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Eventos

EventosLiteratura

Orvallo, el murmullo de la lluvia

by Uve Magazine 28/03/2025
written by Uve Magazine

La primera presentación de Orvallo tendrá lugar el viernes 28 de marzo a las 19:00 horas en la Librería Cervantes de Oviedo, con la participación de la autora y de la periodista y socióloga Verónica García-Peña. Será la primera de varias presentaciones que también llevarán el libro a Copenhague (25 de abril) y a la Feria del Libro en Español en Malmö (14 de junio).

Hay lluvias que no hacen ruido. No golpean con fuerza ni despiertan sobresaltos. Simplemente caen, como si acariciaran el suelo, empapando todo lo que encuentran a su paso. A esa llovizna sutil, persistente y casi invisible se la llama orvallo en Asturias. Y con esa misma delicadeza es como Marta Pastur Rubio construye su segundo libro, una colección de relatos breves que, sin levantar la voz, cala hondo.

Publicado por Uve Books y con una edición cuidada —rústica con solapas, 12 x 17 cm, 80 páginas— Orvallo es mucho más que una suma de historias. Es un viaje entre la memoria y la realidad, entre la mirada de la infancia y los ecos de la adultez. Es también un homenaje a los recuerdos, al poder de lo vivido y a las pequeñas cosas que, aunque fugaces, nos transforman.

Una autora entre dos mundos

Marta Pastur nació en Asturias, pero desde 2018 reside en Copenhague. Pedagoga de formación y máster en Neuropsicología Educativa por la Universidad de Alcalá de Henares, ha hecho de su pasión por la enseñanza un modo de vida. Tras trabajar como docente en Dinamarca, fundó su propia academia de español para niños, llamada Pollitos, donde conjuga su amor por el idioma con su vocación pedagógica.

Esa doble vida entre el norte de España y el norte de Europa ha impregnado su literatura. Si con Victoria sin cuerno, su primer libro, exploró el ámbito de la narrativa infantil ilustrada, ahora, con Orvallo, da un paso firme hacia la literatura para adultos, sin perder de vista la mirada inocente y perpleja de la niñez, aunque no es solo un libro de recuerdos ni una simple evocación nostálgica. Es también una cartografía emocional que conecta el pasado con el presente, la voz de la niña con la conciencia de la mujer, el yo autobiográfico con las vidas de muchos otros niños y niñas que Pastur ha conocido a lo largo de su vida profesional.

Desde su primer relato, despliega una sensibilidad aguda hacia lo cotidiano. Juegos infantiles, viajes en coche, charlas en el aula, el silencio de un hospital o la curiosidad ante lo desconocido se convierten en materia narrativa. A través de escenas breves, la autora teje una red de significados que giran en torno a la identidad, la fragilidad y la resistencia de la infancia.

Cada relato funciona como una pequeña estampa, una imagen que se fija en la memoria con la intensidad de un olor, una palabra o un gesto. En Efecto Proust, por ejemplo, se explora el poder de los recuerdos olfativos. En otros, como Pas de chat o Apego, se abordan el miedo a la ausencia, la pérdida y la transformación interior que implica crecer, pero lo que verdaderamente distingue a Orvallo es su capacidad para mostrar la infancia como un territorio complejo, donde conviven la ternura y el desconcierto, el juego y el trauma, la inocencia y la lucidez. Marta Pastur no idealiza el mundo infantil, sino que lo presenta como un espacio de construcción, resistencia y asombro.

La infancia como metáfora

“Con este libro de relatos he querido tender un puente entre la niñez y la vida adulta”, afirma la autora. Y ese puente se construye no solo a partir de sus vivencias personales, sino también de las historias reales de muchos niños y niñas con los que ha trabajado en Dinamarca. Algunos relatos están inspirados en situaciones conmovedoras, como la de Anisa, una niña que deseaba tener la piel blanca porque en su país el tono oscuro era sinónimo de marginación. O la de Mark y Thomas, que descubren muy pronto la vulnerabilidad de ser inmigrantes en un país ajeno.

A través de estas historias, la autora consigue ampliar el foco y trascender lo autobiográfico. Aunque Orvallo parte de lo íntimo, de lo local, se proyecta hacia lo universal. Sus temas —el apego, el miedo, la pérdida, el aprendizaje, la ternura, la nostalgia— son compartidos por lectores de cualquier edad o procedencia.

Pedagogía y literatura: un vínculo natural

El oficio de Marta Pastur como pedagoga atraviesa toda la obra. No en el sentido de una literatura didáctica, sino en el uso de la observación como herramienta narrativa. “Este proyecto nace de mi obsesión por observar”, confiesa. Y esa mirada atenta, empática, generosa, recorre cada una de las páginas del libro.

En cuentos como Hipotonía, Codo a codo o Laboratorio, la autora explora el vínculo con los niños desde la experiencia docente. Las preguntas inesperadas de los pequeños, su forma única de interpretar el mundo, su necesidad de conexión y de refugio, se convierten en claves para reflexionar también sobre la adultez y sus carencias. Estos  relatos sugieren que muchas veces somos los adultos quienes más tenemos que aprender. Y que hay una sabiduría silenciosa en los niños que solo se revela si nos detenemos, si escuchamos, si nos dejamos mojar por ese orvallo invisible que es la infancia.

Nostalgia sin almíbar

Otro de los hilos conductores del libro es la nostalgia. No como simple melancolía, sino como una forma de recuperar y resignificar lo vivido. La autora ha confesado que el libro fue también una suerte de catarsis, una forma de volver al origen desde la distancia. Desde Copenhague, este libro le ha permitido reencontrarse con su Asturias natal, con los paisajes, las personas y las emociones que la vieron crecer.

En este sentido, los relatos tienen un aire de retorno. Hay en ellos un deseo de detener el tiempo, de conservar lo perdido, de dar forma a lo inasible. Y sin embargo, no cae en la trampa del sentimentalismo. Su tono es contenido, su lirismo medido, su sensibilidad, madura. Cada texto está escrito con una prosa limpia y lírica, que sabe cuándo callar, cuándo insinuar, cuándo dejar que el lector complete el sentido. Es una escritura que no subraya, que confía en el poder de los detalles, en los gestos mínimos, en lo que queda flotando entre líneas.

Un libro que interpela

Orvallo no es un libro para devorar de una sentada. Es más bien una obra para saborear con lentitud, como quien mira llover por la ventana. Su lectura invita a detenerse, a recordar, a mirar con otros ojos lo cotidiano.

Al final, lo que Marta Pastur logra con este libro es algo muy difícil: hablarnos de cosas pequeñas que, en realidad, no lo son. Porque detrás de cada escena hay un mundo emocional que todos reconocemos. Porque todos fuimos niños alguna vez. Y todos seguimos arrastrando a ese niño interior, aunque a veces lo olvidemos.

28/03/2025 0 comments
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ArteCineEventosMúsica

Blur, To the End

by Uve Magazine 25/03/2025
written by Uve Magazine

Viernes 28 de marzo de 2025 – CaixaForum Madrid
Proyección: 20:00 h | Warm up DJ: desde las 19:30 h | VOSE | 102 minutos
Sesión presentada por Esteban Girón

En el marco del ciclo In-Edit On Tour, CaixaForum Madrid acoge la proyección de Blur, To the End, un documental dirigido por Toby L. que se adentra en el regreso de una de las bandas clave del britpop: Blur. Con sensibilidad y cercanía, la película no solo repasa los grandes éxitos del grupo, sino que retrata con honestidad el reencuentro emocional y creativo de Damon Albarn, Graham Coxon, Alex James y Dave Rowntree tras ocho años de silencio discográfico.


El filme arranca con el proceso de grabación de The Ballad of Darren (2023), su primer álbum en casi una década, y culmina con los dos macroconciertos celebrados en Wembley. Pero más allá del espectáculo, lo que narra To the End es la historia de una amistad compleja, las heridas del tiempo y la capacidad de la música para dar sentido incluso a lo que ya parecía cerrado. Alegría, vulnerabilidad, orgullo, melancolía, cansancio, lesiones, lágrimas y humor negro: todos estos matices atraviesan este último capítulo vital de unos músicos que siguen conectando con varias generaciones.

Intervienen en el documental, además de los miembros de la banda, figuras esenciales como el productor James Ford, el mánager Mike Smith y el actor Phil Daniels, voz inolvidable en Parklife. Una obra para fans, sí, pero también para quienes quieran asomarse al interior de una banda que supo convertir lo cotidiano en himno y lo colectivo en identidad.

La sesión será presentada por el músico y comunicador Esteban Girón y contará con un warm up previo desde las 19:30 h, a cargo de Don Viti (Víctor Patiño), DJ de referencia en la escena madrileña, que ofrecerá una sesión especialmente comisariada para la ocasión, inspirada en el universo Blur.

Ciclo de música – In-Edit On Tour

Del 14 de marzo al 4 de abril de 2025 – CaixaForum Madrid

Esta proyección forma parte de In-Edit On Tour, el ciclo que acerca a distintas ciudades españolas una cuidada selección de los mejores documentales musicales que han pasado por el prestigioso In-Edit, Festival Internacional de Documental Musical de Barcelona. Tras veinte años apostando de forma exclusiva por el documental musical, In-Edit se ha consolidado como un referente internacional, con ediciones en diferentes países y un firme compromiso con la música como herramienta narrativa, social y emocional.

De la electrónica al rock clásico, pasando por el reggae, el punk, el flamenco, el jazz o las propuestas más experimentales, el ciclo demuestra que la música sigue siendo una de las formas más poderosas para contar quiénes somos, de dónde venimos y hacia dónde vamos.

25/03/2025 0 comments
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EventosLiteratura

¿De qué muere un buitre? La exploración poética de Nerea Aguado Alonso

by Uve Magazine 20/03/2025
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En el poemario ¿De qué muere un buitre?, Nerea Aguado Alonso invita al lector a sumergirse en una profunda reflexión sobre la naturaleza de la vida, la muerte y la existencia humana en el contexto del mundo natural. A través de una serie de poemas, aborda temas como la dualidad, la transitoriedad, la resistencia y la interconexión, tejiendo una narrativa poética que nos lleva a explorar los misterios y complejidades de la existencia.

La obra nos sitúa en el paisaje de las Bardenas Reales, un escenario que, más allá de su valor natural, se convierte en un espacio simbólico donde se entrelazan memoria, identidad y pérdida. La autora regresa a este territorio para rescatar no solo sus sonidos y colores, sino también su lenguaje, sus localismos, sus elementos que se diluyen con el paso del tiempo.

Uno de los detonantes del poemario fue el hallazgo de un buitre muerto al pie de un molino de viento, un símbolo que sintetiza la paradoja del progreso y la destrucción. Este hecho, junto a la pérdida de familiares y de su mascota, llevó a Aguado Alonso a explorar el duelo desde una perspectiva lírica, reivindicando la necesidad de detenerse, observar y sentir en una sociedad que a menudo rechaza estas pausas.

La poeta logra en ¿De qué muere un buitre? publicado por Uve Books, un equilibrio entre lo onírico y lo terrenal, entre la dureza del paisaje y la delicadeza de la palabra. Sus versos, acompañados por las ilustraciones de Yulia Podlinnova, componen un universo en el que el cielo y la tierra dialogan, y en el que la poesía se alza como un refugio frente a la fugacidad del tiempo.

Este nuevo poemario se presenta el 21 de marzo a las 19:00 horas en Cabanillas, Navarra, en un encuentro especial en el que Nerea Aguado Alonso será entrevistada por el músico y compositor Patxi Morillas Araque. Una conversación que ahondará en la profundidad de su poesía, su vínculo con la naturaleza y la palabra como territorio de resistencia.

20/03/2025 0 comments
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ArteEventos

El Museo Guggenheim Bilbao presenta una experiencia inmersiva de Refik Anadol

by Clara Belmonte 19/03/2025
written by Clara Belmonte

El Museo Guggenheim Bilbao inaugura un nuevo ciclo de exposiciones titulado in situ, con el que busca explorar el arte digital en el siglo XXI. La primera muestra de este programa es Arquitectura viva (Living Architecture), una instalación inmersiva del artista turco-estadounidense Refik Anadol, inspirada en el trabajo del arquitecto Frank Gehry. La exposición, que se podrá visitar entre el 7 de marzo y el 19 de octubre de 2025, fusiona arte, arquitectura e inteligencia artificial para ofrecer al público una experiencia sensorial única, donde la estructura del icónico edificio se convierte en el punto de partida de una nueva forma de percepción visual.

Refik Anadol es un pionero en la utilización de la inteligencia artificial como herramienta creativa y en la exploración de sus implicaciones en la sociedad actual y futura. Nacido en Estambul en 1985 y radicado en Los Ángeles, Anadol ha desarrollado un enfoque artístico basado en la recopilación y procesamiento de datos mediante algoritmos avanzados, con los que crea visualizaciones en movimiento que desafían la frontera entre lo digital y lo físico. Sus instalaciones han sido exhibidas en algunos de los espacios culturales más prestigiosos del mundo, como el MoMA de Nueva York, el Centro Pompidou de París y la Serpentine Gallery de Londres. Su trabajo se sitúa en la intersección del arte, la ciencia y la tecnología, explorando el modo en que los datos pueden transformarse en experiencias estéticas envolventes.

En Arquitectura viva (Living Architecture), Anadol utiliza inteligencia artificial para analizar y reinterpretar la estructura del Museo Guggenheim Bilbao, capturando su esencia arquitectónica en un flujo continuo de imágenes generadas por algoritmos. La obra combina datos obtenidos de modelos 3D del edificio con información recopilada en tiempo real sobre las condiciones ambientales y el comportamiento del público, creando una pieza en constante transformación. El resultado es una serie de “alucinaciones artificiales” que convierten la arquitectura en un organismo vivo, en el que formas y colores evolucionan sin cesar, reflejando la dinámica del entorno.

Refik Anadol. Credit Efsun Erkilic

Esta exposición es posible gracias a la colaboración del Museo Guggenheim Bilbao con 1OF1, una entidad dedicada al coleccionismo y la preservación del arte digital. Su fundador, Ryan Zurrer, subraya la importancia de apoyar a los artistas que, con su visión de futuro, están definiendo la expresión artística contemporánea. 1OF1 apuesta por el desarrollo del coleccionismo digital y por la creación de experiencias únicas en el ámbito del arte del siglo XXI.

Por su parte, Euskaltel se une al proyecto como partner tecnológico, reafirmando su compromiso con la innovación y el desarrollo de nuevas ideas a través del arte. Para la compañía, esta colaboración representa una oportunidad de contribuir al avance de la tecnología en el ámbito cultural, facilitando la materialización de propuestas que desafían los límites de la creatividad y la percepción.

Arquitectura viva (Living Architecture) se exhibirá en uno de los espacios más emblemáticos del Museo Guggenheim Bilbao, integrando la arquitectura del edificio con la obra de Anadol. La muestra invita al espectador a reflexionar sobre el papel de la inteligencia artificial en la sociedad y su impacto en la creación artística, explorando nuevas formas de interacción entre la tecnología, la memoria y la imaginación. A través de esta instalación, Anadol no solo transforma el espacio museístico en una experiencia envolvente, sino que plantea una reflexión sobre la relación entre el ser humano y el mundo digital, abriendo un debate sobre la influencia de la inteligencia artificial en la percepción, la creatividad y el futuro del arte.

19/03/2025 0 comments
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AgendaEventos

Primera edición del festival Biophest

by Uve Magazine 10/03/2025
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Matadero Madrid inaugura Biophest, el primer festival que celebra la conexión entre humanos y naturaleza. Del 4 al 6 de abril, Matadero Madrid, centro de creación contemporánea del Área de Cultura, Turismo y Deporte, acogerá la primera edición de Biophest, un festival innovador que explora el vínculo emocional entre las personas y la naturaleza a través de una amplia variedad de actividades. Charlas, talleres, conciertos, exposiciones y rutas guiadas conforman la programación de este evento comisariado por la experta en botánica urbana Elena Páez y la especialista en comunicación cultural Eva F. Cortés.

Biophest surge con la intención de fomentar la biofilia, término que define el amor innato de los seres humanos por la naturaleza. El festival propone un espacio de reflexión y experimentación artística que promueve una conexión más profunda con el entorno vegetal, desde el aprendizaje práctico hasta la inmersión sensorial en instalaciones artísticas y experiencias musicales. Entre las actividades destacadas se incluyen talleres donde los asistentes podrán desarrollar habilidades en jardinería y botánica, aprendiendo a realizar esquejes, mantener espacios verdes urbanos, identificar y cuidar plantas de interior o confeccionar kokedamas, una técnica japonesa inspirada en el bonsái y el ikebana.

El festival contará con la presencia de destacados especialistas que ofrecerán su visión sobre la conexión entre el ser humano y la naturaleza. Entre los ponentes se encuentran Santiago Beruete, filósofo, antropólogo y jardinero, que aboga por una cosmovisión biocéntrica; Sue Stuart-Smith, psiquiatra y escritora británica, autora de La mente bien ajardinada; y Eduardo Barba, paisajista e investigador botánico, quien explorará la relación entre arte y botánica en su charla El arte de las plantas. También participarán Marco Martella, escritor y director de la revista Jardins, y la artista y comisaria de exposiciones Toya Legido, que analizará el papel de la naturaleza en la producción artística.

Los asistentes podrán sumergirse en instalaciones interactivas que exploran la relación entre arte y naturaleza. Plant-based, de Cyrus Clarke, es una innovadora serie de arte digital generativo que evoluciona y captura carbono. Crisálida, de Casa Protea, representa un refugio de musgo que simboliza la transformación y regeneración de la vida vegetal. Además, la instalación Phonofolium, de Scenocosme, permite a los visitantes interactuar con un árbol vivo que emite sonidos en respuesta al tacto humano. En el Terrario de Nave Una, la exposición Variedades de lechugas locales, de Ecosecha, y el proyecto Banco de intercambio de semillas ofrecen un acercamiento a la biodiversidad agrícola y la sostenibilidad.

Biophest también contará con un programa musical que explora la relación entre sonido y naturaleza. La inauguración del festival estará marcada por un homenaje a Plantasia, el icónico álbum de Mort Garson creado para el disfrute de las plantas. El sábado, el productor Brian D’Souza presentará Mushroom Music, inspirado en la comunicación de los hongos, mientras que el domingo cerrará el festival Jordi Sapena con Salve Monstera, un álbum que fusiona lo electrónico con lo orgánico. Además, el festival propone diversas rutas para redescubrir la naturaleza en entornos urbanos. Cuando el río habla recorrerá el Manzanares como un organismo vivo cargado de historia ecológica y social, mientras que Elogio a la jardinería punk invitará a explorar jardines espontáneos que rompen con las normas tradicionales. Otra de las rutas destacadas es La nave de las patatas, un recorrido por el Palacio de Cristal de Arganzuela, espacio que alberga más de 9.000 especies vegetales.

Los más pequeños también tendrán su espacio en Biophest con talleres diseñados para fomentar su curiosidad por la naturaleza. El desafío del bosque y La naturaleza de los objetos están dirigidos a niñas y niños a partir de seis años, con dinámicas que combinan juego y aprendizaje sobre el mundo vegetal. Biophest, organizado por Intermediae y Matadero Madrid, cuenta con el patrocinio de As Pedras, El Águila y la Asociación para la Certificación Española Forestal (PEFC España). Este evento refuerza la línea de trabajo de Intermediae en torno a la permacultura y la ecología crítica, ofreciendo una oportunidad única para repensar la relación entre arte, naturaleza y bienestar humano. Las inscripciones para las actividades gratuitas y la compra de entradas para los talleres de adultos ya están disponibles en intermediae.es.

10/03/2025 0 comments
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ArteEventosMúsica

Epica lanza su nuevo álbum “Aspiral” y anuncia gira

by Clara Belmonte 07/03/2025
written by Clara Belmonte

La banda neerlandesa de metal sinfónico Epica ha anunciado el lanzamiento de su noveno álbum, titulado Aspiral. Saldrá el 11 de abril de 2025 bajo el sello Nuclear Blast Records y promete un sonido potente y envolvente, con una combinación de elementos sinfónicos, coros épicos y la energía del metal progresivo.

El nombre del disco está inspirado en una escultura de 1965 del artista polaco Stanisław Szukalski, que simboliza renovación e inspiración. La banda describe cada canción como una pieza con identidad propia, pero unidas forman una obra que invita a la reflexión y al viaje musical. A lo largo del álbum, Epica explora temas como la transformación personal, el paso del tiempo y la lucha entre la luz y la oscuridad, conceptos recurrentes en su discografía.

En Aspiral, Epica mantiene su característico sonido sinfónico con la inclusión de grandes orquestaciones, coros majestuosos y arreglos cinematográficos. La producción estuvo a cargo de Joost van den Broek, con quien han trabajado en álbumes anteriores, grabado en los Sandlane Studios. La portada fue diseñada por Hedi Xandt, reconocido por su trabajo con Rammstein, Ghost y Parkway Drive, lo que refuerza la estética grandiosa del proyecto.

Influencias y evolución de Epica

Desde su debut en 2003 con The Phantom Agony, Epica ha desarrollado un estilo único que mezcla el metal sinfónico con elementos de música clásica, progresiva y gótica. La banda, liderada por Simone Simons en la voz y Mark Jansen en las guitarras y guturales, ha evolucionado a lo largo de los años, incorporando influencias de música cinematográfica, folk y electrónica. Con discos como The Divine Conspiracy (2007), Design Your Universe (2009) o Omega (2021), han consolidado su reputación como una de las bandas más innovadoras del género.

Aspiral se presenta como un punto de inflexión en su carrera, combinando la esencia de sus primeros trabajos con nuevas exploraciones sonoras. La banda ha experimentado con estructuras más progresivas, una mayor presencia de sintetizadores y una narrativa conceptual más profunda.

Lista de canciones

El disco incluye 11 temas nuevos que reflejan la evolución de la banda:

  1. Cross the Divide

  2. Arcana

  3. Darkness Dies in Light – A New Age Dawns Part VII

  4. Obsidian Heart

  5. Fight to Survive – The Overview Effect

  6. Metanoia – A New Age Dawns Part VIII

  7. T.I.M.E.

  8. Apparition

  9. Eye of the Storm

  10. The Grand Saga of Existence – A New Age Dawns Part IX

  11. Aspiral

Como adelanto, la banda ha estrenado el videoclip de “Cross the Divide”, dirigido por Kunststoff y disponible en plataformas digitales. Este primer sencillo presenta un sonido envolvente con cambios dinámicos, combinando los coros sinfónicos con riffs pesados y la poderosa voz de Simone Simons.

Gira mundial y fechas en España

Epica también ha anunciado una gira mundial para presentar Aspiral, con fechas en Europa y América Latina. En España, la banda actuará en:

  • 30 de enero de 2026 – Barcelona

  • 31 de enero de 2026 – Madrid

Las entradas ya están a la venta en los canales oficiales.

Un nuevo hito en la carrera de Epica

Con Aspiral, Epica sigue evolucionando y explorando nuevas ideas sin perder su esencia. Este nuevo trabajo promete emocionar a sus seguidores y atraer a nuevos oyentes, consolidando su legado como una de las bandas más influyentes del metal sinfónico.

Para más información, visita epica.nl.

07/03/2025 0 comments
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AgendaEventos

Madrid inaugura su primera Feria del Cómic en marzo

by Uve Magazine 06/03/2025
written by Uve Magazine

Madrid se prepara para celebrar un acontecimiento inédito en su escena cultural: la primera edición de la Feria del Cómic de Madrid. El evento tendrá lugar del 27 al 30 de marzo en Matadero Madrid y reunirá durante cuatro días a los amantes del noveno arte en un espacio de intercambio y encuentro con figuras destacadas del panorama nacional e internacional.

Organizada por el Ayuntamiento de Madrid y la Asociación de Librerías de Madrid, con la colaboración de la Fundación Germán Sánchez Ruipérez, FSC (Forest Stewardship Council) y Radio 3 (RNE), esta feria nace con la vocación de convertirse en un referente para lectores, profesionales del sector y creadores.

La feria contará con 36 casetas, gestionadas por librerías madrileñas, muchas de ellas especializadas en cómic, lo que ofrecerá una oportunidad excepcional para descubrir una amplia oferta editorial. Además, el evento incluirá presentaciones, charlas, encuentros con autores y actividades para todos los públicos.

Marta Rivera de la Cruz, delegada del Área de Gobierno de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, ha expresado su entusiasmo ante la inauguración de la feria: “Nos alegra anunciar que Madrid tendrá su Feria del Cómic. Ha estado muy presente en la ciudad a través de librerías y bibliotecas, y ahora contará con su propio evento de referencia”.

Un cartel con identidad propia

El ilustrador y Premio Nacional de Cómic 2015, Javier Olivares, ha sido el encargado de diseñar el cartel de esta primera edición. Su propuesta busca capturar la esencia de la historieta de forma visual, destacando las posibilidades narrativas del medio.

Una programación con tres grandes ejes

La comisaria de la feria, Elisa McCausland, ha diseñado una programación alineada con la propuesta artística de Olivares. Los tres ejes temáticos de la feria son:

  • La casa como unidad narrativa: centrado en relatos autobiográficos y cómics de memorias personales.

  • La ciudad como espacio de experimentación: explorando el cómic de crónica urbana y su relación con la memoria histórica y los movimientos sociales.

  • Los multiversos como oportunidades de encuentro: abordando los géneros de ficción, la experimentación gráfica y el cómic contemporáneo.

Actividades para todos los públicos

Las actividades se desarrollarán en tres escenarios principales: Casa del Lector, Matadero y Cineteca. En esta última, se proyectarán películas dentro del ciclo Autoras de cine, autoras de cómic, con la participación de figuras como Richard McGuire, creador de Aquí (2014), cuya adaptación cinematográfica, Here, será proyectada en Cineteca.

Asimismo, habrá espacios profesionales para libreros y editores, mesas redondas sobre crítica de cómic y librerías especializadas, así como emisiones en directo de programas de Radio 3 y pódcasts especializados.

Horarios y acceso

Las casetas estarán abiertas el jueves 27 de marzo de 16:00 a 20:00 h. y de 11:00 a 20:00 h. de viernes a domingo. La Feria del Cómic de Madrid promete ser una cita imprescindible para explorar la riqueza del sector y conectar con la diversidad del cómic en todas sus manifestaciones.

06/03/2025 0 comments
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AgendaArteEventos

Tarek Atoui. At-Tāriq

by Valeria Cruz 18/02/2025
written by Valeria Cruz

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y TBA21 presentan At-Tāriq, la primera exposición individual de Tarek Atoui en Madrid, un innovador proyecto que explora las tradiciones musicales y artesanales rurales del mundo árabe y del norte de África a través del sonido y el arte. La muestra, comisariada por Daniela Zyman, se podrá visitar del 18 de febrero al 18 de mayo de 2025 y cuenta con la colaboración de la Fundación Ecolec.

Un proyecto de investigación sonora y cultural

El proyecto es un encargo de TBA21 Thyssen-Bornemisza Art Contemporary y es el resultado de más de tres años de viajes e intercambios con músicos y artesanos de la región del Atlas marroquí. A través de este trabajo de campo, Atoui ha recopilado sonidos y melodías tradicionales vinculadas a antiguas rutas comerciales y de peregrinación, con el objetivo de reivindicar su legado oral y reinterpretarlo en un contexto contemporáneo.

Inspirándose en la conexión de la noche con lo desconocido, At-Tāriq (término que significa “la estrella de la mañana” o “el visitante nocturno” y hace referencia al capítulo 86 del Corán) invita a reflexionar sobre la memoria, la identidad y la experiencia poética de la escucha.

La exposición transforma el espacio expositivo del museo en cinco majlis, espacios tradicionales de hospitalidad en la cultura árabe, que Atoui reimagina como estaciones de escucha inmersivas. Estos majlis ofrecen un viaje sensorial a la cultura amazigh, mostrando instrumentos tradicionales fabricados por artesanos de la región junto a piezas de cerámica, textiles y esculturas cinéticas que interactúan con el sonido.

Conocido por su enfoque disruptivo de la música, Atoui trabaja con materiales como bronce, piedra, cerámica y textiles, explorando sus propiedades acústicas y amplificándolas mediante dispositivos sonoros digitales y analógicos. Los visitantes podrán experimentar con una composición en constante mutación, donde objetos vibran, raspan superficies o generan sonidos mecánicos que reescriben el paisaje sonoro.

Un paisaje sonoro en evolución

La base musical de la exposición surge de una residencia artística que Atoui realizó en Córdoba en 2023, donde trabajó con grabaciones de conciertos, poemas y cánticos amazighs. Junto a las artistas Ziúr (Berlín), Susie Ibarra (Nueva York/Berlín) y Nancy Mounir (El Cairo), Atoui fusionó estos sonidos con la electrónica y la improvisación contemporánea, dando lugar a una pieza sonora que se estrenó en concierto en la misma ciudad.

Como parte del programa expositivo, el concierto “Ecos olvidados en el tiempo”, que se presentó en enero en el Museo MAP de Marrakech durante la feria 1-54, será recreado en Madrid el 3 de marzo de 2025, coincidiendo con ARCOmadrid. Esta presentación contará con la participación de las tres artistas que colaboraron con Atoui en Córdoba.

Una exposición en constante activación

At-Tāriq no es una muestra estática, sino un proyecto en continua evolución. Durante los tres meses de exposición, se desarrollará un amplio programa de actividades, incluyendo visitas guiadas nocturnas performativas, conciertos, conferencias y talleres interactivos para distintos públicos. Este programa cuenta con la colaboración de EducaThyssen y Mondo Sonoro, así como el apoyo de instituciones culturales como el Institut Français, Casa Árabe y la Fundación Euroárabe de Altos Estudios.

Tarek Atoui (Beirut, 1980) es un artista sonoro y compositor franco-libanés residente en París. Su trabajo se sitúa en la intersección del sonido, la tecnología y la cultura, diseñando instrumentos y dispositivos para crear experiencias inmersivas. Ha participado en eventos internacionales como la Bienal de Venecia (2019) y ha expuesto en instituciones de prestigio como la Tate Modern de Londres y la Pinault Collection en París.

Desde su proyecto Re-visiting Tarab (2010-2013), Atoui ha explorado cómo las tradiciones musicales rurales del mundo árabe han influido en los repertorios urbanos y religiosos. At-Tāriq es una extensión de esta investigación, un homenaje a la capacidad de la música tradicional para resistir los cambios políticos y sociales.

TBA21: arte contemporáneo y compromiso social

TBA21-Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, fundada en 2002 por Francesca Thyssen-Bornemisza, es una de las principales plataformas de arte y acción pública a nivel internacional. En colaboración con el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, desarrolla exposiciones, programas educativos y residencias artísticas en Madrid, Venecia y Jamaica. Su enfoque combina el arte y la investigación para abordar temas ecológicos, sociales y políticos, contribuyendo a la transformación cultural y la paz.

At-Tāriq es mucho más que una exposición de arte sonoro: es una inmersión en el patrimonio oral del mundo árabe y amazigh, un espacio de reflexión sobre la memoria y la identidad. A través de su investigación y experimentación, Tarek Atoui nos invita a repensar la música como un acto de escucha profunda, un viaje a través del tiempo y el sonido.

18/02/2025 0 comments
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AgendaArteEventos

“Revelaciones” de Marina Vargas

by Valeria Cruz 10/02/2025
written by Valeria Cruz

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta Revelaciones, la octava edición del ciclo Kora, una iniciativa que impulsa el trabajo de mujeres artistas contemporáneas desde una mirada de género. La exposición, comisariada por Semíramis González, recoge la obra de Marina Vargas (Granada, 1980) y propone una relectura de las figuras femeninas tradicionalmente relegadas en el arte, especialmente en el ámbito de lo sagrado y lo espiritual. Tras su paso por Madrid, la muestra itinerará al Museo de Arte Contemporáneo de Querétaro (México) de septiembre de 2025 a enero de 2026.

El protagonismo de lo oculto

La exposición parte de la figura de María Magdalena para construir un recorrido que da visibilidad a mujeres cuya presencia ha sido silenciada o distorsionada en la historia del arte. Vargas entrelaza estas figuras con símbolos, palabras, lecturas del tarot y otros recursos vinculados a su universo creativo.

Las obras expuestas, muchas de ellas creadas específicamente para esta muestra, establecen un diálogo con los espacios del museo y con piezas de la colección permanente, así como con préstamos de instituciones como el Museo Nacional de Escultura. El resultado es un conjunto inédito en el que pintura, escultura, dibujo y sonido convergen en un espacio de reinterpretación y resistencia.

Marina Vargas, Piedad

Cuatro secciones, cuatro cartas del tarot

La exposición se articula en torno a cuatro secciones, cada una de ellas representada por una gran carta del tarot, elemento recurrente en la obra de Vargas.

  1. Palabra: En esta primera sección, el lenguaje es protagonista. Una instalación muestra frases en lengua de signos (española y universal) tomadas de teólogas feministas como Cynthia Bourgeault, artistas como Hannah Wilke, figuras históricas como Juana de Arco y escritoras como Kate Millet, junto con lemas feministas actuales. En el mismo espacio se encuentra la escultura Magdalena (2024), un par de manos unidas en un triángulo que remite al útero y a las movilizaciones feministas. Estas piezas establecen un diálogo con la pintura Hércules en la corte de Onfalia (1537) de Hans Cranach, donde las manos cobran un especial protagonismo.

  2. Visión: En esta sala, Vargas aborda la enfermedad como proceso de transformación. A través de piezas como Mére-Mer (2024), una serie de cangrejos que descienden por la pared en referencia al signo astrológico de cáncer; Lo divino Femenino (2024), un tapiz bordado con la Cruz de Camarga y caracoles usados en rituales afrocubanos; y Exvotos (2022), moldes utilizados en sesiones de radioterapia cubiertos de oro, la artista rememora su experiencia con el cáncer de mama. La sección culmina con la carta del tarot de El Mundo, símbolo de renacimiento.

  3. Cuerpo: Presidida por dos esculturas de la serie Piedad, esta sección juega con la idea del cuerpo fragmentado. Una de las esculturas cuelga del techo, mientras que otra, craquelada en el suelo, parece abrirse para mostrar lo oculto. Estas piezas dialogan con La Virgen del árbol seco (hacia 1465) de Petrus Christus, donde el Árbol de la Ciencia florece nuevamente tras la concepción de Jesús. La sala concluye con la carta del tarot de La Fuerza, que representa la resistencia de las mujeres a lo largo de la historia.

  4. Egipcíaca: Esta última sección se desarrolla en un espacio completamente negro y se centra en la figura de Santa María Egipcíaca, representada en la talla de Luis Salvador Carmona (1734-1766) cedida por el Museo Nacional de Escultura. La obra dialoga con la fotografía de Vargas Noli Me Tangere. La Incredulidad (2020), en la que la artista aparece mastectomizada, y con la tabla La Magdalena (1477-1478) de Derick Baegert. La voz de María Botto, actriz que interpretó a María Magdalena en la película Resucitado (2016), acompaña este espacio con la lectura del significado de las cartas del tarot diseñadas por la artista.

Un arte que revisa la historia

Para Semíramis González, Revelaciones es mucho más que una muestra inédita de Marina Vargas: es un ejercicio de cuestionamiento de las estructuras patriarcales que han dominado el relato del arte. “No se trata solo de dar nombre a las mujeres ocultadas en lo sagrado, sino también de desmontar los códigos visuales que las han cosificado y relegado a los márgenes”, afirma la comisaria.

Marina Vargas, licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Granada y con un máster en Producción e Investigación en Lenguajes Artísticos, ha desarrollado un trabajo multidisciplinar que abarca escultura, pintura, dibujo y fotografía. Su obra forma parte de importantes colecciones institucionales como las de Artium (Vitoria-Gasteiz), CA2M (Madrid), CAAM (Las Palmas de Gran Canaria) o la Fundación Benetton (Italia), entre otras.

Con Revelaciones, Vargas sigue explorando los modelos de representación heredados y los arquetipos visuales que han condicionado el papel de la mujer en la historia del arte. La exposición invita a repensar la iconografía sagrada desde una óptica contemporánea, convirtiéndose en una propuesta imprescindible para quienes buscan una mirada crítica y renovadora sobre el arte y su historia.

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Warhol y la revolución de la imagen

by Clara Belmonte 06/02/2025
written by Clara Belmonte

La Fundación Canal presenta una de las exposiciones más esperadas del año: “Andy Warhol. Posters”, una muestra que reúne 133 carteles icónicos diseñados por el maestro del pop art entre 1962 y 1987. Con entrada libre y gratuita, la exposición estará disponible del 12 de febrero al 4 de mayo de 2025, ofreciendo una oportunidad única para adentrarse en el legado visual de Warhol desde una perspectiva diferente.

Andy Warhol (1928-1987) fue uno de los artistas más influyentes del siglo XX y el máximo exponente del pop art, un movimiento que revolucionó la manera en que el arte interactuaba con la cultura de masas. Nació en Pittsburgh, Pensilvania, en el seno de una familia de inmigrantes eslovacos. Su carrera comenzó en el mundo de la ilustración publicitaria en la década de 1950, pero su verdadero salto al estrellato llegó en los años 60, cuando empezó a experimentar con la reproducción de imágenes comerciales y la serigrafía.

Su icónica obra “Campbell’s Soup Cans” (1962) fue un punto de inflexión en la historia del arte, desafiando la noción tradicional de la pintura y llevando lo cotidiano a las galerías de arte. Warhol exploró la repetición, el consumismo y la fascinación por la fama a través de retratos de celebridades como Marilyn Monroe, Elvis Presley y Mao Tse-Tung, consolidándose como una de las figuras más provocadoras e innovadoras de su tiempo.

Además de su faceta como artista visual, Warhol se adentró en el cine, la música y la moda, convirtiéndose en un referente indiscutible de la cultura pop y dejando una huella imborrable en el arte contemporáneo.

Warhol no solo fue un artista revolucionario, sino un visionario que comprendió el poder de la imagen mucho antes de la era digital. Su obra elevó la publicidad y el consumo al estatus de arte, desdibujando los límites entre lo comercial y lo artístico.

Aunque sus serigrafías de Marilyn Monroe, las sopas Campbell’s o Mao Tse-Tung son mundialmente conocidas, sus carteles han recibido menos atención a pesar de ser una pieza clave en su producción. La exposición de la Fundación Canal nos sumerge en este universo gráfico, mostrando carteles que Warhol diseñó para museos, festivales de cine, conciertos, campañas sociales y marcas comerciales. Entre las piezas expuestas, destacan sus colaboraciones con Jean-Michel Basquiat, Mick Jagger y los Rolling Stones, así como sus diseños para el MoMA de Nueva York y su icónica serie “Save the Endangered Species” en defensa de los animales en peligro de extinción.

La selección de carteles que presenta la Fundación Canal permite recorrer la evolución artística de Warhol a lo largo de tres décadas. Sus primeras piezas muestran su habilidad para reinterpretar imágenes cotidianas con colores vibrantes y composiciones repetitivas, mientras que en sus últimos trabajos se percibe una estética más provocadora, con imágenes que exploran el poder de la celebridad y el consumismo.

Además, la muestra nos invita a reflexionar sobre el impacto de Warhol en la comunicación visual actual. Sus obras, caracterizadas por la reproducción mecánica y el uso de técnicas de impresión comercial, marcaron un antes y un después en el diseño gráfico y en la forma en que entendemos la imagen en la era digital.

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