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Category:

Literatura

EventosLiteratura

Orvallo, el murmullo de la lluvia

by Uve Magazine 28/03/2025
written by Uve Magazine

La primera presentación de Orvallo tendrá lugar el viernes 28 de marzo a las 19:00 horas en la Librería Cervantes de Oviedo, con la participación de la autora y de la periodista y socióloga Verónica García-Peña. Será la primera de varias presentaciones que también llevarán el libro a Copenhague (25 de abril) y a la Feria del Libro en Español en Malmö (14 de junio).

Hay lluvias que no hacen ruido. No golpean con fuerza ni despiertan sobresaltos. Simplemente caen, como si acariciaran el suelo, empapando todo lo que encuentran a su paso. A esa llovizna sutil, persistente y casi invisible se la llama orvallo en Asturias. Y con esa misma delicadeza es como Marta Pastur Rubio construye su segundo libro, una colección de relatos breves que, sin levantar la voz, cala hondo.

Publicado por Uve Books y con una edición cuidada —rústica con solapas, 12 x 17 cm, 80 páginas— Orvallo es mucho más que una suma de historias. Es un viaje entre la memoria y la realidad, entre la mirada de la infancia y los ecos de la adultez. Es también un homenaje a los recuerdos, al poder de lo vivido y a las pequeñas cosas que, aunque fugaces, nos transforman.

Una autora entre dos mundos

Marta Pastur nació en Asturias, pero desde 2018 reside en Copenhague. Pedagoga de formación y máster en Neuropsicología Educativa por la Universidad de Alcalá de Henares, ha hecho de su pasión por la enseñanza un modo de vida. Tras trabajar como docente en Dinamarca, fundó su propia academia de español para niños, llamada Pollitos, donde conjuga su amor por el idioma con su vocación pedagógica.

Esa doble vida entre el norte de España y el norte de Europa ha impregnado su literatura. Si con Victoria sin cuerno, su primer libro, exploró el ámbito de la narrativa infantil ilustrada, ahora, con Orvallo, da un paso firme hacia la literatura para adultos, sin perder de vista la mirada inocente y perpleja de la niñez, aunque no es solo un libro de recuerdos ni una simple evocación nostálgica. Es también una cartografía emocional que conecta el pasado con el presente, la voz de la niña con la conciencia de la mujer, el yo autobiográfico con las vidas de muchos otros niños y niñas que Pastur ha conocido a lo largo de su vida profesional.

Desde su primer relato, despliega una sensibilidad aguda hacia lo cotidiano. Juegos infantiles, viajes en coche, charlas en el aula, el silencio de un hospital o la curiosidad ante lo desconocido se convierten en materia narrativa. A través de escenas breves, la autora teje una red de significados que giran en torno a la identidad, la fragilidad y la resistencia de la infancia.

Cada relato funciona como una pequeña estampa, una imagen que se fija en la memoria con la intensidad de un olor, una palabra o un gesto. En Efecto Proust, por ejemplo, se explora el poder de los recuerdos olfativos. En otros, como Pas de chat o Apego, se abordan el miedo a la ausencia, la pérdida y la transformación interior que implica crecer, pero lo que verdaderamente distingue a Orvallo es su capacidad para mostrar la infancia como un territorio complejo, donde conviven la ternura y el desconcierto, el juego y el trauma, la inocencia y la lucidez. Marta Pastur no idealiza el mundo infantil, sino que lo presenta como un espacio de construcción, resistencia y asombro.

La infancia como metáfora

“Con este libro de relatos he querido tender un puente entre la niñez y la vida adulta”, afirma la autora. Y ese puente se construye no solo a partir de sus vivencias personales, sino también de las historias reales de muchos niños y niñas con los que ha trabajado en Dinamarca. Algunos relatos están inspirados en situaciones conmovedoras, como la de Anisa, una niña que deseaba tener la piel blanca porque en su país el tono oscuro era sinónimo de marginación. O la de Mark y Thomas, que descubren muy pronto la vulnerabilidad de ser inmigrantes en un país ajeno.

A través de estas historias, la autora consigue ampliar el foco y trascender lo autobiográfico. Aunque Orvallo parte de lo íntimo, de lo local, se proyecta hacia lo universal. Sus temas —el apego, el miedo, la pérdida, el aprendizaje, la ternura, la nostalgia— son compartidos por lectores de cualquier edad o procedencia.

Pedagogía y literatura: un vínculo natural

El oficio de Marta Pastur como pedagoga atraviesa toda la obra. No en el sentido de una literatura didáctica, sino en el uso de la observación como herramienta narrativa. “Este proyecto nace de mi obsesión por observar”, confiesa. Y esa mirada atenta, empática, generosa, recorre cada una de las páginas del libro.

En cuentos como Hipotonía, Codo a codo o Laboratorio, la autora explora el vínculo con los niños desde la experiencia docente. Las preguntas inesperadas de los pequeños, su forma única de interpretar el mundo, su necesidad de conexión y de refugio, se convierten en claves para reflexionar también sobre la adultez y sus carencias. Estos  relatos sugieren que muchas veces somos los adultos quienes más tenemos que aprender. Y que hay una sabiduría silenciosa en los niños que solo se revela si nos detenemos, si escuchamos, si nos dejamos mojar por ese orvallo invisible que es la infancia.

Nostalgia sin almíbar

Otro de los hilos conductores del libro es la nostalgia. No como simple melancolía, sino como una forma de recuperar y resignificar lo vivido. La autora ha confesado que el libro fue también una suerte de catarsis, una forma de volver al origen desde la distancia. Desde Copenhague, este libro le ha permitido reencontrarse con su Asturias natal, con los paisajes, las personas y las emociones que la vieron crecer.

En este sentido, los relatos tienen un aire de retorno. Hay en ellos un deseo de detener el tiempo, de conservar lo perdido, de dar forma a lo inasible. Y sin embargo, no cae en la trampa del sentimentalismo. Su tono es contenido, su lirismo medido, su sensibilidad, madura. Cada texto está escrito con una prosa limpia y lírica, que sabe cuándo callar, cuándo insinuar, cuándo dejar que el lector complete el sentido. Es una escritura que no subraya, que confía en el poder de los detalles, en los gestos mínimos, en lo que queda flotando entre líneas.

Un libro que interpela

Orvallo no es un libro para devorar de una sentada. Es más bien una obra para saborear con lentitud, como quien mira llover por la ventana. Su lectura invita a detenerse, a recordar, a mirar con otros ojos lo cotidiano.

Al final, lo que Marta Pastur logra con este libro es algo muy difícil: hablarnos de cosas pequeñas que, en realidad, no lo son. Porque detrás de cada escena hay un mundo emocional que todos reconocemos. Porque todos fuimos niños alguna vez. Y todos seguimos arrastrando a ese niño interior, aunque a veces lo olvidemos.

28/03/2025 0 comments
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ArteLiteratura

Cuando los libros se llenan de flores

by Valeria Cruz 22/03/2025
written by Valeria Cruz
Imagen de cubierta de Las flores

Redouté. El libro de las flores
El arte floral en su máxima expresión

Conocido como el “Rafael de las flores”, Pierre-Joseph Redouté fue uno de los ilustradores botánicos más destacados de todos los tiempos. Su obra marcó un antes y un después en la representación artística de la naturaleza, y Redouté. El libro de las flores rinde homenaje a ese legado con una edición que es en sí misma una joya visual.

Este volumen reúne algunas de las láminas más emblemáticas del pintor belga, quien trabajó al servicio de María Antonieta y más tarde de la emperatriz Josefina. A través de sus pinceles, Redouté capturó con precisión científica y delicadeza artística la complejidad de cada flor, desde sus formas y texturas hasta sus colores más sutiles.

Pero este libro es mucho más que un muestrario de flores bellamente ilustradas: es una invitación a contemplar la botánica como un arte. En sus páginas, el lector se adentra en un universo donde ciencia y estética se dan la mano, y donde cada ilustración cuenta también una historia: la de una época fascinada por la naturaleza, por el coleccionismo y por la clasificación del mundo.

Con textos que contextualizan la figura de Redouté, su técnica y su influencia, esta edición se convierte en una obra imprescindible para amantes del arte floral, la historia natural y el libro ilustrado. Redouté. El libro de las flores es una celebración de la belleza vegetal, una ventana a un mundo donde cada pétalo es una obra maestra y cada planta, un testimonio de la pasión humana por entender —y embellecer— el entorno.

Simbología de las flores. Un viaje cultural a través de pétalos y siglos
Arte, cine y literatura desde la raíz hasta la flor

En Simbología de las flores. Arte, cine y literatura,  Emain Juliana nos invita a sumergirnos en una historia fascinante: la de las flores y los múltiples significados que han despertado a lo largo del tiempo. Cada capítulo del libro es una travesía que comienza con la llegada de una semilla y se expande hacia un entramado simbólico que atraviesa la historia, la arquitectura, la pintura, la literatura, la música o el cine.

Este no es un catálogo botánico ni un simple recorrido estético. Es una obra ambiciosa que combina investigación histórica y sensibilidad cultural para mostrarnos cómo determinadas flores han sido mucho más que elementos decorativos: han sido símbolos religiosos, códigos secretos, alegorías del deseo, emblemas del poder o presagios de muerte.

Juliana recoge el rastro de flores concretas —como la rosa, el lirio, la amapola o el narciso— desde sus primeras menciones hasta su consolidación como símbolos culturales. La autora explora cómo estas flores aparecen en la arquitectura sagrada, en partituras musicales, en lienzos cargados de intención, en relatos literarios o en secuencias cinematográficas donde una flor, aparentemente inocente, encierra toda una historia por descifrar.

Con una prosa clara y culta, Simbología de las flores se convierte en una herramienta para ver el mundo con otros ojos. Es un libro que habla de flores, sí, pero también de todo lo que hemos proyectado en ellas como civilización: amor, fe, poder, dolor, belleza. Una lectura que fascinará tanto a estudiosos del arte y la historia como a curiosos, lectores, artistas o amantes de los símbolos ocultos en las pequeñas cosas.

El gran libro de las flores
Un jardín ilustrado para pequeños y grandes exploradores
Yuval Zommer · Traducción de Susana Tornero

Con su inconfundible estilo colorido y lleno de vida, Yuval Zommer nos abre las puertas de un jardín exuberante en El gran libro de las flores, una obra que fascina tanto a lectores jóvenes como a adultos. A medio camino entre la enciclopedia visual y el álbum ilustrado, este libro invita a descubrir el asombroso universo de las flores con curiosidad, asombro y alegría.

A lo largo de sus páginas, Zommer combina datos científicos accesibles con pequeñas anécdotas sorprendentes sobre la vida de las plantas: ¿por qué algunas flores huelen tan bien y otras tan mal?, ¿cómo se comunican con los insectos?, ¿qué flores abren solo de noche?, ¿y cuáles son tan raras que parecen sacadas de otro planeta?

Con ilustraciones vibrantes y un diseño lleno de detalles para observar una y otra vez, El gran libro de las flores no solo enseña, también invita a jugar y a mirar el entorno natural con otros ojos. Cada página es una oportunidad para despertar el interés por la botánica, la ecología y el respeto por el medio ambiente.

Traducido por Susana Tornero, este título forma parte de la exitosa serie “El gran libro de…” de Yuval Zommer, uno de los ilustradores infantiles más celebrados del panorama actual. Su propuesta combina conocimiento, humor y una estética única que lo ha convertido en un autor de referencia para introducir a niños y niñas en el amor por la naturaleza.

Ideal para compartir en familia, para disfrutar en el aula o para regalar a cualquier amante de las flores, este libro es una auténtica celebración de la diversidad, la belleza y la inteligencia del mundo vegetal.

22/03/2025 0 comments
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EventosLiteratura

¿De qué muere un buitre? La exploración poética de Nerea Aguado Alonso

by Uve Magazine 20/03/2025
written by Uve Magazine

En el poemario ¿De qué muere un buitre?, Nerea Aguado Alonso invita al lector a sumergirse en una profunda reflexión sobre la naturaleza de la vida, la muerte y la existencia humana en el contexto del mundo natural. A través de una serie de poemas, aborda temas como la dualidad, la transitoriedad, la resistencia y la interconexión, tejiendo una narrativa poética que nos lleva a explorar los misterios y complejidades de la existencia.

La obra nos sitúa en el paisaje de las Bardenas Reales, un escenario que, más allá de su valor natural, se convierte en un espacio simbólico donde se entrelazan memoria, identidad y pérdida. La autora regresa a este territorio para rescatar no solo sus sonidos y colores, sino también su lenguaje, sus localismos, sus elementos que se diluyen con el paso del tiempo.

Uno de los detonantes del poemario fue el hallazgo de un buitre muerto al pie de un molino de viento, un símbolo que sintetiza la paradoja del progreso y la destrucción. Este hecho, junto a la pérdida de familiares y de su mascota, llevó a Aguado Alonso a explorar el duelo desde una perspectiva lírica, reivindicando la necesidad de detenerse, observar y sentir en una sociedad que a menudo rechaza estas pausas.

La poeta logra en ¿De qué muere un buitre? publicado por Uve Books, un equilibrio entre lo onírico y lo terrenal, entre la dureza del paisaje y la delicadeza de la palabra. Sus versos, acompañados por las ilustraciones de Yulia Podlinnova, componen un universo en el que el cielo y la tierra dialogan, y en el que la poesía se alza como un refugio frente a la fugacidad del tiempo.

Este nuevo poemario se presenta el 21 de marzo a las 19:00 horas en Cabanillas, Navarra, en un encuentro especial en el que Nerea Aguado Alonso será entrevistada por el músico y compositor Patxi Morillas Araque. Una conversación que ahondará en la profundidad de su poesía, su vínculo con la naturaleza y la palabra como territorio de resistencia.

20/03/2025 0 comments
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LiteraturaPensamiento

Woolf y Plath. Dos jardines, dos miradas

by Uve Magazine 18/03/2025
written by Uve Magazine

Para aquellos que trabajan con la palabra, la imagen o la música, un jardín no es solo un espacio físico, sino una metáfora de la mente y la memoria. En él, los pensamientos germinan, maduran o se marchitan, y las ideas encuentran su propio ritmo de crecimiento. Quizá por eso, tantos escritores han encontrado en los jardines su mejor espacio de creación, entre ellos Virginia Woolf y Sylvia Plath, dos autoras que miraron la naturaleza con ojos distintos, pero que vieron en ella un reflejo de su propio mundo interior.

Virginia Woolf tenía una relación simbólica y estética con el jardín, que se refleja tanto en su vida como en su obra. Su casa en Monk’s House, en Sussex, contaba con un exuberante jardín que ella y su esposo, Leonard Woolf, cuidaban con esmero. Ese espacio no solo era un refugio físico, sino también un universo simbólico en el que la escritora exploraba la conexión entre la naturaleza, la memoria y la identidad.

El jardín de Woolf era un lugar de contemplación y de escritura. Desde su estudio, una cabaña separada de la casa principal, tenía vistas a la vegetación y a los juegos de luz en las hojas y flores. En sus diarios, menciona con frecuencia el proceso de cultivar plantas y el placer de observar los cambios de las estaciones. Esa atención a la naturaleza se filtra en sus novelas, donde los espacios verdes funcionan como metáforas de la vida interior de los personajes.

En Al faro, por ejemplo, la naturaleza aparece en su dimensión cíclica, reflejando el paso del tiempo y la inevitabilidad del cambio. La maleza que crece en la casa vacía simboliza la huella del tiempo y la forma en que la ausencia transforma los espacios. En La señora Dalloway, el parque de Regent’s Park y los jardines urbanos sirven como puntos de conexión entre los personajes, un espacio donde los pensamientos fluyen libremente y donde las barreras sociales parecen difuminarse por un momento.

Por otro lado, en la obra de Sylvia Plath, la naturaleza adquiere un carácter inquietante y simbólico, alejado de la contemplación serena que ofrece el jardín de Virginia Woolf. Mientras que Woolf encontraba en el paisaje un espacio de fluidez y reflexión sobre la identidad y el tiempo, Plath transforma la naturaleza en una imagen de tensión emocional, de lucha y conflicto interno. En sus poemas, las flores y los paisajes vegetales no son simples adornos o fuentes de belleza, sino metáforas de la transformación, la opresión y la muerte. En Ariel, los caballos desbocados al amanecer encarnan una energía salvaje e incontrolable, los tulipanes aparecen como presencias demasiado vivas, casi agresivas en su color, y la colmena se convierte en un símbolo ambivalente de feminidad y poder, a la vez productivo y amenazante. A diferencia de Woolf, cuyo jardín servía como reflejo del transcurrir del tiempo y la conexión con el mundo exterior, en Plath la naturaleza es más visceral, más afilada, reflejando la batalla interna con la identidad y la enfermedad mental. En La campana de cristal, la protagonista, Esther Greenwood, percibe la naturaleza con una mezcla de fascinación y repulsión, en una búsqueda desesperada por encontrar su lugar en un mundo que le resulta extraño y ajeno. Así, mientras Woolf cultivaba su jardín como un espacio de introspección y armonía con lo efímero, Plath lo convertía en un espejo de sus propias inquietudes, donde la belleza se entrelazaba con la amenaza y lo natural se tornaba en una presencia inquietante, casi opresiva.

Jardines de papel, la simbología del paisaje en la literatura

En definitiva, los jardines han sido desde siempre espacios de inspiración, refugio y contemplación. En su quietud, ofrecen un ritmo distinto al del mundo exterior, uno marcado por el crecimiento lento de las plantas, la transformación de las estaciones y la presencia constante de la naturaleza en sus ciclos de muerte y renacimiento. Un jardín florecido invita a la expansión de los sentidos, con colores, perfumes y la sensación de vida en su máximo esplendor. Es un escenario para la creatividad, donde la luz y las sombras juegan en las hojas, y la imaginación puede divagar con la misma libertad con la que se entrelazan las ramas.

Ambas escritoras, a su manera, utilizaron la naturaleza como un espejo de su mundo interior, construyendo solidos paisajes literarios que rememoramos fielmente en sus textos.

18/03/2025 0 comments
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LiteraturaPersonajes

Memorias de África, un hogar inesperado

by Valeria Cruz 14/03/2025
written by Valeria Cruz

Karen Blixen, conocida también como Isak Dinesen, es una de esas figuras literarias que parecen sacadas de una novela. Su vida fue de todo menos apacible, marcada por el conflicto entre el deber y el deseo de independencia. Todo esto quedó plasmado en Memorias de África, su obra más célebre, donde narra su experiencia en Kenia con una mirada nostálgica.

Décadas después, su historia se convirtió en un mito cinematográfico con Out of Africa, la película protagonizada por Meryl Streep y Robert Redford. Pero para entenderla realmente, hay que mirar más allá de la pantalla y del libro, a la Dinamarca que dejó atrás, a la mujer que fue y a la África que amó.

Nació en 1885 en Rungstedlund, una finca al norte de Copenhague, dentro de una familia aristocrática. Creció sometida a las normas rígidas de la alta sociedad danesa, pero también con la influencia de su padre, Wilhelm Dinesen, un hombre aventurero que había combatido en la guerra franco-prusiana y vivido con tribus nativas en Norteamérica. De él heredó el gusto por lo inusual y la curiosidad por lo desconocido, aunque su suicidio cuando ella tenía diez años la dejó marcada de por vida. Dinamarca en aquella época era una sociedad estructurada, como el resto de las sociedades europeas, donde el destino de una mujer como Karen solía estar ya escrito: un matrimonio conveniente y una vida dedicada a la familia y las apariencias. Sin embargo, su personalidad inquieta la llevó por otro camino.

Karen Blixen, imagen del fotógrafo Sophus Juncker Jensen

En 1914, se casó con su primo, el barón sueco Bror Blixen, y juntos partieron hacia Kenia para dirigir una plantación de café. Lo que parecía una aventura prometedora pronto se convirtió en un desafío constante. Su matrimonio fue un desastre: Bror le fue infiel y le contagió la sífilis, enfermedad que la afectó toda su vida. La plantación tuvo problemas financieros y el clima africano no era amable con los cultivos. Pero, a pesar de todo, Blixen encontró en África una forma de vida diferente, más libre y menos constreñida por las expectativas de su entorno. Vivió rodeada de paisajes imponentes, estableció vínculos con la comunidad kikuyu y tuvo una relación intensa con el cazador británico Denys Finch Hatton, quien se convirtió en su gran amor. Su muerte en un accidente aéreo en 1931 terminó de quebrarla. Poco después, sin dinero y enferma, se vio obligada a regresar a Dinamarca. Unos años mas tarde, ya instalada de nuevo en Rungstedlund, escribió Memorias de África, un libro donde revive los años que pasó en Kenia con una mezcla de añoranza y aceptación. No es una autobiografía al uso, sino una obra que combina observación y melancolía, donde el continente africano se convierte en un escenario cargado de simbolismo. A diferencia de otros relatos coloniales de la época, ella no se presenta como conquistadora ni dominadora, sino como alguien que, aunque extranjera, encontró un hogar inesperado en aquellas tierras lejanas. Su relación con la población local, su lucha por mantener la plantación y su amor por la naturaleza convierten el libro en un retrato histórico. Más allá de su propia historia personal, lo que destila es la sensación de pérdida, la añoranza por una vida que ya no podrá recuperar.

Karen Blixen en la década de 1920 con su hermano Thomas.

Décadas después, Hollywood tomó esta historia y la convirtió en Out of Africa (1985), una película que, aunque visualmente hermosa, idealiza muchos aspectos de su vida. La relación con Denys Finch Hatton se convierte en el eje central del relato, cuando en realidad Blixen siempre destacó más su vínculo con la tierra y la comunidad africana. La película suaviza los momentos más duros, pero logra transmitir la belleza de los paisajes y la tristeza de la despedida. Su éxito consolidó la imagen de Blixen como un icono romántico, aunque su vida fue mucho más compleja y dura, llena de matices de lo que el cine mostró.

De regreso en Dinamarca, vivió entre dolores constantes y muchos problemas de salud, pero nunca dejó de escribir. Bajo el seudónimo de Isak Dinesen, publicó cuentos que reflejan su fascinación por lo desconocido y lo enigmático. En su país, tardaron en reconocer su talento, ya que su estilo se consideraba demasiado cosmopolita para el gusto danés de la época. Aun así, con el tiempo, se convirtió en una de las autoras más importantes de su país. Cuando murió en 1962, dejó tras de sí una historia de vida que sigue fascinando a quienes se acercan a ella.

14/03/2025 0 comments
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LiteraturaReseñas

Reseña: Un mundo feliz, de Aldous Huxley

by Uve Magazine 12/03/2025
written by Uve Magazine

Cuando Aldous Huxley publicó Un mundo feliz en 1932, su visión de una sociedad dominada por el placer, el consumismo y la biotecnología parecía una exageración. Sin embargo, casi un siglo después, la realidad ha demostrado que muchas de sus ideas eran, más que fantasía, una premonición inquietantemente precisa.

¿De qué va Un mundo feliz?

En este clásico de la literatura distópica, Huxley nos traslada a un futuro donde los seres humanos son creados en laboratorios y condicionados desde su nacimiento para desempeñar roles específicos en una sociedad perfectamente organizada. Aquí no hay guerras ni pobreza, pero tampoco arte, literatura ni pensamiento crítico. La estabilidad se mantiene gracias a la manipulación biológica, la distracción constante y el soma, una droga que elimina cualquier forma de sufrimiento.

El protagonista, Bernard Marx, empieza a cuestionar este sistema “perfecto” cuando conoce a John, un “salvaje” que ha crecido fuera de esta sociedad y que, al entrar en ella, pone en evidencia sus contradicciones. A través de su historia, Huxley plantea preguntas que siguen resonando hoy: ¿estamos dispuestos a sacrificar la libertad por la comodidad? ¿El placer constante nos hace realmente felices? ¿Qué significa ser humano en un mundo diseñado para evitar el dolor?

Un mundo feliz, Aldous Huxley. Primera edición

Huxley y el futuro que se parece demasiado al presente

Aunque Huxley escribió su novela hace casi un siglo, el paralelismo con nuestra sociedad es sorprendente. No vivimos en un mundo donde los bebés nacen en frascos ni tomamos soma para mantenernos felices, pero… ¿y si ya estamos más cerca de ese mundo de lo que creemos?

  • Entretenimiento y distracción constante
    En la sociedad de Un mundo feliz, la gente está demasiado ocupada con placeres superficiales como el sexo, los espectáculos y el consumo para cuestionarse nada. Hoy, las redes sociales, el streaming y el entretenimiento digital cumplen una función similar: nos mantienen distraídos, bombardeados por contenido, sin tiempo para detenernos a pensar.
  • La felicidad obligatoria y la positividad tóxica
    En la novela, cualquier emoción negativa es vista como un error que debe corregirse. En nuestro tiempo, la cultura del “pensamiento positivo” nos dice que debemos ser felices a toda costa, ignorando que el dolor y la tristeza son parte natural de la vida.
  • Manipulación genética y biotecnología
    En Un mundo feliz, las personas son diseñadas biológicamente para cumplir un rol. Hoy, con tecnologías como CRISPR, la fertilización in vitro y la edición genética, la idea de seleccionar ciertas características en los bebés ya no es ciencia ficción.
  • El consumismo como motor de la sociedad
    Huxley imaginó un mundo donde la gente es condicionada desde la infancia para consumir sin parar. En nuestra realidad, la moda rápida, la obsolescencia programada y la publicidad omnipresente hacen que comprar y desechar productos se haya convertido en una costumbre cotidiana.
  • La supresión del pensamiento crítico
    Aunque tenemos acceso a más información que nunca, la desinformación, las noticias falsas y la saturación de contenido han hecho que, en lugar de pensar más, muchas personas prefieran aceptar lo primero que ven. Como en Un mundo feliz, la mejor forma de controlar a una sociedad no es la censura, sino distraerla hasta que deje de hacer preguntas.

¿Por qué leer Un mundo feliz hoy?

Más que una novela, Un mundo feliz es una advertencia. Huxley no nos dice que el placer o la tecnología sean malos, sino que cuando la felicidad artificial se convierte en la única meta, corremos el riesgo de perder lo que nos hace humanos: la capacidad de cuestionar, de sentir y de buscar un significado más profundo en la vida.

Quizá no vivamos en un futuro donde tomamos soma para olvidar nuestras preocupaciones, pero, ¿qué diferencia hay entre eso y pasar horas en TikTok para evadir la realidad? Al final, la pregunta sigue siendo la misma: ¿estamos construyendo un mundo feliz… o simplemente un mundo distraído?

Aldous Huxley

Aldous Huxley (1894-1963) fue un escritor, ensayista y filósofo británico, reconocido por su aguda visión crítica de la sociedad y su exploración de temas como la tecnología, la política, la espiritualidad y la naturaleza humana.

Nació en Godalming, Inglaterra, en una familia de intelectuales: su abuelo era el célebre biólogo Thomas Henry Huxley y su hermano, Julian Huxley, un destacado científico. Huxley estudió en Eton y luego en la Universidad de Oxford, donde se graduó en Literatura Inglesa. Una enfermedad ocular en su juventud afectó gravemente su visión, lo que influyó en su perspectiva del mundo y en su inclinación hacia la filosofía y la literatura.

En 1932 publicó Un mundo feliz, su novela más famosa, en la que imaginó una sociedad distópica controlada por el placer y la manipulación científica. Más adelante, en obras como Las puertas de la percepción (1954), exploró los efectos de sustancias psicodélicas en la conciencia, influyendo en la contracultura de los años 60.

A lo largo de su vida, Huxley vivió en distintos países, estableciéndose en los Estados Unidos en la década de 1930. Allí trabajó en Hollywood como guionista y profundizó en el estudio del misticismo y la filosofía oriental.

Murió en 1963 en Los Ángeles, el mismo día que John F. Kennedy fue asesinado, lo que hizo que su fallecimiento pasara casi desapercibido.

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Literatura

Novedades literarias (del 10 al 16 de marzo)

by Sara Petricor 09/03/2025
written by Sara Petricor

Desfile de Rachel Cusk (Libros del Asteroide)

Explora la vida fragmentada del artista G y su evolución creativa, entre el éxito y la distorsión de la realidad. A través de una estructura innovadora, la novela desafiaba la identidad, la narrativa y la percepción artística.

La extraña Sally Diamond de Liz Nugent (Duodomo Ediciones)

Un thriller psicológico oscuro y adictivo: cuando Sally Diamond cumple la última voluntad de su padre, desata una pesadilla de secretos enterrados y una amenaza que la acecha.

El último artefacto socialista de Robert Perišić (Impedimenta)

Una sátira feroz sobre el choque entre socialismo y capitalismo en la posguerra balcánica, donde dos empresarios intentan reabrir una fábrica con oscuros fines, desatando caos, viejas heridas y una peligrosa lucha por el poder.

Como la piel al sol de una lagartija de Berta Piñán (Hoja de lata)

En una tranquila aldea asturiana, la apacible vida rural de Xuana y Taresa se ve sacudida cuando aparece un cadáver en un maizal. Convertida en testigo incómoda, Xuana pone en jaque a un equipo policial poco acostumbrado a crímenes en la zona.

Lord Jim en casa de Kingsley Amis (Alpha Decay)

Es una perturbadora sátira sobre la clase alta inglesa, donde privilegio y violencia oculta marcan la vida de Giles Trenchard hasta que un acto inesperado sacude su mundo y cuestiona su propia identidad.

Suya era la noche de María Ovelar (Consonni Ediciones)

Una novela audaz y vertiginosa sobre el deseo, la culpa y la sororidad en la era del #MeToo, donde la desaparición de Victoria empuja a Mireia a escribir para comprender su amistad, sus rencores y las sombras del pasado.

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ArteCineLiteraturaPersonajes

Frankenstein de Mary Shelley

by Valeria Cruz 08/03/2025
written by Valeria Cruz

En el verano de 1816, un grupo de escritores se refugió en la Villa Diodati, una mansión situada a orillas del lago Lemán, Suiza. Entre ellos estaban Lord Byron, Percy B. Shelley, su amante Mary Godwin (después conocida como Mary Shelley), su hermanastra Claire Clairmont y el médico John Polidori. La erupción del volcán Tambora en 1815 había provocado un enfriamiento global que llevó a que 1816 fuera conocido como “el año sin verano”. En este ambiente gótico y melancólico, Byron propuso un concurso: cada uno debía escribir una historia de terror. De esta velada nacería Frankenstein o el moderno Prometeo, una de las obras más influyentes de la literatura universal.

Mary Shelley nació el 30 de agosto de 1797 en Londres. Era hija de dos figuras intelectuales de gran peso en su época: el filósofo y escritor político William Godwin, autor de Una investigación acerca de la justicia política, y Mary Wollstonecraft, una de las pioneras del feminismo y autora de Vindicación de los derechos de la mujer. Sin embargo, su madre falleció pocos días después de dar a luz, dejando a Mary en manos de su padre, quien la educó en un ambiente de gran estimulación intelectual. A pesar de la gran influencia de Godwin en la formación de su hija, su segunda esposa no tuvo el mismo nivel de interés en el desarrollo intelectual de Mary, lo que la llevó a sentirse algo marginada en su propio hogar. Su refugio fue la lectura, los escritos de su madre y los círculos filosóficos y literarios de su padre, donde conoció a Percy Bysshe Shelley, un joven poeta radical y admirador de Godwin. La relación entre ambos se volvió apasionada, pero también escandalosa, ya que Percy estaba casado en ese momento.

En 1814, Mary y Percy huyeron juntos a Francia, viajando a través de Europa en condiciones difíciles. Durante los siguientes años, Mary vivió tanto alegrías como profundas tragedias, incluida la pérdida de varios de sus hijos en la infancia. En 1816, la pareja llegó a Suiza, donde se reunieron con Lord Byron y Claire Clairmont en Villa Diodati. George Gordon Byron, conocido como Lord Byron, era una de las figuras más controvertidas de la literatura romántica. Poeta, aventurero y libertino, Byron había escapado de Inglaterra tras una serie de escándalos personales y políticos. En Suiza, estableció su residencia en Villa Diodati, donde su vida de excesos y genio literario influyó profundamente en sus acompañantes. El médico personal de Byron, John Polidori, también jugó un papel fundamental en aquel verano. De la misma velada en la que Mary Shelley concibió Frankenstein, Polidori escribió El vampiro, una historia que daría forma a la imagen del vampiro aristocrático que más tarde influiría en Drácula de Bram Stoker.

El ambiente intelectual en Villa Diodati estaba impregnado de discusiones sobre filosofía, ciencia y literatura gótica. Se hablaba de galvanismo y de experimentos que pretendían reanimar tejidos muertos. Fue en ese entorno que Mary Shelley tuvo su pesadilla visionaria sobre un científico que creaba un ser monstruoso. La novela no solo es una historia de terror, sino también una profunda reflexión sobre los límites de la ciencia y la responsabilidad del creador frente a su creación. Victor Frankenstein encarna al científico ambicioso que, movido por el deseo de conocimiento, traspasa los límites de la naturaleza. Las ideas del siglo XVIII sobre el galvanismo, las disecciones y la posibilidad de la reanimación artificial influyeron enormemente en la novela. Erasmus Darwin, abuelo de Charles Darwin, había especulado sobre la capacidad de la electricidad para otorgar vida a la materia inerte, lo que también resonaba en el pensamiento de Shelley.

Mary Shelley

El personaje del monstruo es una de las creaciones más complejas de la literatura. A diferencia de su representación en el cine, donde es una criatura torpe y brutal, en la novela es inteligente, sensible y elocuente. Aprender a leer y a hablar a través de libros como El paraíso perdido, Las desventuras del joven Werther y Las vidas paralelas le da una profunda conciencia de su propia tragedia. El monstruo no nace malvado, sino que es rechazado por su creador y por la humanidad. Su deseo de afecto se convierte en rabia y venganza cuando es marginado y perseguido. Este dilema moral ha hecho que Frankenstein sea interpretado como una crítica a la sociedad y a la discriminación basada en la apariencia.

Desde su publicación, Frankenstein ha inspirado numerosas adaptaciones teatrales y cinematográficas. La versión de 1931 de Universal Studios, protagonizada por Boris Karloff, consolidó la imagen del monstruo con tornillos en el cuello y andar torpe. En 1994, Frankenstein de Mary Shelley, dirigida por Kenneth Branagh, intentó ser más fiel al material original, presentando a un monstruo con una profundidad emocional más cercana al libro. El legado de Mary Shelley también se extiende a la ciencia. Hoy, el término “frankensteiniano” se usa para describir avances tecnológicos o científicos que generan dilemas éticos, como la clonación o la inteligencia artificial.

Frankenstein, 1931

Frankenstein sigue siendo una obra fundamental porque plantea cuestiones universales sobre la naturaleza humana, la responsabilidad moral y los peligros de la ambición desmedida. La historia de Mary Shelley, una joven que transformó su visión en una de las obras más influyentes de la literatura, es también un testimonio de su propio talento y determinación. Su monstruo, lejos de ser un simple ser terrorífico, es un reflejo de nuestros propios miedos, esperanzas y tragedias. Más de dos siglos después de su publicación, el dilema de la criatura de Frankenstein sigue interpelándonos y recordándonos que la verdadera monstruosidad no reside en la apariencia, sino en la indiferencia de la humanidad hacia aquellos a quienes ha condenado al abandono.

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Literatura

Novedades literarias (24 de febrero al 3 de marzo)

by Sara Petricor 24/02/2025
written by Sara Petricor

Esta semana, del 24 de febrero al 2 de marzo de 2025, el panorama literario se enriquece con una variedad de lanzamientos que abarcan desde novelas contemporáneas hasta ensayos y literatura infantil. A continuación, destacamos algunas de las novedades más esperadas:

  1. “El español que enamoró al mundo” de Ignacio Peyró (Libros del Asteroide)

    • Un retrato biográfico de Julio Iglesias que también es una parábola de la evolución de la sociedad española en los últimos cincuenta años​.
  2. “Crisálida” de Fernando Navarro (Impedimenta)

    • Una fábula oscura que explora la naturaleza de la fe en un sur sangriento y desolador​.
  3. “El siglo del milagro” de Rodrigo Costoya (Pàmies)

    • Una novela histórica que nos sumerge en el nacimiento de Compostela y la figura de Diego Gelmírez​.
  4. “Luz de febrero” de Elizabeth Strout (Duomo Ediciones)

    • La novela más exitosa y aclamada de la autora premio Pulitzer, en la lista de los más vendidos de The New York Times desde su publicación​.
El español que enamoró al mundo
Crisálida
El siglo del milagro
Luz de febrero

Ediciones Especiales

  1. Edición Aniversario de Cuentos góticos de Emilia Pardo Bazán (Uve Books)

    • Once cuentos oscuros, sorprendentes, potentes y bellos exploran el mundo sobrenatural.
      Vampiros, fantasmas, espectros, magia negra y multitud de emociones desesperantes que nos
      trasportarán de un plumazo hasta nuestros miedos más profundos. Además, incluye una guía de lectura y un libro de juegos literarios.
  2. “La sombra del cardo” de Aki Shimazaki (Nórdica Libros)

    • Un volumen ómnibus que reúne las cinco novelas de la pentalogía de la autora japonesa, abordando temas como el amor, la memoria y la identidad. 
  3. “El ángel de piedra” de Margaret Laurence (Libros del Asteroide)

    • La obra maestra de la gran figura de la literatura canadiense junto con Alice Munro, Margaret Atwood y Robertson Davies. 
  4. “Los Goonies” (Edición Especial) de James Kahn (Duomo Ediciones)

    • Nueva edición de la novela basada en la icónica película de los años 80.
Cuentos góticos
El ángel de piedra
La sombra del cardo
Los Goonies
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Literatura

Sylvia Plath entre la intensidad y la creación

by Sara Petricor 11/02/2025
written by Sara Petricor

Sylvia Plath encarna la complejidad de una mente brillante atrapada en el contraste entre el mundo interior y las expectativas externas. Su obra no puede desligarse de su vida, pues la una nutrió a la otra con una intensidad pocas veces vista en la literatura del siglo XX. Poeta, novelista, madre, esposa y eterna buscadora de una identidad que le permitiera existir sin los corsés de su tiempo, su legado es el resultado de una lucha constante entre la genialidad y el dolor.

Desde su infancia, la relación con su madre y la pérdida temprana de su padre marcaron su desarrollo emocional y creativo. En su escritura temprana ya se evidenciaba la obsesión por la perfección, una autoexigencia que la llevaría tanto al éxito académico como a crisis emocionales. Su incursión en la literatura comenzó con poemas y cuentos que revelaban una mente minuciosa y detallista, siempre en busca de reconocimiento y validación.

Durante sus años universitarios en Smith College, destacó como una estudiante brillante, aunque sus diarios revelan la presión que sentía por cumplir con las expectativas impuestas por la sociedad y por ella misma. La dualidad entre la joven socialmente aceptable y la artista atormentada se acentuó con el tiempo. Fue en este período cuando sufrió su primera gran crisis depresiva, reflejada en La campana de cristal, una novela que disecciona el impacto de la rigidez social en la mente de una joven talentosa pero alienada.

El encuentro con Ted Hughes en Cambridge fue un punto de inflexión en su vida. La pasión con la que se entregó a su relación con Hughes parecía reflejarse en su producción poética. Sin embargo, la complejidad de su carácter y la dificultad de compartir su espacio creativo con otra figura literaria fuerte generaron tensiones que no tardaron en convertirse en conflictos irreconciliables.

La maternidad trajo consigo un nuevo dilema: la lucha entre su identidad como madre y su necesidad de escribir. Si bien su vida familiar le proporcionó momentos de felicidad, también intensificó su sensación de pérdida de sí misma. Su poesía se tornó más oscura, más descarnada, y alcanzó una calidad sin precedentes en los meses previos a su muerte. Ariel, su obra póstuma, es testimonio de una voz que se alzó contra el mundo con una fuerza arrolladora y una honestidad radical.

La producción literaria de Sylvia Plath es vasta y compleja, marcada por una evolución constante de su estilo y sus temáticas. The Colossus and Other Poems (1960), su primer poemario, exhibe una técnica depurada y un dominio del lenguaje que ya anticipaban su grandeza. Sin embargo, es en Ariel (1965) donde su poesía alcanza una intensidad feroz y descarnada, explorando temas como la muerte, la identidad y la maternidad con imágenes impactantes y un ritmo cortante que redefine la lírica contemporánea. Su novela La campana de cristal (1963), con tintes autobiográficos, retrata la lucha de una joven contra las imposiciones sociales y la enfermedad mental, convirtiéndose en un referente del realismo psicológico. Sus diarios y correspondencia, publicados póstumamente, arrojan luz sobre el proceso creativo y la angustia existencial que marcaron su vida, consolidando su figura como una de las voces más relevantes del siglo XX.

Las circunstancias de su muerte no pueden desvincularse de su arte, pero reducir su legado a su trágico final sería injusto. Sylvia Plath fue más que una poeta atormentada; fue una escritora visionaria cuya obra sigue inspirando a generaciones de lectores que encuentran en sus palabras un espejo de su propia vulnerabilidad y fuerza.

11/02/2025 0 comments
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