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Arte

Arte

La fotografía espiritual. Capturando lo invisible

by Emain Juliana 17/10/2023
written by Emain Juliana

La historia de la fotografía espiritual abarca más de un siglo y ha supuesto una profunda influencia en el ámbito de la creencia en lo paranormal. Desde sus orígenes en el siglo XIX, se ha vinculado estrechamente con la noción de que las cámaras poseen la capacidad de capturar no solamente la apariencia física de las personas, sino también la esencia de sus almas y la presencia de los fallecidos.

.La idea de que una imagen pudiera capturar no solo la apariencia física de una persona, sino también su alma, era poderosa. Esto llevó al surgimiento de la fotografía post-mortem, una práctica que implicaba tomar retratos de personas fallecidas. Estos retratos eran a menudo la última imagen de un ser querido antes de partir y se creía que preservaban el alma del difunto.

Además de los retratos post-mortem, la fotografía espiritual también estuvo influenciada por el movimiento espiritista que ganó popularidad en ese momento.

El espiritismo, afirmaba que los seres humanos podían comunicarse con los espíritus de los difuntos a través de las médiums durante las sesiones espiritistas. La fotografía espiritual se convirtió en una herramienta importante para respaldar y validar estas creencias. Durante las sesiones, médiums y fotógrafos colaboraron para intentar capturar imágenes de espíritus. Estas imágenes se consideraron pruebas de contacto con el más allá.

Uno de los pioneros de la fotografía espiritual fue William H. Mumler, quien afirmaba poder capturar imágenes de espíritus en sus fotografías. Su notoriedad creció cuando él mismo apareció en una de sus propias imágenes junto a lo que afirmaba ser el espíritu de una prima fallecida. A pesar de ser acusado de fraude, Mumler fue absuelto, pero su trabajo sigue siendo objeto de controversia.

Fotografía espiritual fue William H. Mumler, Mary Todd Lincoln con el fantasma de su marido, Abraham Lincoln

La era de la Fotografía Espiritual en el siglo XX

A medida que avanzaba el siglo XX, la fotografía espiritual continuó evolucionando. Surgieron nuevas técnicas y enfoques para capturar lo espiritual en una imagen. La fotografía de auras se volvió popular, Semyon Kirlian afirmaba poder capturar la energía espiritual que rodea a las personas sin cámaras ni película fotográfica mediante una placa de descargas, un campo eléctrico y una fuente de alto voltaje. Aunque estos conceptos eran ampliamente debatidos ya menudo se consideraban pseudociencia, demostraron la continua fascinación de la sociedad por la conexión entre la fotografía y la espiritualidad.

En la misma línea, la fotografía de fantasmas y fenómenos paranormales se volvió cada vez más popular. Las imágenes de supuestos fantasmas y actividad paranormal se difundieron ampliamente, y algunos afirmaron que estas imágenes proporcionaron pruebas sólidas de la existencia de lo sobrenatural. Sin embargo, muchas de estas imágenes también fueron objeto de escrutinio y escepticismo.

Acusaciones de fraude y controversia

En el transcurso de la historia de la fotografía espiritual, ha habido numerosas acusaciones de fraude. Muchas de las imágenes de espíritus y fenómenos paranormales se han revelado como trucos fotográficos o manipulaciones. Los fotógrafos espirituales y los médiums han sido objeto de escrutinio y escepticismo por parte de investigadores y críticos que cuestionan la autenticidad de sus afirmaciones.

William Hope (1863-1933) se convirtió en una figura prominente en el mundo de la fotografía espiritista en la primera mitad del siglo XX y fundó el Crewe Circle, un grupo de personas interesadas en la comunicación con los espíritus a través de la fotografía.

William Hope tomó numerosas fotografías que, según él, mostraban evidencia de la existencia de espíritus. Estas imágenes incluían retratos de personas vivas junto a lo que afirmaba ser la aparición de seres queridos fallecidos. Hope argumentaba que sus fotografías eran pruebas concretas de la comunicación con el más allá y que no podían explicarse mediante trucos fotográficos o manipulaciones.

Sin embargo, las actividades de William Hope y su trabajo fueron objeto de controversia y escepticismo desde el principio. Muchos críticos y expertos en fotografía argumentaron que las imágenes de Hope eran el resultado de técnicas de doble exposición y manipulación de negativos. En particular, se creía que Hope utilizaba negativos preparados previamente con imágenes de espíritus y luego los combinaba con retratos de las personas vivas para crear la ilusión de una aparición espiritual en la fotografía.

Poco a poco crecía la sospecha sobre la autenticidad de su trabajo y en 1922, la Sociedad de Investigación Psíquica llevó a cabo una investigación en la que concluyó que las fotografías de William Hope eran el resultado de fraudes deliberados.

Eva Carrière fue una famosa médium francesa que se asoció con el investigador y fotógrafo espiritual Albert von Schrenck-Notzing. Juntos realizaron sesiones fotográficas en las que afirmaban capturar de espíritus en forma de ectoplasma. Estas imágenes han sido ampliamente criticadas y consideradas fraudulentas, ya que se cree que se trataba de trucos y engaños.

Ted Serios (1918-2006): Aunque no era un fotógrafo en el sentido tradicional, Ted Serios afirmaba tener la capacidad de proyectar imágenes desde su mente a través de una cámara, un fenómeno conocido como “fotografía mental”. Sus supuestas habilidades fueron objeto de investigaciones científicas, pero también suscitó controversias y escepticismo.

Fotografía espiritual de William Hope

A lo largo de la historia, la fotografía espiritual ha sido una fascinación constante y una forma de explorar la conexión entre lo físico y lo espiritual. Si bien muchas de las prácticas y técnicas asociadas con esta forma de fotografía han sido objeto de escepticismo y debate, su impacto en la cultura y la espiritualidad no puede negarse. La persistente fascinación por la conexión entre la fotografía y la espiritualidad nos recuerda la profunda influencia que esta forma de arte tiene en nuestras vidas.

A medida que avanzamos en la era digital, la fotografía continúa siendo una herramienta poderosa para capturar no solo la apariencia exterior de las personas, sino también su alma interior, explorando preguntas eternas sobre la esencia humana y nuestra relación con lo desconocido.

17/10/2023 0 comments
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Arte

Picasso, lo sagrado y lo profano

by Uve Magazine 02/10/2023
written by Uve Magazine

Del 4 de octubre de 2023 al 14 de enero de 2024, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta “Picasso, lo sagrado y lo profano”, última exposición vinculada a la Celebración Picasso 1973/2023, bajo la comisaría de Paloma Alarcó. Ubicada en las salas 53 a 55, esta muestra explora la audaz y aproximación original de Picasso hacia el arte clásico y temas de tradición judeocristiana, demostrando su habilidad para integrar y reflexionar sobre el arte previo y la esencia de la pintura. Picasso fusionó lo divino con lo humano, intuyendo una dimensión sagrada en las expresiones artísticas desde tiempos ancestrales, ofreciendo interpretaciones innovadoras del arte pasado y claves para el mundo contemporáneo.

El arte para Picasso fue una herramienta para enfrentar temores y desafíos humanos. Se veía a sí mismo como un chamán, capaz de transformar el mundo visible, sirviendo como puente entre culturas, arte y espectadores, desdibujando límites entre lo sagrado y profano.

La exposición cuenta con 38 obras, 22 de Picasso. A las piezas del Thyssen, se suman préstamos del Musée national Picasso-Paris y otros coleccionistas, incluyendo obras de El Greco, Rubens, y más. La muestra abarca tres décadas del artista, estableciendo diálogos sobre su interpretación personal de temas tradicionales europeos y españoles. Destacan su fusión de mitos y rituales paganos con cristianos, abordando temáticas universales como vida, muerte y violencia. La exposición se divide en tres temáticas: “Iconofagia”, que aborda su apropiación del pasado artístico; “Laberinto personal”, centrado en la reinterpretación de mitos clásicos, y “Ritos sagrados y profanos”, explorando su relación con rituales y alegorías cristianas.

FICHA DE LA EXPOSICIÓN

Título: Picasso, lo sagrado y lo profano

Organizador: Museo Nacional Thyssen-Bornemisza con el apoyo de la Comisión Nacional para la Conmemoración del 50 aniversario de la muerte de Pablo Picasso y el excepcional apoyo del Musée national Picasso-Paris

Patrocinio Celebración Picasso 1973/2023: Telefónica/ACE

Sede y fechas: Madrid, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, del 4 de octubre de 2023 al 14 de enero de 2024

Comisaria: Paloma Alarcó, jefe de conservación de Pintura Moderna del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Número de obras: 38

Publicaciones: Catálogo con texto de Paloma Alarcó

02/10/2023 0 comments
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AgendaArteEventos

Exposiciones. Maestras

by Uve Magazine 04/09/2023
written by Uve Magazine

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta la exposición Maestras, comisariada por Rocío de la Villa, que ofrece un recorrido por las contribuciones artísticas de creadoras desde finales del siglo XVI hasta las primeras décadas del siglo XX. La exposición consta de más de un centenar de piezas, incluyendo pinturas, esculturas, obras sobre papel y textiles, y está enmarcada en una perspectiva feminista.

Judit y su criada, 1618-1619

La muestra se estructura en ocho secciones que exploran diferentes aspectos de la contribución de las mujeres al mundo del arte:

  1. Sororidad I. La causa delle donne: Esta sección aborda el debate en Europa sobre la capacidad intelectual y los derechos de las mujeres desde finales del siglo XIV hasta la Revolución francesa. Destaca la obra de artistas del norte de Italia que narran la historia de figuras femeninas fuertes.

  2. Botánicas, conocedoras de maravillas: Explora el papel de las artistas en el género de la naturaleza muerta y el bodegón con insectos, destacando su capacidad de observación y conocimientos científicos.

  3. Ilustradas y académicas: En la época de la Ilustración en Francia, las mujeres artistas participaron activamente en la escena cultural y artística, centrándose en géneros como el retrato y la pintura de género.

  4. Colonialismo/ Orientalismo/ Costumbrismo: Examina la influencia del colonialismo en el arte y cómo las artistas aportaron perspectivas diferentes y más dignas a la representación de otras culturas.

  5. Trabajos, cuidados: Muestra la representación de mujeres trabajadoras en diferentes oficios y profesiones, destacando la interacción entre ellas en sus obras.

  6. Nuevas maternidades: Aborda la representación de la maternidad desde la perspectiva de las propias mujeres, alejándose del discurso patriarcal del “ángel del hogar”.

  7. Sororidad II. Complicidades: Explora la representación de la amistad entre mujeres en situaciones de complicidad y momentos compartidos.

  8. Emancipadas: Examina la contribución de las artistas a los movimientos vanguardistas entre 1900 y 1937, resaltando su independencia y creatividad.

La exposición destaca el papel de estas mujeres artistas, algunas de las cuales fueron reconocidas en su tiempo pero luego borradas de la historia del arte. Además, se enfoca en la sororidad y la colaboración entre artistas, mecenas y galeristas que compartieron valores y condiciones socioculturales favorables a pesar del sistema patriarcal. Esta muestra es parte de la redefinición feminista en curso en el Museo Thyssen y cuenta con el patrocinio de Carolina Herrera.

Tras su presentación en Madrid, una versión reducida de la exposición estará disponible en el Arp Museum Bahnhof Rolandseck de Remagen, Alemania. Maestras resalta la importancia de reconocer y celebrar la contribución de las mujeres al mundo del arte a lo largo de la historia.

Sedes y fechas: Madrid (España), Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, del 31 de octubre de 2023 al 4 de febrero de 2024; Remagen (Alemania), Arp Museum Bahnhof Rolandseck, del 25 de febrero al 16 de junio de 2024.

Dirección: Paseo del Prado, 8. 28014, Madrid. Salas de exposiciones temporales, planta baja.

Horario: De martes a domingo, de 10 a 19 horas; sábados, de 10 a 21 horas. Lunes cerrado.  

04/09/2023 0 comments
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ArteSin categoría

La primera colección de NFTs

by Emain Juliana 08/08/2023
written by Emain Juliana

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y Olyverse, una plataforma vanguardista de entretenimiento que une a aficionados y celebridades en un metaverso de experiencias inmersivas y arte en forma de NFT exclusivos, han anunciado un acuerdo sin precedentes en Madrid el 19 de julio de 2023. Esta colaboración pionera fusiona el mundo del arte tradicional con tecnologías disruptivas, marcando un hito en la evolución artística.

 

Imagen proporcionada por El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

El acuerdo propicia el lanzamiento de una experiencia inmersiva sin igual en el museo, donde los visitantes no solo podrán disfrutar de la muestra digital “Les Vessenots en Auvers” de Van Gogh, sino también sumergirse en el metaverso para explorar una experiencia artística sin igual. El Museo Thyssen-Bornemisza se convierte así en precursor en España al integrar tecnología blockchain y arte, democratizando el acceso a nuevos formatos y abriendo las puertas hacia el futuro junto a Olyverse. Esta alianza revoluciona la presentación artística al público, fusionando lo tradicional con lo digital de manera inédita.

Este emocionante proyecto permite a cien coleccionistas poseer una obra certificada de Van Gogh, con cada una de las cien piezas de “Les Vessenots en Auvers”, para experimentarla de un modo completamente renovado. Estos activos digitales están disponibles en la plataforma de Olyverse, respaldados por blockchain para garantizar la autenticidad y unicidad de cada pieza, certificados directamente por el museo. La oferta se extenderá a otros mercados, como el NFT Marketplace de Telefónica.

La rueda de prensa de presentación contó con la aclamada actriz Cayetana Guillén Cuervo y figuras clave como Carlos Grenoir, CEO de Olyverse, Evelio Acevedo, director gerente del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, y Guillermo Solana, director artístico del museo. Según Grenoir, esta colaboración emocionante fusiona arte tradicional y digital de forma espectacular, acercando así el arte al mundo 3.0 digital.

Acevedo, por su parte, expresó el entusiasmo del museo al asociarse con Olyverse, una empresa líder en la innovación artística basada en NFT. Destacó que esta colaboración ofrece la oportunidad de difundir la emoción artística a nivel global a través de los Non-Fungible Tokens, presentando la colección única del museo a una comunidad más digital.

Una mesa redonda posterior exploró cómo la tecnología se adapta a distintos aspectos de la vida, como el arte, el deporte y los negocios, con la participación de figuras destacadas del mundo tecnológico y artístico.

Esta alianza innovadora entre el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y Olyverse marca el inicio de una aventura revolucionaria, donde el arte tradicional se integra en el metaverso, y el metaverso se hace accesible desde una institución de renombre. Con casi 900 obras de arte de la familia Thyssen-Bornemisza, el museo es hogar de una colección pictórica de renombre mundial, que abarca desde el siglo XII al XX.

Esta colaboración sin precedentes entre el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y Olyverse fusiona arte y tecnología en una experiencia inmersiva única, permitiendo a los coleccionistas y aficionados explorar nuevas dimensiones del arte y el entretenimiento en el metaverso. Esta alianza representa un emocionante paso hacia el futuro de la cultura y la creatividad.

08/08/2023 0 comments
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ArteSin categoría

Nosferatu. Sinfonía del horror

by Uve Magazine 19/07/2023
written by Uve Magazine

Durante las décadas de 1920 y 1930, el cine alemán experimentó una de las épocas más innovadoras y prolíficas de su historia, durante este periodo, los cineastas alemanes desarrollaron una serie de técnicas cinematográficas revolucionarias y produjeron obras maestras que todavía son reconocidas y estudiadas en la actualidad. Se caracterizó por su estilo visual audaz, temáticas oscuras y psicológicas, y una representación distorsionada de la realidad. Los cineastas expresionistas alemanes utilizaron la estética para explorar los miedos y ansiedades de la sociedad posterior a la Primera Guerra Mundial que además se vio asolada por el hambre generalizada y una pandemia de gripe que, según se estima, segaron la vida de más de 50 millones de personas.

Ejemplos destacados del cine expresionista alemán incluyen El gabinete del Dr. Caligari (1920) dirigida por Robert Wiene y Nosferatu (1922) dirigida por FW Murnau.

Ambos films presentan escenografías angulosas, sombras exageradas y contrastes marcados entre luces y sombras para crear un ambiente de pesadilla.

Nosferatu es una adaptación no autorizada de la novela Drácula de Bram Stoker, Murnau realizó bastantes cambios respecto a la novela, tanto en los nombres de los protagonistas como en algunos aspectos de la trama para evitar problemas legales con la viuda de Stoker, pero de manera totalmente infructuosa, ya que en 1925, Florence Stoker logró que las autoridades judiciales ordenaran la destrucción de todas las copias de Nosferatu, en base a que se demostró que  el guión estaba basado en la obra maestra de su marido fallecido en 1912. Afortunadamente, algunas copias sobrevivieron y Nosferatu ha sido aclamada y estudiada desde entonces.

La película hoy día es considerada un clásico  y una de las primeras películas de vampiros de la historia del cine.

La trama de Nosferatu narra la historia de  Thomas Hutter, un agente inmobiliario, que viaja al remoto castillo del Conde Orlok (un alter ego de Drácula) en los Cárpatos para finalizar una venta de propiedades. A medida que Hutter pasa tiempo en el castillo, descubre que el conde es en realidad un vampiro sediento de sangre. Después de escapar del castillo, Hutter regresa a su ciudad natal, pero el conde Orlok lo sigue y siembra el caos y la muerte por allá donde pasa. La historia se centra en la lucha de Thomas Hutter por detener a Orlok antes de que sea demasiado tarde.

El film es conocido por su atmósfera inquietante y su estilo visual expresionista. Murnau desarrolló una variedad de técnicas cinematográficas innovadoras para crear un ambiente terrorífico. La escenografía de la película presenta paisajes angulosos y distorsionados, y se utilizan sombras y luces contrastantes para acentuar el suspenso y el horror. El maquillaje y la puesta en escena de Max Schreck, quien interpretó brillantemente al Conde Orlok, también contribuyó a ser recordado por su apariencia monstruosa y memorable.

Esta obra maestra de Murnau sentó las bases para la exhibición cinematográfica de los vampiros y estableció muchos de los elementos icónicos que se asocian con ellos en la actualidad. La figura espeluznante y alargada de Max Schreck como el Conde Orlok se ha convertido en una imagen icónica del género del horror y ha influido en numerosas cineastas y películas posteriores.

19/07/2023 0 comments
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ArteEventos

Encuentros: obras de la Colección TBA21

by Uve Magazine 31/05/2023
written by Uve Magazine

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza en colaboración con TBA21 Thyssen-Bornemisza Art Contemporary presenta, entre el 31 de mayo y el 8 de octubre de 2023, «Encuentros: obras de la Colección TBA21», un montaje especial en las salas 30 a 52 de la primera planta que escenifica un prolífico diálogo entre la recién reinstalada colección de arte moderno del museo y más de veinticinco obras de la Colección TBA21. Estos «Encuentros» ponen de manifiesto la pasión coleccionista de cuatro generaciones de la familia Thyssen y examinan las narrativas y sensibilidades transhistóricas que se dan cita en sus respectivas colecciones.

El recorrido sugiere nuevas conexiones entre la creación artística de distintos períodos y culturas. Este intercambio de miradas entre artistas visuales muy distanciados en el tiempo evidencia que no solo los estilos y modos de expresión cambian, sino también la propia concepción de la figura humana, del género, así como las ideas sobre identidad, naturaleza y cultura.
Las yuxtaposiciones de obras que tienen lugar en «Encuentros» proponen a los visitantes visiones alternativas que demuestran la capacidad que tiene el museo de abrirse a diferentes formas de entender e interpretar el mundo. La contemplación de las obras invitadas de la Colección TBA21 que presentamos enriquecerá el conocimiento de propuestas artísticas más recientes, de nombres destacados como Ai Weiwei, Sarah Lucas, Regina de Miguel, Cindy Sherman, Álvaro Urbano o Andrea Fraser, entre otros, y ampliará la comprensión y valoración de las obras de la colección del museo con impresiones diversas.

Más información:
Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

31/05/2023 0 comments
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ArteEventosLiteratura

Indómitas

by Uve Magazine 02/05/2023
written by Uve Magazine

La Feria del Libro de Madrid se prepara para acoger Indómitas, una iniciativa en la que el arte es el denominador común, organizada por el festival POETAS. La muestra contará con la participación de 22 editoriales que se encuentran fuera de los circuitos comerciales habituales.

La Feria del Libro de Madrid, que se celebrará los días 26, 27 y 28 de mayo, será el escenario perfecto para que los visitantes puedan disfrutar de un espacio en el que se darán cita la creatividad, la innovación y las nuevas narrativas. La muestra ocupará una estructura modular abierta de 8x10m y será una oportunidad única para conocer iniciativas nacionales e internacionales que explorarán formatos como el fanzine, la revista ensamblada o el libro de artista.

En palabras de Pep Olona, ​​coordinador del festival POETAS y de Arrebato Libros, uno de los sellos que participan en Indómitas: «Estamos muy felices de abrir ahora esta nueva puerta junto con la Feria del Libro de Madrid, para que, por primera vez, estas editoriales, que son otra forma de ver la producción editorial, también están presentes en un evento de gran escala y que permiten ampliar la visión del público a la Feria».

La presencia de estas editoriales en la Feria del Libro de Madrid es una muestra de la apertura de la feria hacia nuevas tendencias y formas de entender el libro y la cultura en general. Como explica Eva Orúe, directora de la Feria del Libro de Madrid, la feria es la casa de las editoriales, y en esta edición acogerá a más de mil editoriales españolas, incluyendo aquellas que tienen menos títulos y las que tienen más de 700 títulos.

Además, la presencia de Indómitas en la Feria del Libro de Madrid es una oportunidad para descubrir editoriales difíciles de “sujetar o amansar”, como las que participarán en este evento. Se trata de editoriales que expanden el concepto de libro y que, en un fin de semana, Indómitas nos mostrará que no hay libro que no pueda hacerse si hay un editor dispuesto a transgredir los límites.

La muestra ocupará una estructura modular abierta de 8x10m durante el primer fin de semana.

Indómitas’
(Feria del Libro de Madrid, del 26 al 28 de mayo)

NACIONALES

Libros de artista:

1.- ROBERTO EQUISOAIN & DESIREE RUBIO https://robertoequisoain.com y http://rubiodemarzo.com (Zaragoza y Madrid)

Revistas ensambladas:

2.- LA MÁS BELLA www.lamasbella.es (Madrid)

3.- LA LATA www.lalata.es (Albacete)

Fanzines:

4.- Almacén de análisis www.almacendeanalisis.com (Madrid)

5.- Kit Caníbal www.kitcanibal.com (Madrid)

6.- Las Ciervas https://www.rubenbarroso.com/art-books-shop/las-ciervas-revista-ilustrada-hecha-a-mano (Cáceres)

7.- El Naufraguito https://www.elnaufraguito.com (Barcelona)

8.- Mancebía Postigo https://mancebiapostigo.tumblr.com/laeditorial (Barcelona)

Editoriales:

9.- Alkibla www.alkibla.net (Madrid)

10.- Cabeza de Chorlito www.cabezadechorlito.net (Madrid)

11.- L.U.P.I. LA ÚNICA PUERTA A LA IZQUIERDA https://launicapuertaalaizquierda.es (Bilbao)

12.- Media Vaca https://www.mediavaca.com (Valencia)

13.- Meninas Cartoneras https://meninascartoneras.com (Madrid)

14.- Cartonera del escorpión azul https://cartoneradelescopionazul.blogspot.com (Madrid)

15.- Fuera d Carta http://fueradcarta.info (Málaga)

16.- Piedra papel Libros https://piedrapapellibros.com (Madrid)

17.- Arrebato Libros https://www.arrebatolibros.com (Madrid)

INTERNACIONALES

18.- ÁLBUM DEL UNIVERSO BAKTERIAL  https://www.aub.pe/inicio.html (Lima, Perú)

19.- EDICIONES DOCUMENTA https://edicionesdocumenta.com.ar/editorial (Buenos Aires, Argentina)

20.- UGLY DUCKLING PRESSE  https://uglyducklingpresse.org (Nueva York, Estados Unidos)

21.- PEZ EN EL HIELO https://pezenelhielo.wordpress.com (Montevideo, Uruguay)

22.- HAMBRE / SALVAJE / JARDÍN https://nada.com.co/EDITORIALES (Bogotá, Colombia)

02/05/2023 0 comments
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AgendaArte

#Versiona Thyssen. Decimosexta edición

by Uve Magazine 11/04/2023
written by Uve Magazine

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza ha lanzado la decimosexta edición de #VersionaThyssen, un concurso que invita a jóvenes de entre 16 y 35 años a reinterpretar algunas de las obras de la colección del museo. La iniciativa cuenta con la colaboración de la Comunidad de Madrid y UNIQLO LifeWear.

El concurso se llevará a cabo en varias convocatorias a lo largo del año, y la primera de ellas ya ha comenzado. Hasta el 7 de mayo, los participantes pueden compartir su creación en Instagram bajo el hashtag #VersionaThyssen y optar así a uno de los seis premios que van desde 500 a 1.000 euros, así como ventajas en el museo.

Además, se otorgarán dos premios especiales al finalizar todas las convocatorias del año. Uno de ellos consiste en un cheque de 3.000 euros, mientras que el otro es una residencia artística de uno a tres meses, preferiblemente en Berlín o Barcelona, ​​financiada por PRIOR Art Space.

La edición actual ofrece a los participantes seis obras de la colección del museo para versionar. Las obras elegidas son: Retrato de una dama hilando (hacia 1531), de Maerten van Heemskerck; El columpio (hacia 1750-1752), de Jean-Honoré Fragonard; Autorretrato con gorra y dos cadenas (hacia 1642 – 1643), de Rembrandt Harmensz van Rijn; Toms River (1905), de John Frederick Peto; Ninfa en una fuente (reverso: Pan persiguiendo a una ninfa) (1855), de Arnold Böcklin, y Muchacha sentada (Poldi Lodzinsky) (hacia 1910), de Egon Schiele.

Toms River (1905)

Durante este año, #VersionaThyssen tendrá otras dos ediciones: del 1 de junio al 2 de julio y del 11 de septiembre al 21 de octubre.
Toda la información relevante sobre el concurso puede encontrarse en la web del museo: https://www.museothyssen.org/concurso-versionathyssen

11/04/2023 0 comments
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ArteEntrevistas

ENTREVISTA Helena Toraño Caso

by Emain Juliana 10/03/2023
written by Emain Juliana

En el segundo número de la revista Uve Magazine, conversamos con la artista plástica Helena Toraño, aquí os dejamos parte de la entrevista.

Arranquemos volviendo la vista atrás, ¿cómo nace tu interés por el arte?

Desde muy pequeñina empecé a disfrutar mucho dibujando y pintando, y mis primeros recuerdos ya incluyen lápices de colores y libretas. En casa siempre hubo libros de arte: Botticelli, Van Gogh, Gauguin, Tamara de Lempicka… ¡Me encantaba mirar las reproducciones de sus obras! Además, mis padres nos llevaban a mí y a mis hermanas a ver exposiciones y museos, así que creo que mi interés por el arte nace gracias a ellos, que nos educaron en el amor y el respeto por la cultura.

¿Recuerdas el momento determinante en el que consideraste seriamente dedicarte de pleno a la pintura?

Esa siempre fue mi intención.

A los dieciséis años me fui a vivir a Gijón para estudiar el bachiller artístico en la Universidad Laboral (en Llanes, de donde soy, no existía esa especialidad) y luego me licencié en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco en 2007.

Estuve unos cuantos años compaginando trabajos muy diversos con proyectos artísticos y exposiciones, pero en 2014, cuando me concedieron el Premio Asturias de Artes Plásticas del Principado, decidí probar suerte y enfocar toda mi energía y mi tiempo en hacer lo que siempre había querido: pintar.

«Me identifico bastante con el arte pop, sobre todo con el británico, que no se centra tanto en el impacto inmediato, sino que es más narrativo, algo más íntimo y con un halo nostálgico. Los colores planos y muy vivos y los elementos de la cultura popular están muy presentes en mi trabajo».

¿Qué artistas y estilos pictóricos consideras que han sido grandes influencias en tu pintura?

Hay artistas que me interesan mucho formalmente (su técnica, los temas que tratan, su paleta, sus composiciones…) y otros de los que me interesa su forma de trabajar, de mirar el mundo y de plasmarlo, aunque estéticamente esté más alejada de ellos.

Una de las cosas que más me gusta es mirar obras de otros artistas, visitar exposiciones, hojear libros, así que tengo muchísimos referentes; algunos me acompañan desde siempre y otros los voy descubriendo a medida que pasa el tiempo, así que la lista no para de crecer.

A continuación, te voy a nombrar solo algunos de ellos y solo me voy a centrar en pintores (porque también hay cineastas, fotógrafos, músicos, actores, etcétera):

David Hockney, Henri Rousseau, Félix Vallotton, Leonora Carrington, Georgia O’Keeffe, Edward Hopper, Peter Blake, Pauline Boty, Charlotte Salomon, Gertrude Abercrombie, Suzanne Valadon, Isabel Villar…

Me identifico bastante con el arte pop, sobre todo con el británico, que no se centra tanto en el impacto inmediato, sino que es más narrativo, algo más íntimo y con un halo nostálgico. Los colores planos y muy vivos y los elementos de la cultura popular están muy presentes en mi trabajo. Pero las épocas que más me gustan y a las que pertenecen muchos de mis artistas preferidos son el posimpresionismo y las primeras vanguardias: la escuela de PontAven, los Nabis, el fauvismo, el simbolismo… Ese momento de ruptura y de búsqueda donde primaba la subjetividad y la libertad expresiva me resulta emocionante.

«Una de las cosas que más me gusta es mirar obras de otros artistas, visitar exposiciones, hojear libros, así que tengo muchísimos referentes».

¿Cómo es tu proceso de creación?

Mi estado normal es el de estar en búsqueda continua, siempre atenta: leyendo, viendo películas, escuchando música, hojeando revistas, haciendo fotos… Tengo una libreta en la que voy apuntando las ideas que surgen de esa búsqueda y en la que voy realizando bocetos, y así, cuando me enfrento, por ejemplo, a la creación de una serie de cuadros, acudo a ella y decido sobre qué bocetos quiero trabajar.

Aquí es donde tengo que ir poniéndome límites para empezar a concretar y perfilar el concepto que voy a desarrollar, y es, quizás, la parte que me resulta más difícil.

Cuando sé qué dirección quiero tomar sigo realizando bocetos, elijo los formatos y comienza la fase más disfrutona, la de pintar. Suelo hacer los bocetos en escala de grises porque, aunque me gusta tener la composición muy clara antes de empezar a trabajar sobre el lienzo, la elección de los colores prefiero ir decidiéndola sobre la marcha.

¿Qué historias hay detrás de tu trabajo?

A mí me gusta más sugerir que contar. Me gusta plantear escenas que evoquen historias, pero de una manera abierta, poco concreta. De esta manera, pretendo que sea el espectador quien, a través de sus conocimientos o de sus experiencias personales, les dé uno u otro significado. Así, una obra puede tener tantas interpretaciones como espectadores la contemplen y esto no hace más que enriquecerla.

La relación de las protagonistas de tus obras con la naturaleza es una constante en tu trabajo.

Sí, la naturaleza y la conexión con ella son unas de mis mayores inspiraciones. Además, después del confinamiento que vivimos en 2020 creo que es un aspecto que se ha pronunciado enormemente tanto en mis obras como en mi día a día. Disfruto mucho de la sensación del aire fresco y del sol en la cara, el olor a salitre y a hierba mojada, el viento en el pelo… y precisamente son estas sensaciones las que me gusta que mis cuadros transmitan.

El resto de la entrevista la encontrarás en nuestra revista impresa a la venta en librerías y en la web uvebooks.com y muy pronto también en digital.

10/03/2023 0 comments
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AgendaArteEventos

Lucian Freud

by Uve Magazine 11/01/2023
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El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, en colaboración con la National Gallery de Londres, dedica una retrospectiva al pintor británico Lucian Freud (1922-2011), con motivo del centenario de su nacimiento. La exposición, comisariada por Daniel Herrmann en Londres y por Paloma Alarcó en Madrid, reúne más de medio centenar de obras que muestran las siete décadas de producción de uno de los artistas europeos más significativos del siglo XX. El extenso catálogo, con textos de los comisarios y contribuciones de diferentes especialistas en su obra y de varios artistas contemporáneos, plantea nuevas preguntas sobre la relevancia actual de la obra de Freud para acercarlo a las nuevas generaciones. Tras su presentación en Londres, donde puede verse hasta el 22 de enero de 2023, la muestra llega a mediados de febrero al museo madrileño, donde cuenta con la colaboración de la Comunidad de Madrid.

Desde sus primeras obras, de mediados del siglo XX, de una minuciosidad primitivista y un cierto aire neorromántico y surreal, Freud toma partido por el arte figurativo y adopta una postura de resistencia en medio de las corrientes abstractas dominantes.

FICHA DE LA EXPOSICIÓN

Título:Lucian Freud. Nuevas perspectivas

Organizadores: Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y The National Gallery, Londres

Con la colaboración de: Comunidad de Madrid.

Sede y fechas: Londres, The National Gallery, del 1 de octubre de 2022 al 22 de enero de 2023; Madrid, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, del 14 de febrero al 18 de junio de 2023.

Comisarios: Daniel F. Herrmann, curator of modern and contemporary projects de la National Gallery de Londres, y Paloma Alarcó, jefe de conservación de pintura moderna del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.

Comisaria técnica: Clara Marcellán, conservadora de pintura moderna del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.

Número de obras: 55

Publicaciones: Catálogo con textos de Daniel F. Herrmann y Paloma Alarcó, además de Christina Kennedy, Catherine Lampert, Maria H. Loh, Nicholas Penny, Gregory Salter, Jasper Sharp, Andrew Wilson y de los artistas David Dawson, Tracey Emin, Chantal Joffe y Jutta Koether.

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