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Arte

ArteEventosMúsica

Epica lanza su nuevo álbum “Aspiral” y anuncia gira

by Clara Belmonte 07/03/2025
written by Clara Belmonte

La banda neerlandesa de metal sinfónico Epica ha anunciado el lanzamiento de su noveno álbum, titulado Aspiral. Saldrá el 11 de abril de 2025 bajo el sello Nuclear Blast Records y promete un sonido potente y envolvente, con una combinación de elementos sinfónicos, coros épicos y la energía del metal progresivo.

El nombre del disco está inspirado en una escultura de 1965 del artista polaco Stanisław Szukalski, que simboliza renovación e inspiración. La banda describe cada canción como una pieza con identidad propia, pero unidas forman una obra que invita a la reflexión y al viaje musical. A lo largo del álbum, Epica explora temas como la transformación personal, el paso del tiempo y la lucha entre la luz y la oscuridad, conceptos recurrentes en su discografía.

En Aspiral, Epica mantiene su característico sonido sinfónico con la inclusión de grandes orquestaciones, coros majestuosos y arreglos cinematográficos. La producción estuvo a cargo de Joost van den Broek, con quien han trabajado en álbumes anteriores, grabado en los Sandlane Studios. La portada fue diseñada por Hedi Xandt, reconocido por su trabajo con Rammstein, Ghost y Parkway Drive, lo que refuerza la estética grandiosa del proyecto.

Influencias y evolución de Epica

Desde su debut en 2003 con The Phantom Agony, Epica ha desarrollado un estilo único que mezcla el metal sinfónico con elementos de música clásica, progresiva y gótica. La banda, liderada por Simone Simons en la voz y Mark Jansen en las guitarras y guturales, ha evolucionado a lo largo de los años, incorporando influencias de música cinematográfica, folk y electrónica. Con discos como The Divine Conspiracy (2007), Design Your Universe (2009) o Omega (2021), han consolidado su reputación como una de las bandas más innovadoras del género.

Aspiral se presenta como un punto de inflexión en su carrera, combinando la esencia de sus primeros trabajos con nuevas exploraciones sonoras. La banda ha experimentado con estructuras más progresivas, una mayor presencia de sintetizadores y una narrativa conceptual más profunda.

Lista de canciones

El disco incluye 11 temas nuevos que reflejan la evolución de la banda:

  1. Cross the Divide

  2. Arcana

  3. Darkness Dies in Light – A New Age Dawns Part VII

  4. Obsidian Heart

  5. Fight to Survive – The Overview Effect

  6. Metanoia – A New Age Dawns Part VIII

  7. T.I.M.E.

  8. Apparition

  9. Eye of the Storm

  10. The Grand Saga of Existence – A New Age Dawns Part IX

  11. Aspiral

Como adelanto, la banda ha estrenado el videoclip de “Cross the Divide”, dirigido por Kunststoff y disponible en plataformas digitales. Este primer sencillo presenta un sonido envolvente con cambios dinámicos, combinando los coros sinfónicos con riffs pesados y la poderosa voz de Simone Simons.

Gira mundial y fechas en España

Epica también ha anunciado una gira mundial para presentar Aspiral, con fechas en Europa y América Latina. En España, la banda actuará en:

  • 30 de enero de 2026 – Barcelona

  • 31 de enero de 2026 – Madrid

Las entradas ya están a la venta en los canales oficiales.

Un nuevo hito en la carrera de Epica

Con Aspiral, Epica sigue evolucionando y explorando nuevas ideas sin perder su esencia. Este nuevo trabajo promete emocionar a sus seguidores y atraer a nuevos oyentes, consolidando su legado como una de las bandas más influyentes del metal sinfónico.

Para más información, visita epica.nl.

07/03/2025 0 comments
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AgendaArteEventos

Tarek Atoui. At-Tāriq

by Valeria Cruz 18/02/2025
written by Valeria Cruz

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y TBA21 presentan At-Tāriq, la primera exposición individual de Tarek Atoui en Madrid, un innovador proyecto que explora las tradiciones musicales y artesanales rurales del mundo árabe y del norte de África a través del sonido y el arte. La muestra, comisariada por Daniela Zyman, se podrá visitar del 18 de febrero al 18 de mayo de 2025 y cuenta con la colaboración de la Fundación Ecolec.

Un proyecto de investigación sonora y cultural

El proyecto es un encargo de TBA21 Thyssen-Bornemisza Art Contemporary y es el resultado de más de tres años de viajes e intercambios con músicos y artesanos de la región del Atlas marroquí. A través de este trabajo de campo, Atoui ha recopilado sonidos y melodías tradicionales vinculadas a antiguas rutas comerciales y de peregrinación, con el objetivo de reivindicar su legado oral y reinterpretarlo en un contexto contemporáneo.

Inspirándose en la conexión de la noche con lo desconocido, At-Tāriq (término que significa “la estrella de la mañana” o “el visitante nocturno” y hace referencia al capítulo 86 del Corán) invita a reflexionar sobre la memoria, la identidad y la experiencia poética de la escucha.

La exposición transforma el espacio expositivo del museo en cinco majlis, espacios tradicionales de hospitalidad en la cultura árabe, que Atoui reimagina como estaciones de escucha inmersivas. Estos majlis ofrecen un viaje sensorial a la cultura amazigh, mostrando instrumentos tradicionales fabricados por artesanos de la región junto a piezas de cerámica, textiles y esculturas cinéticas que interactúan con el sonido.

Conocido por su enfoque disruptivo de la música, Atoui trabaja con materiales como bronce, piedra, cerámica y textiles, explorando sus propiedades acústicas y amplificándolas mediante dispositivos sonoros digitales y analógicos. Los visitantes podrán experimentar con una composición en constante mutación, donde objetos vibran, raspan superficies o generan sonidos mecánicos que reescriben el paisaje sonoro.

Un paisaje sonoro en evolución

La base musical de la exposición surge de una residencia artística que Atoui realizó en Córdoba en 2023, donde trabajó con grabaciones de conciertos, poemas y cánticos amazighs. Junto a las artistas Ziúr (Berlín), Susie Ibarra (Nueva York/Berlín) y Nancy Mounir (El Cairo), Atoui fusionó estos sonidos con la electrónica y la improvisación contemporánea, dando lugar a una pieza sonora que se estrenó en concierto en la misma ciudad.

Como parte del programa expositivo, el concierto “Ecos olvidados en el tiempo”, que se presentó en enero en el Museo MAP de Marrakech durante la feria 1-54, será recreado en Madrid el 3 de marzo de 2025, coincidiendo con ARCOmadrid. Esta presentación contará con la participación de las tres artistas que colaboraron con Atoui en Córdoba.

Una exposición en constante activación

At-Tāriq no es una muestra estática, sino un proyecto en continua evolución. Durante los tres meses de exposición, se desarrollará un amplio programa de actividades, incluyendo visitas guiadas nocturnas performativas, conciertos, conferencias y talleres interactivos para distintos públicos. Este programa cuenta con la colaboración de EducaThyssen y Mondo Sonoro, así como el apoyo de instituciones culturales como el Institut Français, Casa Árabe y la Fundación Euroárabe de Altos Estudios.

Tarek Atoui (Beirut, 1980) es un artista sonoro y compositor franco-libanés residente en París. Su trabajo se sitúa en la intersección del sonido, la tecnología y la cultura, diseñando instrumentos y dispositivos para crear experiencias inmersivas. Ha participado en eventos internacionales como la Bienal de Venecia (2019) y ha expuesto en instituciones de prestigio como la Tate Modern de Londres y la Pinault Collection en París.

Desde su proyecto Re-visiting Tarab (2010-2013), Atoui ha explorado cómo las tradiciones musicales rurales del mundo árabe han influido en los repertorios urbanos y religiosos. At-Tāriq es una extensión de esta investigación, un homenaje a la capacidad de la música tradicional para resistir los cambios políticos y sociales.

TBA21: arte contemporáneo y compromiso social

TBA21-Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, fundada en 2002 por Francesca Thyssen-Bornemisza, es una de las principales plataformas de arte y acción pública a nivel internacional. En colaboración con el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, desarrolla exposiciones, programas educativos y residencias artísticas en Madrid, Venecia y Jamaica. Su enfoque combina el arte y la investigación para abordar temas ecológicos, sociales y políticos, contribuyendo a la transformación cultural y la paz.

At-Tāriq es mucho más que una exposición de arte sonoro: es una inmersión en el patrimonio oral del mundo árabe y amazigh, un espacio de reflexión sobre la memoria y la identidad. A través de su investigación y experimentación, Tarek Atoui nos invita a repensar la música como un acto de escucha profunda, un viaje a través del tiempo y el sonido.

18/02/2025 0 comments
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ArtePersonajes

Las cinco pintoras más importantes del siglo XX

by Uve Magazine 16/02/2025
written by Uve Magazine

A lo largo del siglo XX, la pintura experimentó una revolución sin precedentes. Movimientos como el surrealismo, el expresionismo y el arte abstracto transformaron la manera en que concebimos el arte. En este contexto, cinco pintoras se alzaron como figuras fundamentales, desafiando las normas impuestas y transitando un camino difícil para las mujeres en el mundo del arte.

Frida Kahlo (1907-1954)

Pocas artistas han logrado convertir su vida en un testimonio visual tan impactante como Frida Kahlo. Su obra, profundamente autobiográfica, refleja el dolor físico y emocional que la acompañó durante toda su existencia. Con un estilo surrealista, pero enraizado en el folclore mexicano, Kahlo exploró temas como la identidad, la maternidad y la política. Obras como Las dos Fridas y Autorretrato con collar de espinas que refleja otro de sus grandes tormentos,  su relación con Diego Rivera. Su obra está llena de iconografía, simbolismo y dolor físico.

Las dos Fridas

Georgia O’Keeffe (1887-1986)

Pionera del modernismo en los Estados Unidos, Georgia O’Keeffe revolucionó la representación de la naturaleza y la abstracción. Sus famosas pinturas de flores, como Jimson Weed/White Flower No. 1, y sus paisajes del suroeste estadounidense destacan por su atrevimiento formal y el uso innovador del color. Su trabajo se caracteriza por el desarrollo en series, donde exploraba un motivo —ya fuera una flor, un paisaje, un hueso o una estructura arquitectónica— que primero debía despertar en ella una emoción intensa. Una vez capturada esa sensación, la traducía en varias pinturas, abordando el tema desde distintos ángulos hasta agotar su interés por él.

Georgia O’Keeffe prácticamente todas las interpretaciones que se hicieron sobre sus obras

Abstraction Blue

Tamara de Lempicka (1898-1980)

Emblema del Art Déco, Tamara de Lempicka capturó la elegancia y el glamur de los años 20 y 30 con su estilo inconfundible. Sus retratos, caracterizados por formas caraterísticas de Art Decó y una paleta de colores vibrante, reflejan el espíritu de la modernidad. Obras como Autorretrato en un Bugatti Verde o La joven con un vestido verde  consolidaron su reputación como una de las pintoras más icónicas de su tiempo.

Se advierte en su obra una profunda admiración por Ingres, pero también ecos de Botticelli y del Manierismo en general. Sus géneros predilectos son el desnudo y el retrato, donde aparecen hombres de porte elegante o mujeres etéreas, envueltas en vestidos de telas ondulantes.

Asimismo, algunos críticos han señalado la presencia de elementos cubistas en su trabajo. La artista, que tuvo contacto con el movimiento, incorporó en ciertas piezas una sutil geometrización de las formas.

La joven con un vestido verde

Leonora Carrington (1917-2011)

Figura clave del surrealismo, Leonora Carrington desarrolló una obra que combina mitología, simbolismo y una visión onírica del mundo. De origen británico, pero con una profunda conexión con México, Carrington creó universos en los que lo mágico y lo real se entrelazan de manera inconfundible. Su pintura El mundo mágico de los mayas es una muestra del sincretismo y la fascinación por lo esotérico que marcó su producción artística.

Autorretrato

Louise Bourgeois (1911-2010)

Si bien Louise Bourgeois es más conocida por su trabajo escultórico, su obra pictórica y sus dibujos desempeñaron un papel crucial en su desarrollo artístico. A través de sus creaciones, exploró temas como la memoria, el cuerpo y la psique humana. Su icónica serie de pinturas y dibujos Femme Maison ofrece una profunda reflexión sobre la identidad femenina y la relación entre el espacio doméstico y la autonomía personal.

Femme maison
16/02/2025 0 comments
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AgendaArteEventos

“Revelaciones” de Marina Vargas

by Valeria Cruz 10/02/2025
written by Valeria Cruz

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta Revelaciones, la octava edición del ciclo Kora, una iniciativa que impulsa el trabajo de mujeres artistas contemporáneas desde una mirada de género. La exposición, comisariada por Semíramis González, recoge la obra de Marina Vargas (Granada, 1980) y propone una relectura de las figuras femeninas tradicionalmente relegadas en el arte, especialmente en el ámbito de lo sagrado y lo espiritual. Tras su paso por Madrid, la muestra itinerará al Museo de Arte Contemporáneo de Querétaro (México) de septiembre de 2025 a enero de 2026.

El protagonismo de lo oculto

La exposición parte de la figura de María Magdalena para construir un recorrido que da visibilidad a mujeres cuya presencia ha sido silenciada o distorsionada en la historia del arte. Vargas entrelaza estas figuras con símbolos, palabras, lecturas del tarot y otros recursos vinculados a su universo creativo.

Las obras expuestas, muchas de ellas creadas específicamente para esta muestra, establecen un diálogo con los espacios del museo y con piezas de la colección permanente, así como con préstamos de instituciones como el Museo Nacional de Escultura. El resultado es un conjunto inédito en el que pintura, escultura, dibujo y sonido convergen en un espacio de reinterpretación y resistencia.

Marina Vargas, Piedad

Cuatro secciones, cuatro cartas del tarot

La exposición se articula en torno a cuatro secciones, cada una de ellas representada por una gran carta del tarot, elemento recurrente en la obra de Vargas.

  1. Palabra: En esta primera sección, el lenguaje es protagonista. Una instalación muestra frases en lengua de signos (española y universal) tomadas de teólogas feministas como Cynthia Bourgeault, artistas como Hannah Wilke, figuras históricas como Juana de Arco y escritoras como Kate Millet, junto con lemas feministas actuales. En el mismo espacio se encuentra la escultura Magdalena (2024), un par de manos unidas en un triángulo que remite al útero y a las movilizaciones feministas. Estas piezas establecen un diálogo con la pintura Hércules en la corte de Onfalia (1537) de Hans Cranach, donde las manos cobran un especial protagonismo.

  2. Visión: En esta sala, Vargas aborda la enfermedad como proceso de transformación. A través de piezas como Mére-Mer (2024), una serie de cangrejos que descienden por la pared en referencia al signo astrológico de cáncer; Lo divino Femenino (2024), un tapiz bordado con la Cruz de Camarga y caracoles usados en rituales afrocubanos; y Exvotos (2022), moldes utilizados en sesiones de radioterapia cubiertos de oro, la artista rememora su experiencia con el cáncer de mama. La sección culmina con la carta del tarot de El Mundo, símbolo de renacimiento.

  3. Cuerpo: Presidida por dos esculturas de la serie Piedad, esta sección juega con la idea del cuerpo fragmentado. Una de las esculturas cuelga del techo, mientras que otra, craquelada en el suelo, parece abrirse para mostrar lo oculto. Estas piezas dialogan con La Virgen del árbol seco (hacia 1465) de Petrus Christus, donde el Árbol de la Ciencia florece nuevamente tras la concepción de Jesús. La sala concluye con la carta del tarot de La Fuerza, que representa la resistencia de las mujeres a lo largo de la historia.

  4. Egipcíaca: Esta última sección se desarrolla en un espacio completamente negro y se centra en la figura de Santa María Egipcíaca, representada en la talla de Luis Salvador Carmona (1734-1766) cedida por el Museo Nacional de Escultura. La obra dialoga con la fotografía de Vargas Noli Me Tangere. La Incredulidad (2020), en la que la artista aparece mastectomizada, y con la tabla La Magdalena (1477-1478) de Derick Baegert. La voz de María Botto, actriz que interpretó a María Magdalena en la película Resucitado (2016), acompaña este espacio con la lectura del significado de las cartas del tarot diseñadas por la artista.

Un arte que revisa la historia

Para Semíramis González, Revelaciones es mucho más que una muestra inédita de Marina Vargas: es un ejercicio de cuestionamiento de las estructuras patriarcales que han dominado el relato del arte. “No se trata solo de dar nombre a las mujeres ocultadas en lo sagrado, sino también de desmontar los códigos visuales que las han cosificado y relegado a los márgenes”, afirma la comisaria.

Marina Vargas, licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Granada y con un máster en Producción e Investigación en Lenguajes Artísticos, ha desarrollado un trabajo multidisciplinar que abarca escultura, pintura, dibujo y fotografía. Su obra forma parte de importantes colecciones institucionales como las de Artium (Vitoria-Gasteiz), CA2M (Madrid), CAAM (Las Palmas de Gran Canaria) o la Fundación Benetton (Italia), entre otras.

Con Revelaciones, Vargas sigue explorando los modelos de representación heredados y los arquetipos visuales que han condicionado el papel de la mujer en la historia del arte. La exposición invita a repensar la iconografía sagrada desde una óptica contemporánea, convirtiéndose en una propuesta imprescindible para quienes buscan una mirada crítica y renovadora sobre el arte y su historia.

10/02/2025 0 comments
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AgendaArteEventos

Warhol y la revolución de la imagen

by Clara Belmonte 06/02/2025
written by Clara Belmonte

La Fundación Canal presenta una de las exposiciones más esperadas del año: “Andy Warhol. Posters”, una muestra que reúne 133 carteles icónicos diseñados por el maestro del pop art entre 1962 y 1987. Con entrada libre y gratuita, la exposición estará disponible del 12 de febrero al 4 de mayo de 2025, ofreciendo una oportunidad única para adentrarse en el legado visual de Warhol desde una perspectiva diferente.

Andy Warhol (1928-1987) fue uno de los artistas más influyentes del siglo XX y el máximo exponente del pop art, un movimiento que revolucionó la manera en que el arte interactuaba con la cultura de masas. Nació en Pittsburgh, Pensilvania, en el seno de una familia de inmigrantes eslovacos. Su carrera comenzó en el mundo de la ilustración publicitaria en la década de 1950, pero su verdadero salto al estrellato llegó en los años 60, cuando empezó a experimentar con la reproducción de imágenes comerciales y la serigrafía.

Su icónica obra “Campbell’s Soup Cans” (1962) fue un punto de inflexión en la historia del arte, desafiando la noción tradicional de la pintura y llevando lo cotidiano a las galerías de arte. Warhol exploró la repetición, el consumismo y la fascinación por la fama a través de retratos de celebridades como Marilyn Monroe, Elvis Presley y Mao Tse-Tung, consolidándose como una de las figuras más provocadoras e innovadoras de su tiempo.

Además de su faceta como artista visual, Warhol se adentró en el cine, la música y la moda, convirtiéndose en un referente indiscutible de la cultura pop y dejando una huella imborrable en el arte contemporáneo.

Warhol no solo fue un artista revolucionario, sino un visionario que comprendió el poder de la imagen mucho antes de la era digital. Su obra elevó la publicidad y el consumo al estatus de arte, desdibujando los límites entre lo comercial y lo artístico.

Aunque sus serigrafías de Marilyn Monroe, las sopas Campbell’s o Mao Tse-Tung son mundialmente conocidas, sus carteles han recibido menos atención a pesar de ser una pieza clave en su producción. La exposición de la Fundación Canal nos sumerge en este universo gráfico, mostrando carteles que Warhol diseñó para museos, festivales de cine, conciertos, campañas sociales y marcas comerciales. Entre las piezas expuestas, destacan sus colaboraciones con Jean-Michel Basquiat, Mick Jagger y los Rolling Stones, así como sus diseños para el MoMA de Nueva York y su icónica serie “Save the Endangered Species” en defensa de los animales en peligro de extinción.

La selección de carteles que presenta la Fundación Canal permite recorrer la evolución artística de Warhol a lo largo de tres décadas. Sus primeras piezas muestran su habilidad para reinterpretar imágenes cotidianas con colores vibrantes y composiciones repetitivas, mientras que en sus últimos trabajos se percibe una estética más provocadora, con imágenes que exploran el poder de la celebridad y el consumismo.

Además, la muestra nos invita a reflexionar sobre el impacto de Warhol en la comunicación visual actual. Sus obras, caracterizadas por la reproducción mecánica y el uso de técnicas de impresión comercial, marcaron un antes y un después en el diseño gráfico y en la forma en que entendemos la imagen en la era digital.

06/02/2025 0 comments
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ArteEventos

Guardi y Venecia en el Thyssen

by Uve Magazine 04/02/2025
written by Uve Magazine

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta por primera vez en Madrid la colección completa de obras de Francesco Guardi perteneciente al Museo Calouste Gulbenkian. Gracias a un acuerdo de colaboración entre ambas instituciones, del 3 de febrero al 11 de mayo de 2025, los visitantes podrán disfrutar de 18 óleos y un dibujo del pintor veneciano, el artista más representado en la colección del financiero armenio Calouste Sarkis Gulbenkian (1869-1955).

Guardi y la veduta veneciana

Miembro de una familia de pintores, Francesco Guardi (1712-1793) se formó en el taller familiar junto a su hermano mayor, Gianantonio. Durante sus primeros años se dedicó a la pintura de temas religiosos e históricos, pero fue en su madurez cuando se especializó en la veduta, la representación de paisajes urbanos. Influenciado por Canaletto, Guardi evolucionó su estilo a través de una pincelada suelta y vibrante, logrando una atmósfera más poética e idealizada que la de su predecesor.

Las obras expuestas, fechadas entre 1765 y 1791, muestran distintos rincones de Venecia, desde vistas icónicas como el Puente de Rialto o el Palacio Ducal, hasta celebraciones populares como la Fiesta de la Ascensión. También incluyen escenas de los alrededores de la ciudad y caprichos arquitectónicos, ejemplos de su libertad creativa en la composición paisajística.

Un recorrido por la Venecia de Guardi

La exposición, comisariada por Mar Borobia, se divide en dos secciones: “La ciudad y sus fiestas” y “Terraferma y los caprichos”, y se exhibe en tres salas de la colección permanente del Thyssen.

En las salas 13 y 14 se presentan escenas festivas y panoramas urbanos que reflejan la animación y el esplendor de Venecia en el siglo XVIII. Entre las piezas más destacadas se encuentran La fiesta de la Ascensión en la plaza de San Marcos (h. 1775), en la que el pintor plasma con pinceladas rápidas el bullicio de la celebración.

Otro lienzo significativo es La partida del Bucintoro (h. 1765-1780), que capta la salida de la galera de los dux desde la dársena veneciana. Asimismo, Regata en el Gran Canal (h. 1775) y El puente de Rialto según el proyecto de Palladio (h. 1770) ofrecen diferentes perspectivas de la ciudad.

Otras obras que completan esta sección incluyen El Canal de Giudecca con la Iglesia de Santa Marta (h. 1770-1780), Pórtico con figuras (h. 1778), El pórtico del Palacio Ducal (h. 1778) y El Gran Canal junto al puente de Rialto (h. 1780-1790), todas representaciones que revelan la maestría de Guardi en la creación de atmósferas vibrantes.

Terraferma y los caprichos

La segunda sección, en la sala 15, exhibe la faceta más libre e imaginativa del pintor. Su pincelada suelta y expresiva captura el paso del tiempo y el deterioro arquitectónico con un tono melancólico. Obras como Capricho con arco romano en ruinas y templo circular (h. 1770-1780) muestran su talento para la composición idealizada.

El interés de Guardi por la vida cotidiana se refleja en Las compuertas en Dolo (h. 1774-1776), donde retrata la actividad del río Brenta. Asimismo, La isla de San Giorgio Maggiore (h. 1790) es un bello ejemplo de su visión de la arquitectura veneciana.

Un legado compartido

La exposición culmina con dos obras clave: Regata en el Gran Canal junto al puente de Rialto (h. 1791) de Giacomo Guardi, hijo del artista, y Il Bucintoro (h. 1745-1750) de Canaletto, prestada por la Colección Thyssen-Bornemisza al Museu Nacional d’Art de Catalunya. Esta última obra sirvió de inspiración para Guardi en una de sus composiciones más emblemáticas.

Esta muestra representa una oportunidad única para admirar el genio de Francesco Guardi y su visión de Venecia en un contexto inigualable, el Museo Thyssen-Bornemisza, donde la tradición y la modernidad se encuentran en un diálogo continuo sobre el arte y la historia.

04/02/2025 0 comments
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ArteEventos

Un Mundo Bajo los Párpados. Marco Godoy en el MAC

by Clara Belmonte 20/01/2025
written by Clara Belmonte

La innovadora exposición Un mundo bajo los párpados del artista español Marco Godoy se presenta en el Museo de Arte Contemporáneo (MAC) de Chile, sede Quinta Normal, hasta marzo de 2025. Bajo la curaduría de Pia Cordero, la muestra desafía a los visitantes a reflexionar sobre la importancia del contacto físico, los afectos y su papel en la acción colectiva.

Un mundo bajo los párpados. Marco Godoy

En una sala de más de 150 metros cuadrados, Godoy combina esculturas humanoides y objetos ancestrales en un montaje que destaca por su teatralidad y uso de tecnología de punta. Las piezas fueron creadas mediante la técnica de “gemelo digital” (Digital Twin, DT), que replica objetos con una precisión asombrosa. Una de las esculturas más impactantes muestra a un personaje sobre un plinto, con los brazos abiertos y el pecho cubierto por docenas de manos abiertas, simbolizando la unión y el contacto humano. Las esculturas humanoides interactúan con objetos como puntas de flecha, un gato egipcio y una cabeza de monumento etrusco. Algunas piezas se esconden bajo grandes telas que invitan a los espectadores a descubrir lo que hay debajo, mientras otras forman pirámides humanas o se alojan en vasijas antiguas. Estas escenas crean un puente entre el presente y el pasado ancestral, reforzando la exploración política de los afectos.

La propuesta estética de Godoy, inspirada en la Bauhaus, se complementa con una iluminación cuidadosamente diseñada. Los colores vibrantes y las sombras generan un entorno inmersivo que estimula una conexión emocional con las obras, permitiendo al visitante “sentir” las texturas y superficies de las esculturas. El recorrido concluye con un video que documenta una performance de actrices interactuando con reproducciones de esculturas clásicas en lo que parece ser la bodega de un museo. La obra combina lo ancestral con lo futurista gracias a efectos lumínicos fluorescentes, invitando a los espectadores a reflexionar sobre el cuerpo como un medio de conexión física y emocional. La curadora Pia Cordero subraya que el enfoque no se centra en un cuerpo poshumano, sino en la relación inmediata entre los cuerpos que genera afectos y acción colectiva.

Un mundo bajo los párpados. Marco Godoy

Marco Godoy es conocido por sus trabajos que combinan estética y crítica política. Ha participado en prestigiosas exhibiciones internacionales, como la Liverpool Biennial y el Centre Pompidou en París. En Chile, destaca su proyecto Al servicio de la visión, realizado durante el estallido social de 2019, donde utilizó escudos reflectantes con cámaras para documentar la violencia estatal en las protestas. En marzo de 2025, se realizarán actividades gratuitas vinculadas a la exposición, como el Laboratorio de obra con Marco Godoy y el taller Postimágenes y feminismos: ¿cómo pensar un futuro colectivo?, liderado por Pia Cordero y Daniela Alegría. Las inscripciones estarán abiertas próximamente.

Un mundo bajo los párpados cuenta con el respaldo del Fondo de Desarrollo Cultural y las Artes (FONDART) 2024. La muestra es una invitación a explorar cómo las emociones y los afectos moldean nuestras relaciones sociales y nuestra conexión con el pasado, en un contexto marcado por la digitalización y la hiperconectividad.

20/01/2025 0 comments
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ArteCine

Nosferatu y el origen del terror visual

by Uve Magazine 27/12/2024
written by Uve Magazine

Desde sus inicios, el cine ha sido un medio capaz de explorar los rincones más oscuros de la imaginación humana, y pocas obras encarnan este potencial como Nosferatu: Una sinfonía del horror (1922) dirigida por F. W. Murnau. .

Esta película no solo transformó el género del terror, sino que también se convirtió en un emblema del cine mudo, destacando por su audaz mezcla de innovación, polémica y un estilo visual inolvidable.

Su génesis parte del deseo del productor Albin Grau de plasmar un relato de vampiros en la gran pantalla. Grau, un ocultista apasionado por lo sobrenatural, se inspiró en anécdotas sobre vampiros que escuchó de un campesino serbio durante la Primera Guerra Mundial. Aunque la idea inicial era adaptar la novela Drácula de Bram Stoker, los problemas legales con los derechos de autor llevaron al guionista Henrik Galeen a transformar la narrativa, creando así a Graf Orlok, un vampiro que redefiniría el terror visual y emocional.

La producción fue asumida por Prana Film, una compañía que, destinada a explorar temáticas esotéricas, apenas sobreviviría a los problemas legales que vendrían después. La elección de F. W. Murnau como director fue clave para dar vida a esta visión sombría.

Murnau, es uno de los nombres más emblemáticos del cine expresionista alemán. Nacido el 28 de diciembre de 1888 en Bielefeld, Alemania, se convirtió en una figura clave en la evolución del cine durante las primeras décadas del siglo XX. Su capacidad para conjugar innovación técnica, narrativa y visual lo estableció como uno de los directores más influyentes de la historia del séptimo arte.

Antes de adentrarse en el mundo del cine, Murnau estudió literatura alemana, historia del arte y teatro en la Universidad de Heidelberg, lo que marcó profundamente su estilo cinematográfico. Durante este período, descubrió las obras de escritores como Goethe y Schopenhauer, cuyas ideas filosóficas y literarias encontrarían eco en sus películas. Tras servir en la Primera Guerra Mundial como piloto, regresó a Alemania y comenzó a trabajar en teatro bajo la tutela de Max Reinhardt, un destacado director teatral. Este contacto con el teatro expresionista, conocido por su enfoque visual en la iluminación y la escenografía, sentó las bases de su posterior trabajo en el cine.

Murnau debutó como director en 1919 con la película Der Knabe in Blau. Sin embargo, fue su trabajo en Der letzte Mann (1924) el que lo consolidó como un innovador. En esta obra, utilizó la llamada “cámara desencadenada”, que permitía movimientos fluidos y expresivos, una revolución para la época. Además, Der letzte Mann destacó por su narrativa visual, evitando el uso de intertítulos y confiando exclusivamente en las imágenes para contar su historia. Sin embargo, su obra más icónica ha sido Nosferatu: Una sinfonía del horror .

Conocido por su dominio del lenguaje visual y su inclinación por el expresionismo, Murnau creó una estética envolvente que marcaría un estándar en el cine. El rodaje, realizado en paisajes naturales de Alemania y Eslovaquia, capturó la atmósfera escalofriante que requería la historia. El Castillo de Orava, con sus corredores sombríos y torres góticas, se convirtió en un personaje más de la película, reforzando el entorno ominoso.

Nosferatu, 1922

El papel del Conde Orlok, el vampiro de apariencia cadavérica y movimientos antinaturales, fue interpretado por Max Schreck, un actor cuya presencia en pantalla resultó muy inquietante. Nacido el 6 de septiembre de 1879 en Berlín, Alemania, Schreck se formó en artes dramáticas y desarrolló gran parte de su carrera en el teatro antes de incursionar en el cine. Aunque actuó en varias películas, su interpretación en Nosferatu eclipsó el resto de su carrera. Su habilidad para encarnar al Conde Orlok, con una transformación física impresionante, lo consolidó como una figura imprescindible del cine de terror.

Gustav von Wangenheim, nacido el 18 de febrero de 1895 en Wiesbaden, Alemania, interpretó a Thomas Hutter, el joven agente inmobiliario que viaja al castillo del Conde Orlok y desata los eventos principales de la historia. Von Wangenheim provenía de una familia de actores y tenía experiencia tanto en teatro como en cine. Además de su carrera actoral, fue director y escritor, destacándose por su compromiso con las ideas progresistas de la época. Aunque su papel en Nosferatu es recordado principalmente por su ingenuidad y valentía, su vida posterior estuvo marcada por su afiliación al partido comunista y su exilio durante el nazismo. Por su parte, Greta Schröder, nacida el 27 de junio de 1891 en Düsseldorf, Alemania, dio vida a Ellen Hutter, la esposa de Thomas, cuya pureza e inocencia se convierten en un elemento central de la trama. Ellen es el objetivo del Conde Orlok y también la clave de su destrucción. Schröder era una actriz destacada del cine mudo y participó en varias producciones alemanas durante la década de 1920. Sin embargo, su legado cinematográfico está irremediablemente ligado a Nosferatu, donde su actuación transmite una mezcla de vulnerabilidad y fortaleza que cautiva a los espectadores.

Alexander Granach interpretó a Knock, el jefe de Hutter, un personaje excéntrico y perturbador que actúa como sirviente humano del Conde Orlok. Granach, nacido el 18 de abril de 1890 en el Imperio Austrohúngaro (actual Ucrania), tuvo una infancia humilde antes de dedicarse al teatro. Su carácter expresivo y su talento natural lo llevaron al éxito en el escenario y el cine. Después de Nosferatu, continuó su carrera en Alemania hasta que el ascenso del nazismo lo obligó a emigrar a los Estados Unidos, donde trabajó en producciones de Hollywood. Su interpretación de Knock, con su locura y gestos exagerados, sigue siendo uno de los elementos más memorables de la película.

Georg H. Schnell interpretó a Herr Harding, amigo cercano de los Hutter, mientras que Ruth Landshoff dio vida a Annie, su esposa. Aunque sus roles son secundarios, ambos actores aportaron una dimensión realista y emocional a la historia. Schnell fue un actor con una carrera prolífica en el cine mudo, mientras que Landshoff también se destacó como escritora y periodista, especialmente tras emigrar a los Estados Unidos debido a su origen judío.

Uno de los aspectos más impactantes de Nosferatu fue la interpretación de Max Schreck como el Conde Orlok, cuya transformación física, con orejas puntiagudas, ojos hundidos y una cadavérica apariencia, creó una de las figuras más icónicas del cine de terror. Su inquietante presencia en pantalla generó mitos sobre su identidad, incluyendo la idea de que era un vampiro real, una ficción explorada en Shadow of the Vampire (2000). Aunque estas leyendas son solo parte del folclore cinematográfico, su actuación sigue siendo objeto de fascinación. El lenguaje visual de Murnau, marcado por el uso innovador de la luz y la sombra, elevó la película a un nivel artístico excepcional, con técnicas como la aceleración, la inversión de negativos y el stop-motion que aportaron un aura sobrenatural al film. Escenas memorables, como la del Conde Orlok emergiendo rígidamente de su ataúd o proyectando su sombra alargada en una escalera, simbolizan el dominio visual de Murnau y su capacidad para capturar la esencia del terror. Sin embargo, la película no estuvo exenta de controversias, ya que Florence Stoker, viuda de Bram Stoker, demandó a Prana Film por violación de derechos de autor, logrando que se ordenara la destrucción de todas las copias de la película. Afortunadamente, algunas versiones sobrevivieron gracias a distribuciones internacionales y copias clandestinas, lo que aseguró que Nosferatu alcanzara el estatus de clásico. Con el tiempo, la obra ha sido restaurada y revalorizada, consolidándose como una fuente de inspiración para cineastas, artistas y escritores.

27/12/2024 0 comments
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ArteEventos

Narraciones gráficas: Mujeres y saberes rurales

by Uve Magazine 03/12/2024
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El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta un documental sobre la quinta edición de Narraciones gráficas: Mujeres y saberes rurales

– En colaboración con FADEMUR, el proyecto visibiliza los conocimientos populares transmitidos por generaciones de mujeres rurales.
– Inspirado en la exposición Lo oculto en las colecciones Thyssen-Bornemisza.
– Disponible en la web de EducaThyssen: www.educathyssen.org/mujeres-saberes.

Madrid, 27 de noviembre de 2024.
El área de Educación del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta un documental que documenta el trabajo desarrollado en la quinta edición de Narraciones gráficas, un proyecto educativo que conecta el arte con temas sociales y fomenta el pensamiento crítico. Esta edición, realizada en colaboración con la Federación de Asociaciones de Mujeres Rurales (FADEMUR), explora los saberes ocultos y la memoria de mujeres rurales, tomando como inspiración la exposición Lo oculto en las colecciones Thyssen-Bornemisza.

Desde su creación en 2019, Narraciones gráficas busca acercar el arte a diferentes colectivos, promoviendo el diálogo intergeneracional y la reflexión. Desde 2021, el proyecto trabaja con asociaciones de mujeres rurales, evolucionando hacia un enfoque dinámico y participativo.

En esta convocatoria, el equipo educativo del museo colaboró con la Asociación AURA FADEMUR en la comarca de Arlanza (Burgos), recolectando bailes, leyendas, recetas y tradiciones que reflejan el legado cultural femenino. Estas mujeres, custodias del patrimonio inmaterial, han sido fundamentales para preservar los valores y costumbres locales.

El proyecto culminó con la exposición Mujeres y saberes, celebrada entre el 15 de junio y el 15 de septiembre de 2023 en el Centro Cultural La Consolación de Villamayor de los Montes (Burgos). Dividida en tres secciones —Celebrar, Curar y Creer—, la muestra combinó obras del museo con tradiciones locales en formatos como fotografías, objetos y podcasts. Cerca de 500 personas participaron en la exposición, dinamizada por las propias mujeres de FADEMUR.

El documental, producido por Walden Audiovisual, recoge este proceso y ya puede verse en la web de EducaThyssen: www.educathyssen.org/mujeres-saberes.

03/12/2024 0 comments
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AgendaArteEventos

Peter Halley en el Thyssen

by Uve Magazine 16/10/2024
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El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza se prepara para acoger una importante retrospectiva dedicada al influyente artista contemporáneo Peter Halley, del 19 de octubre de 2024 al 19 de enero de 2025. Esta exposición, comisariada por Guillermo Solana, forma parte del programa de muestras en torno a la colección de Blanca y Borja Thyssen-Bornemisza y marca el regreso de Halley a España, donde no se le había dedicado una exposición de este calibre desde 1992, cuando el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía organizó una retrospectiva sobre su obra. La actual muestra abarca un extenso periodo, desde 1985 hasta 2024, y está compuesta por una selección de veinte pinturas pertenecientes a colecciones tanto públicas como privadas de España. Lo más destacado de esta exposición es que el propio Halley ha participado activamente en su curaduría, seleccionando las obras y diseñando el plan de instalación. Además, este proyecto ha sido organizado en colaboración con el Ajuntament de Palma y el Casal Solleric, donde la exposición viajará en primavera de 2025.

Peter Halley irrumpió en la escena artística en los años 80, aportando una visión crítica y profundamente sociológica a la tradición del arte abstracto-geométrico, hasta entonces dominada por ideales formalistas y utópicos. A través de su obra, Halley desafía las concepciones convencionales de la geometría como un símbolo de racionalidad ideal, reinterpretándola como un reflejo del confinamiento y el control social, impregnado de un trasfondo distópico. Sus representaciones del cuadrado, un elemento venerado casi religiosamente por artistas como Malévich y Josef Albers, adquieren un tono irónico en su obra, donde se transforman en iconos de prisiones, celdas y conductos. Esta visión crítica de la geometría se traduce en composiciones que evocan circuitos integrados y diagramas de flujo, anticipando así la sociedad hiperconectada y, a la vez, profundamente aislada de la era digital.

Un rasgo distintivo del trabajo de Halley es su uso audaz de colores fluorescentes, conocidos como Day-glo, que evocan la intensidad y la energía de las pantallas electrónicas. A través de esta paleta cromática, Halley se ha consolidado como uno de los coloristas más experimentales de su generación, aportando un enfoque novedoso a la relación entre el color, el espacio y el contexto social. Su capacidad para conjugar estos elementos lo convierte en una figura fundamental dentro del arte contemporáneo, y su influencia sigue siendo evidente en artistas y movimientos actuales.

A lo largo de su carrera, Halley ha mantenido su independencia artística, evitando el apoyo de grandes galerías comerciales y optando por colaboraciones a largo plazo con galeristas de confianza en distintos países. Esta exposición también resalta la fuerte conexión que el artista ha establecido con España, donde su obra ha sido bien recibida desde su primera aparición en 1986, cuando participó en la colectiva El arte y su doble: una perspectiva de Nueva York, organizada por la Fundación Caja de Pensiones en Madrid. Poco después, en 1992, el Museo Reina Sofía le dedicó una retrospectiva que ya había recorrido museos europeos como el Musée d’Art Contemporain de Burdeos y el Stedelijk Museum de Ámsterdam. Fue a partir de ese momento que Halley comenzó a exponer con regularidad en galerías españolas, como la Galería Senda en Barcelona y con el galerista Javier López en Madrid, consolidando su relación con el país.

Las pinturas de Halley se encuentran en importantes colecciones públicas y privadas españolas, incluyendo el Museo Reina Sofía, la Fundación “la Caixa” y el Institut Valencià d’Art Modern (IVAM), lo que subraya la relevancia de su obra en el panorama artístico español. Además, cuenta con una instalación permanente en la Biblioteca Pública José Hierro de Usera, en Madrid, inspirada en el cuento La biblioteca de Babel de Jorge Luis Borges, lo que muestra su interés por la intersección entre el arte y la literatura.

La exposición en el Thyssen-Bornemisza ofrece una visión completa de la trayectoria artística de Peter Halley, con veinte pinturas de gran formato que recorren su evolución estilística desde 1985 hasta la actualidad. Obras tempranas como Cárcel (1985) y Comercio de pieles (1994) reflejan un minimalismo monocromático, mientras que trabajos posteriores como Edutainment y Apagón (ambas de 2005), o Gravedad (2006), muestran una mayor complejidad en la repetición de formas, la superposición de planos y el uso de una paleta cromática más variada. En sus creaciones más recientes, Halley sigue profundizando en los temas que caracterizaron su obra temprana, pero con un enfoque renovado. Ejemplos de ello son Mágico a medias (2018), Clemencia (2019) y La nota alta (2020), donde multiplica las formas geométricas y suaviza su paleta de colores, creando composiciones de gran dinamismo y luminosidad.

La exposición de Peter Halley en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza no solo representa una oportunidad para apreciar la evolución de uno de los grandes maestros de la abstracción contemporánea, sino también para reflexionar sobre las conexiones entre el arte, la sociedad y la tecnología en el mundo actual.

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