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Música

Música

W.E.B. en directo: “Into Hell Fire We Burn”

by Clara Belmonte 19/02/2026
written by Clara Belmonte

Atenas, 22 de septiembre de 2024. La sala Gagarin205 vibra bajo una descarga de metal extremo sin concesiones. W.E.B., en su ciudad, pisa el escenario con una formación renovada y una energía que no admite medias tintas. Aquella noche no fue un concierto más: fue el momento elegido para capturar su directo y convertirlo en Darkness Alive, su primer álbum oficial en vivo, que verá la luz este 20 de febrero a través de Metal Blade Records.

El primer adelanto, “Into Hell Fire We Burn (Live)”, ya deja claro el enfoque. Black metal con músculo heavy, un estribillo que se clava en la memoria y una ejecución que suena cruda, compacta y afilada. La canción, que en estudio ya marcaba territorio, en directo adquiere una dimensión distinta: la batería golpea con más profundidad, las guitarras suenan más densas y la voz de Sakis Prekas se mueve entre lo ceremonial y lo abrasivo.

Esa noche compartieron escenario con Dark Funeral, lo que convirtió el evento en una cita obligada para quienes siguen la vertiente más oscura del metal europeo. Lejos de acomodarse, W.E.B. aprovechó el contexto para reafirmar su identidad: dramatismo sinfónico, velocidad controlada y una puesta en escena que busca intensidad constante.

Darkness Alive recoge nueve cortes que repasan distintas etapas de la banda: “Crimson Dawn”, “Pentalpha”, “Dark Web”, “Into Hell Fire We Burn”, “Murder Of Crows”, “Necrology”, “Morphine for Saints”, “Dragona” y “Eligos”. No hay retoques que diluyan la experiencia; lo que se escucha es la fricción real entre banda y público, el sonido de una formación que entiende el directo como campo de batalla.

La grabación refleja una etapa de transición. Junto a Sakis Prekas (voz y guitarra) y Hel Pyre (voz, bajo y teclados), el batería Vasilis Nanos aportaba ya una base más sólida y precisa. Tras el concierto, el grupo sumó al guitarrista Alex Despotidis y al bajista Babis Kapageridis, ampliando su potencia y consolidando la alineación actual.

Con cinco álbumes de estudio en su historial, entre ellos Colosseum (2021), que marcó su debut en Metal Blade, W.E.B. no utiliza este directo como simple celebración. Según ha adelantado Prekas, el grupo ya trabaja en nuevo material que, en sus propias palabras, debe superar todo lo anterior. Si no hay evolución, no hay disco.

El 20 de febrero, Darkness Alive llegará a plataformas digitales como testimonio de una noche en la que la banda decidió convertir su intensidad en documento. “Into Hell Fire We Burn (Live)” funciona como advertencia: W.E.B. no baja el volumen, sube hasta lo mas alto.

19/02/2026 0 comments
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MúsicaNoticias

El regreso del hijo pródigo del rock al Teatro Conde Toreno

by Beatriz Menéndez Alonso 17/02/2026
written by Beatriz Menéndez Alonso

En la penumbra elegante del patio de butacas, bajo la respiración contenida de un público que no era solo público sino familia, amigos, vecinos —pueblo entero—, se proyectó por primera vez en Europa el documental I Took the Road Less Traveled. Y no podía ser en otro lugar que, en Cangas del Narcea, tierra natal de Diego Avello, conocido artísticamente como Bull, ese obstinado rockero que un día decidió cruzar el océano persiguiendo una quimera eléctrica llamada sueño americano.

La cita fue este domingo 15 de febrero en el histórico Teatro Conde Toreno, corazón cultural del suroccidente asturiano.

La tarde del estreno en el Teatro Conde Toreno fue una ovación prolongada. No era solo la celebración del éxito artístico, sino el reconocimiento a la perseverancia. El público comprendía que aquella historia hablaba también de ellos: de emigración, de identidad, de la necesidad de elegir, a veces, el camino menos transitado.

Bull llenó la pantalla con su presencia magnética. Carismático y humilde. Firme y vulnerable. Un asturiano que ha sabido navegar entre dos culturas sin traicionarse.

El documental, dirigido con sensibilidad y pulso narrativo por Budro Partida, arranca en la Cangas de los años de instituto, cuando Diego ya lucía con orgullo camisetas de la bandera estadounidense y escuchaba con devoción a Elvis Presley, Johnny Cash y Jerry Lee Lewis. Aquella pasión no era estética: era vocacional. Era la certeza íntima de que su lugar en el mundo estaba ligado al rock and roll y a la cultura americana. Lo que el documental demuestra es que entre el sueño y la realidad media un territorio áspero.

Budro construye un relato más humano que musical, más íntimo que biográfico. No estamos ante el clásico documental de ascenso y caída, sino ante la anatomía de una perseverancia. La cámara observa sin juzgar, acompaña sin invadir. Uno de los grandes aciertos del documental es no romantizar la experiencia migratoria. I Took the Road Less Traveled pone el foco en la realidad actual de los emigrantes en Estados Unidos: la dificultad de obtener visados de permanencia, la burocracia implacable, la incertidumbre constante.

Estados Unidos no regala nada. Puedes tocar el cielo —llenar salas, recibir premios, ser reconocido por la crítica— y, al mismo tiempo, vivir pendiente de un permiso administrativo que determine tu continuidad en el país. Puedes cumplir el sueño tantas veces ansiado desde otras órbitas… o perderlo todo en el intento.

La lucha es feroz. El mercado es competitivo hasta el extremo. Y la legislación migratoria convierte cada paso en una carrera de obstáculos. Esa tensión atraviesa el documental y dota al relato de una dimensión contemporánea y política que lo eleva más allá de la simple biografía artística.

En cada testimonio se percibe la misma idea: la obstinación de Diego es el eje que lo sostiene todo. Colaboradores, amigos, profesionales del sector y familiares coinciden en señalar su resistencia, su ética de trabajo, su negativa a rendirse cuando el sistema parecía cerrar puertas.

Entre dos ríos, entre dos mundos. La voz que une las dos orillas

Hay una imagen poderosa que atraviesa el filme. Bull habla de su infancia “entre dos ríos”: el Río Luiña y el Río Narcea, que confluyen bajo la mirada protectora de la Ermita del Carmen. Dos corrientes que se unen para hacerse más fuertes, más bellas.

Esa metáfora fluvial resume su identidad: Así es Bull: español y americano. Cangues de pura cepa y músico forjado en la dureza del circuito estadounidense. Su lado español —arraigo, comunidad, memoria— y su lado americano —ambición, individualismo creativo, hambre de escenario— conviven sin imposturas. No hay disfraz. No hay caricatura. Hay integración.

Un Ulises moderno que ha cruzado océanos de tiempo sin extraviar su sueño.

El documental cuenta con la producción y la voz en off de L.A. Lloyd, figura reconocida del panorama radiofónico rockero en Estados Unidos. Su narración actúa como hilo conductor, como puente entre E.E.U.U. y Asturias, entre la épica americana y la raíz rural del suroccidente asturiano.

Estos días, Lloyd ha compartido con el equipo jornadas de celebración por Cangas, reencontrándose con el paisaje y con la hospitalidad de un concejo que ya los acogió en 2024, cuando llegaron para rodar las primeras escenas en la villa. Se percibe en él —y en todo el equipo— una admiración profunda por la persona que hay detrás del personaje.

La película ha cosechado un notable éxito en el circuito de festivales estadounidenses, incluyendo el reconocimiento como Mejor Documental Internacional en el Austin International Film Festival. Un logro que confirma la dimensión universal de una historia profundamente local.

Sin embargo, el equipo eligió Cangas del Narcea para su primer pase europeo. Un gesto cargado de simbolismo: antes de conquistar nuevos territorios, había que rendir cuentas con la tierra madre.

Desde Uve Magazine, tuvimos además el privilegio de acompañar la antesala de este estreno en la Librería Treito, en un encuentro cercano que sirvió de prólogo íntimo a la gran noche. Entre amigos y conversación, ya se intuía que lo que estaba por venir sería más que una proyección.

Invitación abierta: que el viaje continúe

El público llenó el teatro. Familias, amigos, vecinos, curiosos. La acogida fue cálida, sostenida, emocionada. No era solo la celebración del éxito de un músico en Estados Unidos; era el reconocimiento de una actitud ante la vida.

El documental nos recuerda que tomar el camino menos transitado implica perder certezas, comodidades, seguridades. Implica pagar un precio. Pero también demuestra que ese precio puede merecer la pena si lo que se gana es la fidelidad a uno mismo.

Bull no es solo un artista que ha tocado el techo del éxito en un mercado extranjero. Es el ejemplo de que la obstinación, cuando se combina con trabajo y talento, puede atravesar fronteras físicas y burocráticas.

I Took the Road Less Traveled prepara ahora su salto al circuito de festivales europeos y españoles. Ojalá podamos disfrutarlo pronto en nuestras pantallas, en nuevos teatros, en nuevas ciudades.

Mientras tanto, la invitación es clara: seguir el recorrido del documental a través de sus redes, acompañar su camino, compartir esta historia que habla de emigración, de identidad, de perseverancia y de sueños que no se negocian.

Magnífico trabajo el de Budro Partida, de L.A. Lloyd y de todo el equipo de producción. Magnífica la entrega de Bull. Y ejemplar la respuesta de un pueblo que supo acoger, celebrar y reconocer a quien nunca dejó de ser suyo.

Porque en tiempos donde la comodidad parece imponerse como norma, historias como la de Diego Avello —Bull— nos recuerdan que aún existen quienes prefieren la intemperie del intento a la tibieza de la renuncia.

17/02/2026 0 comments
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MúsicaNoticias

Encuentro previo a la proyección de I Took the Road Less Traveled en Cangas del Narcea

by Emain Juliana 15/02/2026
written by Emain Juliana

Dos días antes de la proyección del documental I Took the Road Less Traveled, la Librería Treito acogió un encuentro organizado por Uve Magazine en el que se habló abiertamente sobre la película, la trayectoria de Diego Avello “Bull” y la realidad de la industria musical en Estados Unidos. La proyección tendrá lugar hoy, pero lo que se vivió antes de ayer fue una conversación que permitió contextualizar el proyecto y entender mejor el recorrido que recoge el filme.

L.A. Lloyd, Bull, Brudo Partida

En la mesa estuvieron Bull, el director J. Budro Partida y el coproductor L. A. Lloyd, quienes explicaron cómo se gestó el documental y qué les llevó a contar esta historia. La idea inicial había surgido años atrás a través de Raymond McGlamery, amigo vinculado al sector musical que falleció en 2022, y fue tras su muerte cuando Lloyd propuso retomar aquel planteamiento y convertirlo en una película. PennyRock Productions asumió la producción y, durante casi tres años, el equipo trabajó en la grabación y edición de un material que sigue el recorrido vital y artístico del músico cangués.

El documental parte de Asturias, pasa por México y se centra finalmente en Estados Unidos, donde Bull ha desarrollado buena parte de su carrera. Durante el encuentro explicó que verse reflejado en pantalla le obligó a revisar etapas que en su momento vivió con incertidumbre, especialmente cuando decidió marcharse de Cangas del Narcea para dedicarse al rock en un entorno donde el idioma, el acento y la falta de contactos suponían obstáculos reales. Señaló que el traslado implicó asumir riesgos personales y profesionales, y que muchas de esas decisiones aparecen recogidas en la película sin suavizar las dificultades.

Budro Partida subrayó que uno de los aspectos que más le interesaba al abordar el documental era precisamente esa perspectiva: la de un inmigrante que intenta consolidar una carrera en la cuna del rock and roll. Explicó que no se trataba únicamente de contar la historia de un músico, sino de observar cómo alguien procedente de un contexto pequeño se enfrenta a una industria que opera con otras reglas y otras dimensiones. Desde su punto de vista, el valor del proyecto reside en mostrar ese proceso sin idealizarlo, dejando espacio a las dudas y a los momentos en los que el avance no es inmediato.

Uno de los temas de la conversación fue la elección de cantar rock en inglés siendo asturiano. Bull reconoció que durante un tiempo dudó de su encaje dentro de una tradición musical muy definida, pero que finalmente decidió asumir su acento como parte de su identidad artística. Esa decisión, explicó, le permitió mantener coherencia con su propio recorrido y evitar adaptaciones que no respondían a su forma natural de expresarse.

Actualmente, tras su traslado de Austin a Nashville, está grabando un nuevo disco y en la búsqueda de sello discográfico que acompañe la siguiente etapa de su carrera. Además, durante el encuentro se anunció que el documental ha sido reconocido en el Austin Revolution Film Festival, que ha otorgado a I Took The Road Less Traveled – Documentary el premio a Mejor Largometraje Internacional, un reconocimiento relevante dentro del circuito independiente estadounidense. Además de la proyección prevista hoy en Cangas del Narcea, el equipo ha comenzado a enviarlo a festivales nacionales e internacionales.

El encuentro previo permitió que el público conociera el contexto del documental antes de verlo en pantalla y abrió un diálogo sobre lo que implica sostener una carrera musical fuera del lugar de origen. Hoy, con la proyección, esa conversación continuará desde otro ángulo.

15/02/2026 0 comments
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AgendaEventosMúsicaNoticias

Bull presenta en Cangas del Narcea el documental I Took the Road Less Traveled

by Uve Magazine 02/02/2026
written by Uve Magazine

El músico Diego Avello, conocido como Bull, ha desarrollado su carrera entre Asturias, México y Estados Unidos, con el rock como eje central y como espacio de trabajo. Desde sus primeros pasos en Cangas del Narcea hasta su actual actividad en el circuito estadounidense, su trayectoria se ha ido construyendo a partir de desplazamientos geográficos y decisiones profesionales que han condicionado su forma de componer, de tocar y de situarse dentro del género.

Ese recorrido es el punto de partida de I Took the Road Less Traveled, un documental dirigido por Brudo Partida, que toma como base el itinerario vital y musical de Bull para articular un relato centrado en el proceso y en los contextos que lo rodean. La película acompaña al músico en distintos lugares clave de su carrera, desde Asturias hasta Estados Unidos, pasando por México, y propone una mirada sobre el trabajo musical entendido como una actividad que se desarrolla en diálogo constante con el entorno.

El documental no se presenta como una retrospectiva cerrada ni como un retrato definitivo, sino como una aproximación a una trayectoria en marcha. A través del seguimiento de Bull y de su entorno, la película sitúa el foco en cuestiones como la movilidad, la identidad cultural y el modo en que un músico europeo se abre camino en un género profundamente ligado a la tradición anglosajona. La presencia del rock como lenguaje compartido funciona aquí como hilo conductor, más allá de etiquetas o expectativas externas.

dEn el proyecto participa también L. A. Lloyd, profesional vinculado desde hace décadas a la radio de rock en Estados Unidos, que ejerce como coproductor. Su implicación aporta una visión interna del contexto musical norteamericano y del funcionamiento de un sector en el que la visibilidad, el reconocimiento y la continuidad dependen de factores diversos, tanto artísticos como industriales. El documental recoge este marco sin establecer lecturas concluyentes, dejando espacio a la observación y al diálogo.

Con motivo de este trabajo, el próximo 13 de febrero tendrá lugar un encuentro previo a la proyección del documental en Librería Treito. La cita contará con la participación de Bull, del director Brudo Partida y el co-productor L. A. Lloyd, y se plantea como una conversación abierta sobre el proceso de creación del documental, el trabajo musical en contextos distintos y la experiencia de desarrollar una carrera artística entre países, estará presentada por la editora Sandra Márquez y la redactora cultural Beatriz Menéndez Alonso, quienes guiarán el diálogo en torno al origen del proyecto y a las cuestiones que lo atraviesan.

El encuentro se enmarca dentro de las actividades culturales impulsadas por Uve Magazine y propone un espacio para compartir el origen y las claves del proyecto antes de su exhibición. Más que ofrecer una lectura cerrada sobre la película, la conversación permitirá conocer cómo se ha construido el documental, desde qué motivaciones surge y qué cuestiones pone sobre la mesa en torno a la música, el desplazamiento y el oficio artístico.

02/02/2026 0 comments
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MúsicaNoticias

Grammy 2026: nominados, metal y las claves de la gala

by Uve Magazine 31/01/2026
written by Uve Magazine

Este domingo se celebran los 68ª edición de los Premios Grammy en Los Ángeles y, como todos los años, toca noche larga, muchas actuaciones y ese runrún previo de quién gana, quién pierde y a quién se le vuelve a pasar por alto. Desde España habrá que seguir la gala de madrugada, pero el ruido ya está montado desde hace días, con listas, apuestas y debates que van bastante más allá de los premios.

En las categorías grandes no hay demasiadas sorpresas. Kendrick Lamar, Lady Gaga y Bad Bunny concentran buena parte de las nominaciones importantes, lo que confirma una vez más que los Grammy siguen jugando sobre seguro.

Aun así, el interés real de esta edición no está solo en los premios gordos, sino en todo lo que rodea a la ceremonia. La industria musical llega bastante revuelta, con discusiones abiertas sobre derechos de autor, inteligencia artificial, streaming y lo poco que cobra mucha gente por millones de reproducciones. Nada de eso se va a resolver en una noche, pero está ahí, flotando, y hace que el espectáculo tenga un punto de contraste entre el brillo del escenario y la realidad que hay debajo.

En esta edición, el artista más nominado es Kendrick Lamar, con nueve candidaturas, seguido de cerca por Lady Gaga y los productores Jack Antonoff y Cirkut, con siete cada uno. Artistas como Bad Bunny, Sabrina Carpenter y Leon Thomas III figuran también entre los más nominados del año.

Entre las categorías más destacadas, las nominaciones incluyen:

– Álbum del Año: Debí Tirar Más Fotos (Bad Bunny), Swag (Justin Bieber), Man’s Best Friend (Sabrina Carpenter), Let God Sort Em Out (Clipse con Pusha T & Malice), Mayhem (Lady Gaga), GNX (Kendrick Lamar), Mutt (Leon Thomas), Chromakopia (Tyler, The Creator).

– Grabación del Año, que reconoce la interpretación general de una canción: DtMF (Bad Bunny), Manchild (Sabrina Carpenter), Abracadabra (Lady Gaga), Wildflower (Billie Eilish), Anxiety (Doechii), Luther (Kendrick Lamar con SZA), The Subway (Chappell Roan), APT. (Rosé y Bruno Mars).

– Canción del Año, que premia a los compositores: Abracadabra (Lady Gaga), Anxiety (Doechii), APT. (Rosé & Bruno Mars), DtMF (Bad Bunny), Golden (Huntr/x – KPop Demon Hunters), Luther (Kendrick Lamar con SZA), Manchild (Sabrina Carpenter), Wildflower (Billie Eilish).

– Mejor Artista Revelación: Olivia Dean, KATSEYE, The Marías, Addison Rae, Sombr, Leon Thomas, Alex Warren y Lola Young, reflejo de cómo plataformas digitales como TikTok han impulsado la aparición de nuevas figuras en las listas de nominados.

– Mejor Interpretación de Metal: Night Terror (Dream Theater), Lachryma (Ghost), Emergence (Sleep Token), Soft Spine (Spiritbox), Birds (Turnstile).

Además, en categorías pop destacan nominaciones a Mejor Interpretación Pop Solista por temas como Daisies (Justin Bieber), Manchild (Sabrina Carpenter), Disease (Lady Gaga), The Subway (Chappell Roan) y Messy (Lola Young). En la categoría de Mejor Álbum de Pop Vocal compiten trabajos de Justin Bieber, Sabrina Carpenter, Miley Cyrus, Lady Gaga y Teddy Swims.

La lista de nominados abarca también géneros como rap, R&B, rock y world music, con artistas variados que reflejan la diversidad de estilos que dominan la industria. Artistas como Turnstile, Cardi B, Tyler, The Creator, SZA, GloRilla y Leon Thomas aparecen en nominaciones de rap y otras categorías.

31/01/2026 0 comments
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MúsicaNoticias

Galiana y Gómez Alemany homenajean a Millares y Palazuelo

by Uve Magazine 23/01/2026
written by Uve Magazine

El sello Liquen Records ha publicado un nuevo trabajo discográfico firmado por Josep Lluís Galiana y Joan Gómez Alemany, un proyecto que toma como punto de partida la obra de Manolo Millares y Pablo Palazuelo, dos nombres fundamentales del arte abstracto español del siglo XX. El disco, titulado Homenatge a Manolo Millares i Pablo Palazuelo, reúne la música creada para tres películas vinculadas a la obra de ambos artistas y se publica en el marco del centenario del nacimiento de Millares.

Manolo Millares y Pablo Palazuelo, a la derecha

Lejos de plantearse como un mero acompañamiento musical, el álbum surge de un proceso de trabajo prolongado, en el que la música, el cine y la reflexión teórica avanzan de forma paralela. El proyecto ha contado con la colaboración de la Fundación Pablo Palazuelo, la familia de Millares, la Fundación Azcona y el Institut Valencià de Cultura, y ha tenido como escenarios de estreno el Museo de Arte Contemporáneo de Vigo, el Institut Valencià d’Art Modern y la Fundación Antonio Pérez – Centro de Arte Contemporáneo.

La grabación se realizó en Liquen Studios y el disco se distribuye tanto en formato físico en España como en las principales plataformas digitales internacionales. Con este lanzamiento, Liquen Records, que cumple una década de actividad, refuerza una línea editorial centrada en la música improvisada y experimental, con especial atención a proyectos donde distintas disciplinas artísticas se cruzan de forma natural.

El punto de partida conceptual del trabajo se encuentra en el libro Cartas en torno a Manolo Millares, Pablo Palazuelo y otros, una correspondencia entre Alfonso de la Torre y Joan Gómez Alemany, publicada en 2022 por EdictOràlia, coincidiendo con el cincuenta aniversario del fallecimiento de Millares. A partir de ese intercambio de ideas en torno a la pintura, el pensamiento y el contexto histórico de ambos artistas, Galiana y Gómez Alemany desarrollaron un trabajo musical basado en la improvisación, la electrónica y la creación electroacústica.

Josep Lluis Galiana. Joan Gomez Alemany

Para Josep Lluís Galiana, saxofonista de soprano y tenor, el proyecto supuso un reto artístico poco habitual, al tratarse de componer e improvisar desde la obra pictórica y audiovisual de Millares y desde el cine de Gómez Alemany, con quien mantiene una colaboración continuada desde hace ocho años. Galiana destaca la intensidad del proceso y el impacto que le ha producido una aproximación prolongada a la poética visual de Millares, marcada por la materialidad, la tensión y el uso de recursos mínimos con una fuerte carga expresiva.

Joan Gómez Alemany, por su parte, señala que el disco prolonga en el ámbito sonoro muchas de las cuestiones planteadas en el libro escrito junto a Alfonso de la Torre. Desde su perspectiva, la música establece relaciones directas con la pintura, el cine y la escritura, organizándose a través de estructuras superpuestas y de un trabajo detallado con la electrónica, el tiempo y el espacio sonoro.

El álbum se articula en torno a tres obras principales. Para Pablo Palazuelo, variaciones sobre un imposible paisaje es una película rodada por Gómez Alemany con música electroacústica del propio autor, estrenada en el Marco de Vigo el 18 de mayo de 2023, coincidiendo con el Día Internacional de los Museos. Millares 1972-2022 se presentó en su versión cinematográfica en el IVAM de València en septiembre de 2022 y tuvo una posterior interpretación en directo, con saxofones y electrónica, en la Fundación Antonio Pérez de Cuenca.

La tercera pieza, Millares 1970, parte de una película realizada por Manolo Millares junto a Elvireta Escobio, que en su versión original incorporaba música de Pierre Henry y Pierre Schaeffer. Galiana y Gómez Alemany han creado una nueva banda sonora para esta obra, que se estrenó en concierto en Cuenca en 2022 y posteriormente en Vigo en 2023.

Con este disco, Liquen Records suma un nuevo título a su catálogo y consolida una propuesta que sitúa la música contemporánea en diálogo directo con la historia del arte, el cine y el pensamiento visual.

LIQUEN RECORDS

23/01/2026 0 comments
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MúsicaNoticias

Cryptic Shift y su nuevo álbum Overspace & Supertime

by Emain Juliana 15/01/2026
written by Emain Juliana

Cryptic Shift nació en Leeds en 2015, cuando Alexander Bradley y Ryan Sheperson decidieron montar una banda que no se limitara a apilar riffs imposibles, sino que aspirara a algo más ambicioso: hacer convivir el death y el thrash metal técnico con la ciencia ficción sin caer en el disfraz ni en el guiño fácil. Desde el primer momento quedó claro que el objetivo no era tocar más rápido que nadie, sino crear un universo propio en el que música y relato avanzaran juntos, empujándose mutuamente.

Overspace & Supertime

Esa idea cristalizó en Visitations From Enceladus (2020), un debut que los sacó del circuito local y los colocó directamente en el radar internacional. No fue solo una cuestión de virtuosismo —que lo había—, sino de cómo las estructuras progresivas y el imaginario sci-fi estaban integrados con naturalidad, sin parecer un añadido decorativo. De ahí que la banda acabara definiendo su sonido como “Phenomenal Technological Astrodeath”, una etiqueta excesiva, sí, pero sorprendentemente ajustada a lo que proponían.

Overspace & Supertime retoma ese mismo universo, aunque lo hace desde un ángulo distinto. No funciona como una secuela directa, sino como una realidad alternativa en la que el relato se estira hacia zonas más extrañas y ambiciosas. Sheperson explica que el disco empuja al personaje principal a nuevas dimensiones, con encuentros más bizarros y situaciones más extremas, mientras la banda afina todavía más la manera de soldar concepto y composición para que todo respire como un bloque único.

En el apartado sonoro, el álbum ha sido producido por Jack Helliwell y masterizado por Greg Chandler, una combinación que se traduce en un sonido compacto, amplio y muy controlado, capaz de sostener la complejidad sin perder pegada. La parte visual corre a cargo de Jesse Jacobi, con una portada inspirada en 40 Days In The Desert de Moebius, donde figuras altas y encapuchadas enmarcan el encuentro entre “The Recaller” y “The Alien Sorceress”. Incluso aquí hay diálogo con el pasado: la composición del arte remite sutilmente al debut, dejando claro que ambos discos están conectados por debajo de la superficie.

Como adelanto, la banda ha publicado el videoclip de “Hexagonal Eyes (Diverity Trepaphymphaszym)”, dirigido por Murry Deaves, una canción que funciona casi como una declaración de intenciones. Todo suena más extremo, más afilado y, al mismo tiempo, más seguro de sí mismo, con una cascada de ideas que no se desborda en ningún momento. A nivel narrativo, el tema introduce un nuevo giro: una enfermedad temporal que aparece cuando el protagonista regresa a la base lunar ya conocida por quienes siguieron el primer disco.

Lejos de buscar atajos o fórmulas más digeribles, Overspace & Supertime confirma que Cryptic Shift sigue apostando por un camino muy exigente, pero perfectamente reconocible. 

15/01/2026 0 comments
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AgendaMúsicaNoticias

Los conciertos y festivales más esperados de 2026

by Clara Belmonte 07/01/2026
written by Clara Belmonte

BAD BUNNY

Bad Bunny llegará a España en 2026 con una residencia de doce conciertos —dos en Barcelona y diez en Madrid—, un formato poco habitual en el país. La venta de 600.000 entradas en una sola jornada sitúa esta gira como la de mayor volumen registrada para un artista internacional desde que existen datos oficiales.

Info: Barcelona y Madrid. Del 22 de mayo al 15 de junio. Entradas agotadas.

ROSALÍA

Lux llega con promesa de cambio de formato. La gira arranca en Francia en marzo y en España se concentra en Madrid y Barcelona. Lo que se espera (y lo que tiene sentido, si se mira el disco): un directo más musical, con cuerdas y coro, y canciones antiguas adaptadas a ese registro. Por lo demás, pocas certezas: en este punto, la gira es un contenedor de incógnitas con una sola garantía, que es el control del detalle.

Info: Madrid y Barcelona. Del 30 de marzo al 18 de abril. Entradas agotadas.

THE WEEKND

Cuatro estadios para cerrar la gira europea y dejar claro que lo suyo no va de “venir a cantar”, sino de traer un espectáculo completo. Si se toma como referencia el montaje de 2023: pantallas gigantes, iluminación a gran escala, pirotecnia y teatralidad. Un show pensado para verse desde lejos y que aun así tenga puntos de atención en primer plano.

Info: Madrid y Barcelona. Del 28 de agosto al 1 de septiembre. 57–595 €.

 

GIRAS NACIONALES CON RECORRIDO LARGO

 

LA OREJA DE VAN GOGH

El retorno de Amaia activa el mecanismo clásico: repertorio conocido, público transversal y una gira extensa de pabellones. No es una gira breve “de reencuentro”, sino un plan de temporada completa: 34 conciertos repartidos durante casi todo el año.

Info: 19 ciudades. Del 9 de mayo al 30 de diciembre. 45–290 €.

EL ÚLTIMO DE LA FILA

La vuelta de Manolo García y Quimi Portet se plantea sin grandes mensajes añadidos: canciones de siempre, tocadas como se espera que suenen. Nueve ciudades y un calendario contenido, más cerca del “evento” que del circuito de gira interminable.

Info: nueve ciudades. Del 28 de abril al 9 de julio. 60,50–104,50 €.

FESTIVALES GENERALISTAS: BARCELONA Y MADRID, OTRA VEZ

PRIMAVERA SOUND

Cambio claro de acento: menos foco en el nombre fugaz y más apuesta por nombres que ya tienen peso acumulado. En 2026, además, hay un elemento práctico que suele empujar a los festivales: varios artistas llegan con disco nuevo. En este caso, proyectos como Gorillaz, Massive Attack y The xx aparecen como parte del argumento del año.

Info: Barcelona. Del 4 al 6 de junio. Entrada diaria: 125–195 €. Abono: 335–545 €.

MAD COOL

El décimo aniversario se presenta con un cartel especialmente fuerte y un cabeza visible que funciona en cualquier país: Foo Fighters. En Mad Cool el valor no está en descubrir, sino en la suma de grandes nombres en jornadas largas y un recinto pensado para rotación constante.

Info: Madrid. Del 8 al 11 de julio. (Cartel publicado con más de 70 artistas).

FESTIVALES DE METAL EN ESPAÑA 2026

 

Resurrection Fest (Viveiro)

El festival que ordena la primera semana de julio para el público de metal, hardcore y derivados. En 2026 vuelve a concentrar su programación en cuatro jornadas consecutivas y mantiene su política de venta por tipos de abono.

Cabezas de cartel / nombres destacados: Slipknot, Parkway Drive, Architects, Amon Amarth, Bring Me The Horizon (entre otros nombres de primera línea ya anunciados).
Info: Viveiro (Galicia). Del 1 al 4 de julio de 2026.
Abono 4 días: 235 €. Pandemonium: 335 €. Resurrection Fest

Rock Imperium (Cartagena)

El festival de Cartagena consolida su perfil dentro del circuito europeo de rock y metal con un formato de tres días, cartel por jornadas y venta escalonada. La programación combina bandas clásicas y nombres de metal contemporáneo con tirón internacional. Rock Imperium

Cabezas de cartel / nombres destacados: Iron Maiden, Anthrax, Mastodon, Kreator, Helloween.
Info: Cartagena (Parque El Batel). 3, 4 y 5 de julio de 2026.
Venta por tramos y entradas diarias disponibles.

Barcelona Rock Fest (Santa Coloma de Gramenet)

Festival de rock y metal de gran formato en Cataluña, con una programación centrada en bandas históricas y nombres consolidados del género. Mantiene el esquema de tres días consecutivos.

Cabezas de cartel / nombres destacados: Judas Priest, Scorpions, Accept, Saxon, Deep Purple.
Info: Santa Coloma de Gramenet (Barcelona). 3, 4 y 5 de julio de 2026.
Entradas a la venta. Barcelona Rock Fest 

Leyendas del Rock (Villena)

La edición de 2026 se presenta como XX aniversario, con un cartel diseñado para cubrir distintas generaciones y estilos dentro del metal. A diferencia de otros años, se desplaza claramente a agosto y amplía su duración a cuatro jornadas.

Cabezas de cartel / nombres destacados: Blind Guardian, Nightwish, Sepultura, HammerFall, Angelus Apatrida.
Info: Villena (Alicante). Del 5 al 8 de agosto de 2026.
Cartel por días publicado. Leyendas del Rock

EL CIRCUITO METAL EUROPEO 2026

DOWNLOAD FESTIVAL (Reino Unido)

El festival ya ha publicado el póster de 2026 con los tres nombres grandes en primera línea, además indicados como “UK exclusives”.

Cabezas de cartel: Limp Bizkit, Guns N’ Roses, Linkin Park. Download Festival
Info: Donington Park. 10–14 de junio de 2026.

 

GRASPOP METAL MEETING (Bélgica)

En Graspop 2026 el cartel está construido alrededor de un bloque de bandas muy reconocibles, con varios nombres “de arriba” ya muy claros.

Principales nombres anunciados (cabezas / parte alta): Def Leppard, Twisted Sister, Limp Bizkit, Bring Me The Horizon, Volbeat (entre otros). 
Y, en el arranque de anuncios del festival, también se colocaban muy arriba Limp Bizkit, Within Temptation y Megadeth para el jueves.

Info: Dessel. 18–21 de junio de 2026. Abono: 319 €. Día: 135 €. Graspop Metal Meeting

 

COPENHELL (Dinamarca)

Aquí sí está cristalino: la propia organización ha anunciado explícitamente los cuatro headliners.

Cabezas de cartel: Iron Maiden, Volbeat, Bring Me The Horizon, Twisted Sister. copenhell.dk+1
Info: Copenhague (Refshaleøen). 24–27 de junio de 2026.

 

WACKEN OPEN AIR (Alemania)

Wacken está en modo aniversario y va soltando el cartel por oleadas. En la primera comunicación fuerte de 2026, el festival presentó como punta de lanza a cuatro nombres.

Banda “al frente” de la primera oleada: Def Leppard, In Flames, Powerwolf, Savatage. Wacken Open Air
Info: Wacken. 29 de julio–1 de agosto de 2026 (festival). Camping desde el 26 de julio.

07/01/2026 0 comments
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MúsicaNoticias

Los 10 discos de metal más relevantes de 2025

by Emain Juliana 31/12/2025
written by Emain Juliana

En los últimos meses han salido discos muy visibles y otros que han funcionado especialmente bien dentro de la escena, dejando un panorama bastante interesante. Esta lista recoge algunos de los que mejor lo representan y que, además, han sido nuestros favoritos.

Testament. Para Bellum
Los veteranos del thrash demuestran que siguen teniendo algo que decir. Riffs afilados, tempos contundentes y una producción que no suena a despedida, sino a reafirmación.

Trauma Bond. Summer Ends. Some Are Long Gone.
Uno de los discos más extremos y comentados del año en la escena grindcore y noise-metal. Caótico, incómodo y deliberadamente abrasivo.

Deftones. Private Music
Atmosférico, oscuro y reconocible desde el primer minuto. Deftones siguen jugando en su propio terreno, sin competir con nadie, y por eso siguen siendo relevantes.

Spiritbox . Tsunami Sea
Metal moderno bien producido, con equilibrio entre brutalidad y melodía. Un disco que ha conectado escenas distintas y ha ampliado su público sin diluir identidad.

Deafheaven. Lonely People With Power (2025)
Deafheaven vuelve a tensar el equilibrio entre el black metal, el post-metal y la épica emocional, con un disco más áspero y expansivo que sus trabajos recientes. Lonely People With Power recupera intensidad y ambición sin perder sutileza, y confirma a la banda como uno de los nombres clave del metal contemporáneo.

Ghost. Skeletá
Metal teatral, ganchos claros y una puesta en escena que vuelve a funcionar. No es su disco más arriesgado, pero sí uno de los más efectivos del año.

Sleep Token. Even in Arcadia
Uno de los lanzamientos más discutidos de 2025. Amor y rechazo a partes iguales, pero imposible de ignorar por impacto, alcance y conversación generada.

Corpus Offal. Corpus Offal
Metal extremo directo y sin concesiones. Brutalidad bien ejecutada y una identidad clara que lo ha colocado en muchas listas especializadas.

Judas Priest. Invincible Shield II
Heavy metal clásico hecho con oficio y energía. No pretende reinventar nada, pero confirma que Judas Priest sigue siendo un nombre central del género.

Blood Incantation. Absolute Elsewhere
Uno de los discos más respetados del año dentro del metal extremo. Death metal técnico y atmosférico con ambición conceptual y peso real en la escena.

31/12/2025 0 comments
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ArteLiteraturaMúsica

Cómo se construye hoy la visibilidad cultural

by Clara Belmonte 31/12/2025
written by Clara Belmonte

(sin vivir esclavo de las redes ni convertir tu proyecto en un meme)

El mito de «si no publicas, no existes»

En algún momento alguien decidió que la cultura tenía que comportarse como una cuenta de Instagram con ansiedad, y desde entonces muchos proyectos culturales viven atrapados en una especie de carrera sin meta clara: publicar por no desaparecer, subir algo aunque no haya nada que decir, estar “activos” aunque por dentro estén agotados. El problema es que esa lógica, que quizá funciona para otros ámbitos, en cultura suele generar el efecto contrario: mucha presencia y muy poca huella.

Porque estar no es lo mismo que importar. Puedes aparecer todos los días en un feed y, aun así, no ocupar ningún lugar reconocible. Nadie sabe muy bien qué haces, por qué lo haces o por qué debería volver a leerte dentro de una semana. La visibilidad que de verdad sirve no es la que dura veinticuatro horas, sino la que hace que alguien piense en ti cuando busca algo concreto, cuando recomienda un medio, cuando quiere entender mejor un tema cultural.

Y eso, aunque suene menos espectacular, no se construye a base de insistencia, sino de sentido. De tener claro qué tipo de proyecto eres y de no intentar gustar a todo el mundo todo el tiempo.

Lo que sí hace que la cultura circule (aunque no se note al principio)

Aquí viene la parte menos glamurosa, pero más efectiva. La cultura circula mejor cuando tiene lugares donde quedarse. Una web bien cuidada, por ejemplo, sigue siendo una de las mejores herramientas para cualquier proyecto cultural, no porque esté de moda, sino porque permite algo muy básico: que el contenido no desaparezca. Un buen artículo, una entrevista interesante o una guía bien pensada pueden seguir leyéndose meses después, algo que ningún post efímero consigue.

También importa mucho el tipo de contenido que se publica. No todo tiene que ser profundo ni todo tiene que ser ligero, pero sí conviene que lo que se escriba tenga una razón para existir. Los textos que mejor funcionan suelen ser los que explican cosas sin tratar al lector como si fuera tonto, los que ponen contexto donde antes había ruido y los que asumen que la cultura no es solo opinión, sino también información, conexiones y preguntas compartidas.

Aquí entra otro elemento clave del que se habla poco: la regularidad sin locura. No hace falta publicar todos los días para ser relevante, pero sí mantener un ritmo que haga que el proyecto no parezca intermitente. En ese sentido, la newsletter —sí, esa cosa que muchos dan por muerta— sigue siendo uno de los canales más agradecidos. No compite por atención inmediata, no depende de algoritmos y permite construir una relación más tranquila con quien realmente quiere leerte. Un correo semanal bien hecho suele valer más que diez publicaciones perdidas.

Y luego están las colaboraciones, que siguen siendo una de las formas más naturales de crecer sin hacer ruido innecesario. Cruzar proyectos, compartir espacios, invitar a otras voces o participar en medios afines no solo amplía el alcance, sino que refuerza algo que en cultura es fundamental: el criterio. Cuando te recomiendan porque encajas, no porque has pagado por aparecer, la visibilidad pesa más.

Las redes: ni salvación ni condena, solo una herramienta más

Conviene decirlo sin dramatismos: las redes no son el problema. El problema es pensar que tienen que sostenerlo todo. Cuando un proyecto cultural depende exclusivamente de ellas, acaba adaptando su forma, su ritmo y, a veces, su contenido a lo que mejor funciona en pantalla, aunque eso no tenga mucho que ver con lo que quiere contar.

Usadas con un poco de cabeza, las redes cumplen bastante bien su función: señalar contenidos que ya existen, recordar artículos que siguen siendo relevantes, anunciar actividades o simplemente mantener una presencia mínima. Funcionan mejor cuando apuntan hacia algo más sólido —una web, un archivo, una newsletter— que cuando se convierten en el único lugar donde pasa todo.

La clave está en no confundir visibilidad con agotamiento. No hace falta estar en todas las plataformas, ni seguir todas las tendencias, ni convertir cada idea en contenido. Elegir dónde estar y cómo estar también es una forma de posicionarse. Y, curiosamente, suele generar más respeto que la presencia constante sin dirección clara.

Al final, construir visibilidad cultural hoy tiene menos que ver con hacer más cosas y más con hacerlas mejor. Con aceptar que el crecimiento es lento, que no todo impacto se mide en números y que la relevancia cultural rara vez coincide con lo viral. La buena noticia es que eso libera: permite trabajar con más calma, cuidar el contenido y construir proyectos que no dependan de estar siempre gritando para que alguien los vea.

Y quizá ahí esté la verdadera visibilidad: en que, cuando alguien piensa en cultura, piense también en ti.

31/12/2025 0 comments
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