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Eventos

ArteEventos

Guardi y Venecia en el Thyssen

by Uve Magazine 04/02/2025
written by Uve Magazine

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta por primera vez en Madrid la colección completa de obras de Francesco Guardi perteneciente al Museo Calouste Gulbenkian. Gracias a un acuerdo de colaboración entre ambas instituciones, del 3 de febrero al 11 de mayo de 2025, los visitantes podrán disfrutar de 18 óleos y un dibujo del pintor veneciano, el artista más representado en la colección del financiero armenio Calouste Sarkis Gulbenkian (1869-1955).

Guardi y la veduta veneciana

Miembro de una familia de pintores, Francesco Guardi (1712-1793) se formó en el taller familiar junto a su hermano mayor, Gianantonio. Durante sus primeros años se dedicó a la pintura de temas religiosos e históricos, pero fue en su madurez cuando se especializó en la veduta, la representación de paisajes urbanos. Influenciado por Canaletto, Guardi evolucionó su estilo a través de una pincelada suelta y vibrante, logrando una atmósfera más poética e idealizada que la de su predecesor.

Las obras expuestas, fechadas entre 1765 y 1791, muestran distintos rincones de Venecia, desde vistas icónicas como el Puente de Rialto o el Palacio Ducal, hasta celebraciones populares como la Fiesta de la Ascensión. También incluyen escenas de los alrededores de la ciudad y caprichos arquitectónicos, ejemplos de su libertad creativa en la composición paisajística.

Un recorrido por la Venecia de Guardi

La exposición, comisariada por Mar Borobia, se divide en dos secciones: “La ciudad y sus fiestas” y “Terraferma y los caprichos”, y se exhibe en tres salas de la colección permanente del Thyssen.

En las salas 13 y 14 se presentan escenas festivas y panoramas urbanos que reflejan la animación y el esplendor de Venecia en el siglo XVIII. Entre las piezas más destacadas se encuentran La fiesta de la Ascensión en la plaza de San Marcos (h. 1775), en la que el pintor plasma con pinceladas rápidas el bullicio de la celebración.

Otro lienzo significativo es La partida del Bucintoro (h. 1765-1780), que capta la salida de la galera de los dux desde la dársena veneciana. Asimismo, Regata en el Gran Canal (h. 1775) y El puente de Rialto según el proyecto de Palladio (h. 1770) ofrecen diferentes perspectivas de la ciudad.

Otras obras que completan esta sección incluyen El Canal de Giudecca con la Iglesia de Santa Marta (h. 1770-1780), Pórtico con figuras (h. 1778), El pórtico del Palacio Ducal (h. 1778) y El Gran Canal junto al puente de Rialto (h. 1780-1790), todas representaciones que revelan la maestría de Guardi en la creación de atmósferas vibrantes.

Terraferma y los caprichos

La segunda sección, en la sala 15, exhibe la faceta más libre e imaginativa del pintor. Su pincelada suelta y expresiva captura el paso del tiempo y el deterioro arquitectónico con un tono melancólico. Obras como Capricho con arco romano en ruinas y templo circular (h. 1770-1780) muestran su talento para la composición idealizada.

El interés de Guardi por la vida cotidiana se refleja en Las compuertas en Dolo (h. 1774-1776), donde retrata la actividad del río Brenta. Asimismo, La isla de San Giorgio Maggiore (h. 1790) es un bello ejemplo de su visión de la arquitectura veneciana.

Un legado compartido

La exposición culmina con dos obras clave: Regata en el Gran Canal junto al puente de Rialto (h. 1791) de Giacomo Guardi, hijo del artista, y Il Bucintoro (h. 1745-1750) de Canaletto, prestada por la Colección Thyssen-Bornemisza al Museu Nacional d’Art de Catalunya. Esta última obra sirvió de inspiración para Guardi en una de sus composiciones más emblemáticas.

Esta muestra representa una oportunidad única para admirar el genio de Francesco Guardi y su visión de Venecia en un contexto inigualable, el Museo Thyssen-Bornemisza, donde la tradición y la modernidad se encuentran en un diálogo continuo sobre el arte y la historia.

04/02/2025 0 comments
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ArteEventos

Un Mundo Bajo los Párpados. Marco Godoy en el MAC

by Clara Belmonte 20/01/2025
written by Clara Belmonte

La innovadora exposición Un mundo bajo los párpados del artista español Marco Godoy se presenta en el Museo de Arte Contemporáneo (MAC) de Chile, sede Quinta Normal, hasta marzo de 2025. Bajo la curaduría de Pia Cordero, la muestra desafía a los visitantes a reflexionar sobre la importancia del contacto físico, los afectos y su papel en la acción colectiva.

Un mundo bajo los párpados. Marco Godoy

En una sala de más de 150 metros cuadrados, Godoy combina esculturas humanoides y objetos ancestrales en un montaje que destaca por su teatralidad y uso de tecnología de punta. Las piezas fueron creadas mediante la técnica de “gemelo digital” (Digital Twin, DT), que replica objetos con una precisión asombrosa. Una de las esculturas más impactantes muestra a un personaje sobre un plinto, con los brazos abiertos y el pecho cubierto por docenas de manos abiertas, simbolizando la unión y el contacto humano. Las esculturas humanoides interactúan con objetos como puntas de flecha, un gato egipcio y una cabeza de monumento etrusco. Algunas piezas se esconden bajo grandes telas que invitan a los espectadores a descubrir lo que hay debajo, mientras otras forman pirámides humanas o se alojan en vasijas antiguas. Estas escenas crean un puente entre el presente y el pasado ancestral, reforzando la exploración política de los afectos.

La propuesta estética de Godoy, inspirada en la Bauhaus, se complementa con una iluminación cuidadosamente diseñada. Los colores vibrantes y las sombras generan un entorno inmersivo que estimula una conexión emocional con las obras, permitiendo al visitante “sentir” las texturas y superficies de las esculturas. El recorrido concluye con un video que documenta una performance de actrices interactuando con reproducciones de esculturas clásicas en lo que parece ser la bodega de un museo. La obra combina lo ancestral con lo futurista gracias a efectos lumínicos fluorescentes, invitando a los espectadores a reflexionar sobre el cuerpo como un medio de conexión física y emocional. La curadora Pia Cordero subraya que el enfoque no se centra en un cuerpo poshumano, sino en la relación inmediata entre los cuerpos que genera afectos y acción colectiva.

Un mundo bajo los párpados. Marco Godoy

Marco Godoy es conocido por sus trabajos que combinan estética y crítica política. Ha participado en prestigiosas exhibiciones internacionales, como la Liverpool Biennial y el Centre Pompidou en París. En Chile, destaca su proyecto Al servicio de la visión, realizado durante el estallido social de 2019, donde utilizó escudos reflectantes con cámaras para documentar la violencia estatal en las protestas. En marzo de 2025, se realizarán actividades gratuitas vinculadas a la exposición, como el Laboratorio de obra con Marco Godoy y el taller Postimágenes y feminismos: ¿cómo pensar un futuro colectivo?, liderado por Pia Cordero y Daniela Alegría. Las inscripciones estarán abiertas próximamente.

Un mundo bajo los párpados cuenta con el respaldo del Fondo de Desarrollo Cultural y las Artes (FONDART) 2024. La muestra es una invitación a explorar cómo las emociones y los afectos moldean nuestras relaciones sociales y nuestra conexión con el pasado, en un contexto marcado por la digitalización y la hiperconectividad.

20/01/2025 0 comments
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EventosLiteratura

Madrid y Nueva York en la Feria del Libro 2025

by Uve Magazine 19/01/2025
written by Uve Magazine

La Feria del Libro de Madrid 2025 ha elegido a la ilustradora argentina Coni Curi para diseñar el cartel oficial de su 84.ª edición, un encargo que une las culturas de Madrid y Nueva York, tema central de este año. Inspirada por el diseño gráfico estadounidense de las décadas de 1920 a 1940, la artista aportará su estilo único, al que denomina NeoNostalgia, para reflejar la conexión entre estas dos icónicas ciudades.

La directora de la Feria, Eva Orúe, explicó que la elección de Curi se debió a su capacidad para evocar la gráfica vintage y reinterpretarla desde una perspectiva contemporánea: “Su estilo nos parecía perfecto para esta colaboración. Estamos seguros de que hará justicia a los imaginarios de Nueva York que todos llevamos dentro, sin desconectarse del presente”. Ambas ciudades comparten una rica diversidad cultural y social, plasmada en sus paisajes, su historia migratoria y su vibrante vida literaria. Espacios como Central Park y El Retiro, este último sede de la Feria, representan los puentes que inspirarán el diseño del cartel.

Para Coni Curi, este proyecto es un sueño hecho realidad. “Como fanática de la literatura, como artista, como migrante y como enamorada de las calles de Madrid, me pareció increíble que me eligieran. Al principio sentí miedo por el desafío, pero estoy emocionada de ver mi trabajo paseándose por toda la Feria al ritmo de la gente y los libros”. La artista imagina esta edición como un punto de encuentro entre Madrid y Nueva York, dos ciudades que, aunque distintas en paisaje y ritmo, han sido escenarios de innumerables ficciones literarias y cinematográficas.

El diseño definitivo del cartel, que promete reflejar esta relación transatlántica a través del característico uso de colores vibrantes y referencias nostálgicas de Curi, se desvelará en abril, a pocas semanas del inicio de la Feria. Mientras tanto, la ilustradora se prepara para su primera visita al evento, que añade un toque especial a su participación.

Coni Curi, nacida en Buenos Aires en 1993 y residente en Valencia, ha desarrollado un estilo único que combina pasado y presente. Su fascinación por los catálogos antiguos, los envoltorios de frutas, las cajas de fósforos y la porcelana decorativa se refleja en proyectos como el Tarot de la Fuerza o el Sacred Sisterhood Tarot. Este enfoque le ha permitido crear una comunidad de seguidores en redes sociales (@conicuri), quienes comparten su amor por lo vintage.

La expectación por el cartel que representará la conexión cultural entre Madrid y Nueva York crece día a día. Eva Orúe concluyó: “Habrá que contener la impaciencia para verlo. Hay muchas ganas”. La 84.ª Feria del Libro de Madrid promete ser un evento inolvidable en el calendario literario internacional, celebrando el arte, la literatura y los lazos que unen a dos grandes ciudades.

19/01/2025 0 comments
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EventosPersonajes

Krampus tradición y terror

by Valeria Cruz 24/12/2024
written by Valeria Cruz

Cuando llega la Navidad, la imaginación colectiva se llena de luces, villancicos y la figura bondadosa de Santa Claus repartiendo regalos y alegría. Sin embargo, en los Alpes europeos, existe un personaje mucho más oscuro que contrasta radicalmente con este espíritu festivo: Krampus, una criatura mitad cabra y mitad demonio que se encarga de castigar a los niños desobedientes. Este ser aterrador ha sobrevivido a través de siglos de tradición, emergiendo de las raíces del folclore alpino como un símbolo del equilibrio entre el bien y el mal en la temporada navideña.

Krampus. Imagen vintage de la década de 1930

El origen de Krampus se remonta a las antiguas tradiciones paganas de Europa central, mucho antes de la llegada del cristianismo. Su nombre proviene del alemán krampen, que significa garra, y su imagen evoca a los antiguos espíritus invernales que, según se creía, habitaban los bosques durante los meses más fríos. Algunos historiadores sugieren que Krampus está relacionado con figuras de la mitología nórdica, como Hel, la diosa del inframundo, o con entidades demoníacas que representaban la severidad de los duros inviernos alpinos. Cuando el cristianismo se expandió por la región, las tradiciones paganas no desaparecieron del todo, sino que se adaptaron a las nuevas creencias. Así, Krampus pasó de ser un espíritu salvaje a convertirse en el asistente oscuro de San Nicolás, encargado de mantener a raya a los traviesos mientras el santo recompensaba a los niños obedientes.

La leyenda de Krampus es tan fascinante como aterradora. Cada 5 de diciembre, víspera de la fiesta de San Nicolás, Krampus aparece para recorrer las calles durante la llamada Krampusnacht, o Noche de Krampus. Según el mito, mientras San Nicolás recompensa con dulces y regalos a los niños buenos, Krampus persigue a los desobedientes, blandiendo ramas de abedul y sacudiendo cadenas que resuenan como un siniestro aviso. En algunas versiones de la historia, Krampus incluso secuestra a los niños malos, metiéndolos en un saco o una cesta para llevárselos al inframundo. Esta figura aterradora no solo buscaba disciplinar a los más pequeños, sino que también servía como recordatorio de las consecuencias de los malos actos, manteniendo viva la dualidad entre recompensa y castigo en la época navideña.

La apariencia de Krampus está diseñada para infundir miedo. Su cuerpo está cubierto de un pelaje oscuro, similar al de una cabra, y su rostro presenta grandes cuernos retorcidos, colmillos afilados y una lengua larga y puntiaguda. Las cadenas que porta, a menudo adornadas con campanas ruidosas, simbolizan su esclavitud al diablo, mientras que las ramas de abedul que lleva en sus manos están relacionadas con antiguas prácticas paganas de purificación y castigo. En muchas representaciones, también se le muestra con un saco o una cesta a la espalda, reforzando la idea de que puede llevarse consigo a los niños que no han sabido comportarse.

A pesar de su aterradora reputación, Krampus no es único en su rol dentro del folclore navideño. En toda Europa, encontramos figuras similares que comparten su dualidad moral. Por ejemplo, en Alemania y Pensilvania, el personaje de Belsnickel también combina elementos de recompensa y castigo, apareciendo vestido de harapos y llevando dulces para los niños obedientes y un palo para los desobedientes. En Rusia, Ded Moroz (el Abuelo Frío) es una figura más solemne que reparte regalos durante el Año Nuevo, acompañado por su nieta Snegurochka, aunque sin el aspecto disciplinario de Krampus. Incluso en los Alpes, la tradición de Perchta, una figura femenina asociada al invierno, comparte similitudes con Krampus, castigando a quienes no han cumplido con sus tareas domésticas llenando sus estómagos de paja.

La tradición de Krampus ha sobrevivido durante siglos gracias a eventos como los desfiles de Krampuslauf, o carreras de Krampus, que tienen lugar durante la Krampusnacht. En estos desfiles, personas disfrazadas de Krampus recorren las calles asustando y divirtiendo a los espectadores. Aunque originalmente estas celebraciones estaban arraigadas en las creencias populares, hoy en día tienen un carácter más festivo y turístico, atrayendo a multitudes en lugares como Salzburgo, Austria, donde se pueden ver elaborados disfraces y escuchar las campanas que anuncian la llegada de Krampus. Este resurgimiento de interés por la figura de Krampus también ha trascendido las fronteras de Europa, encontrando eco en la cultura popular contemporánea.

Krampus. Imagen vintage de 1930

En las últimas décadas, Krampus ha ganado una inesperada popularidad fuera de su contexto original. Películas como Krampus (2015), libros ilustrados y postales vintage han contribuido a su difusión, convirtiéndolo en una figura icónica en la era moderna. En países como Estados Unidos, donde la tradición de Santa Claus domina las celebraciones navideñas, Krampus ofrece una alternativa oscura y subversiva que desafía las convenciones. Además, su estética gótica y su conexión con lo macabro lo han hecho particularmente atractivo en una época en la que las redes sociales amplifican el interés por lo inusual y lo misterioso.

Esta fascinación global por Krampus refleja un cambio en la forma en que las sociedades modernas abordan las festividades navideñas. En un mundo cada vez más dominado por el consumismo, Krampus ofrece una narrativa diferente, recordándonos que la Navidad no siempre ha sido una celebración exclusivamente luminosa. Su historia, que combina elementos de antiguas creencias paganas y valores cristianos, nos invita a reflexionar sobre las raíces profundas y multifacéticas de esta época del año. 

Krampus es mucho más que un personaje aterrador. Es un recordatorio de que incluso en las épocas más festivas, hay espacio para la introspección y la reflexión, continúa enriqueciendo la Navidad con un toque de misterio y oscuridad, ofreciendo una visión única y fascinante de una festividad que sigue evolucionando con el tiempo.

24/12/2024 0 comments
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ArteEventos

Narraciones gráficas: Mujeres y saberes rurales

by Uve Magazine 03/12/2024
written by Uve Magazine

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta un documental sobre la quinta edición de Narraciones gráficas: Mujeres y saberes rurales

– En colaboración con FADEMUR, el proyecto visibiliza los conocimientos populares transmitidos por generaciones de mujeres rurales.
– Inspirado en la exposición Lo oculto en las colecciones Thyssen-Bornemisza.
– Disponible en la web de EducaThyssen: www.educathyssen.org/mujeres-saberes.

Madrid, 27 de noviembre de 2024.
El área de Educación del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta un documental que documenta el trabajo desarrollado en la quinta edición de Narraciones gráficas, un proyecto educativo que conecta el arte con temas sociales y fomenta el pensamiento crítico. Esta edición, realizada en colaboración con la Federación de Asociaciones de Mujeres Rurales (FADEMUR), explora los saberes ocultos y la memoria de mujeres rurales, tomando como inspiración la exposición Lo oculto en las colecciones Thyssen-Bornemisza.

Desde su creación en 2019, Narraciones gráficas busca acercar el arte a diferentes colectivos, promoviendo el diálogo intergeneracional y la reflexión. Desde 2021, el proyecto trabaja con asociaciones de mujeres rurales, evolucionando hacia un enfoque dinámico y participativo.

En esta convocatoria, el equipo educativo del museo colaboró con la Asociación AURA FADEMUR en la comarca de Arlanza (Burgos), recolectando bailes, leyendas, recetas y tradiciones que reflejan el legado cultural femenino. Estas mujeres, custodias del patrimonio inmaterial, han sido fundamentales para preservar los valores y costumbres locales.

El proyecto culminó con la exposición Mujeres y saberes, celebrada entre el 15 de junio y el 15 de septiembre de 2023 en el Centro Cultural La Consolación de Villamayor de los Montes (Burgos). Dividida en tres secciones —Celebrar, Curar y Creer—, la muestra combinó obras del museo con tradiciones locales en formatos como fotografías, objetos y podcasts. Cerca de 500 personas participaron en la exposición, dinamizada por las propias mujeres de FADEMUR.

El documental, producido por Walden Audiovisual, recoge este proceso y ya puede verse en la web de EducaThyssen: www.educathyssen.org/mujeres-saberes.

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EventosLiteratura

Feria Internacional del Libro de Guadalajara 2024

by Valeria Cruz 03/12/2024
written by Valeria Cruz

Feria Internacional del Libro de Guadalajara 2024: un espacio para la literatura, la reflexión y el intercambio cultural

La Feria Internacional del Libro de Guadalajara (FIL), consolidada como el evento literario más relevante del mundo hispanohablante, celebra su 38ª edición del 30 de noviembre al 8 de diciembre de 2024. Este año, con España como país invitado de honor, la feria se convierte en un puente de diálogo entre América Latina y Europa, ofreciendo una programación que combina literatura, arte y debates culturales, y reafirma su papel como foro de intercambio cultural y social.

La inauguración de la FIL estuvo marcada por la entrega del Premio de Literatura en Lenguas Romances al escritor mozambiqueño Mia Couto. En su discurso, Couto reflexionó sobre el poder transformador de la poesía, a la que definió como su “religión”. Durante su intervención, rindió homenaje a escritores mexicanos como Octavio Paz y Juan Rulfo, cuya obra ha influido en su trayectoria literaria.

El escritor narró un episodio que marcaría su vida: el día en que una compañera de escuela descubrió su cuaderno de poemas. “Eran poemas muy malos”, admitió entre risas. Sin embargo, la niña le dijo algo que cambiaría su perspectiva: “Tú sabes cómo hacer bailar a las palabras”.

Sus palabras destacaron el papel de la poesía como un lenguaje universal capaz de trascender fronteras y conectar culturas.

La participación española ha sido uno de los ejes centrales de esta edición, con una destacada presencia de autores, artistas y actividades culturales. María Dueñas, autora de éxitos como El tiempo entre costuras, compartió sus experiencias como escritora y reflexionó sobre los cambios en la representación femenina en eventos literarios. Dueñas mencionó que, en el pasado, evitaba participar en algunas ferias debido a la “preeminencia de señoros”, pero celebró cómo los espacios literarios han evolucionado hacia una mayor inclusión.

La música también encontró su lugar en la FIL con la actuación del asturiano Rodrigo Cuevas. En un espectáculo que fusionó el folclore asturiano con el son jarocho mexicano, Cuevas cautivó al público y demostró cómo la música puede ser un lenguaje de unión cultural. Este tipo de colaboraciones artísticas subraya el espíritu de la FIL como un espacio donde se cruzan tradiciones y se generan nuevos diálogos creativos.

Reflexiones sobre la sociedad y la cultura

Más allá de las actividades literarias, la FIL ha sido un escenario para el debate y la reflexión sobre temas contemporáneos. Uno de los puntos destacados fue la discusión sobre la influencia de los nacionalismos en eventos culturales. En este contexto, se defendió la importancia de mantener la feria como un espacio neutral, dedicado exclusivamente al diálogo literario y cultural, lejos de las tensiones políticas que pueden surgir en contextos internacionales.

Otro tema abordado fue el impacto de la tecnología en la interacción humana y la cultura. En un mundo cada vez más conectado, pero paradójicamente más aislado, los ponentes subrayaron la importancia de espacios como la FIL para fomentar el contacto humano y el intercambio de ideas cara a cara. La literatura, en este sentido, se plantea como un medio para reconectar con nuestra esencia y romper con la tendencia al ensimismamiento provocada por los dispositivos digitales.

La renovación de liderazgos en la FIL

En el ámbito organizativo, esta edición marca el inicio de una nueva etapa con el nombramiento de José Trinidad Padilla López como presidente de la FIL, sucediendo a su hermano y fundador del evento, Raúl Padilla López. Este cambio de liderazgo busca mantener el espíritu innovador de la feria, al tiempo que se adapta a las necesidades de un panorama cultural en constante evolución.

Una feria que sigue creciendo

Con cerca de 500 mil visitantes previstos y una amplia representación de editoriales, escritores y agentes culturales de todo el mundo, la FIL reafirma su posición como una de las plataformas más importantes para la industria editorial y la promoción de la literatura. La programación incluye presentaciones de libros, talleres, mesas redondas y actividades artísticas, que van desde recitales poéticos hasta espectáculos de música y danza.

Entre los eventos más destacados, se encuentra el homenaje a figuras clave de la literatura en lengua española y la participación de autores emergentes que buscan posicionarse en el panorama internacional. Además, las actividades enfocadas en el público infantil y juvenil han sido un éxito rotundo, fomentando el hábito de la lectura desde temprana edad.

La FIL de Guadalajara ha sido, una vez más, un espacio para fortalecer los lazos entre España y América Latina. La delegación española no solo ha traído a autores consagrados, sino también a nuevas voces que están redefiniendo la literatura contemporánea. Este intercambio cultural se refleja en la variedad de temas abordados en las mesas redondas, que van desde la literatura como resistencia política hasta las nuevas narrativas digitales.

Por su parte, los autores latinoamericanos han encontrado en esta feria una plataforma para dar a conocer sus obras a un público más amplio, estableciendo conexiones con editoriales y agentes literarios internacionales. Este diálogo entre ambas regiones es una de las fortalezas de la FIL, que actúa como un verdadero puente cultural.

Un cierre con sabor a éxito

A medida que se acerca el final de esta 38ª edición, la FIL deja tras de sí un legado de encuentros literarios y culturales que reafirman su relevancia global. Con una programación diversa, que combina tradición e innovación, la feria sigue siendo un punto de referencia para el mundo del libro y un espacio donde las ideas, las historias y las culturas se entrelazan.

En palabras de Mia Couto durante la inauguración: “La poesía no busca respuestas; busca preguntas”. La FIL, con su rica diversidad de voces y perspectivas, no solo responde a las preguntas del presente, sino que también plantea nuevas cuestiones para el futuro de la literatura y la cultura.

03/12/2024 0 comments
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AgendaArteEventos

Peter Halley en el Thyssen

by Uve Magazine 16/10/2024
written by Uve Magazine

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza se prepara para acoger una importante retrospectiva dedicada al influyente artista contemporáneo Peter Halley, del 19 de octubre de 2024 al 19 de enero de 2025. Esta exposición, comisariada por Guillermo Solana, forma parte del programa de muestras en torno a la colección de Blanca y Borja Thyssen-Bornemisza y marca el regreso de Halley a España, donde no se le había dedicado una exposición de este calibre desde 1992, cuando el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía organizó una retrospectiva sobre su obra. La actual muestra abarca un extenso periodo, desde 1985 hasta 2024, y está compuesta por una selección de veinte pinturas pertenecientes a colecciones tanto públicas como privadas de España. Lo más destacado de esta exposición es que el propio Halley ha participado activamente en su curaduría, seleccionando las obras y diseñando el plan de instalación. Además, este proyecto ha sido organizado en colaboración con el Ajuntament de Palma y el Casal Solleric, donde la exposición viajará en primavera de 2025.

Peter Halley irrumpió en la escena artística en los años 80, aportando una visión crítica y profundamente sociológica a la tradición del arte abstracto-geométrico, hasta entonces dominada por ideales formalistas y utópicos. A través de su obra, Halley desafía las concepciones convencionales de la geometría como un símbolo de racionalidad ideal, reinterpretándola como un reflejo del confinamiento y el control social, impregnado de un trasfondo distópico. Sus representaciones del cuadrado, un elemento venerado casi religiosamente por artistas como Malévich y Josef Albers, adquieren un tono irónico en su obra, donde se transforman en iconos de prisiones, celdas y conductos. Esta visión crítica de la geometría se traduce en composiciones que evocan circuitos integrados y diagramas de flujo, anticipando así la sociedad hiperconectada y, a la vez, profundamente aislada de la era digital.

Un rasgo distintivo del trabajo de Halley es su uso audaz de colores fluorescentes, conocidos como Day-glo, que evocan la intensidad y la energía de las pantallas electrónicas. A través de esta paleta cromática, Halley se ha consolidado como uno de los coloristas más experimentales de su generación, aportando un enfoque novedoso a la relación entre el color, el espacio y el contexto social. Su capacidad para conjugar estos elementos lo convierte en una figura fundamental dentro del arte contemporáneo, y su influencia sigue siendo evidente en artistas y movimientos actuales.

A lo largo de su carrera, Halley ha mantenido su independencia artística, evitando el apoyo de grandes galerías comerciales y optando por colaboraciones a largo plazo con galeristas de confianza en distintos países. Esta exposición también resalta la fuerte conexión que el artista ha establecido con España, donde su obra ha sido bien recibida desde su primera aparición en 1986, cuando participó en la colectiva El arte y su doble: una perspectiva de Nueva York, organizada por la Fundación Caja de Pensiones en Madrid. Poco después, en 1992, el Museo Reina Sofía le dedicó una retrospectiva que ya había recorrido museos europeos como el Musée d’Art Contemporain de Burdeos y el Stedelijk Museum de Ámsterdam. Fue a partir de ese momento que Halley comenzó a exponer con regularidad en galerías españolas, como la Galería Senda en Barcelona y con el galerista Javier López en Madrid, consolidando su relación con el país.

Las pinturas de Halley se encuentran en importantes colecciones públicas y privadas españolas, incluyendo el Museo Reina Sofía, la Fundación “la Caixa” y el Institut Valencià d’Art Modern (IVAM), lo que subraya la relevancia de su obra en el panorama artístico español. Además, cuenta con una instalación permanente en la Biblioteca Pública José Hierro de Usera, en Madrid, inspirada en el cuento La biblioteca de Babel de Jorge Luis Borges, lo que muestra su interés por la intersección entre el arte y la literatura.

La exposición en el Thyssen-Bornemisza ofrece una visión completa de la trayectoria artística de Peter Halley, con veinte pinturas de gran formato que recorren su evolución estilística desde 1985 hasta la actualidad. Obras tempranas como Cárcel (1985) y Comercio de pieles (1994) reflejan un minimalismo monocromático, mientras que trabajos posteriores como Edutainment y Apagón (ambas de 2005), o Gravedad (2006), muestran una mayor complejidad en la repetición de formas, la superposición de planos y el uso de una paleta cromática más variada. En sus creaciones más recientes, Halley sigue profundizando en los temas que caracterizaron su obra temprana, pero con un enfoque renovado. Ejemplos de ello son Mágico a medias (2018), Clemencia (2019) y La nota alta (2020), donde multiplica las formas geométricas y suaviza su paleta de colores, creando composiciones de gran dinamismo y luminosidad.

La exposición de Peter Halley en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza no solo representa una oportunidad para apreciar la evolución de uno de los grandes maestros de la abstracción contemporánea, sino también para reflexionar sobre las conexiones entre el arte, la sociedad y la tecnología en el mundo actual.

16/10/2024 0 comments
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AgendaArteEventos

Tabita Rezaire en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

by Clara Belmonte 01/10/2024
written by Clara Belmonte

Del 8 de octubre de 2024 al 12 de enero de 2025, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, en colaboración con TBA21 Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, presenta “Nebulosa de la calabaza”, la primera exposición individual de la artista Tabita Rezaire en España. Comisariada por Chus Martínez, la muestra inmersiva reúne tres instalaciones recientes de Rezaire: Omo Elu, Des/astres y Omi: Templo de Yemoja. Estas obras, creadas en 2024, forman un tríptico que rinde homenaje a Yemoja, la orisha de la religión yoruba, símbolo de los ríos, los océanos y la vida.

Tabita Rezaire, artista nacida en París en 1989, es una destacada figura del afrociberfeminismo, cuyas obras multidisciplinarias exploran las intersecciones entre arte, tecnología, espiritualidad y decolonización. Residente en la Guayana Francesa, Rezaire utiliza medios como el vídeo, instalaciones inmersivas y performance para proponer una visión holística del mundo, fusionando saberes ancestrales con tecnologías digitales. Su enfoque está profundamente influenciado por su conexión con la naturaleza y la espiritualidad, aspectos que explora en “Nebulosa de la calabaza”.

Tabita Rezaire. © Yussef Agbo-Ola [Olaniyi Studio], 2023

Una reflexión sobre la crisis ecológica

“Nebulosa de la calabaza” no solo es una inmersión sensorial, sino también una invitación a reflexionar sobre la crisis ecológica global y la necesidad de reconectar con los saberes ancestrales y no occidentales. Rezaire destaca la relevancia de estos conocimientos como herramientas para la resistencia y la emancipación, cuestionando las formas extractivas de los sistemas coloniales y proponiendo una vía de sanación y reconstrucción de identidades y comunidades.

La exposición se enmarca en la línea de trabajo del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y TBA21 en torno a las sociedades postcoloniales y sus aportaciones culturales. A través de la intersección entre arte, espiritualidad y ecología, Rezaire nos invita a redescubrir las conexiones entre lo humano, lo espiritual y lo natural.

Programa público

Como parte de la exposición, se desarrollará un programa público de actividades gratuitas que incluirá charlas, encuentros y talleres. Entre los eventos destacados se encuentra una conversación entre la artista Maria Arnal y el experto en computación Fernando Cucchietti, que se celebrará el 10 de diciembre de 2024.

La exposición estará abierta al público hasta el 12 de enero de 2025, ofreciendo una experiencia única que combina arte, espiritualidad y ecología, mientras promueve una mayor conciencia sobre las interacciones entre el ser humano y el planeta.

Para más información y detalles sobre las actividades, se puede visitar la página web oficial del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.

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Eventos

Noche de la investigación 2024

by Uve Magazine 19/09/2024
written by Uve Magazine

La Noche de la investigación 2024, una noche llena de ciencia y cescubrimiento en CaixaForum Madrid

El próximo viernes 27 de septiembre de 2024, prepárate para vivir una noche mágica llena de ciencia, innovación y diversión en la European Researchers’ Night, un evento que se celebrará simultáneamente en más de 400 ciudades de Europa. CaixaForum Madrid se une una vez más a esta celebración internacional, ofreciendo una amplia variedad de actividades científicas gratuitas dirigidas a todos los públicos: familias, estudiantes, educadores y cualquier persona interesada en la ciencia.

¿Por Qué Asistir?

La Noche Europea de la Investigación es una ocasión única para acercarse al fascinante mundo de la ciencia y la investigación. Es una oportunidad para interactuar directamente con científicos, descubrir cómo sus investigaciones impactan nuestra vida diaria y participar en actividades que combinan aprendizaje y entretenimiento. Tanto niños como adultos podrán disfrutar de talleres prácticos, charlas inspiradoras, experimentos interactivos y visitas guiadas, convirtiendo el evento en una experiencia inclusiva y educativa.

Actividades para el Público Familiar

De 17:30 a 19:40 h, los más pequeños y sus familias tendrán la oportunidad de sumergirse en la ciencia de manera divertida y educativa. Entre las actividades destacadas se encuentran talleres como:

  • ‘Una ventana al futuro’: Un espacio para explorar los avances tecnológicos que moldearán nuestro futuro.
  • ‘Entre neuronas: disección cerebral y comportamiento en el Síndrome de Dravet’: Descubre el cerebro de manera única.
  • ‘Viaje al Interior de la Sangre: explorando sus fases’: Un fascinante taller que te llevará al corazón de la biología.
  • Cuentacuentos: ‘El Maravilloso Viaje de los Microbios’: Una historia fascinante sobre los microbios que nos protegen.

Actividades para el Público Adulto

De 18:00 a 22:00 h, el público adulto podrá disfrutar de actividades innovadoras y únicas. Entre ellas:

  • Speed Dating Científico: Una dinámica divertida donde los participantes podrán conocer a diferentes investigadores y descubrir su trabajo en solo unos minutos.
  • ‘A tu cerebro le gusta el chocolate’: Una actividad interactiva con cata de chocolate que explorará cómo responde nuestro cerebro a este delicioso estímulo.

Investigación a Escena: Un Late Show Científico

De 20:00 a 21:30 h, el evento culminará con el Late Show ‘Investigación a Escena’, un formato que combina microcharlas científicas con humor. Algunos de los temas que se abordarán incluyen:

  • ‘Clima, Biodiversidad y Responsabilidad Climática’
  • ‘Diseñando nanosistemas para la energía del futuro’
  • ‘Retos del VIH infantil en el mundo’
  • ‘Decodificando el cerebro: la forma de los pensamientos’

Este espectáculo promete ser uno de los momentos más destacados de la noche, donde la ciencia y la diversión se unen para brindar una experiencia inolvidable.

Feria de la Investigación y Exposiciones

Además, todos los públicos podrán disfrutar de la Feria de la Investigación, que estará activa de 17:30 a 21:00 h, donde se presentarán demostraciones en vivo de los últimos avances en ciencia e innovación. También podrás visitar la exposición ‘Dinosaurios de la Patagonia’ y explorar la historia de estas fascinantes criaturas.

No te lo Pierdas

La Noche Europea de la Investigación 2024 es un evento gratuito, con acceso a todas las actividades hasta completar aforo. ¡No te pierdas esta oportunidad de adentrarte en el mundo de la ciencia y vivir una experiencia enriquecedora para toda la familia!

Para más información, visita: www.lanochedelainvestigacion.com.

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AgendaArteEventos

El taller de Rubens

by Uve Magazine 12/09/2024
written by Uve Magazine

El taller de Rubens. Explorando la colaboración y creatividad del maestro barroco

Pieter Paul Rubens fue el pintor más exitoso de Europa durante la primera mitad del siglo XVII, con una impresionante producción de alrededor de 1,500 obras que aún se conservan. La exposición El Taller de Rubens, comisariada por Alejandro Vergara, jefe de Conservación del Área de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte del Museo Nacional del Prado, explora tanto su método colaborativo de trabajo como el espacio físico de su taller en Amberes, donde se llevaban a cabo las creaciones. Este taller no solo era un lugar de producción artística, sino también un laboratorio donde Rubens, junto con numerosos ayudantes, realizaba su prolífica obra. La exposición recrea ese ambiente con una detallada escenificación de caballetes, lienzos, pinceles y otros materiales del siglo XVII, junto a libros, bustos antiguos y objetos que reflejan los intereses del artista.

En torno a esta recreación, que podrá visitarse en el Museo Nacional del Prado en Madrid del 15 de octubre de 2024 al 16 de febrero de 2025, se presentan veinte pinturas, dos dibujos y cinco grabados que ilustran las diferentes formas de colaboración entre Rubens y sus asistentes. Rubens establecía las composiciones iniciales, permitiendo que sus ayudantes desarrollaran y completaran partes de las obras, multiplicando así su producción sin sacrificar calidad. Esta dinámica de trabajo convierte la exposición en un viaje inmersivo a la época del maestro de Amberes, mostrando cómo combinaba talento, enseñanza y trabajo en equipo para consolidar su éxito.

En paralelo, el Museo organiza el ciclo de conferencias A propósito de Rubens. Ideal, organización y saber en el taller de un pintor los días 30 de octubre y 6, 13 y 20 de noviembre de 2024. Este ciclo profundiza en cómo Rubens optimizó su taller, aprovechando las tecnologías de su tiempo para maximizar su producción, mientras mantenía la emoción y belleza como objetivos fundamentales de su arte. Las conferencias también explorarán la representación de los talleres de pintura y su comparación con los espacios de creación contemporáneos.

Para los amantes del arte, esta exposición y las actividades asociadas ofrecen una oportunidad única de entender el genio de Rubens, su capacidad organizativa y la influencia duradera de su taller en la evolución del arte barroco europeo.

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