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Arte

AgendaArteEventos

Warhol y la revolución de la imagen

by Clara Belmonte 06/02/2025
written by Clara Belmonte

La Fundación Canal presenta una de las exposiciones más esperadas del año: “Andy Warhol. Posters”, una muestra que reúne 133 carteles icónicos diseñados por el maestro del pop art entre 1962 y 1987. Con entrada libre y gratuita, la exposición estará disponible del 12 de febrero al 4 de mayo de 2025, ofreciendo una oportunidad única para adentrarse en el legado visual de Warhol desde una perspectiva diferente.

Andy Warhol (1928-1987) fue uno de los artistas más influyentes del siglo XX y el máximo exponente del pop art, un movimiento que revolucionó la manera en que el arte interactuaba con la cultura de masas. Nació en Pittsburgh, Pensilvania, en el seno de una familia de inmigrantes eslovacos. Su carrera comenzó en el mundo de la ilustración publicitaria en la década de 1950, pero su verdadero salto al estrellato llegó en los años 60, cuando empezó a experimentar con la reproducción de imágenes comerciales y la serigrafía.

Su icónica obra “Campbell’s Soup Cans” (1962) fue un punto de inflexión en la historia del arte, desafiando la noción tradicional de la pintura y llevando lo cotidiano a las galerías de arte. Warhol exploró la repetición, el consumismo y la fascinación por la fama a través de retratos de celebridades como Marilyn Monroe, Elvis Presley y Mao Tse-Tung, consolidándose como una de las figuras más provocadoras e innovadoras de su tiempo.

Además de su faceta como artista visual, Warhol se adentró en el cine, la música y la moda, convirtiéndose en un referente indiscutible de la cultura pop y dejando una huella imborrable en el arte contemporáneo.

Warhol no solo fue un artista revolucionario, sino un visionario que comprendió el poder de la imagen mucho antes de la era digital. Su obra elevó la publicidad y el consumo al estatus de arte, desdibujando los límites entre lo comercial y lo artístico.

Aunque sus serigrafías de Marilyn Monroe, las sopas Campbell’s o Mao Tse-Tung son mundialmente conocidas, sus carteles han recibido menos atención a pesar de ser una pieza clave en su producción. La exposición de la Fundación Canal nos sumerge en este universo gráfico, mostrando carteles que Warhol diseñó para museos, festivales de cine, conciertos, campañas sociales y marcas comerciales. Entre las piezas expuestas, destacan sus colaboraciones con Jean-Michel Basquiat, Mick Jagger y los Rolling Stones, así como sus diseños para el MoMA de Nueva York y su icónica serie “Save the Endangered Species” en defensa de los animales en peligro de extinción.

La selección de carteles que presenta la Fundación Canal permite recorrer la evolución artística de Warhol a lo largo de tres décadas. Sus primeras piezas muestran su habilidad para reinterpretar imágenes cotidianas con colores vibrantes y composiciones repetitivas, mientras que en sus últimos trabajos se percibe una estética más provocadora, con imágenes que exploran el poder de la celebridad y el consumismo.

Además, la muestra nos invita a reflexionar sobre el impacto de Warhol en la comunicación visual actual. Sus obras, caracterizadas por la reproducción mecánica y el uso de técnicas de impresión comercial, marcaron un antes y un después en el diseño gráfico y en la forma en que entendemos la imagen en la era digital.

06/02/2025 0 comments
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ArteEventos

Guardi y Venecia en el Thyssen

by Uve Magazine 04/02/2025
written by Uve Magazine

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta por primera vez en Madrid la colección completa de obras de Francesco Guardi perteneciente al Museo Calouste Gulbenkian. Gracias a un acuerdo de colaboración entre ambas instituciones, del 3 de febrero al 11 de mayo de 2025, los visitantes podrán disfrutar de 18 óleos y un dibujo del pintor veneciano, el artista más representado en la colección del financiero armenio Calouste Sarkis Gulbenkian (1869-1955).

Guardi y la veduta veneciana

Miembro de una familia de pintores, Francesco Guardi (1712-1793) se formó en el taller familiar junto a su hermano mayor, Gianantonio. Durante sus primeros años se dedicó a la pintura de temas religiosos e históricos, pero fue en su madurez cuando se especializó en la veduta, la representación de paisajes urbanos. Influenciado por Canaletto, Guardi evolucionó su estilo a través de una pincelada suelta y vibrante, logrando una atmósfera más poética e idealizada que la de su predecesor.

Las obras expuestas, fechadas entre 1765 y 1791, muestran distintos rincones de Venecia, desde vistas icónicas como el Puente de Rialto o el Palacio Ducal, hasta celebraciones populares como la Fiesta de la Ascensión. También incluyen escenas de los alrededores de la ciudad y caprichos arquitectónicos, ejemplos de su libertad creativa en la composición paisajística.

Un recorrido por la Venecia de Guardi

La exposición, comisariada por Mar Borobia, se divide en dos secciones: “La ciudad y sus fiestas” y “Terraferma y los caprichos”, y se exhibe en tres salas de la colección permanente del Thyssen.

En las salas 13 y 14 se presentan escenas festivas y panoramas urbanos que reflejan la animación y el esplendor de Venecia en el siglo XVIII. Entre las piezas más destacadas se encuentran La fiesta de la Ascensión en la plaza de San Marcos (h. 1775), en la que el pintor plasma con pinceladas rápidas el bullicio de la celebración.

Otro lienzo significativo es La partida del Bucintoro (h. 1765-1780), que capta la salida de la galera de los dux desde la dársena veneciana. Asimismo, Regata en el Gran Canal (h. 1775) y El puente de Rialto según el proyecto de Palladio (h. 1770) ofrecen diferentes perspectivas de la ciudad.

Otras obras que completan esta sección incluyen El Canal de Giudecca con la Iglesia de Santa Marta (h. 1770-1780), Pórtico con figuras (h. 1778), El pórtico del Palacio Ducal (h. 1778) y El Gran Canal junto al puente de Rialto (h. 1780-1790), todas representaciones que revelan la maestría de Guardi en la creación de atmósferas vibrantes.

Terraferma y los caprichos

La segunda sección, en la sala 15, exhibe la faceta más libre e imaginativa del pintor. Su pincelada suelta y expresiva captura el paso del tiempo y el deterioro arquitectónico con un tono melancólico. Obras como Capricho con arco romano en ruinas y templo circular (h. 1770-1780) muestran su talento para la composición idealizada.

El interés de Guardi por la vida cotidiana se refleja en Las compuertas en Dolo (h. 1774-1776), donde retrata la actividad del río Brenta. Asimismo, La isla de San Giorgio Maggiore (h. 1790) es un bello ejemplo de su visión de la arquitectura veneciana.

Un legado compartido

La exposición culmina con dos obras clave: Regata en el Gran Canal junto al puente de Rialto (h. 1791) de Giacomo Guardi, hijo del artista, y Il Bucintoro (h. 1745-1750) de Canaletto, prestada por la Colección Thyssen-Bornemisza al Museu Nacional d’Art de Catalunya. Esta última obra sirvió de inspiración para Guardi en una de sus composiciones más emblemáticas.

Esta muestra representa una oportunidad única para admirar el genio de Francesco Guardi y su visión de Venecia en un contexto inigualable, el Museo Thyssen-Bornemisza, donde la tradición y la modernidad se encuentran en un diálogo continuo sobre el arte y la historia.

04/02/2025 0 comments
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ArteEventos

Un Mundo Bajo los Párpados. Marco Godoy en el MAC

by Clara Belmonte 20/01/2025
written by Clara Belmonte

La innovadora exposición Un mundo bajo los párpados del artista español Marco Godoy se presenta en el Museo de Arte Contemporáneo (MAC) de Chile, sede Quinta Normal, hasta marzo de 2025. Bajo la curaduría de Pia Cordero, la muestra desafía a los visitantes a reflexionar sobre la importancia del contacto físico, los afectos y su papel en la acción colectiva.

Un mundo bajo los párpados. Marco Godoy

En una sala de más de 150 metros cuadrados, Godoy combina esculturas humanoides y objetos ancestrales en un montaje que destaca por su teatralidad y uso de tecnología de punta. Las piezas fueron creadas mediante la técnica de “gemelo digital” (Digital Twin, DT), que replica objetos con una precisión asombrosa. Una de las esculturas más impactantes muestra a un personaje sobre un plinto, con los brazos abiertos y el pecho cubierto por docenas de manos abiertas, simbolizando la unión y el contacto humano. Las esculturas humanoides interactúan con objetos como puntas de flecha, un gato egipcio y una cabeza de monumento etrusco. Algunas piezas se esconden bajo grandes telas que invitan a los espectadores a descubrir lo que hay debajo, mientras otras forman pirámides humanas o se alojan en vasijas antiguas. Estas escenas crean un puente entre el presente y el pasado ancestral, reforzando la exploración política de los afectos.

La propuesta estética de Godoy, inspirada en la Bauhaus, se complementa con una iluminación cuidadosamente diseñada. Los colores vibrantes y las sombras generan un entorno inmersivo que estimula una conexión emocional con las obras, permitiendo al visitante “sentir” las texturas y superficies de las esculturas. El recorrido concluye con un video que documenta una performance de actrices interactuando con reproducciones de esculturas clásicas en lo que parece ser la bodega de un museo. La obra combina lo ancestral con lo futurista gracias a efectos lumínicos fluorescentes, invitando a los espectadores a reflexionar sobre el cuerpo como un medio de conexión física y emocional. La curadora Pia Cordero subraya que el enfoque no se centra en un cuerpo poshumano, sino en la relación inmediata entre los cuerpos que genera afectos y acción colectiva.

Un mundo bajo los párpados. Marco Godoy

Marco Godoy es conocido por sus trabajos que combinan estética y crítica política. Ha participado en prestigiosas exhibiciones internacionales, como la Liverpool Biennial y el Centre Pompidou en París. En Chile, destaca su proyecto Al servicio de la visión, realizado durante el estallido social de 2019, donde utilizó escudos reflectantes con cámaras para documentar la violencia estatal en las protestas. En marzo de 2025, se realizarán actividades gratuitas vinculadas a la exposición, como el Laboratorio de obra con Marco Godoy y el taller Postimágenes y feminismos: ¿cómo pensar un futuro colectivo?, liderado por Pia Cordero y Daniela Alegría. Las inscripciones estarán abiertas próximamente.

Un mundo bajo los párpados cuenta con el respaldo del Fondo de Desarrollo Cultural y las Artes (FONDART) 2024. La muestra es una invitación a explorar cómo las emociones y los afectos moldean nuestras relaciones sociales y nuestra conexión con el pasado, en un contexto marcado por la digitalización y la hiperconectividad.

20/01/2025 0 comments
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ArteCine

Nosferatu y el origen del terror visual

by Uve Magazine 27/12/2024
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Desde sus inicios, el cine ha sido un medio capaz de explorar los rincones más oscuros de la imaginación humana, y pocas obras encarnan este potencial como Nosferatu: Una sinfonía del horror (1922) dirigida por F. W. Murnau. .

Esta película no solo transformó el género del terror, sino que también se convirtió en un emblema del cine mudo, destacando por su audaz mezcla de innovación, polémica y un estilo visual inolvidable.

Su génesis parte del deseo del productor Albin Grau de plasmar un relato de vampiros en la gran pantalla. Grau, un ocultista apasionado por lo sobrenatural, se inspiró en anécdotas sobre vampiros que escuchó de un campesino serbio durante la Primera Guerra Mundial. Aunque la idea inicial era adaptar la novela Drácula de Bram Stoker, los problemas legales con los derechos de autor llevaron al guionista Henrik Galeen a transformar la narrativa, creando así a Graf Orlok, un vampiro que redefiniría el terror visual y emocional.

La producción fue asumida por Prana Film, una compañía que, destinada a explorar temáticas esotéricas, apenas sobreviviría a los problemas legales que vendrían después. La elección de F. W. Murnau como director fue clave para dar vida a esta visión sombría.

Murnau, es uno de los nombres más emblemáticos del cine expresionista alemán. Nacido el 28 de diciembre de 1888 en Bielefeld, Alemania, se convirtió en una figura clave en la evolución del cine durante las primeras décadas del siglo XX. Su capacidad para conjugar innovación técnica, narrativa y visual lo estableció como uno de los directores más influyentes de la historia del séptimo arte.

Antes de adentrarse en el mundo del cine, Murnau estudió literatura alemana, historia del arte y teatro en la Universidad de Heidelberg, lo que marcó profundamente su estilo cinematográfico. Durante este período, descubrió las obras de escritores como Goethe y Schopenhauer, cuyas ideas filosóficas y literarias encontrarían eco en sus películas. Tras servir en la Primera Guerra Mundial como piloto, regresó a Alemania y comenzó a trabajar en teatro bajo la tutela de Max Reinhardt, un destacado director teatral. Este contacto con el teatro expresionista, conocido por su enfoque visual en la iluminación y la escenografía, sentó las bases de su posterior trabajo en el cine.

Murnau debutó como director en 1919 con la película Der Knabe in Blau. Sin embargo, fue su trabajo en Der letzte Mann (1924) el que lo consolidó como un innovador. En esta obra, utilizó la llamada “cámara desencadenada”, que permitía movimientos fluidos y expresivos, una revolución para la época. Además, Der letzte Mann destacó por su narrativa visual, evitando el uso de intertítulos y confiando exclusivamente en las imágenes para contar su historia. Sin embargo, su obra más icónica ha sido Nosferatu: Una sinfonía del horror .

Conocido por su dominio del lenguaje visual y su inclinación por el expresionismo, Murnau creó una estética envolvente que marcaría un estándar en el cine. El rodaje, realizado en paisajes naturales de Alemania y Eslovaquia, capturó la atmósfera escalofriante que requería la historia. El Castillo de Orava, con sus corredores sombríos y torres góticas, se convirtió en un personaje más de la película, reforzando el entorno ominoso.

Nosferatu, 1922

El papel del Conde Orlok, el vampiro de apariencia cadavérica y movimientos antinaturales, fue interpretado por Max Schreck, un actor cuya presencia en pantalla resultó muy inquietante. Nacido el 6 de septiembre de 1879 en Berlín, Alemania, Schreck se formó en artes dramáticas y desarrolló gran parte de su carrera en el teatro antes de incursionar en el cine. Aunque actuó en varias películas, su interpretación en Nosferatu eclipsó el resto de su carrera. Su habilidad para encarnar al Conde Orlok, con una transformación física impresionante, lo consolidó como una figura imprescindible del cine de terror.

Gustav von Wangenheim, nacido el 18 de febrero de 1895 en Wiesbaden, Alemania, interpretó a Thomas Hutter, el joven agente inmobiliario que viaja al castillo del Conde Orlok y desata los eventos principales de la historia. Von Wangenheim provenía de una familia de actores y tenía experiencia tanto en teatro como en cine. Además de su carrera actoral, fue director y escritor, destacándose por su compromiso con las ideas progresistas de la época. Aunque su papel en Nosferatu es recordado principalmente por su ingenuidad y valentía, su vida posterior estuvo marcada por su afiliación al partido comunista y su exilio durante el nazismo. Por su parte, Greta Schröder, nacida el 27 de junio de 1891 en Düsseldorf, Alemania, dio vida a Ellen Hutter, la esposa de Thomas, cuya pureza e inocencia se convierten en un elemento central de la trama. Ellen es el objetivo del Conde Orlok y también la clave de su destrucción. Schröder era una actriz destacada del cine mudo y participó en varias producciones alemanas durante la década de 1920. Sin embargo, su legado cinematográfico está irremediablemente ligado a Nosferatu, donde su actuación transmite una mezcla de vulnerabilidad y fortaleza que cautiva a los espectadores.

Alexander Granach interpretó a Knock, el jefe de Hutter, un personaje excéntrico y perturbador que actúa como sirviente humano del Conde Orlok. Granach, nacido el 18 de abril de 1890 en el Imperio Austrohúngaro (actual Ucrania), tuvo una infancia humilde antes de dedicarse al teatro. Su carácter expresivo y su talento natural lo llevaron al éxito en el escenario y el cine. Después de Nosferatu, continuó su carrera en Alemania hasta que el ascenso del nazismo lo obligó a emigrar a los Estados Unidos, donde trabajó en producciones de Hollywood. Su interpretación de Knock, con su locura y gestos exagerados, sigue siendo uno de los elementos más memorables de la película.

Georg H. Schnell interpretó a Herr Harding, amigo cercano de los Hutter, mientras que Ruth Landshoff dio vida a Annie, su esposa. Aunque sus roles son secundarios, ambos actores aportaron una dimensión realista y emocional a la historia. Schnell fue un actor con una carrera prolífica en el cine mudo, mientras que Landshoff también se destacó como escritora y periodista, especialmente tras emigrar a los Estados Unidos debido a su origen judío.

Uno de los aspectos más impactantes de Nosferatu fue la interpretación de Max Schreck como el Conde Orlok, cuya transformación física, con orejas puntiagudas, ojos hundidos y una cadavérica apariencia, creó una de las figuras más icónicas del cine de terror. Su inquietante presencia en pantalla generó mitos sobre su identidad, incluyendo la idea de que era un vampiro real, una ficción explorada en Shadow of the Vampire (2000). Aunque estas leyendas son solo parte del folclore cinematográfico, su actuación sigue siendo objeto de fascinación. El lenguaje visual de Murnau, marcado por el uso innovador de la luz y la sombra, elevó la película a un nivel artístico excepcional, con técnicas como la aceleración, la inversión de negativos y el stop-motion que aportaron un aura sobrenatural al film. Escenas memorables, como la del Conde Orlok emergiendo rígidamente de su ataúd o proyectando su sombra alargada en una escalera, simbolizan el dominio visual de Murnau y su capacidad para capturar la esencia del terror. Sin embargo, la película no estuvo exenta de controversias, ya que Florence Stoker, viuda de Bram Stoker, demandó a Prana Film por violación de derechos de autor, logrando que se ordenara la destrucción de todas las copias de la película. Afortunadamente, algunas versiones sobrevivieron gracias a distribuciones internacionales y copias clandestinas, lo que aseguró que Nosferatu alcanzara el estatus de clásico. Con el tiempo, la obra ha sido restaurada y revalorizada, consolidándose como una fuente de inspiración para cineastas, artistas y escritores.

27/12/2024 0 comments
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ArteEventos

Narraciones gráficas: Mujeres y saberes rurales

by Uve Magazine 03/12/2024
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El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta un documental sobre la quinta edición de Narraciones gráficas: Mujeres y saberes rurales

– En colaboración con FADEMUR, el proyecto visibiliza los conocimientos populares transmitidos por generaciones de mujeres rurales.
– Inspirado en la exposición Lo oculto en las colecciones Thyssen-Bornemisza.
– Disponible en la web de EducaThyssen: www.educathyssen.org/mujeres-saberes.

Madrid, 27 de noviembre de 2024.
El área de Educación del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta un documental que documenta el trabajo desarrollado en la quinta edición de Narraciones gráficas, un proyecto educativo que conecta el arte con temas sociales y fomenta el pensamiento crítico. Esta edición, realizada en colaboración con la Federación de Asociaciones de Mujeres Rurales (FADEMUR), explora los saberes ocultos y la memoria de mujeres rurales, tomando como inspiración la exposición Lo oculto en las colecciones Thyssen-Bornemisza.

Desde su creación en 2019, Narraciones gráficas busca acercar el arte a diferentes colectivos, promoviendo el diálogo intergeneracional y la reflexión. Desde 2021, el proyecto trabaja con asociaciones de mujeres rurales, evolucionando hacia un enfoque dinámico y participativo.

En esta convocatoria, el equipo educativo del museo colaboró con la Asociación AURA FADEMUR en la comarca de Arlanza (Burgos), recolectando bailes, leyendas, recetas y tradiciones que reflejan el legado cultural femenino. Estas mujeres, custodias del patrimonio inmaterial, han sido fundamentales para preservar los valores y costumbres locales.

El proyecto culminó con la exposición Mujeres y saberes, celebrada entre el 15 de junio y el 15 de septiembre de 2023 en el Centro Cultural La Consolación de Villamayor de los Montes (Burgos). Dividida en tres secciones —Celebrar, Curar y Creer—, la muestra combinó obras del museo con tradiciones locales en formatos como fotografías, objetos y podcasts. Cerca de 500 personas participaron en la exposición, dinamizada por las propias mujeres de FADEMUR.

El documental, producido por Walden Audiovisual, recoge este proceso y ya puede verse en la web de EducaThyssen: www.educathyssen.org/mujeres-saberes.

03/12/2024 0 comments
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AgendaArteEventos

Peter Halley en el Thyssen

by Uve Magazine 16/10/2024
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El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza se prepara para acoger una importante retrospectiva dedicada al influyente artista contemporáneo Peter Halley, del 19 de octubre de 2024 al 19 de enero de 2025. Esta exposición, comisariada por Guillermo Solana, forma parte del programa de muestras en torno a la colección de Blanca y Borja Thyssen-Bornemisza y marca el regreso de Halley a España, donde no se le había dedicado una exposición de este calibre desde 1992, cuando el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía organizó una retrospectiva sobre su obra. La actual muestra abarca un extenso periodo, desde 1985 hasta 2024, y está compuesta por una selección de veinte pinturas pertenecientes a colecciones tanto públicas como privadas de España. Lo más destacado de esta exposición es que el propio Halley ha participado activamente en su curaduría, seleccionando las obras y diseñando el plan de instalación. Además, este proyecto ha sido organizado en colaboración con el Ajuntament de Palma y el Casal Solleric, donde la exposición viajará en primavera de 2025.

Peter Halley irrumpió en la escena artística en los años 80, aportando una visión crítica y profundamente sociológica a la tradición del arte abstracto-geométrico, hasta entonces dominada por ideales formalistas y utópicos. A través de su obra, Halley desafía las concepciones convencionales de la geometría como un símbolo de racionalidad ideal, reinterpretándola como un reflejo del confinamiento y el control social, impregnado de un trasfondo distópico. Sus representaciones del cuadrado, un elemento venerado casi religiosamente por artistas como Malévich y Josef Albers, adquieren un tono irónico en su obra, donde se transforman en iconos de prisiones, celdas y conductos. Esta visión crítica de la geometría se traduce en composiciones que evocan circuitos integrados y diagramas de flujo, anticipando así la sociedad hiperconectada y, a la vez, profundamente aislada de la era digital.

Un rasgo distintivo del trabajo de Halley es su uso audaz de colores fluorescentes, conocidos como Day-glo, que evocan la intensidad y la energía de las pantallas electrónicas. A través de esta paleta cromática, Halley se ha consolidado como uno de los coloristas más experimentales de su generación, aportando un enfoque novedoso a la relación entre el color, el espacio y el contexto social. Su capacidad para conjugar estos elementos lo convierte en una figura fundamental dentro del arte contemporáneo, y su influencia sigue siendo evidente en artistas y movimientos actuales.

A lo largo de su carrera, Halley ha mantenido su independencia artística, evitando el apoyo de grandes galerías comerciales y optando por colaboraciones a largo plazo con galeristas de confianza en distintos países. Esta exposición también resalta la fuerte conexión que el artista ha establecido con España, donde su obra ha sido bien recibida desde su primera aparición en 1986, cuando participó en la colectiva El arte y su doble: una perspectiva de Nueva York, organizada por la Fundación Caja de Pensiones en Madrid. Poco después, en 1992, el Museo Reina Sofía le dedicó una retrospectiva que ya había recorrido museos europeos como el Musée d’Art Contemporain de Burdeos y el Stedelijk Museum de Ámsterdam. Fue a partir de ese momento que Halley comenzó a exponer con regularidad en galerías españolas, como la Galería Senda en Barcelona y con el galerista Javier López en Madrid, consolidando su relación con el país.

Las pinturas de Halley se encuentran en importantes colecciones públicas y privadas españolas, incluyendo el Museo Reina Sofía, la Fundación “la Caixa” y el Institut Valencià d’Art Modern (IVAM), lo que subraya la relevancia de su obra en el panorama artístico español. Además, cuenta con una instalación permanente en la Biblioteca Pública José Hierro de Usera, en Madrid, inspirada en el cuento La biblioteca de Babel de Jorge Luis Borges, lo que muestra su interés por la intersección entre el arte y la literatura.

La exposición en el Thyssen-Bornemisza ofrece una visión completa de la trayectoria artística de Peter Halley, con veinte pinturas de gran formato que recorren su evolución estilística desde 1985 hasta la actualidad. Obras tempranas como Cárcel (1985) y Comercio de pieles (1994) reflejan un minimalismo monocromático, mientras que trabajos posteriores como Edutainment y Apagón (ambas de 2005), o Gravedad (2006), muestran una mayor complejidad en la repetición de formas, la superposición de planos y el uso de una paleta cromática más variada. En sus creaciones más recientes, Halley sigue profundizando en los temas que caracterizaron su obra temprana, pero con un enfoque renovado. Ejemplos de ello son Mágico a medias (2018), Clemencia (2019) y La nota alta (2020), donde multiplica las formas geométricas y suaviza su paleta de colores, creando composiciones de gran dinamismo y luminosidad.

La exposición de Peter Halley en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza no solo representa una oportunidad para apreciar la evolución de uno de los grandes maestros de la abstracción contemporánea, sino también para reflexionar sobre las conexiones entre el arte, la sociedad y la tecnología en el mundo actual.

16/10/2024 0 comments
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ArteLiteratura

Carmen de Burgos y María Lejárraga, voces que transformaron España

by Uve Magazine 04/10/2024
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La Biblioteca Nacional de España, en colaboración con el Ministerio de Política Territorial, Memoria Democrática y Acción Cultural Española (ACE), presenta dos exposiciones que rinden homenaje a Carmen de Burgos y María Lejárraga, figuras clave en la historia cultural y social de España. Estas muestras, que también cuentan con el apoyo del Gobierno de La Rioja, se desarrollan como parte de la conmemoración del 150º aniversario del nacimiento de Lejárraga y del 50º aniversario de su fallecimiento.

Ambas exposiciones, abiertas desde el 27 de septiembre de 2024 hasta el 5 de enero de 2025, comparten el espacio de la sala Recoletos-Jorge Juan de la Biblioteca Nacional en Madrid. A pesar de su individualidad, la proximidad física y temporal de ambas exposiciones subraya las similitudes entre estas dos escritoras, que destacaron no solo por su talento literario, sino también por su compromiso con la lucha por los derechos de las mujeres y la modernización de la sociedad española.

Dos mujeres comprometidas con el progreso y la igualdad

Carmen de Burgos y María Lejárraga fueron protagonistas de una época marcada por cambios sociales y políticos en España, pero también sufrieron las limitaciones impuestas por su condición de mujeres. Ambas destacaron como escritoras prolíficas, maestras y activistas feministas, luchando por derechos como el voto femenino y el divorcio en una sociedad que no siempre estaba preparada para sus ideas. Sin embargo, la guerra, el exilio y la desigualdad de género contribuyeron a que sus logros fueran relegados al olvido durante décadas. Estas exposiciones pretenden rectificar esa omisión, devolviendo a estas autoras el lugar que merecen en la historia.

Carmen de Burgos: pionera del periodismo y defensora de los derechos de la mujer

Carmen de Burgos, conocida también como Colombine, fue una de las primeras mujeres en ocupar un lugar destacado en el periodismo español. En 1903 se convirtió en la primera redactora con una columna diaria, y en 1909 fue la primera corresponsal de guerra española. A lo largo de su carrera, publicó miles de artículos en prensa nacional e internacional, defendiendo la educación de las mujeres, el divorcio y el sufragio femenino.

La exposición dedicada a Burgos, comisariada por Concepción Núñez Rey, recorre su prolífica trayectoria a través de obras que incluyen sus novelas, ensayos y biografías. Entre los elementos destacados, figura su retrato pintado por Julio Romero de Torres, símbolo de su relevancia en la vida cultural de la época. Además de su producción literaria, la muestra destaca su papel como una de las voces más influyentes en el feminismo español, contribuyendo con campañas en prensa a favor de la igualdad.

Por su parte, María Lejárraga es recordada no solo por su obra literaria, sino también por la peculiar circunstancia de que muchos de sus escritos fueron firmados por su marido, Gregorio Martínez Sierra. A pesar de esta invisibilidad pública, Lejárraga fue una de las escritoras más prolíficas de su tiempo, autora de libretos, novelas y dramas que hoy son reconocidos como fundamentales en la historia de la literatura española.

Comisariada por Carmen Domingo, la exposición dedicada a Lejárraga explora las múltiples facetas de su vida a través de manuscritos, fotografías y objetos personales. Entre las piezas más significativas se encuentra el documento en el que Gregorio Martínez Sierra reconoce que sus obras fueron escritas en colaboración con su esposa. Además, se expone el libreto de El amor brujo, escrito en colaboración con Manuel de Falla, como ejemplo del importante legado cultural que dejó tras de sí.

Un reconocimiento a su legado

Estas exposiciones no solo buscan poner en valor la obra literaria de Carmen de Burgos y María Lejárraga, sino también destacar su papel como pioneras del feminismo en España. A través de un recorrido por sus logros, se pretende recuperar su legado y hacer justicia a su impacto en la modernización de la sociedad española, así como en la defensa de los derechos de la mujer.

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AgendaArteEventos

Tabita Rezaire en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

by Clara Belmonte 01/10/2024
written by Clara Belmonte

Del 8 de octubre de 2024 al 12 de enero de 2025, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, en colaboración con TBA21 Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, presenta “Nebulosa de la calabaza”, la primera exposición individual de la artista Tabita Rezaire en España. Comisariada por Chus Martínez, la muestra inmersiva reúne tres instalaciones recientes de Rezaire: Omo Elu, Des/astres y Omi: Templo de Yemoja. Estas obras, creadas en 2024, forman un tríptico que rinde homenaje a Yemoja, la orisha de la religión yoruba, símbolo de los ríos, los océanos y la vida.

Tabita Rezaire, artista nacida en París en 1989, es una destacada figura del afrociberfeminismo, cuyas obras multidisciplinarias exploran las intersecciones entre arte, tecnología, espiritualidad y decolonización. Residente en la Guayana Francesa, Rezaire utiliza medios como el vídeo, instalaciones inmersivas y performance para proponer una visión holística del mundo, fusionando saberes ancestrales con tecnologías digitales. Su enfoque está profundamente influenciado por su conexión con la naturaleza y la espiritualidad, aspectos que explora en “Nebulosa de la calabaza”.

Tabita Rezaire. © Yussef Agbo-Ola [Olaniyi Studio], 2023

Una reflexión sobre la crisis ecológica

“Nebulosa de la calabaza” no solo es una inmersión sensorial, sino también una invitación a reflexionar sobre la crisis ecológica global y la necesidad de reconectar con los saberes ancestrales y no occidentales. Rezaire destaca la relevancia de estos conocimientos como herramientas para la resistencia y la emancipación, cuestionando las formas extractivas de los sistemas coloniales y proponiendo una vía de sanación y reconstrucción de identidades y comunidades.

La exposición se enmarca en la línea de trabajo del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y TBA21 en torno a las sociedades postcoloniales y sus aportaciones culturales. A través de la intersección entre arte, espiritualidad y ecología, Rezaire nos invita a redescubrir las conexiones entre lo humano, lo espiritual y lo natural.

Programa público

Como parte de la exposición, se desarrollará un programa público de actividades gratuitas que incluirá charlas, encuentros y talleres. Entre los eventos destacados se encuentra una conversación entre la artista Maria Arnal y el experto en computación Fernando Cucchietti, que se celebrará el 10 de diciembre de 2024.

La exposición estará abierta al público hasta el 12 de enero de 2025, ofreciendo una experiencia única que combina arte, espiritualidad y ecología, mientras promueve una mayor conciencia sobre las interacciones entre el ser humano y el planeta.

Para más información y detalles sobre las actividades, se puede visitar la página web oficial del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.

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AgendaArteEventos

El taller de Rubens

by Uve Magazine 12/09/2024
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El taller de Rubens. Explorando la colaboración y creatividad del maestro barroco

Pieter Paul Rubens fue el pintor más exitoso de Europa durante la primera mitad del siglo XVII, con una impresionante producción de alrededor de 1,500 obras que aún se conservan. La exposición El Taller de Rubens, comisariada por Alejandro Vergara, jefe de Conservación del Área de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte del Museo Nacional del Prado, explora tanto su método colaborativo de trabajo como el espacio físico de su taller en Amberes, donde se llevaban a cabo las creaciones. Este taller no solo era un lugar de producción artística, sino también un laboratorio donde Rubens, junto con numerosos ayudantes, realizaba su prolífica obra. La exposición recrea ese ambiente con una detallada escenificación de caballetes, lienzos, pinceles y otros materiales del siglo XVII, junto a libros, bustos antiguos y objetos que reflejan los intereses del artista.

En torno a esta recreación, que podrá visitarse en el Museo Nacional del Prado en Madrid del 15 de octubre de 2024 al 16 de febrero de 2025, se presentan veinte pinturas, dos dibujos y cinco grabados que ilustran las diferentes formas de colaboración entre Rubens y sus asistentes. Rubens establecía las composiciones iniciales, permitiendo que sus ayudantes desarrollaran y completaran partes de las obras, multiplicando así su producción sin sacrificar calidad. Esta dinámica de trabajo convierte la exposición en un viaje inmersivo a la época del maestro de Amberes, mostrando cómo combinaba talento, enseñanza y trabajo en equipo para consolidar su éxito.

En paralelo, el Museo organiza el ciclo de conferencias A propósito de Rubens. Ideal, organización y saber en el taller de un pintor los días 30 de octubre y 6, 13 y 20 de noviembre de 2024. Este ciclo profundiza en cómo Rubens optimizó su taller, aprovechando las tecnologías de su tiempo para maximizar su producción, mientras mantenía la emoción y belleza como objetivos fundamentales de su arte. Las conferencias también explorarán la representación de los talleres de pintura y su comparación con los espacios de creación contemporáneos.

Para los amantes del arte, esta exposición y las actividades asociadas ofrecen una oportunidad única de entender el genio de Rubens, su capacidad organizativa y la influencia duradera de su taller en la evolución del arte barroco europeo.

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ArtePersonajes

Napoleón Bonaparte. El estratega que cambió el rumbo de Europa

by Valeria Cruz 14/08/2024
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Napoleón Bonaparte, un nombre que evoca tanto admiración como controversia, fue una figura que cambió la historia de Francia y del mundo. Nacido en la isla de Córcega el 15 de agosto de 1769, Napoleón creció en un ambiente donde las tensiones entre su tierra natal y la Francia que la había anexado recientemente eran evidentes. Proveniente de una familia de la pequeña nobleza corsa, su infancia estuvo marcada por la disciplina y las altas expectativas, especialmente de su madre, Letizia Ramolino, quien se aseguró de que sus hijos recibieran una educación estricta.

Desde joven, Napoleón mostró una inclinación por el estudio y un carácter introspectivo. Aunque no destacaba en todas las materias, su pasión por las matemáticas y la lectura de clásicos como Plutarco y Polibio moldearon su pensamiento estratégico y su ambición. Estas cualidades lo llevaron a ingresar a la academia militar de Brienne en Francia continental, donde, a pesar de su origen extranjero y su acento italiano, comenzó a forjarse como un líder militar.

La Revolución Francesa de 1789 fue el catalizador que llevó a Napoleón al poder. Alineado con los ideales revolucionarios, su talento militar pronto lo destacó en el ejército francés. Su ascenso fue rápido: en 1796, lideró una exitosa campaña militar en Italia contra los austriacos, lo que lo convirtió en un héroe nacional y lo catapultó al escenario político. En 1799, aprovechó la inestabilidad política de Francia para orquestar un golpe de Estado que lo colocó como Primer Cónsul, el líder de facto de la República Francesa.

Pero Napoleón no se detendría allí. En 1804, se proclamó a sí mismo emperador, consolidando su poder en una Francia que buscaba estabilidad tras años de revolución y guerra civil. Durante su reinado, Napoleón implementó una serie de reformas que aún hoy tienen un gran impacto en la sociedad francesa y más allá. El Código Napoleónico, que unificó las leyes civiles en Francia, es quizás su legado más duradero, y su influencia se extiende a muchos sistemas legales en todo el mundo.

Militarmente, Napoleón fue un estratega excepcional. Sus campañas, desde Austerlitz hasta Jena, mostraron una habilidad única para movilizar tropas y vencer a ejércitos aparentemente superiores. Sin embargo, su ambición desmedida también lo llevó a cometer errores que resultaron fatales. La invasión de Rusia en 1812 es un ejemplo claro: lo que comenzó como una campaña para doblegar al zar Alejandro I terminó en una desastrosa retirada que diezmó a su Grande Armée.

La caída de Napoleón comenzó con su derrota en la batalla de Leipzig en 1813, conocida como la Batalla de las Naciones. Forzado a abdicar en 1814, fue exiliado a la isla de Elba, desde donde escapó para regresar a Francia y retomar el poder durante el breve período conocido como los Cien Días. Pero su intento de restaurar su imperio terminó abruptamente en la batalla de Waterloo en 1815, tras la cual fue exiliado a la remota isla de Santa Elena, donde vivió sus últimos años bajo la vigilancia británica.

Napoleón murió el 5 de mayo de 1821, a la edad de 51 años. Su legado, sin embargo, sigue siendo relevante. No solo influyó en la historia de Europa, sino que su impacto se extiende a diversas áreas como la educación, la administración pública y el derecho. Fue un líder que representó tanto el auge como la caída, y cuya vida sigue siendo objeto de estudio y fascinación.

Más allá de sus conquistas y derrotas, Napoleón fue un visionario que transformó Europa y cuya figura sigue inspirando tanto admiración como debate. Su capacidad para inspirar lealtad en sus tropas, su visión de un imperio europeo unificado bajo la ley y su habilidad para adaptarse a los desafíos de su tiempo lo convierten en una de las figuras más complejas y estudiadas de la historia.

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