporada completa: 34 conciertos repartidos durante casi todo el año.

Info: 19 ciudades. Del 9 de mayo al 30 de diciembre. 45–290 €.

EL ÚLTIMO DE LA FILA

La vuelta de Manolo García y Quimi Portet se plantea sin grandes mensajes añadidos: canciones de siempre, tocadas como se espera que suenen. Nueve ciudades y un calendario contenido, más cerca del “evento” que del circuito de gira interminable.

Info: nueve ciudades. Del 28 de abril al 9 de julio. 60,50–104,50 €.

FESTIVALES GENERALISTAS: BARCELONA Y MADRID, OTRA VEZ

PRIMAVERA SOUND

Cambio claro de acento: menos foco en el nombre fugaz y más apuesta por nombres que ya tienen peso acumulado. En 2026, además, hay un elemento práctico que suele empujar a los festivales: varios artistas llegan con disco nuevo. En este caso, proyectos como Gorillaz, Massive Attack y The xx aparecen como parte del argumento del año.

Info: Barcelona. Del 4 al 6 de junio. Entrada diaria: 125–195 €. Abono: 335–545 €.

MAD COOL

El décimo aniversario se presenta con un cartel especialmente fuerte y un cabeza visible que funciona en cualquier país: Foo Fighters. En Mad Cool el valor no está en descubrir, sino en la suma de grandes nombres en jornadas largas y un recinto pensado para rotación constante.

Info: Madrid. Del 8 al 11 de julio. (Cartel publicado con más de 70 artistas).

FESTIVALES DE METAL EN ESPAÑA 2026

 

Resurrection Fest (Viveiro)

El festival que ordena la primera semana de julio para el público de metal, hardcore y derivados. En 2026 vuelve a concentrar su programación en cuatro jornadas consecutivas y mantiene su política de venta por tipos de abono.

Cabezas de cartel / nombres destacados: Slipknot, Parkway Drive, Architects, Amon Amarth, Bring Me The Horizon (entre otros nombres de primera línea ya anunciados).
Info: Viveiro (Galicia). Del 1 al 4 de julio de 2026.
Abono 4 días: 235 €. Pandemonium: 335 €. Resurrection Fest

Rock Imperium (Cartagena)

El festival de Cartagena consolida su perfil dentro del circuito europeo de rock y metal con un formato de tres días, cartel por jornadas y venta escalonada. La programación combina bandas clásicas y nombres de metal contemporáneo con tirón internacional. Rock Imperium

Cabezas de cartel / nombres destacados: Iron Maiden, Anthrax, Mastodon, Kreator, Helloween.
Info: Cartagena (Parque El Batel). 3, 4 y 5 de julio de 2026.
Venta por tramos y entradas diarias disponibles.

Barcelona Rock Fest (Santa Coloma de Gramenet)

Festival de rock y metal de gran formato en Cataluña, con una programación centrada en bandas históricas y nombres consolidados del género. Mantiene el esquema de tres días consecutivos.

Cabezas de cartel / nombres destacados: Judas Priest, Scorpions, Accept, Saxon, Deep Purple.
Info: Santa Coloma de Gramenet (Barcelona). 3, 4 y 5 de julio de 2026.
Entradas a la venta. Barcelona Rock Fest 

Leyendas del Rock (Villena)

La edición de 2026 se presenta como XX aniversario, con un cartel diseñado para cubrir distintas generaciones y estilos dentro del metal. A diferencia de otros años, se desplaza claramente a agosto y amplía su duración a cuatro jornadas.

Cabezas de cartel / nombres destacados: Blind Guardian, Nightwish, Sepultura, HammerFall, Angelus Apatrida.
Info: Villena (Alicante). Del 5 al 8 de agosto de 2026.
Cartel por días publicado. Leyendas del Rock

EL CIRCUITO METAL EUROPEO 2026

DOWNLOAD FESTIVAL (Reino Unido)

El festival ya ha publicado el póster de 2026 con los tres nombres grandes en primera línea, además indicados como “UK exclusives”.

Cabezas de cartel: Limp Bizkit, Guns N’ Roses, Linkin Park. Download Festival
Info: Donington Park. 10–14 de junio de 2026.

 

GRASPOP METAL MEETING (Bélgica)

En Graspop 2026 el cartel está construido alrededor de un bloque de bandas muy reconocibles, con varios nombres “de arriba” ya muy claros.

Principales nombres anunciados (cabezas / parte alta): Def Leppard, Twisted Sister, Limp Bizkit, Bring Me The Horizon, Volbeat (entre otros). 
Y, en el arranque de anuncios del festival, también se colocaban muy arriba Limp Bizkit, Within Temptation y Megadeth para el jueves.

Info: Dessel. 18–21 de junio de 2026. Abono: 319 €. Día: 135 €. Graspop Metal Meeting

 

COPENHELL (Dinamarca)

Aquí sí está cristalino: la propia organización ha anunciado explícitamente los cuatro headliners.

Cabezas de cartel: Iron Maiden, Volbeat, Bring Me The Horizon, Twisted Sister. copenhell.dk+1
Info: Copenhague (Refshaleøen). 24–27 de junio de 2026.

 

WACKEN OPEN AIR (Alemania)

Wacken está en modo aniversario y va soltando el cartel por oleadas. En la primera comunicación fuerte de 2026, el festival presentó como punta de lanza a cuatro nombres.

Banda “al frente” de la primera oleada: Def Leppard, In Flames, Powerwolf, Savatage. Wacken Open Air
Info: Wacken. 29 de julio–1 de agosto de 2026 (festival). Camping desde el 26 de julio.

07/01/2026 0 comments
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AgendaArteNoticias

Las grandes exposiciones que marcarán 2026

by Emain Juliana 05/01/2026
written by Emain Juliana

El calendario artístico internacional de 2026 apunta a una recuperación clara del formato expositivo de gran escala. Museos y centros culturales de referencia han anunciado programas ambiciosos que combinan retrospectivas de artistas consagrados, revisiones del canon y proyectos arquitectónicos vinculados a la actualización del patrimonio cultural.

Instituciones como el British Museum, la Tate, el Centre Pompidou o el MoMA han adelantado exposiciones que ponen el foco tanto en figuras centrales del arte contemporáneo como en lecturas renovadas de artistas históricos. El objetivo es atraer a un público amplio sin renunciar a un discurso crítico que dialogue con las preocupaciones actuales.

Entre las propuestas más destacadas se encuentran las retrospectivas dedicadas a Tracey Emin. En 2026, la Tate Modern de Londres albergará Tracey Emin: A Second Life, la exposición más ambiciosa de la artista hasta la fecha, con más de 90 obras que recorren cuatro décadas de producción. La muestra estará abierta del 26 de febrero al 31 de agosto de 2026 y presenta pintura, escultura, instalación, neón y video, integrando algunas de las piezas más emblemáticas de Emin como parte de una lectura amplia de su trayectoria.

Tracey Emin My Bed 1998 © Tracey Emin. Photo credit: Courtesy The Saatchi Gallery, London / Photograph by Prudence Cuming Associates Ltd

Otra de las figuras que concentrará atención en 2026 es Frida Kahlo, presente en distintos proyectos expositivos. Uno de los más importantes es Frida: The Making of an Icon, en la Tate Modern Exhibition, del 25 de junio de 2026 al 3 de enero de 2027, que busca alejarse de la lectura iconográfica más popular para abordar su obra desde enfoques históricos, políticos y sociales. Estas exposiciones pretenden situar a Kahlo dentro de un marco más amplio, atendiendo tanto a su producción artística como a las condiciones culturales en las que fue creada.

Junto a estas grandes figuras, el calendario de 2026 incluye la recuperación de artistas cuya obra ha sido tradicionalmente considerada marginal o secundaria. Es el caso de Beryl Cook, cuya pintura figurativa y de carácter popular está siendo objeto de una reevaluación crítica en distintos museos europeos. Entre estas propuestas destaca Beryl Cook: Pride and Joy, en The Box (Plymouth), del 24 de enero al 31 de mayo de 2026. Este tipo de iniciativas refleja una tendencia creciente a revisar el canon artístico desde criterios más amplios y diversos.

En el ámbito del arte moderno, 2026 contará también con una cita destacada en torno a Mark Rothko. La Fondazione Palazzo Strozzi, en Florencia, presentará Rothko in Florence, del 14 de marzo al 23 de agosto de 2026, una retrospectiva de gran escala que reunirá más de setenta obras procedentes de colecciones internacionales. La muestra propone un diálogo entre la pintura de Rothko y el contexto artístico florentino, extendiéndose a otros espacios de la ciudad y abordando su relación con la tradición pictórica europea.

Frida Kahlo (México, 1907–1954), Sin título [Autorretrato con collar de espinas y colibrí], 1940. Óleo sobre lienzo montado sobre cartón. Colección Nickolas Muray de Arte Mexicano, 66.6. Harry Ransom Center.

En el ámbito del Barroco español, Francisco de Zurbarán protagonizará una de las citas más relevantes del año con una exposición monográfica en la National Gallery de Londres, que se celebrará del 2 de mayo al 23 de agosto de 2026. La muestra reunirá un amplio conjunto de obras procedentes de colecciones internacionales y propondrá una lectura contextual de su producción, situando a Zurbarán dentro del desarrollo del Barroco europeo y atendiendo tanto a su dimensión espiritual como a su rigor formal.

El año 2026 también será relevante en el ámbito de la arquitectura cultural. Numerosos proyectos de ampliación, rehabilitación y nueva construcción de museos están previstos para los próximos meses, con un énfasis especial en la integración del edificio en su entorno urbano y en la sostenibilidad de los espacios. En este contexto, se anuncian iniciativas vinculadas a la reinterpretación del legado arquitectónico de Antoni Gaudí, especialmente en Barcelona, con motivo del centenario de su muerte, que se conmemorará a lo largo de 2026 mediante exposiciones, intervenciones contemporáneas y programas públicos en distintos espacios patrimoniales, así como actuaciones en edificios históricos vinculados a su obra, así como intervenciones contemporáneas en edificios históricos.

Estos proyectos no se limitan a ampliar la oferta expositiva, sino que plantean nuevas formas de relación entre el público y las instituciones culturales. La arquitectura pasa a desempeñar un papel activo en la experiencia del visitante, reforzando el valor simbólico y narrativo del espacio.

Otro de los rasgos destacados del calendario expositivo de 2026 es su carácter internacional. Junto a los grandes centros europeos y norteamericanos, ciudades de Asia y Oriente Medio consolidan su presencia como polos culturales de primer orden, con exposiciones capaces de atraer atención mediática y público internacional. Este desplazamiento geográfico amplía el mapa cultural y diversifica los discursos presentes en las grandes instituciones.

Desde el punto de vista mediático, las grandes exposiciones continúan siendo uno de los contenidos culturales con mayor capacidad de atracción. Suelen generar un volumen elevado de búsquedas, visitas y compartidos, especialmente cuando se presentan en formatos de guía, agenda o análisis contextual. Además, se trata de contenidos con una vigencia prolongada, que mantienen el interés del público durante meses.

La programación artística de 2026 confirma una tendencia ya visible en años anteriores: la necesidad de equilibrar el atractivo visual y la experiencia expositiva con un discurso sólido y contextualizado. Las exposiciones que logren combinar ambos aspectos serán las que definan el panorama cultural del año.

A medida que se vayan concretando fechas y sedes, el calendario se completará con nuevas propuestas. La atención se centrará no solo en la magnitud de los proyectos, sino en su capacidad para aportar lecturas relevantes sobre el arte, la historia y el presente cultural.

05/01/2026 0 comments
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MúsicaNoticias

Los 10 discos de metal más relevantes de 2025

by Emain Juliana 31/12/2025
written by Emain Juliana

En los últimos meses han salido discos muy visibles y otros que han funcionado especialmente bien dentro de la escena, dejando un panorama bastante interesante. Esta lista recoge algunos de los que mejor lo representan y que, además, han sido nuestros favoritos.

Testament. Para Bellum
Los veteranos del thrash demuestran que siguen teniendo algo que decir. Riffs afilados, tempos contundentes y una producción que no suena a despedida, sino a reafirmación.

Trauma Bond. Summer Ends. Some Are Long Gone.
Uno de los discos más extremos y comentados del año en la escena grindcore y noise-metal. Caótico, incómodo y deliberadamente abrasivo.

Deftones. Private Music
Atmosférico, oscuro y reconocible desde el primer minuto. Deftones siguen jugando en su propio terreno, sin competir con nadie, y por eso siguen siendo relevantes.

Spiritbox . Tsunami Sea
Metal moderno bien producido, con equilibrio entre brutalidad y melodía. Un disco que ha conectado escenas distintas y ha ampliado su público sin diluir identidad.

Deafheaven. Lonely People With Power (2025)
Deafheaven vuelve a tensar el equilibrio entre el black metal, el post-metal y la épica emocional, con un disco más áspero y expansivo que sus trabajos recientes. Lonely People With Power recupera intensidad y ambición sin perder sutileza, y confirma a la banda como uno de los nombres clave del metal contemporáneo.

Ghost. Skeletá
Metal teatral, ganchos claros y una puesta en escena que vuelve a funcionar. No es su disco más arriesgado, pero sí uno de los más efectivos del año.

Sleep Token. Even in Arcadia
Uno de los lanzamientos más discutidos de 2025. Amor y rechazo a partes iguales, pero imposible de ignorar por impacto, alcance y conversación generada.

Corpus Offal. Corpus Offal
Metal extremo directo y sin concesiones. Brutalidad bien ejecutada y una identidad clara que lo ha colocado en muchas listas especializadas.

Judas Priest. Invincible Shield II
Heavy metal clásico hecho con oficio y energía. No pretende reinventar nada, pero confirma que Judas Priest sigue siendo un nombre central del género.

Blood Incantation. Absolute Elsewhere
Uno de los discos más respetados del año dentro del metal extremo. Death metal técnico y atmosférico con ambición conceptual y peso real en la escena.

31/12/2025 0 comments
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CineNoticias

Muere Brigitte Bardot, icono indómito del cine

by Uve Magazine 28/12/2025
written by Uve Magazine

Brigitte Bardot ha muerto a los 91 años y con ella se apaga una de las figuras más reconocibles, incómodas y determinantes del cine europeo del siglo XX, una mujer que fue convertida en mito antes incluso de tener margen para decidir qué hacer con ese lugar que le asignaron. Su fallecimiento, ocurrido en su casa de Saint-Tropez, cierra una vida marcada por la exposición constante, por una fama que nunca terminó de aceptar y por una retirada temprana que fue, más que un gesto caprichoso, una forma de supervivencia. Bardot no fue solo una actriz célebre: fue un fenómeno social que alteró la forma en que se miraba el deseo, el cuerpo femenino y la libertad en una Europa todavía rígida, moralmente constreñida y profundamente hipócrita.

Convertida en estrella internacional tras Y Dios creó a la mujer, Bardot encarnó una sensualidad  derrochadora y que, precisamente por eso, fue celebrada y castigada a partes iguales, admirada como símbolo de emancipación y reducida al mismo tiempo a objeto. A lo largo de su carrera, que incluyó más de cuarenta películas y colaboraciones con cineastas clave del cine francés, quedó claro que su magnetismo iba mucho más allá de la imagen, aunque ella misma rechazara el sistema que la explotaba. En 1973 decidió abandonar el cine cuando aún estaba en lo más alto, cansada de la presión, del juicio constante y de una industria que nunca le permitió ser simplemente una persona.

Desde entonces, Bardot volcó toda su energía en la defensa de los animales, una causa que asumió con la misma intensidad con la que antes había vivido la fama, fundando en 1986 la Fundación Brigitte Bardot y convirtiéndose en una activista feroz, incómoda y sin filtros, lo que también la situó en el centro de numerosas polémicas. Su figura, llena de contradicciones, no admite lecturas simples: fue mito, fue icono y fue conciencia. Una mujer que nunca encajó del todo en el lugar que el mundo le reservó y que, aun así, dejó una huella permanente en la cultura.

28/12/2025 0 comments
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MúsicaNoticiasPersonajes

Perry Bamonte y The Cure

by Emain Juliana 27/12/2025
written by Emain Juliana

Perry Archangelo Bamonte murió a los 65 años, en su casa y tras una breve enfermedad, durante los días de Navidad, una circunstancia que The Cure confirmó con un comunicado escueto y contenido, en el que hablaban de «enorme tristeza» y recordaban a Bamonte como una presencia creativa, cercana y fundamental dentro de la historia del grupo. La noticia obliga a detenerse y mirar con más atención una figura que nunca fue protagonista, pero sin la cual una parte esencial del sonido de The Cure resulta difícil de explicar.

Bamonte no encaja en la categoría de músico icónico, y esa es precisamente la clave de su importancia. No llegó a la banda como un fichaje estelar ni como un revulsivo mediático, sino desde la trastienda, desde el trabajo invisible que sostiene a los grupos en la carretera. Se incorporó al entorno de The Cure en 1984 como parte del equipo técnico, primero afinando instrumentos, preparando escenarios y acompañando a Robert Smith como asistente directo, aprendiendo de cerca no solo cómo se tocaban las canciones, sino cómo se construía el clima emocional que definía al grupo tanto en estudio como en directo. Ese aprendizaje silencioso explica que, cuando a comienzos de los años noventa pasó a formar parte oficial de la banda, su presencia no alterara el equilibrio, sino que lo reforzara de una manera casi natural.

El Cure de los noventa: capas, exceso y una identidad en tensión

La etapa de Perry Bamonte como miembro pleno coincide con uno de los momentos más complejos de The Cure, cuando la banda se encontraba atrapada entre el peso de su propio legado y la necesidad de no convertirse en una caricatura de sí misma. Tras Disintegration (1989), considerado por muchos como su gran obra definitiva, cualquier movimiento posterior estaba condenado a ser leído como insuficiente o innecesario. Wish (1992) fue la respuesta a esa presión, un disco emocionalmente intenso, físico, casi abrasivo, en el que las guitarras no buscan delicadeza sino empuje, acumulación, insistencia.

En ese contexto, la aportación de Bamonte resulta esencial precisamente porque no se manifiesta de forma evidente. The Cure de los noventa suena grande, amplio, a veces excesivo, y esa sensación no nace de una única mano, sino de la suma de capas que se superponen hasta crear un espacio reconocible, casi físico, en el que la voz de Robert Smith puede moverse con libertad.

Ese papel se hace todavía más visible en Wild Mood Swings (1996), probablemente el disco más discutido de la banda, recibido en su momento como irregular y desconcertante. Con la distancia del tiempo, el álbum se revela como el reflejo honesto de un grupo cansado de su propia identidad, probando registros dispares sin una dirección clara, oscilando entre estilos, tonos y estados de ánimo sin intentar disimular la contradicción. Bamonte encaja ahí porque es un músico flexible, capaz de adaptarse a esa inestabilidad sin forzar una cohesión artificial, permitiendo que el disco avance sin romperse del todo.

Aunque The Cure había definido ya buena parte del imaginario del rock gótico con obras como Pornography (1982), un álbum extremo, opresivo y cargado de imágenes autodestructivas, la banda nunca se limitó a ese territorio. Su historia está marcada por una tensión constante entre la oscuridad y la ligereza, entre la melancolía más densa y el pop inmediato, y es precisamente esa dualidad la que explica su alcance cultural. Canciones como Friday I’m in Love demuestran que el grupo podía moverse hacia la luminosidad sin perder credibilidad, y Bamonte supo habitar ese espacio ambiguo, reforzando tanto los pasajes más sombríos como los más accesibles sin que el conjunto se resintiera.

Cierres y regresos 

Con Bloodflowers (2000), The Cure parece consciente de estar cerrando un ciclo. El disco funciona como un balance, un trabajo introspectivo que dialoga con álbumes anteriores desde la madurez y el desgaste, sin la urgencia de demostrar nada a nadie. Aquí, de nuevo, la aportación de Bamonte se percibe como atmósfera, como una línea de temperatura constante que atraviesa todo el álbum y refuerza su carácter de despedida, aunque no definitiva.

Poco después, Bamonte abandona la banda, y lo hace de la misma manera en que había estado siempre, sin estridencias y sin convertir su salida en un relato épico. The Cure ha sobrevivido a múltiples cambios de formación, pero no todos pesan lo mismo. La ausencia de un músico que trabaja desde la estructura y desde lo invisible, se nota precisamente porque altera el equilibrio general, porque el sonido pierde parte de esa cualidad envolvente que había definido al grupo durante más de una década.

Años más tarde, Bamonte regresó puntualmente para momentos simbólicos y, más recientemente, para giras en las que The Cure recuperó una intensidad que sorprendió incluso a sus seguidores más veteranos. La propia banda llegó a afirmar que algunos de esos conciertos estuvieron entre los mejores de su historia.

Bamonte participó en cientos de conciertos y en varios de los discos más representativos de The Cure de los noventa y principios de los dos mil como parte estructural de una etapa decisiva. Su legado no se mide en iconografía ni en protagonismo, sino en equilibrio, en su capacidad de integrarse dentro de la canción para que esta funcione. Hablar hoy de Perry Bamonte es recordar que las grandes bandas no se sostienen solo sobre nombres visibles, sino sobre músicos que entienden la música como un espacio compartido, donde el ego se subordina al clima emocional. En The Cure, donde ese clima ha sido siempre la verdadera esencia, su aportación resulta imposible de ignorar.

27/12/2025 0 comments
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AgendaArteEventosNoticias

Hammershøi en el Thyssen: la poética del silencio

by Emain Juliana 23/12/2025
written by Emain Juliana

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta, del 17 de febrero al 31 de mayo de 2026, Hammershøi. El ojo que escucha, la primera gran retrospectiva en España dedicada a Vilhelm Hammershøi (1864–1916). Comisariada por Clara Marcellán, la exposición reúne cerca de noventa óleos y dibujos del artista —junto a obras de algunos de sus contemporáneos— y ofrece una lectura amplia y matizada de una producción breve pero singular: algo más de cuatrocientas piezas realizadas a lo largo de apenas cincuenta y un años de vida.

Hammershøi ocupa un lugar central en la pintura danesa de finales del siglo XIX y comienzos del XX, aunque su nombre quedó eclipsado durante décadas tras la consolidación de las vanguardias. Desde los años ochenta del pasado siglo, varias exposiciones internacionales han reactivado el interés por su obra, pero en España su presencia había sido hasta ahora fragmentaria. Esta retrospectiva corrige esa ausencia y permite comprender la coherencia y radicalidad de un pintor que hizo del silencio, la contención y la depuración formal un lenguaje propio.

El recorrido se abre con una obertura que sitúa los primeros años del artista. Tras su formación académica y su paso por las Frie Studieskoler, Hammershøi define muy pronto los motivos y la paleta que lo acompañarán siempre: interiores austeros, figuras ensimismadas, paisajes deshabitados y una gama restringida de blancos, grises, marrones y negros. Obras como Retrato de Ida Ilsted (1890) o Tarde en el salón. La madre y la mujer del artista (1891) muestran ya esa inclinación por escenas suspendidas, próximas al simbolismo y al esteticismo de Whistler, a quien conoció a través de grabados y de la Exposición Universal de París de 1889.

Retrato de Ida

Los retratos y figuras constituyen aproximadamente una cuarta parte de su producción y permiten reconstruir su entorno inmediato: artistas, músicos y amigos. La música, la espera o el recuerdo de un concierto se convierten en motivos recurrentes, como en El violonchelista. Retrato de Henry Bramsen. Hammershøi elimina cualquier elemento narrativo superfluo y recurre a fondos neutros que refuerzan la sensación de tiempo detenido. En Tres mujeres jóvenes (1895), Ida y sus cuñadas aparecen reunidas en una escena doméstica que parece ajena a toda anécdota.

La figura de Ida Ilsted atraviesa buena parte de la exposición. Esposa del pintor desde 1891, aparece tanto como presencia idealizada como desde una cercanía más frágil. Los retratos dobles de la pareja le sirven a Hammershøi para explorar la relación entre figuras, desde composiciones frontales de inspiración clásica hasta soluciones más complejas, como Dos figuras, donde el propio artista se representa de espaldas, separado de Ida por una mesa.

Sala de estar, madre y mujer

El núcleo más conocido de su obra, los interiores, se despliega en dos vertientes: habitaciones con figuras y espacios completamente vacíos. Las estancias de sus viviendas —especialmente el apartamento de Strandgade 30, donde vivió entre 1898 y 1909— funcionan como laboratorio pictórico. Mujeres de espaldas, puertas entreabiertas, paredes desnudas y una luz medida con precisión construyen escenas de una intensidad contenida. En los interiores vacíos, Hammershøi insiste en una misma vista, alterando mínimos detalles. En Rayos de sol o luz del sol. Motas de polvo bailando en los rayos de sol (1900), la escena se reduce a una puerta cerrada, una ventana y una luz que convierte lo cotidiano en algo casi abstracto.

Los paisajes y vistas urbanas prolongan esa misma lógica. Copenhague aparece desierta y elevada, alejada de cualquier agitación real. Plazas, edificios y calles adquieren una quietud casi irreal. También los paisajes rurales daneses, planos y sobrios, comparten esa ausencia humana, apenas interrumpida por caminos o construcciones. Sus vistas de Londres, escasas pero significativas, conectan con el simbolismo europeo, especialmente con figuras como Fernand Khnopff.

En los años finales, Hammershøi recupera el estudio del cuerpo humano en grandes desnudos y vuelve al autorretrato tras casi quince años de silencio. En 1911 se pinta pincel en mano, afirmando su condición de pintor. Poco después, instalado en Strandgade 25, continuará explorando ese lenguaje depurado hasta su muerte en 1916.

Tras su paso por Madrid, la exposición viajará a la Kunsthaus Zürich. Una oportunidad decisiva para entender a un artista que hizo de la contención una forma de intensidad y de la calma una postura radical frente a su tiempo.

Violonchelista

Vida y obra de Vilhelm Hammershøi

Vilhelm Hammershøi (Copenhague, 15 de mayo de 1864 – 13 de febrero de 1916) fue uno de los pintores daneses más singulares de finales del siglo XIX y comienzos del XX. Procedente de una familia acomodada, recibió formación artística desde joven y estudió en la Real Academia Danesa de Bellas Artes, completando su aprendizaje en las Frie Studieskoler, donde empezó a alejarse del academicismo dominante y a definir un lenguaje propio.

Desde muy temprano encontró los motivos que marcarían toda su trayectoria: interiores domésticos austeros, figuras ensimismadas, retratos sobrios y paisajes deshabitados, resueltos con una paleta muy restringida de grises, blancos, negros y marrones. Su pintura, aparentemente serena, evita la anécdota y la narración explícita, y se apoya en la luz, el espacio y la repetición de motivos para generar una tensión silenciosa. Estas características lo han vinculado tanto al simbolismo como a la tradición de los maestros holandeses del siglo XVII, así como a la obra de James McNeill Whistler, a quien conoció a través de grabados y exposiciones internacionales.

En 1891 se casó con Ida Ilsted, que se convirtió en una presencia constante en su obra, ya fuera como retrato íntimo o como figura anónima integrada en sus interiores. Ese mismo año participó en la fundación de la Frie Udstilling, un salón independiente creado como alternativa a los circuitos oficiales daneses, donde su pintura había generado rechazo y admiración a partes iguales.

Hammershøi desarrolló la mayor parte de su producción en Copenhague, especialmente en los apartamentos de la calle Strandgade, que utilizó como vivienda y estudio y que se convirtieron en el escenario casi exclusivo de sus interiores más conocidos. Aunque viajó por Europa y expuso en ciudades como París, Berlín o Londres, apenas pintó paisajes fuera de Dinamarca, con la excepción de algunas vistas londinenses de atmósfera brumosa.

Tras su muerte, su obra cayó progresivamente en el olvido, eclipsada por la irrupción de las vanguardias. No fue hasta finales del siglo XX cuando comenzó a ser redescubierta y revalorizada internacionalmente. Hoy Hammershøi es reconocido como un artista radical en su contención, capaz de transformar lo cotidiano y lo aparentemente inmóvil en una experiencia profundamente inquietante.

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MúsicaNoticias

W.E.B., fuego en directo con Darkness Alive

by Clara Belmonte 22/12/2025
written by Clara Belmonte

La música de W.E.B. siempre se ha movido en el filo: dramatismo, exceso y una violencia sonora que no busca agradar, sino arrasar. La crítica lo ha descrito como un equilibrio preciso entre energía desbocada y descontrol absoluto, pero es sobre un escenario donde la banda griega alcanza su verdadera dimensión. Esa experiencia queda ahora fijada en Darkness Alive, el primer álbum en directo del grupo, grabado en Atenas el 22 de septiembre de 2024.

La grabación no es casual. Aquella noche, W.E.B. compartió cartel con Dark Funeral, en un concierto marcado además por un momento de transición interna dentro de la banda. “Estábamos haciendo cambios en el grupo y eso nos tenía especialmente motivados. Decidimos que era el día adecuado para dejar constancia de ello con un lanzamiento especial”, explica Sakis Prekas, vocalista y guitarrista. El resultado no es un simple documento en vivo, sino una declaración de intenciones.

La selección de los nueve temas que componen Darkness Alive responde a una lógica clara: el directo manda. Prekas lo resume sin rodeos: “Sabemos casi de inmediato qué canciones funcionan en concierto. Siempre pensamos en el público”. No se trata solo de ejecutar bien los temas, sino de construir un ritual colectivo, de atrapar a quienes están frente al escenario y ofrecerles un espectáculo de metal que deje huella.

El álbum muestra a W.E.B. en un momento de plena forma. Canciones como “Dragona” despliegan un black metal incisivo que culmina en un final épico destinado a convertirse en fijo de sus conciertos. “Into Hell Fire We Burn” mezcla la contundencia del black y el heavy metal en un tema diseñado para corearse, con un estribillo que no invita, sino que ordena participar. Por su parte, “Dark Web”, extraído del álbum Colosseum (2021), introduce una avalancha de death melódico y metal moderno, con un trasfondo tan oscuro como directo: una crítica feroz a la manera en que el poder y el dinero aplastan a los demás sin contemplaciones.

Darkness Alive no suaviza nada ni busca un sonido pulido para consumo fácil. Es un retrato honesto de lo que ocurre cuando W.E.B. sube a un escenario: intensidad, violencia controlada y una conexión frontal con el público. Un disco que no pretende sustituir la experiencia del directo, sino dejar claro por qué hay bandas que solo se comprenden del todo cuando el volumen está al límite y el suelo tiembla.

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AgendaLiteraturaNoticias

La Feria del Cómic de Madrid vuelve en 2026

by Uve Magazine 21/12/2025
written by Uve Magazine

La Feria del Cómic de Madrid volverá a Matadero del 26 al 29 de marzo de 2026 con una segunda edición que refuerza su ambición cultural y su vocación europea. Tras una primera convocatoria que superó expectativas, la cita regresa con un eje claro: un viaje por las principales ciudades del cómic europeo, con Madrid como destino final y lugar de cruce entre tradiciones, estilos y nuevas formas de entender el medio.

La periodista cultural Laura Barrachina asumirá la comisaría de esta edición, aportando una mirada experta y contemporánea sobre el cómic como lenguaje narrativo y espacio de pensamiento. El cartel oficial correrá a cargo del ilustrador madrileño Daniel Montero Galán, que ya vivió de cerca el ambiente de la primera feria y que buscará condensar en una sola imagen el carácter plural, festivo y colectivo del evento.

La programación se articulará en torno a ese concepto de viaje, entendido no solo como desplazamiento geográfico, sino también como proceso creativo, experiencia vital y diálogo cultural. Las ciudades europeas del cómic servirán como puntos de partida para reflexionar sobre las distintas tradiciones gráficas del continente y sobre cómo todas ellas confluyen hoy en Madrid, una ciudad que se reivindica como capital activa del cómic europeo.

Además de charlas, encuentros y actividades para públicos diversos, la feria ampliará su zona de venta, con mayor presencia de librerías y editoriales especializadas. La entrada seguirá siendo gratuita y se mantendrá el descuento del 10 % en las compras, una medida pensada para fomentar la lectura y apoyar al sector.

Coorganizada por el Ayuntamiento de Madrid y la Asociación de Librerías de Madrid, con la colaboración de la Fundación Germán Sánchez Ruipérez, la Feria del Cómic de Madrid avanza así hacia su consolidación como una cita estable y relevante dentro del calendario cultural de la ciudad. Sin rodeos: el cómic ha llegado para quedarse en Madrid, y esta feria quiere ser una de sus casas principales.

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