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Feria del Cómic de Madrid 2026: fechas y programa

by Uve Magazine
written by Uve Magazine

Madrid celebrará del 26 al 29 de marzo la segunda edición de la Feria del Cómic, un evento que regresa a Matadero Madrid con un crecimiento notable en participación y con una clara voluntad de consolidarse como una cita de referencia dentro del panorama cultural español. Tras el éxito de su primera convocatoria, la feria amplía tanto su dimensión comercial como su programación cultural, reforzando además su vocación internacional con un programa centrado en el cómic europeo contemporáneo.

El encuentro reunirá durante cuatro días a 84 expositores, entre ellos 36 sellos editoriales, 34 librerías generalistas y 13 librerías especializadas, lo que refleja la creciente relevancia del sector y el interés que despierta la historieta en distintos ámbitos del mundo del libro. El espacio de venta también crece de forma significativa: se instalarán 60 casetas en la Plaza Matadero, frente a las 36 de la edición inaugural, lo que permitirá una mayor diversidad de catálogos y propuestas para los lectores. La participación de librerías generalistas, que se ha más que duplicado respecto al año anterior, evidencia además cómo el cómic ha dejado de ser un ámbito estrictamente especializado para ocupar un lugar cada vez más visible en la oferta cultural habitual.

Organizada por el Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid junto con la Asociación de Librerías de Madrid, la feria nació con el propósito de situar a las librerías en el centro del ecosistema del cómic y reconocer su papel como espacios donde se produce el encuentro cotidiano entre los lectores y las historias en viñetas. En este sentido, el evento no solo funciona como escaparate editorial, sino también como celebración del trabajo de mediación cultural que realizan estos establecimientos a lo largo del año.

La programación cultural, comisariada por la periodista y escritora Laura Barrachina, propone un recorrido por algunas de las principales tradiciones del cómic europeo y por los debates que atraviesan actualmente el medio. A lo largo de la feria se sucederán conversaciones con autores y autoras, mesas redondas, actividades profesionales y talleres dirigidos a públicos diversos, con el objetivo de favorecer el diálogo entre creadores, lectores y profesionales del sector. Participarán figuras destacadas del panorama nacional como Teresa Valero, Juan Díaz Canales, Javier Olivares, Ilu Ros o Mauro Entrialgo, junto a autores internacionales procedentes principalmente de Francia, Bélgica y Alemania, entre ellos Émilie Tronche, Mathieu Burniat o Mia Oberländer.

Las actividades se desarrollarán en distintos espacios de Casa del Lector e incluirán también emisiones de radio y pódcasts en directo, así como proyecciones cinematográficas en Cineteca, ampliando así el alcance del evento más allá del formato tradicional de feria del libro. Entre los temas que se abordarán destacan el proceso creativo de la historieta, el diálogo entre cómic europeo y manga, la traducción de obras gráficas y los desafíos que plantea la inteligencia artificial para el sector editorial.

La segunda edición incorpora además nuevos formatos destinados a ampliar la experiencia del visitante. Por primera vez se podrá visitar la exposición «El cómic belga», organizada en colaboración con la Delegación general Valonia-Bruselas en España y producida por el Centre Belge de la Bande Dessinée de Bruselas. La muestra reúne reproducciones de planchas de autores belgas desde la década de 1950 hasta la actualidad, poniendo en relación figuras históricas con creadores contemporáneos y subrayando la importancia de esta tradición dentro de la historieta europea. Permanecerá abierta en Casa del Lector hasta el 9 de abril.

Otra de las novedades será la celebración de un concurso de cosplay abierto al público, que invita a los asistentes a acudir caracterizados como personajes de cómic y compartir sus fotografías en redes sociales. Esta iniciativa apunta a la dimensión participativa y comunitaria del medio, que trasciende la lectura para convertirse en una forma de expresión cultural compartida.

Las instituciones implicadas han subrayado que Madrid necesitaba una feria específica dedicada al cómic y que la primera edición demostró la existencia de un público amplio y diverso dispuesto a respaldarla. El objetivo ahora es consolidar esta cita como un punto de encuentro entre generaciones y sensibilidades distintas, donde convivan la tradición de la historieta con las nuevas formas de creación gráfica.

Con su ampliación de espacios, su enfoque europeo y una programación que combina divulgación, reflexión y actividades participativas, la Feria del Cómic de Madrid aspira a consolidarse como un evento estable dentro del calendario cultural de la ciudad y como un escaparate privilegiado para un medio narrativo que continúa evolucionando y ganando reconocimiento.

 
 
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EventosMúsica

The Juergas Rock Festival 2026 anuncia su cartel completo

by Clara Belmonte
written by Clara Belmonte

El The Juergas Rock Festival ha desvelado el cartel completo de su decimotercera edición, que se celebrará del 5 al 8 de agosto de 2026 en Adra (Almería). El festival, ya consolidado como una de las citas imprescindibles del verano para los amantes del rock, el punk y los sonidos alternativos, reunirá a 34 artistas nacionales e internacionales en un entorno privilegiado junto al Mediterráneo.

Encabezando el cartel aparece Pendulum Live, que llegará con la banda completa en su única fecha en el sur de la península. Junto a ellos estarán los siempre explosivos Dubioza Kolektiv y Evaristo, que continúa recorriendo los escenarios con un directo que repasa su trayectoria al frente de bandas fundamentales del punk estatal como La Polla Records, Gatillazo o Tropa Do Carallo. También destaca el regreso de La Gossa Sorda, que vuelve a los escenarios tras diez años y ofrecerá en Adra su única actuación en Andalucía, y la presencia de Narco, que celebrará su 30 aniversario con un concierto especial.

El cartel reúne además nombres imprescindibles de la escena punk y rock como Soziedad Alkoholika, Segismundo Toxicómano, Non Servium, Boikot o Celta Cortos, que llegan con su gira de 40 aniversario. A ellos se suman grupos como The Baboon Show, Kaotiko, Canteca de Macao, Juantxo Skalari, Benito Kamelas, Eskorzo, The Locos, Sons of Aguirre & Scila o Josetxu Piperrak, además de propuestas que están creciendo con fuerza dentro del panorama estatal, como Sanguijuelas del Guadiana.

La programación también mira hacia la electrónica. El festival incorpora actuaciones de Vandal, referente del raggatek, Benny Page, uno de los nombres destacados del drum and bass internacional, y DJ Karpin, representante del breakbeat andaluz. Una mezcla de estilos que mantiene el espíritu festivo y ecléctico que caracteriza al Juergas.

Organizado por el Ayuntamiento de Adra, la Diputación de Almería y Berrintxe Producciones, el festival ofrece además diversas opciones de alojamiento, como el Villa Juergas, acampada libre, glamping o caravaning.

Las entradas ya están disponibles a través de las páginas web oficiales del festival y de la plataforma Enterticket.

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AgendaArteEventos

Exposición Desenfocado en CaixaForum Madrid, fechas y actividades

by Valeria Cruz
written by Valeria Cruz

En CaixaForum Madrid se desarrolla una programación paralela que amplía el sentido de la exposición «Desenfocado. Otra visión del arte», que puede visitarse del 17 de septiembre de 2025 al 12 de abril de 2026, y que toma el desenfoque como punto de partida para reflexionar sobre la mirada contemporánea y sobre la forma en que la historia del arte ha cuestionado la nitidez como sinónimo de verdad. La muestra plantea que aquello que aparece borroso no implica carencia, sino que puede convertirse en un lenguaje capaz de sugerir memoria, inestabilidad o emoción, y esa misma idea se despliega en un conjunto de actividades que buscan implicar al visitante más allá de la contemplación pasiva.

Pedro G. Romero, Sodoma y Gomorra (Nuclear, Lot, Puerta del infierno), 1989. Colección de Arte Contemporáneo Fundación ”la Caixa”

Entre las propuestas destacan las visitas comentadas, en las que la mediación permite contextualizar obras y procesos, así como abrir preguntas sobre la percepción, la técnica y la intención artística, de modo que el público no se limite a identificar formas, sino que comprenda las decisiones que conducen a esa pérdida deliberada de definición. Junto a ellas se ofrecen recorridos familiares que, mediante dinámicas adaptadas a la infancia, convierten el concepto de desenfoque en una experiencia práctica, donde observar se transforma en experimentar y donde la ambigüedad visual se convierte en herramienta de aprendizaje.

La programación incorpora también encuentros en formato tertulia que favorecen el intercambio de interpretaciones entre los asistentes, de manera que la exposición se prolonga en la conversación y cada mirada se confronta con otras. En estos espacios se pone en evidencia que la percepción no es un acto aislado, sino un proceso condicionado por la experiencia personal y por el contexto cultural desde el que observamos.

Además, se incluyen actividades que dialogan con otras disciplinas, como propuestas musicales que trasladan la idea de lo difuso al terreno auditivo, así como charlas que abordan el fenómeno del desenfoque desde una perspectiva científica, analizando cómo funciona el ojo humano y cómo el cerebro interpreta imágenes que no se presentan con contornos definidos. Al integrar arte, ciencia y participación, CaixaForum Madrid plantea una experiencia que no se agota en la sala expositiva, sino que invita a reconsiderar la confianza que depositamos en lo nítido y a aceptar que, en ocasiones, es precisamente en lo impreciso donde se abre un espacio más fértil para la interpretación.

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Eventos

Cuando Roma y Cartago firmaron la paz tras las Guerras Púnicas

by Valeria Cruz
written by Valeria Cruz

Hoy se cumplen 41 años desde que los alcaldes de Roma y Cartago firmaron un tratado de paz simbólico que pretendía cerrar, al menos desde un punto de vista ceremonial, uno de los conflictos más decisivos del mundo antiguo: las Guerras Púnicas. El acuerdo, rubricado en 1985, no tenía consecuencias políticas ni diplomáticas reales, pero sí una importante carga cultural, porque reconocía que el enfrentamiento entre ambas potencias había marcado profundamente la historia del Mediterráneo y, en gran medida, la construcción del mundo occidental tal y como lo entendemos hoy.

El gesto puede parecer llamativo, incluso paradójico, si se observa con perspectiva histórica, ya que el tratado llegaba más de dos mil años después del final de las guerras. Sin embargo, este tipo de iniciativas forman parte de una tendencia contemporánea que busca reinterpretar los grandes conflictos del pasado desde una óptica simbólica, en la que la memoria histórica deja de ser únicamente una narración de conquistas y derrotas para convertirse en un espacio de reflexión cultural y patrimonial.

Las Guerras Púnicas, desarrolladas entre los años 264 y 146 antes de nuestra era, enfrentaron a Roma con Cartago, una ciudad fundada por colonos fenicios que, gracias a su ubicación estratégica en el norte de África, se convirtió en una de las grandes potencias comerciales del Mediterráneo. Roma, que hasta entonces había consolidado su dominio sobre la península itálica, comenzó a expandirse hacia territorios marítimos, lo que provocó un choque inevitable entre dos modelos de poder profundamente distintos. Mientras Cartago basaba su influencia en el comercio y en su capacidad naval, Roma avanzaba a través de la expansión territorial y la organización militar de sus ejércitos.

La Primera Guerra Púnica surgió a raíz del control de Sicilia, una isla que funcionaba como enclave estratégico para el comercio y las rutas marítimas. Roma, que carecía de una tradición naval comparable a la cartaginesa, desarrolló una flota con rapidez para enfrentarse a su rival. El conflicto terminó con la victoria romana, que obtuvo el control de Sicilia y sentó las bases para su expansión fuera de Italia, marcando el inicio de su transformación en una potencia mediterránea.

La Segunda Guerra Púnica, iniciada en el 218 antes de nuestra era, es la más recordada debido a la figura del general cartaginés Aníbal Barca, cuya campaña militar sigue siendo estudiada como uno de los episodios estratégicos más audaces de la Antigüedad. Aníbal sorprendió a Roma al cruzar los Alpes con un ejército que incluía elefantes de guerra, una maniobra que provocó algunas de las derrotas más graves de la historia romana, como la batalla de Cannas. Durante años, Roma vivió bajo la amenaza constante de una invasión definitiva, aunque el conflicto terminó inclinándose a su favor cuando el general Publio Cornelio Escipión llevó la guerra al territorio africano y derrotó a Cartago en la batalla de Zama.

La Tercera Guerra Púnica tuvo un carácter mucho más radical, ya que Roma no buscaba únicamente imponerse, sino eliminar cualquier posibilidad de recuperación de su rival. En el año 146 antes de nuestra era, tras un largo asedio, Cartago fue destruida completamente, sus edificios arrasados y su población esclavizada. Este episodio ha sido interpretado por numerosos historiadores como uno de los primeros casos documentados de destrucción sistemática de una ciudad enemiga, un acontecimiento que consolidó el dominio romano en el Mediterráneo occidental.

Cuando en 1985 los alcaldes de Roma y Cartago firmaron su tratado simbólico, lo hicieron con la intención de transformar la memoria de aquel enfrentamiento, que durante siglos había sido narrado principalmente desde la perspectiva de la victoria romana. El acuerdo pretendía reconocer el valor cultural de ambas civilizaciones, que, aunque enfrentadas en el pasado, contribuyeron de forma decisiva al desarrollo político, económico y cultural del Mediterráneo.

Roma dejó un legado que todavía influye en el derecho, la organización administrativa y la arquitectura de gran parte de Europa, mientras que Cartago destacó por su capacidad comercial, su red de intercambios marítimos y su habilidad para conectar territorios muy distantes mediante rutas económicas y culturales. La paz simbólica no buscaba corregir el pasado ni establecer equivalencias históricas, sino mostrar que el estudio de estas civilizaciones puede entenderse como parte de una herencia compartida que sigue influyendo en el presente.

Este tipo de acuerdos también pone sobre la mesa la forma en que las sociedades contemporáneas reinterpretan los conflictos históricos, utilizando gestos ceremoniales para fomentar el diálogo cultural. La historia, en este sentido, deja de ser únicamente una narración de enfrentamientos para convertirse en una herramienta que permite comprender cómo se construyen las identidades colectivas y cómo los relatos del pasado influyen en la manera en que las sociedades modernas se perciben a sí mismas.

El tratado firmado entre Roma y Cartago puede parecer anecdótico desde un punto de vista político, pero adquiere relevancia cuando se interpreta como una forma de reconocer que las ciudades sobreviven a los imperios, a las guerras y a los cambios históricos. Ambas continúan siendo espacios donde el pasado convive con el presente, y donde las huellas de antiguas civilizaciones siguen influyendo en la cultura contemporánea. Recordar este aniversario no significa cerrar una guerra que terminó hace más de dos mil años, sino aceptar que la historia, cuando se revisa con distancia y conciencia cultural, permite construir relatos que ayudan a comprender mejor la complejidad del mundo mediterráneo y su legado en nuestra forma de entender la política, la economía y la convivencia entre pueblos.

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Bull presenta en Cangas del Narcea el documental I Took the Road Less Traveled

by Uve Magazine
written by Uve Magazine

El músico Diego Avello, conocido como Bull, ha desarrollado su carrera entre Asturias, México y Estados Unidos, con el rock como eje central y como espacio de trabajo. Desde sus primeros pasos en Cangas del Narcea hasta su actual actividad en el circuito estadounidense, su trayectoria se ha ido construyendo a partir de desplazamientos geográficos y decisiones profesionales que han condicionado su forma de componer, de tocar y de situarse dentro del género.

Ese recorrido es el punto de partida de I Took the Road Less Traveled, un documental dirigido por Brudo Partida, que toma como base el itinerario vital y musical de Bull para articular un relato centrado en el proceso y en los contextos que lo rodean. La película acompaña al músico en distintos lugares clave de su carrera, desde Asturias hasta Estados Unidos, pasando por México, y propone una mirada sobre el trabajo musical entendido como una actividad que se desarrolla en diálogo constante con el entorno.

El documental no se presenta como una retrospectiva cerrada ni como un retrato definitivo, sino como una aproximación a una trayectoria en marcha. A través del seguimiento de Bull y de su entorno, la película sitúa el foco en cuestiones como la movilidad, la identidad cultural y el modo en que un músico europeo se abre camino en un género profundamente ligado a la tradición anglosajona. La presencia del rock como lenguaje compartido funciona aquí como hilo conductor, más allá de etiquetas o expectativas externas.

dEn el proyecto participa también L. A. Lloyd, profesional vinculado desde hace décadas a la radio de rock en Estados Unidos, que ejerce como coproductor. Su implicación aporta una visión interna del contexto musical norteamericano y del funcionamiento de un sector en el que la visibilidad, el reconocimiento y la continuidad dependen de factores diversos, tanto artísticos como industriales. El documental recoge este marco sin establecer lecturas concluyentes, dejando espacio a la observación y al diálogo.

Con motivo de este trabajo, el próximo 13 de febrero tendrá lugar un encuentro previo a la proyección del documental en Librería Treito. La cita contará con la participación de Bull, del director Brudo Partida y el co-productor L. A. Lloyd, y se plantea como una conversación abierta sobre el proceso de creación del documental, el trabajo musical en contextos distintos y la experiencia de desarrollar una carrera artística entre países, estará presentada por la editora Sandra Márquez y la redactora cultural Beatriz Menéndez Alonso, quienes guiarán el diálogo en torno al origen del proyecto y a las cuestiones que lo atraviesan.

El encuentro se enmarca dentro de las actividades culturales impulsadas por Uve Magazine y propone un espacio para compartir el origen y las claves del proyecto antes de su exhibición. Más que ofrecer una lectura cerrada sobre la película, la conversación permitirá conocer cómo se ha construido el documental, desde qué motivaciones surge y qué cuestiones pone sobre la mesa en torno a la música, el desplazamiento y el oficio artístico.

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Hammershøi en el Thyssen: la poética del silencio

by Emain Juliana
written by Emain Juliana

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta, del 17 de febrero al 31 de mayo de 2026, Hammershøi. El ojo que escucha, la primera gran retrospectiva en España dedicada a Vilhelm Hammershøi (1864–1916). Comisariada por Clara Marcellán, la exposición reúne cerca de noventa óleos y dibujos del artista —junto a obras de algunos de sus contemporáneos— y ofrece una lectura amplia y matizada de una producción breve pero singular: algo más de cuatrocientas piezas realizadas a lo largo de apenas cincuenta y un años de vida.

Hammershøi ocupa un lugar central en la pintura danesa de finales del siglo XIX y comienzos del XX, aunque su nombre quedó eclipsado durante décadas tras la consolidación de las vanguardias. Desde los años ochenta del pasado siglo, varias exposiciones internacionales han reactivado el interés por su obra, pero en España su presencia había sido hasta ahora fragmentaria. Esta retrospectiva corrige esa ausencia y permite comprender la coherencia y radicalidad de un pintor que hizo del silencio, la contención y la depuración formal un lenguaje propio.

El recorrido se abre con una obertura que sitúa los primeros años del artista. Tras su formación académica y su paso por las Frie Studieskoler, Hammershøi define muy pronto los motivos y la paleta que lo acompañarán siempre: interiores austeros, figuras ensimismadas, paisajes deshabitados y una gama restringida de blancos, grises, marrones y negros. Obras como Retrato de Ida Ilsted (1890) o Tarde en el salón. La madre y la mujer del artista (1891) muestran ya esa inclinación por escenas suspendidas, próximas al simbolismo y al esteticismo de Whistler, a quien conoció a través de grabados y de la Exposición Universal de París de 1889.

Retrato de Ida

Los retratos y figuras constituyen aproximadamente una cuarta parte de su producción y permiten reconstruir su entorno inmediato: artistas, músicos y amigos. La música, la espera o el recuerdo de un concierto se convierten en motivos recurrentes, como en El violonchelista. Retrato de Henry Bramsen. Hammershøi elimina cualquier elemento narrativo superfluo y recurre a fondos neutros que refuerzan la sensación de tiempo detenido. En Tres mujeres jóvenes (1895), Ida y sus cuñadas aparecen reunidas en una escena doméstica que parece ajena a toda anécdota.

La figura de Ida Ilsted atraviesa buena parte de la exposición. Esposa del pintor desde 1891, aparece tanto como presencia idealizada como desde una cercanía más frágil. Los retratos dobles de la pareja le sirven a Hammershøi para explorar la relación entre figuras, desde composiciones frontales de inspiración clásica hasta soluciones más complejas, como Dos figuras, donde el propio artista se representa de espaldas, separado de Ida por una mesa.

Sala de estar, madre y mujer

El núcleo más conocido de su obra, los interiores, se despliega en dos vertientes: habitaciones con figuras y espacios completamente vacíos. Las estancias de sus viviendas —especialmente el apartamento de Strandgade 30, donde vivió entre 1898 y 1909— funcionan como laboratorio pictórico. Mujeres de espaldas, puertas entreabiertas, paredes desnudas y una luz medida con precisión construyen escenas de una intensidad contenida. En los interiores vacíos, Hammershøi insiste en una misma vista, alterando mínimos detalles. En Rayos de sol o luz del sol. Motas de polvo bailando en los rayos de sol (1900), la escena se reduce a una puerta cerrada, una ventana y una luz que convierte lo cotidiano en algo casi abstracto.

Los paisajes y vistas urbanas prolongan esa misma lógica. Copenhague aparece desierta y elevada, alejada de cualquier agitación real. Plazas, edificios y calles adquieren una quietud casi irreal. También los paisajes rurales daneses, planos y sobrios, comparten esa ausencia humana, apenas interrumpida por caminos o construcciones. Sus vistas de Londres, escasas pero significativas, conectan con el simbolismo europeo, especialmente con figuras como Fernand Khnopff.

En los años finales, Hammershøi recupera el estudio del cuerpo humano en grandes desnudos y vuelve al autorretrato tras casi quince años de silencio. En 1911 se pinta pincel en mano, afirmando su condición de pintor. Poco después, instalado en Strandgade 25, continuará explorando ese lenguaje depurado hasta su muerte en 1916.

Tras su paso por Madrid, la exposición viajará a la Kunsthaus Zürich. Una oportunidad decisiva para entender a un artista que hizo de la contención una forma de intensidad y de la calma una postura radical frente a su tiempo.

Violonchelista

Vida y obra de Vilhelm Hammershøi

Vilhelm Hammershøi (Copenhague, 15 de mayo de 1864 – 13 de febrero de 1916) fue uno de los pintores daneses más singulares de finales del siglo XIX y comienzos del XX. Procedente de una familia acomodada, recibió formación artística desde joven y estudió en la Real Academia Danesa de Bellas Artes, completando su aprendizaje en las Frie Studieskoler, donde empezó a alejarse del academicismo dominante y a definir un lenguaje propio.

Desde muy temprano encontró los motivos que marcarían toda su trayectoria: interiores domésticos austeros, figuras ensimismadas, retratos sobrios y paisajes deshabitados, resueltos con una paleta muy restringida de grises, blancos, negros y marrones. Su pintura, aparentemente serena, evita la anécdota y la narración explícita, y se apoya en la luz, el espacio y la repetición de motivos para generar una tensión silenciosa. Estas características lo han vinculado tanto al simbolismo como a la tradición de los maestros holandeses del siglo XVII, así como a la obra de James McNeill Whistler, a quien conoció a través de grabados y exposiciones internacionales.

En 1891 se casó con Ida Ilsted, que se convirtió en una presencia constante en su obra, ya fuera como retrato íntimo o como figura anónima integrada en sus interiores. Ese mismo año participó en la fundación de la Frie Udstilling, un salón independiente creado como alternativa a los circuitos oficiales daneses, donde su pintura había generado rechazo y admiración a partes iguales.

Hammershøi desarrolló la mayor parte de su producción en Copenhague, especialmente en los apartamentos de la calle Strandgade, que utilizó como vivienda y estudio y que se convirtieron en el escenario casi exclusivo de sus interiores más conocidos. Aunque viajó por Europa y expuso en ciudades como París, Berlín o Londres, apenas pintó paisajes fuera de Dinamarca, con la excepción de algunas vistas londinenses de atmósfera brumosa.

Tras su muerte, su obra cayó progresivamente en el olvido, eclipsada por la irrupción de las vanguardias. No fue hasta finales del siglo XX cuando comenzó a ser redescubierta y revalorizada internacionalmente. Hoy Hammershøi es reconocido como un artista radical en su contención, capaz de transformar lo cotidiano y lo aparentemente inmóvil en una experiencia profundamente inquietante.

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EventosLos fantasmas olvidados

Donde el agua guarda nombres: El Fantasma del Pantano

by Verónica García-Peña
written by Verónica García-Peña

Dicen que el agua es una tumba paciente que espera; y mientras espera, guarda. En los pantanos de nuestra geografía, tan comunes y tranquilos a primera vista, encontramos pueblos hundidos, vidas cambiadas y nombres que jamás hallaron lugar donde reposar. Entre muros sumergidos y campanas muertas que ya no repican, surge un espectro distinto que no vaga entre la niebla. Un espectro que se agita en un nimbo líquido cuyos ojos, hechos por entero de rocío, no saben más que llorar. Se trata del fantasma del pantano.

Entre 1933 y 1970, España vivió una de las mayores oleadas de infraestructuras hidráulicas de Europa. El llamado ‘Plan Nacional de Obras Hidráulicas’ —primero de la II República y retomado con fuerza durante el franquismo— anegó pueblos enteros como Riaño, La Muedra, Mediano, Mansilla de la Sierra, Portomarín, Benagéber, y decenas más. Documentos del Instituto Geográfico Nacional y los listados oficiales de la Confederación Hidrográfica del Duero y del Ebro recogen más de 60 localidades desplazadas o sumergidas. Hubo iglesias que fueron trasladadas piedra a piedra, pero algunos de sus cementerios, en cambio, nadie los pudo mover. Muertos y casas, escuelas y comercios, que desaparecieron bajo una profundidad medida en metros y también en silencios.

Cuando el pantano de Mediano, en Huesca, baja lo suficiente —como ocurrió en los veranos de 1993, 2007 o 2022— de las tierras empapadas emerge la torre románica de la que fue su iglesia. Solitaria, desnuda, rasga el cielo con sus piedras marcadas por el desgaste incesante del agua. Los vecinos dicen que, cuando asoma, es como si el pasado se desordenara y lo que tenía que estar enterrado se despierta, como lo hacen los recuerdos. Los buenos y los malos. Todos ellos. Lo mismo sucede en Riaño Viejo, donde el cierre de la presa se produjo a finales de 1987. Las familias tuvieron solo cinco días para abandonar sus casas. Sus ruinas reaparecieron en 2017. Calles enteras volvieron como si el tiempo hubiese respirado hacia atrás y devuelto evocaciones de un ayer que es hoy imposible.

Imagen de Verónica García-Peña

Y es en estas ocasiones en las que el embalse pierde su máscara de agua y deja ver lo que en realidad esconde, cuando el fantasma del pantano aparece. No tiene nombre, porque su nombre es el de todos los que allí moran bajo una tierra eternalmente húmeda, aunque el murmullo popular, a veces, le ponga rostro. En Ávila, por ejemplo, los lugareños del pantano de El Burguillo hablan del espíritu de un capataz que pereció durante la obra. Dicen que su figura solitaria se yergue junto a lo que antes fueron los muros de una casa, ancorados sus pies en el camino hundido.

Algunos testigos como pescadores, operarios o senderistas han descrito, en diferentes entrevistas que se pueden leer en cabeceras locales como El Heraldo de Aragón o La Nueva Crónica, la misma sensación en otros lugares. La de un reflejo extraño que no armoniza con ninguna cara concreta, una sombra que no debería estar ahí y un aire frío y pastoso que no proviene del viento sino del fondo. Dicen también que, cuando aparece, el agua de los alrededores se queda completamente quieta. Como si escuchara. No es un fantasma que se acerque. Se queda inmóvil, a la espera, siempre a la espera, y señala.

Esta idea me recuerda, quizá, a La tierra de Alvargonzález, de Machado. A aquellos hermanos parricidas que arrojaron su crimen a la Laguna Negra de Soria creyendo que el agua lo sepultaría para siempre. Mas, si la literatura puede destilar la culpa en verso, los pantanos del mundo real abrazan la memoria con un fango tan espeso que jamás permite que el pasado se asiente.

Imagen de Verónica García- Peña

En Portomarín, parte del cementerio quedó bajo el agua y su historia es un rumor firme que viaja con la corriente. Cuando las aguas del Miño se retiran, dejando ver las entrañas de la tierra acuosa, se desvela el contorno difuso de lo que fue un último lugar de reposo. No es piedra lo que emerge. Es la certeza de que bajo esa capa líquida, a merced de las nimias corrientes de un agua estancada, recordación convertida en légamo, hay algo que no termina de descansar. Los vecinos, por respeto, evitan bogar sobre esa zona, sabedores de que el embalse es un hipogeo que, a veces, devuelve los nombres que un día tragó.

El fantasma del pantano nace de ese no descanso. Es el resultado de los que no pudieron salir, de los que nunca se trasladaron y permanecen allí, olvidados, y se manifiesta cuando la sequía deja ver las cicatrices del fondo. Es entonces cuando alguien asegura verlo en el límite del agua, como si aún intentara orientarse en un pueblo presentemente ahogado. A veces mira hacia un lugar concreto, como si buscara la puerta de su casa. Otras, permanece de espaldas, contemplando un horizonte que solo él conoce. Su figura es una frontera entre lo que hubo y lo que queda; entre lo que se enterró y lo que insiste en salir a flote.

Dicen que todo pantano es doble porque está lo que se ve y lo que no. Tal vez por eso este fantasma, cuando el agua vuelve a subir, se hunde con ella, paciente, como si supiera que tarde o temprano regresará, pues nada se entierra del todo en el humedal. Ni los pueblos. Ni los nombres. Ni los que, desde el fondo, siguen esperando ser recordados.

Imagen de Verónica García-Peña
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EventosMúsicaReseñas

Witch fever, Bush y Volbeat convierten Halloween en una misa del rock

by Sandra Marquez
written by Sandra Marquez

El Palacio de Vistalegre se transformó el 31 de octubre en el epicentro del rock en Madrid. Nada de fiestas temáticas ni calabazas: la noche de Halloween fue de guitarras, volumen y tres bandas que dejaron el listón altísimo —Witch Fever, Bush y Volbeat—.

Las primeras en pisar el escenario fueron las británicas Witch Fever, que salieron decididas a arrasar desde el primer acorde. Con su nuevo disco Fevereaten recién lanzado, mezclaron punk, metal y un toque de caos bien medido. Amy Walpole no paró de moverse, alternando gritos desgarrados con momentos más melódicos, en una actuación tan visceral como hipnótica. Pese a que el público aún se estaba acomodando, lograron que nadie permaneciera indiferente.

Luego llegó Bush, y el ambiente cambió por completo. Gavin Rossdale demostró que la veteranía no es sinónimo de calma: su presencia sobre el escenario fue magnética. Abrieron con Everything Zen y, desde ahí, todo fluyó. El repertorio combinó clásicos infalibles como Machinehead y Swallowed con material nuevo que sonó tan fresco como contundente. La interpretación de Glycerine en solitario fue el momento más íntimo de la noche, con el público acompañando cada verso entre luces de móvil y un silencio cómplice.

Y entonces apareció Volbeat, y el recinto se vino abajo. Desde los primeros compases de The Devil’s Bleeding Crown quedó claro que Michael Poulsen es uno de los grandes frontmen del rock actual. Canta con potencia, domina el escenario y tiene una conexión increíble con el público. A su lado, el ya no tan recién incorporado Flemming C. Lund, que también comparte escenario con Poulsen en su otra banda, Asinhell, encajó sin esfuerzo y aportó frescura y buena química.

La banda alternó clásicos como Lola Montez o Fallen con nuevos temas de God Of Angels Trust, entre ellos Demonic Depression, In the Barn of the Goat Giving Birth to Satan’s Spawn in a Dying World of Doom —con ese aire sureño que sacó lo mejor de Poulsen a nivel vocal, y By a Monster’s Hand, cuyo riff hizo temblar el recinto. En ese momento, el grupo sonó especialmente sólido, con una crudeza que recordó por qué Volbeat es una banda de directo.

Heaven Nor Hell, coreada a una sola voz por un público completamente entregado, antes de sumergirnos en una de las mejores interpretaciones de la noche The Devil Rages On, del Servant of the Mind.

Del Rewind, Replay, Rebound rescataron Die To Live, y Poulsen desplegó toda su faceta rockabilly con una voz que llenó el recinto. Fue uno de los momentos más celebrados del concierto, una mezcla perfecta entre energía, humor y virtuosismo.

El cierre fue una auténtica fiesta: Black Rose, Seal the Deal, For Evigt y, por supuesto, Still Counting y A Warrior’s Call, con miles de personas gritando “fight, fight, fight!” a todo pulmón.

Volbeat demostraron una vez más por qué son una de las bandas más queridas del metal actual. Su directo es potente, cercano y sin artificios. En Halloween no hubo trucos ni tratos, solo una gran noche de rock que dejó a todo el mundo con la misma sensación: ojalá todas las fiestas dieran tanta vida.

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Picasso y Klee en el Thyssen

by Uve Magazine
written by Uve Magazine

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza prepara para el otoño una de las exposiciones más sugerentes de los últimos años. Del 28 de octubre de 2025 al 1 de febrero de 2026 se mostrará en Madrid Picasso y Klee en la colección de Heinz Berggruen, un recorrido de medio centenar de obras que permitirá asistir a un diálogo artístico de enorme intensidad entre dos creadores fundamentales del siglo XX y, al mismo tiempo, recuperar la figura de uno de los coleccionistas más influyentes del pasado siglo: Heinz Berggruen.

El proyecto nace de la colaboración con el Museum Berggruen de Berlín, institución que custodia el legado reunido por el marchante alemán y que, durante la remodelación de su sede, ha impulsado desde 2022 una serie de itinerancias internacionales en Japón, China, Australia y varias ciudades europeas. Madrid se suma ahora a esa lista, acogiendo un conjunto de piezas que permiten mirar de nuevo a Picasso y Klee desde la perspectiva de un coleccionista que los consideraba no solo esenciales en la historia del arte moderno, sino también complementarios en sus búsquedas creativas.

La muestra, comisariada por Paloma Alarcó y Gabriel Montua, se articula en torno a cuatro grandes núcleos temáticos: retratos y máscaras, paisajes, objetos y arlequines y desnudos. En cada sección se ponen en paralelo obras de ambos artistas que, pese a sus diferencias de temperamento, revelan afinidades profundas. Picasso aparece como un creador terrenal, excesivo, sensual, con una energía meridional que lo lleva a deformar la realidad con una audacia desbordante. Klee, en cambio, se nos presenta como un artista introspectivo, espiritual, cargado de un lirismo intelectual que transforma cada motivo en metáfora. Y, sin embargo, ambos comparten un mismo espíritu de experimentación, un interés por lo grotesco y lo satírico, por la distorsión del cuerpo humano, por la caricatura como herramienta para desvelar verdades ocultas.

Los retratos y máscaras ocupan un lugar central en este diálogo. En el caso de Picasso, las deformaciones que aplica a las figuras femeninas, como en sus representaciones de Dora Maar, muestran hasta qué punto concibió el retrato no como reproducción fiel de la apariencia, sino como un campo de metamorfosis en el que lo grotesco se convierte en revelación. La influencia de las máscaras africanas y oceánicas se advierte en obras como los estudios para Las señoritas de Aviñón, donde el artista hallaba un potencial mágico y transformador. Klee, por su parte, llevó su fascinación por los rostros enmascarados hacia una investigación de lo invisible. Inspirado por el museo etnográfico de Múnich y los teatros de marionetas, buscaba reflejar aquello que permanece oculto tras la superficie, a menudo mediante un grafismo de apariencia ingenua que sin embargo revela una carga inquietante, como en Dama con lacre o La señora R. viajando por el sur.

El paisaje constituye otro de los territorios de encuentro. Para Picasso fue un campo de experimentación decisivo en la gestación del cubismo, con ejemplos célebres como las panorámicas de Horta del Ebro. Aunque no cultivó el género con la misma constancia, algunas piezas incluidas en la exposición, como Naturaleza muerta delante de una ventana, Saint-Raphaël o Vista de Saint-Malo, muestran su capacidad para reinventar la tradición. En el caso de Klee, el viaje a Túnez en 1914 marcó un punto de inflexión. Allí encontró la clave para un lenguaje que ya no buscaba imitar la naturaleza, sino dialogar con ella en un plano más profundo. Obras como Ciudad de ensueño o Casa giratoria revelan cómo integró influencias cubistas en un mundo visual propio, hecho de geometrías flotantes y arquitecturas oníricas.

El terreno de la naturaleza muerta, o de las cosas, se presenta como otro espacio de afinidad. Si en el siglo XVII este género remitía a la fugacidad de la vida, en el siglo XX Picasso y Klee lo convirtieron en un laboratorio formal. Picasso, influido por Cézanne, fragmentó la materia y el espacio, e introdujo objetos reales en sus composiciones para fundir lo representado con lo tangible. Su Naturaleza muerta con racimo de uvas de 1914, con periódicos y serrín incorporados a la tela, marca el nacimiento del cubismo sintético. Klee, en cambio, buscó la esencia de los objetos en su estructura interna, defendiendo que su verdadero ser iba más allá de lo visible. Obras como Porcelana china o Flor y fruta revelan esa voluntad de captar un dinamismo orgánico en elementos aparentemente inanimados.

La sección final reúne arlequines y desnudos, dos universos que Picasso abordó de manera obsesiva a lo largo de su vida. Desde los Dos bañistas de 1921 hasta Silenos con danzantes de 1933, pasando por sus múltiples arlequines —entre ellos el célebre Arlequín sentado de 1905—, se despliega un repertorio de cuerpos fragmentados, sensuales, teatrales. El circo y el desnudo aparecen como escenarios donde la vitalidad y la vulnerabilidad se entrelazan. Klee se acercó al mundo circense desde una óptica distinta, en la que la figura humana se funde con la arquitectura y el color, como en Arlequín en el puente o Despertar, donde la silueta reclinada parece integrarse con el fondo en un todo armónico.

La exposición no es solo una oportunidad de contemplar obras maestras, sino también de entender el papel decisivo de Heinz Berggruen. Nacido en Berlín en 1914 y exiliado durante el nazismo, trabajó en el San Francisco Museum of Art y colaboró con Diego Rivera antes de regresar a Europa tras la guerra. En París abrió en 1948 su primera galería y, más tarde, la célebre Galerie Berggruen & Cie. Durante décadas fue una figura clave en el mercado internacional, rescatando obras de colecciones privadas y acercándolas a mecenas contemporáneos. A partir de los años ochenta se volcó en el coleccionismo personal, con una clara preferencia por Picasso y Klee. Su colección fue adquirida en el año 2000 por el gobierno alemán, dando lugar al Museum Berggruen, parte de la Nationalgalerie. El paralelismo con Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza, cuya colección también acabó en manos de un Estado, es evidente: ambos entendieron el coleccionismo no solo como acumulación de bienes, sino como una forma de transmisión cultural al servicio del público.

Que hoy Madrid acoja esta selección significa recuperar no solo la huella de dos de los artistas más influyentes de la modernidad, sino también el gesto generoso de un coleccionista que supo ver en ellos los pilares de una época. En sus memorias, Berggruen los definió como “los dos creadores fundamentales de la primera mitad de nuestro siglo”. La exposición confirma esa convicción, mostrando cómo dos lenguajes distintos podían coincidir en la misma voluntad de transformación: alterar las formas para revelar lo invisible, deformar lo humano para acercarse a lo esencial, convertir lo trivial en un campo de descubrimiento.

Los visitantes encontrarán en el Thyssen no solo cuadros célebres como Dora Maar con uñas verdes, Mujer con lacre o Arlequín sentado, sino también la oportunidad de comprender cómo la pintura del siglo XX fue capaz de reinventar el modo de mirar. El humor corrosivo de Picasso y la delicadeza metafórica de Klee se dan la mano en una muestra que es, más que una confrontación, una conversación sin tiempo.

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Warhol y Pollock, juntos en el Thyssen

by Uve Magazine
written by Uve Magazine

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta del 21 de octubre de 2025 al 25 de enero de 2026 la exposición «Warhol, Pollock y otros espacios americanos», comisariada por Estrella de Diego. La muestra reúne más de un centenar de obras de Andy Warhol y Jackson Pollock, dos figuras fundamentales del arte del siglo XX, junto a creadores como Lee Krasner, Helen Frankenthaler, Marisol Escobar, Sol LeWitt, Cy Twombly y Robert Rauschenberg. Procedentes de más de treinta instituciones de Norteamérica y Europa, muchas de estas piezas nunca han sido vistas en España.

Warhol y Pollock, en apariencia opuestos, coincidieron en su interés por revisar la tradición pictórica, cuestionar la relación entre figura y fondo y explorar nuevas estrategias espaciales. El recorrido revela a un Pollock no siempre definido como “maestro abstracto” y a un Warhol más complejo que el artista desapasionado de la cultura de masas. Ambos, desde registros distintos, trastocaron la noción de fondo y figura y desarrollaron estrategias de ocultamiento y camuflaje en sus proyectos pictóricos, donde a menudo aparecen huellas autobiográficas.

La exposición, organizada con la colaboración de la Comunidad de Madrid y el Ayuntamiento de Madrid, se articula en seis capítulos que muestran los diálogos entre abstracción y figuración, más allá de las etiquetas tradicionales. El primero confronta los inicios figurativos de Pollock y Krasner con dos versiones de la célebre Coca-Cola de Warhol. La sección Rastros y vestigios reúne obras de artistas como Audrey Flack, Marisol Escobar, Anne Ryan, Perle Fine y Rauschenberg, donde la figuración aparece fragmentada y camuflada. En El fondo como figura destacan piezas icónicas de Warhol como Liz en plata como Cleopatra (1963), Un solo Elvis (1964) y Jackie II (1966).

El apartado Repeticiones y fragmentos se centra en la serialidad y las duplicaciones de Warhol con series como Flores, Calaveras, Sillas eléctricas y los célebres accidentes automovilísticos, entre ellos Choque óptico de automóviles (1962) y Desastre blanco I (1963). Espacios sin horizontes presenta ocho pinturas oxidadas de Warhol junto a dos piezas de Helen Frankenthaler, en un diálogo con las últimas obras de Pollock. La muestra concluye con El espacio como metafísica, dedicado a la serie Sombras de Warhol (1978-79), que se enfrenta a Sin título (Verde sobre morado) (1961) de Mark Rothko en un encuentro marcado por la ausencia y la desmaterialización de la figura.

Con este proyecto, el Thyssen propone una nueva lectura de dos artistas clave del siglo XX y de sus contemporáneos, mostrando cómo, desde diferentes posiciones, compartieron una misma obsesión por reinventar el espacio pictórico y transformar radicalmente la relación entre abstracción y figuración.

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