Uve Magazine
  • Inicio
  • Agenda
  • Arte
  • Eventos
  • Literatura
  • Música
  • Pensamiento
  • Tienda
  • Contacto
  • Newsletter
Uve Magazine
  • 0
  • Inicio
  • Agenda
  • Arte
  • Eventos
  • Literatura
  • Música
  • Pensamiento
  • Tienda
  • Contacto
  • Newsletter
Uve Magazine
  • 0
Uve Magazine
  • Inicio
  • Agenda
  • Arte
  • Eventos
  • Literatura
  • Música
  • Pensamiento
  • Tienda
  • Contacto
  • Newsletter
Copyright 2022 - All Right Reserved
Author

Uve Magazine

Uve Magazine

EventosLiteratura

Madrid y Nueva York en la Feria del Libro 2025

by Uve Magazine 19/01/2025
written by Uve Magazine

La Feria del Libro de Madrid 2025 ha elegido a la ilustradora argentina Coni Curi para diseñar el cartel oficial de su 84.ª edición, un encargo que une las culturas de Madrid y Nueva York, tema central de este año. Inspirada por el diseño gráfico estadounidense de las décadas de 1920 a 1940, la artista aportará su estilo único, al que denomina NeoNostalgia, para reflejar la conexión entre estas dos icónicas ciudades.

La directora de la Feria, Eva Orúe, explicó que la elección de Curi se debió a su capacidad para evocar la gráfica vintage y reinterpretarla desde una perspectiva contemporánea: “Su estilo nos parecía perfecto para esta colaboración. Estamos seguros de que hará justicia a los imaginarios de Nueva York que todos llevamos dentro, sin desconectarse del presente”. Ambas ciudades comparten una rica diversidad cultural y social, plasmada en sus paisajes, su historia migratoria y su vibrante vida literaria. Espacios como Central Park y El Retiro, este último sede de la Feria, representan los puentes que inspirarán el diseño del cartel.

Para Coni Curi, este proyecto es un sueño hecho realidad. “Como fanática de la literatura, como artista, como migrante y como enamorada de las calles de Madrid, me pareció increíble que me eligieran. Al principio sentí miedo por el desafío, pero estoy emocionada de ver mi trabajo paseándose por toda la Feria al ritmo de la gente y los libros”. La artista imagina esta edición como un punto de encuentro entre Madrid y Nueva York, dos ciudades que, aunque distintas en paisaje y ritmo, han sido escenarios de innumerables ficciones literarias y cinematográficas.

El diseño definitivo del cartel, que promete reflejar esta relación transatlántica a través del característico uso de colores vibrantes y referencias nostálgicas de Curi, se desvelará en abril, a pocas semanas del inicio de la Feria. Mientras tanto, la ilustradora se prepara para su primera visita al evento, que añade un toque especial a su participación.

Coni Curi, nacida en Buenos Aires en 1993 y residente en Valencia, ha desarrollado un estilo único que combina pasado y presente. Su fascinación por los catálogos antiguos, los envoltorios de frutas, las cajas de fósforos y la porcelana decorativa se refleja en proyectos como el Tarot de la Fuerza o el Sacred Sisterhood Tarot. Este enfoque le ha permitido crear una comunidad de seguidores en redes sociales (@conicuri), quienes comparten su amor por lo vintage.

La expectación por el cartel que representará la conexión cultural entre Madrid y Nueva York crece día a día. Eva Orúe concluyó: “Habrá que contener la impaciencia para verlo. Hay muchas ganas”. La 84.ª Feria del Libro de Madrid promete ser un evento inolvidable en el calendario literario internacional, celebrando el arte, la literatura y los lazos que unen a dos grandes ciudades.

19/01/2025 0 comments
0 FacebookTwitterPinterestLinkedinWhatsapp
Sin categoría

El arte de coleccionar libros

by Uve Magazine 02/01/2025
written by Uve Magazine

En una época en la que el mundo parece girar en torno a la inmediatez de las pantallas digitales, el acto de coleccionar libros es un refugio para quienes buscan algo más perdurable, tangible y lleno de significado. Lejos de ser un simple pasatiempo, el coleccionismo de libros se ha convertido en una forma de conectar con la historia, la cultura y el arte. Desde ediciones raras hasta libros ilustrados, cada ejemplar cuenta una historia que va más allá de sus palabras. En este artículo exploraremos el fascinante mundo del coleccionismo literario, sus motivaciones y cómo empezar tu propia colección.

La belleza de lo único

Los libros son mucho más que meros contenedores de historias. Algunos destacan por su diseño, su encuadernación y su historia editorial. En especial, las ediciones especiales y limitadas se elevan al rango de objetos artísticos. Estas ediciones, con sus cubiertas ilustradas y materiales cuidadosamente seleccionados, no solo capturan la atención del lector, sino también de coleccionistas que buscan piezas únicas.

Las encuadernaciones en cuero, los grabados en relieve o los papeles especiales convierten a ciertos libros en piezas codiciadas. Cada elemento diseñado cuidadosamente aporta valor y singularidad al ejemplar, haciéndolo digno de un lugar en cualquier colección.

Historia entre páginas

Coleccionar libros antiguos o raros es como sostener un fragmento de historia entre las manos. Cada ejemplar lleva consigo no solo la narrativa que contiene, sino también las huellas del tiempo. Las primeras ediciones, por ejemplo, pueden ofrecer una visión única del proceso creativo de un autor, con posibles erratas, dedicatorias o diseños originales que no se replicaron en versiones posteriores.

En las librerías anticuarias, es posible encontrar verdaderos tesoros literarios. Cada libro encontrado en estos lugares tiene su propia historia: tal vez perteneciera a una familia que lo cuidó con esmero o pasara por generaciones de lectores que dejaron sus anotaciones a los márgenes. Estos ejemplares se convierten en testigos mudos de vidas pasadas y de momentos únicos en la historia de la literatura.

Libros como inversión

Aunque muchos coleccionistas persiguen libros por pasión, también existe un atractivo económico en este mundo. Los libros raros y las ediciones limitadas suelen incrementar su valor con el tiempo, especialmente cuando están bien conservados. Una primera edición de un autor clásico o un ejemplar firmado por el escritor puede alcanzar precios sorprendentes en subastas.

Para aquellos que ven el coleccionismo como una posible inversión, es importante investigar y conocer el mercado. Algunos factores que determinan el valor de un libro incluyen su estado, la rareza de la edición, la demanda y el prestigio del autor. Sin embargo, más allá del dinero, muchos coinciden en que el verdadero valor de un libro radica en la conexión emocional que genera.

Cómo empezar tu colección

El mundo del coleccionismo puede parecer intimidante al principio, pero con unos pasos sencillos es posible adentrarse en él de manera natural y gratificante. Aquí algunos consejos para comenzar:

  1. Define un tema Decide qué tipo de libros deseas coleccionar. ¿Te atraen las primeras ediciones, los libros ilustrados o las temáticas específicas como la literatura feminista o los cuentos góticos? Tener un enfoque claro te ayudará a centrar tus búsquedas y a construir una colección coherente.

  2. Investiga Conoce el mercado, los autores y las editoriales relacionadas con tu tema de interés. Visitar librerías especializadas, anticuarias y ferias del libro es una excelente manera de aprender y descubrir joyas ocultas. También puedes explorar catálogos online que ofrecen selecciones curadas de libros únicos.

  3. Cuida tus ejemplares La conservación es clave en el coleccionismo. Guarda los libros en un lugar fresco, seco y protegido de la luz solar directa. Considera el uso de fundas protectoras para evitar daños por manipulación o condiciones ambientales.

  4. Conecta con otros coleccionistas Participar en comunidades y foros de coleccionismo te permitirá intercambiar conocimientos, descubrir oportunidades y, por qué no, hacer nuevas amistades con intereses comunes.

Coleccionar libros no solo se trata de poseerlos, sino también de experimentarlos. El aroma de un libro antiguo, la textura de sus páginas y los detalles de su encuadernación son elementos que cautivan los sentidos y enriquecen la experiencia. Además, cada ejemplar en una colección puede contar una historia personal: el lugar donde fue adquirido, la razón por la que fue elegido o los momentos compartidos con su lectura.

Una forma de preservar la cultura

El coleccionismo de libros es también una manera de salvaguardar la cultura y las historias que nos conectan con el pasado. Cada libro coleccionado es un testimonio de su tiempo, una representación de las ideas, el arte y la sociedad que lo crearon. Al atesorar estos objetos, los coleccionistas contribuyen a mantener viva la herencia literaria y artística para las futuras generaciones.

El coleccionismo de libros es una forma de preservar la cultura, el arte y las historias que nos definen como sociedad. Más allá de su valor económico, cada libro coleccionado tiene un significado único para su propietario, convirtiéndose en un puente entre el pasado y el presente. Ya sea que estés empezando tu colección o que busques ampliar tus horizontes literarios, recuerda que en cada página hay un universo esperando ser descubierto.

Sumérgete en este apasionante viaje. ¡Descubre, colecciona y comparte la magia de los libros!

02/01/2025 0 comments
0 FacebookTwitterPinterestLinkedinWhatsapp
ArteCine

Nosferatu y el origen del terror visual

by Uve Magazine 27/12/2024
written by Uve Magazine

Desde sus inicios, el cine ha sido un medio capaz de explorar los rincones más oscuros de la imaginación humana, y pocas obras encarnan este potencial como Nosferatu: Una sinfonía del horror (1922) dirigida por F. W. Murnau. .

Esta película no solo transformó el género del terror, sino que también se convirtió en un emblema del cine mudo, destacando por su audaz mezcla de innovación, polémica y un estilo visual inolvidable.

Su génesis parte del deseo del productor Albin Grau de plasmar un relato de vampiros en la gran pantalla. Grau, un ocultista apasionado por lo sobrenatural, se inspiró en anécdotas sobre vampiros que escuchó de un campesino serbio durante la Primera Guerra Mundial. Aunque la idea inicial era adaptar la novela Drácula de Bram Stoker, los problemas legales con los derechos de autor llevaron al guionista Henrik Galeen a transformar la narrativa, creando así a Graf Orlok, un vampiro que redefiniría el terror visual y emocional.

La producción fue asumida por Prana Film, una compañía que, destinada a explorar temáticas esotéricas, apenas sobreviviría a los problemas legales que vendrían después. La elección de F. W. Murnau como director fue clave para dar vida a esta visión sombría.

Murnau, es uno de los nombres más emblemáticos del cine expresionista alemán. Nacido el 28 de diciembre de 1888 en Bielefeld, Alemania, se convirtió en una figura clave en la evolución del cine durante las primeras décadas del siglo XX. Su capacidad para conjugar innovación técnica, narrativa y visual lo estableció como uno de los directores más influyentes de la historia del séptimo arte.

Antes de adentrarse en el mundo del cine, Murnau estudió literatura alemana, historia del arte y teatro en la Universidad de Heidelberg, lo que marcó profundamente su estilo cinematográfico. Durante este período, descubrió las obras de escritores como Goethe y Schopenhauer, cuyas ideas filosóficas y literarias encontrarían eco en sus películas. Tras servir en la Primera Guerra Mundial como piloto, regresó a Alemania y comenzó a trabajar en teatro bajo la tutela de Max Reinhardt, un destacado director teatral. Este contacto con el teatro expresionista, conocido por su enfoque visual en la iluminación y la escenografía, sentó las bases de su posterior trabajo en el cine.

Murnau debutó como director en 1919 con la película Der Knabe in Blau. Sin embargo, fue su trabajo en Der letzte Mann (1924) el que lo consolidó como un innovador. En esta obra, utilizó la llamada “cámara desencadenada”, que permitía movimientos fluidos y expresivos, una revolución para la época. Además, Der letzte Mann destacó por su narrativa visual, evitando el uso de intertítulos y confiando exclusivamente en las imágenes para contar su historia. Sin embargo, su obra más icónica ha sido Nosferatu: Una sinfonía del horror .

Conocido por su dominio del lenguaje visual y su inclinación por el expresionismo, Murnau creó una estética envolvente que marcaría un estándar en el cine. El rodaje, realizado en paisajes naturales de Alemania y Eslovaquia, capturó la atmósfera escalofriante que requería la historia. El Castillo de Orava, con sus corredores sombríos y torres góticas, se convirtió en un personaje más de la película, reforzando el entorno ominoso.

Nosferatu, 1922

El papel del Conde Orlok, el vampiro de apariencia cadavérica y movimientos antinaturales, fue interpretado por Max Schreck, un actor cuya presencia en pantalla resultó muy inquietante. Nacido el 6 de septiembre de 1879 en Berlín, Alemania, Schreck se formó en artes dramáticas y desarrolló gran parte de su carrera en el teatro antes de incursionar en el cine. Aunque actuó en varias películas, su interpretación en Nosferatu eclipsó el resto de su carrera. Su habilidad para encarnar al Conde Orlok, con una transformación física impresionante, lo consolidó como una figura imprescindible del cine de terror.

Gustav von Wangenheim, nacido el 18 de febrero de 1895 en Wiesbaden, Alemania, interpretó a Thomas Hutter, el joven agente inmobiliario que viaja al castillo del Conde Orlok y desata los eventos principales de la historia. Von Wangenheim provenía de una familia de actores y tenía experiencia tanto en teatro como en cine. Además de su carrera actoral, fue director y escritor, destacándose por su compromiso con las ideas progresistas de la época. Aunque su papel en Nosferatu es recordado principalmente por su ingenuidad y valentía, su vida posterior estuvo marcada por su afiliación al partido comunista y su exilio durante el nazismo. Por su parte, Greta Schröder, nacida el 27 de junio de 1891 en Düsseldorf, Alemania, dio vida a Ellen Hutter, la esposa de Thomas, cuya pureza e inocencia se convierten en un elemento central de la trama. Ellen es el objetivo del Conde Orlok y también la clave de su destrucción. Schröder era una actriz destacada del cine mudo y participó en varias producciones alemanas durante la década de 1920. Sin embargo, su legado cinematográfico está irremediablemente ligado a Nosferatu, donde su actuación transmite una mezcla de vulnerabilidad y fortaleza que cautiva a los espectadores.

Alexander Granach interpretó a Knock, el jefe de Hutter, un personaje excéntrico y perturbador que actúa como sirviente humano del Conde Orlok. Granach, nacido el 18 de abril de 1890 en el Imperio Austrohúngaro (actual Ucrania), tuvo una infancia humilde antes de dedicarse al teatro. Su carácter expresivo y su talento natural lo llevaron al éxito en el escenario y el cine. Después de Nosferatu, continuó su carrera en Alemania hasta que el ascenso del nazismo lo obligó a emigrar a los Estados Unidos, donde trabajó en producciones de Hollywood. Su interpretación de Knock, con su locura y gestos exagerados, sigue siendo uno de los elementos más memorables de la película.

Georg H. Schnell interpretó a Herr Harding, amigo cercano de los Hutter, mientras que Ruth Landshoff dio vida a Annie, su esposa. Aunque sus roles son secundarios, ambos actores aportaron una dimensión realista y emocional a la historia. Schnell fue un actor con una carrera prolífica en el cine mudo, mientras que Landshoff también se destacó como escritora y periodista, especialmente tras emigrar a los Estados Unidos debido a su origen judío.

Uno de los aspectos más impactantes de Nosferatu fue la interpretación de Max Schreck como el Conde Orlok, cuya transformación física, con orejas puntiagudas, ojos hundidos y una cadavérica apariencia, creó una de las figuras más icónicas del cine de terror. Su inquietante presencia en pantalla generó mitos sobre su identidad, incluyendo la idea de que era un vampiro real, una ficción explorada en Shadow of the Vampire (2000). Aunque estas leyendas son solo parte del folclore cinematográfico, su actuación sigue siendo objeto de fascinación. El lenguaje visual de Murnau, marcado por el uso innovador de la luz y la sombra, elevó la película a un nivel artístico excepcional, con técnicas como la aceleración, la inversión de negativos y el stop-motion que aportaron un aura sobrenatural al film. Escenas memorables, como la del Conde Orlok emergiendo rígidamente de su ataúd o proyectando su sombra alargada en una escalera, simbolizan el dominio visual de Murnau y su capacidad para capturar la esencia del terror. Sin embargo, la película no estuvo exenta de controversias, ya que Florence Stoker, viuda de Bram Stoker, demandó a Prana Film por violación de derechos de autor, logrando que se ordenara la destrucción de todas las copias de la película. Afortunadamente, algunas versiones sobrevivieron gracias a distribuciones internacionales y copias clandestinas, lo que aseguró que Nosferatu alcanzara el estatus de clásico. Con el tiempo, la obra ha sido restaurada y revalorizada, consolidándose como una fuente de inspiración para cineastas, artistas y escritores.

27/12/2024 0 comments
0 FacebookTwitterPinterestLinkedinWhatsapp
Música

La transformación sonora de Joan Gómez Alemany y Josep Lluís Galiana en Interaccions Sonores 2.0

by Uve Magazine 18/12/2024
written by Uve Magazine

Joan Gómez Alemany y Josep Lluís Galiana vuelven a sorprendernos con un nuevo capítulo en su trayectoria creativa: Interaccions Sonores 2.0. Este disco, editado por el sello valenciano Liquen Records, continúa explorando el universo sonoro que ambos músicos comenzaron a construir en 2019 con su primer trabajo conjunto, presentado en el Teatro Círculo de Valencia.

El álbum es una auténtica inmersión en el mundo de la improvisación y la experimentación. Joan Gómez Alemany, además de componer la electrónica fija, se une esta vez al piano como improvisador, mientras que Josep Lluís Galiana despliega toda su expresividad con el saxofón. Juntos, han creado una obra que juega con los límites del sonido, desdibujando fronteras y construyendo un diálogo constante entre lo acústico y lo electrónico.

Grabado en los Rockaway Studios de Castelló de la Plana el pasado 31 de agosto, este trabajo es el resultado de años de colaboración entre ambos artistas. Desde 2017, su complicidad creativa ha dado lugar a ocho discos, además de proyectos visuales y literarios. Con Interaccions Sonores 2.0, vuelven a demostrar su capacidad para reinventarse y llevar su música a nuevos territorios.

JOSEP LLUÍS GALIANA & JOAN GÓMEZ ALEMANY, en Liquen Records

El disco, dividido en seis partes que se suceden sin pausas, es un viaje de 60 minutos lleno de contrastes y texturas. La interacción entre el saxofón y la electrónica crea un mapa sonoro que invita al oyente a perderse en sus capas y detalles. Tal como describió el crítico Paco Yáñez, es un diálogo constante en el que cada elemento encuentra su espacio mientras la obra se despliega como un organismo vivo.

Además del impecable trabajo musical, la producción estuvo en manos de Josep Lluís Galiana, con un diseño visual a cargo de Sergi Moya. Las notas del disco, escritas por Gómez Alemany, profundizan en la filosofía detrás de esta propuesta: la hibridación, el rechazo a las categorías fijas y la creación de un espacio sonoro en constante transformación.

Para quienes quieran sumergirse en esta experiencia única, Interaccions Sonores 2.0 está disponible en formato físico a través de la web de Liquen Records y en edición digital en Bandcamp, además de en más de 30 plataformas digitales. Es una obra que no solo desafía las convenciones musicales, sino que también invita a replantearse cómo entendemos el sonido y su potencial creativo.

Si buscas una experiencia sonora que te saque de lo habitual, este disco promete ser una ventana abierta a lo inesperado. Puedes encontrarlo aquí:

Web de Liquen Records
Bandcamp de Liquen Records

18/12/2024 0 comments
0 FacebookTwitterPinterestLinkedinWhatsapp
ArteEventos

Narraciones gráficas: Mujeres y saberes rurales

by Uve Magazine 03/12/2024
written by Uve Magazine

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta un documental sobre la quinta edición de Narraciones gráficas: Mujeres y saberes rurales

– En colaboración con FADEMUR, el proyecto visibiliza los conocimientos populares transmitidos por generaciones de mujeres rurales.
– Inspirado en la exposición Lo oculto en las colecciones Thyssen-Bornemisza.
– Disponible en la web de EducaThyssen: www.educathyssen.org/mujeres-saberes.

Madrid, 27 de noviembre de 2024.
El área de Educación del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta un documental que documenta el trabajo desarrollado en la quinta edición de Narraciones gráficas, un proyecto educativo que conecta el arte con temas sociales y fomenta el pensamiento crítico. Esta edición, realizada en colaboración con la Federación de Asociaciones de Mujeres Rurales (FADEMUR), explora los saberes ocultos y la memoria de mujeres rurales, tomando como inspiración la exposición Lo oculto en las colecciones Thyssen-Bornemisza.

Desde su creación en 2019, Narraciones gráficas busca acercar el arte a diferentes colectivos, promoviendo el diálogo intergeneracional y la reflexión. Desde 2021, el proyecto trabaja con asociaciones de mujeres rurales, evolucionando hacia un enfoque dinámico y participativo.

En esta convocatoria, el equipo educativo del museo colaboró con la Asociación AURA FADEMUR en la comarca de Arlanza (Burgos), recolectando bailes, leyendas, recetas y tradiciones que reflejan el legado cultural femenino. Estas mujeres, custodias del patrimonio inmaterial, han sido fundamentales para preservar los valores y costumbres locales.

El proyecto culminó con la exposición Mujeres y saberes, celebrada entre el 15 de junio y el 15 de septiembre de 2023 en el Centro Cultural La Consolación de Villamayor de los Montes (Burgos). Dividida en tres secciones —Celebrar, Curar y Creer—, la muestra combinó obras del museo con tradiciones locales en formatos como fotografías, objetos y podcasts. Cerca de 500 personas participaron en la exposición, dinamizada por las propias mujeres de FADEMUR.

El documental, producido por Walden Audiovisual, recoge este proceso y ya puede verse en la web de EducaThyssen: www.educathyssen.org/mujeres-saberes.

03/12/2024 0 comments
0 FacebookTwitterPinterestLinkedinWhatsapp
AgendaArteEventos

Peter Halley en el Thyssen

by Uve Magazine 16/10/2024
written by Uve Magazine

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza se prepara para acoger una importante retrospectiva dedicada al influyente artista contemporáneo Peter Halley, del 19 de octubre de 2024 al 19 de enero de 2025. Esta exposición, comisariada por Guillermo Solana, forma parte del programa de muestras en torno a la colección de Blanca y Borja Thyssen-Bornemisza y marca el regreso de Halley a España, donde no se le había dedicado una exposición de este calibre desde 1992, cuando el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía organizó una retrospectiva sobre su obra. La actual muestra abarca un extenso periodo, desde 1985 hasta 2024, y está compuesta por una selección de veinte pinturas pertenecientes a colecciones tanto públicas como privadas de España. Lo más destacado de esta exposición es que el propio Halley ha participado activamente en su curaduría, seleccionando las obras y diseñando el plan de instalación. Además, este proyecto ha sido organizado en colaboración con el Ajuntament de Palma y el Casal Solleric, donde la exposición viajará en primavera de 2025.

Peter Halley irrumpió en la escena artística en los años 80, aportando una visión crítica y profundamente sociológica a la tradición del arte abstracto-geométrico, hasta entonces dominada por ideales formalistas y utópicos. A través de su obra, Halley desafía las concepciones convencionales de la geometría como un símbolo de racionalidad ideal, reinterpretándola como un reflejo del confinamiento y el control social, impregnado de un trasfondo distópico. Sus representaciones del cuadrado, un elemento venerado casi religiosamente por artistas como Malévich y Josef Albers, adquieren un tono irónico en su obra, donde se transforman en iconos de prisiones, celdas y conductos. Esta visión crítica de la geometría se traduce en composiciones que evocan circuitos integrados y diagramas de flujo, anticipando así la sociedad hiperconectada y, a la vez, profundamente aislada de la era digital.

Un rasgo distintivo del trabajo de Halley es su uso audaz de colores fluorescentes, conocidos como Day-glo, que evocan la intensidad y la energía de las pantallas electrónicas. A través de esta paleta cromática, Halley se ha consolidado como uno de los coloristas más experimentales de su generación, aportando un enfoque novedoso a la relación entre el color, el espacio y el contexto social. Su capacidad para conjugar estos elementos lo convierte en una figura fundamental dentro del arte contemporáneo, y su influencia sigue siendo evidente en artistas y movimientos actuales.

A lo largo de su carrera, Halley ha mantenido su independencia artística, evitando el apoyo de grandes galerías comerciales y optando por colaboraciones a largo plazo con galeristas de confianza en distintos países. Esta exposición también resalta la fuerte conexión que el artista ha establecido con España, donde su obra ha sido bien recibida desde su primera aparición en 1986, cuando participó en la colectiva El arte y su doble: una perspectiva de Nueva York, organizada por la Fundación Caja de Pensiones en Madrid. Poco después, en 1992, el Museo Reina Sofía le dedicó una retrospectiva que ya había recorrido museos europeos como el Musée d’Art Contemporain de Burdeos y el Stedelijk Museum de Ámsterdam. Fue a partir de ese momento que Halley comenzó a exponer con regularidad en galerías españolas, como la Galería Senda en Barcelona y con el galerista Javier López en Madrid, consolidando su relación con el país.

Las pinturas de Halley se encuentran en importantes colecciones públicas y privadas españolas, incluyendo el Museo Reina Sofía, la Fundación “la Caixa” y el Institut Valencià d’Art Modern (IVAM), lo que subraya la relevancia de su obra en el panorama artístico español. Además, cuenta con una instalación permanente en la Biblioteca Pública José Hierro de Usera, en Madrid, inspirada en el cuento La biblioteca de Babel de Jorge Luis Borges, lo que muestra su interés por la intersección entre el arte y la literatura.

La exposición en el Thyssen-Bornemisza ofrece una visión completa de la trayectoria artística de Peter Halley, con veinte pinturas de gran formato que recorren su evolución estilística desde 1985 hasta la actualidad. Obras tempranas como Cárcel (1985) y Comercio de pieles (1994) reflejan un minimalismo monocromático, mientras que trabajos posteriores como Edutainment y Apagón (ambas de 2005), o Gravedad (2006), muestran una mayor complejidad en la repetición de formas, la superposición de planos y el uso de una paleta cromática más variada. En sus creaciones más recientes, Halley sigue profundizando en los temas que caracterizaron su obra temprana, pero con un enfoque renovado. Ejemplos de ello son Mágico a medias (2018), Clemencia (2019) y La nota alta (2020), donde multiplica las formas geométricas y suaviza su paleta de colores, creando composiciones de gran dinamismo y luminosidad.

La exposición de Peter Halley en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza no solo representa una oportunidad para apreciar la evolución de uno de los grandes maestros de la abstracción contemporánea, sino también para reflexionar sobre las conexiones entre el arte, la sociedad y la tecnología en el mundo actual.

16/10/2024 0 comments
0 FacebookTwitterPinterestLinkedinWhatsapp
ArteLiteratura

Carmen de Burgos y María Lejárraga, voces que transformaron España

by Uve Magazine 04/10/2024
written by Uve Magazine

La Biblioteca Nacional de España, en colaboración con el Ministerio de Política Territorial, Memoria Democrática y Acción Cultural Española (ACE), presenta dos exposiciones que rinden homenaje a Carmen de Burgos y María Lejárraga, figuras clave en la historia cultural y social de España. Estas muestras, que también cuentan con el apoyo del Gobierno de La Rioja, se desarrollan como parte de la conmemoración del 150º aniversario del nacimiento de Lejárraga y del 50º aniversario de su fallecimiento.

Ambas exposiciones, abiertas desde el 27 de septiembre de 2024 hasta el 5 de enero de 2025, comparten el espacio de la sala Recoletos-Jorge Juan de la Biblioteca Nacional en Madrid. A pesar de su individualidad, la proximidad física y temporal de ambas exposiciones subraya las similitudes entre estas dos escritoras, que destacaron no solo por su talento literario, sino también por su compromiso con la lucha por los derechos de las mujeres y la modernización de la sociedad española.

Dos mujeres comprometidas con el progreso y la igualdad

Carmen de Burgos y María Lejárraga fueron protagonistas de una época marcada por cambios sociales y políticos en España, pero también sufrieron las limitaciones impuestas por su condición de mujeres. Ambas destacaron como escritoras prolíficas, maestras y activistas feministas, luchando por derechos como el voto femenino y el divorcio en una sociedad que no siempre estaba preparada para sus ideas. Sin embargo, la guerra, el exilio y la desigualdad de género contribuyeron a que sus logros fueran relegados al olvido durante décadas. Estas exposiciones pretenden rectificar esa omisión, devolviendo a estas autoras el lugar que merecen en la historia.

Carmen de Burgos: pionera del periodismo y defensora de los derechos de la mujer

Carmen de Burgos, conocida también como Colombine, fue una de las primeras mujeres en ocupar un lugar destacado en el periodismo español. En 1903 se convirtió en la primera redactora con una columna diaria, y en 1909 fue la primera corresponsal de guerra española. A lo largo de su carrera, publicó miles de artículos en prensa nacional e internacional, defendiendo la educación de las mujeres, el divorcio y el sufragio femenino.

La exposición dedicada a Burgos, comisariada por Concepción Núñez Rey, recorre su prolífica trayectoria a través de obras que incluyen sus novelas, ensayos y biografías. Entre los elementos destacados, figura su retrato pintado por Julio Romero de Torres, símbolo de su relevancia en la vida cultural de la época. Además de su producción literaria, la muestra destaca su papel como una de las voces más influyentes en el feminismo español, contribuyendo con campañas en prensa a favor de la igualdad.

Por su parte, María Lejárraga es recordada no solo por su obra literaria, sino también por la peculiar circunstancia de que muchos de sus escritos fueron firmados por su marido, Gregorio Martínez Sierra. A pesar de esta invisibilidad pública, Lejárraga fue una de las escritoras más prolíficas de su tiempo, autora de libretos, novelas y dramas que hoy son reconocidos como fundamentales en la historia de la literatura española.

Comisariada por Carmen Domingo, la exposición dedicada a Lejárraga explora las múltiples facetas de su vida a través de manuscritos, fotografías y objetos personales. Entre las piezas más significativas se encuentra el documento en el que Gregorio Martínez Sierra reconoce que sus obras fueron escritas en colaboración con su esposa. Además, se expone el libreto de El amor brujo, escrito en colaboración con Manuel de Falla, como ejemplo del importante legado cultural que dejó tras de sí.

Un reconocimiento a su legado

Estas exposiciones no solo buscan poner en valor la obra literaria de Carmen de Burgos y María Lejárraga, sino también destacar su papel como pioneras del feminismo en España. A través de un recorrido por sus logros, se pretende recuperar su legado y hacer justicia a su impacto en la modernización de la sociedad española, así como en la defensa de los derechos de la mujer.

04/10/2024 0 comments
0 FacebookTwitterPinterestLinkedinWhatsapp
Eventos

Noche de la investigación 2024

by Uve Magazine 19/09/2024
written by Uve Magazine

La Noche de la investigación 2024, una noche llena de ciencia y cescubrimiento en CaixaForum Madrid

El próximo viernes 27 de septiembre de 2024, prepárate para vivir una noche mágica llena de ciencia, innovación y diversión en la European Researchers’ Night, un evento que se celebrará simultáneamente en más de 400 ciudades de Europa. CaixaForum Madrid se une una vez más a esta celebración internacional, ofreciendo una amplia variedad de actividades científicas gratuitas dirigidas a todos los públicos: familias, estudiantes, educadores y cualquier persona interesada en la ciencia.

¿Por Qué Asistir?

La Noche Europea de la Investigación es una ocasión única para acercarse al fascinante mundo de la ciencia y la investigación. Es una oportunidad para interactuar directamente con científicos, descubrir cómo sus investigaciones impactan nuestra vida diaria y participar en actividades que combinan aprendizaje y entretenimiento. Tanto niños como adultos podrán disfrutar de talleres prácticos, charlas inspiradoras, experimentos interactivos y visitas guiadas, convirtiendo el evento en una experiencia inclusiva y educativa.

Actividades para el Público Familiar

De 17:30 a 19:40 h, los más pequeños y sus familias tendrán la oportunidad de sumergirse en la ciencia de manera divertida y educativa. Entre las actividades destacadas se encuentran talleres como:

  • ‘Una ventana al futuro’: Un espacio para explorar los avances tecnológicos que moldearán nuestro futuro.
  • ‘Entre neuronas: disección cerebral y comportamiento en el Síndrome de Dravet’: Descubre el cerebro de manera única.
  • ‘Viaje al Interior de la Sangre: explorando sus fases’: Un fascinante taller que te llevará al corazón de la biología.
  • Cuentacuentos: ‘El Maravilloso Viaje de los Microbios’: Una historia fascinante sobre los microbios que nos protegen.

Actividades para el Público Adulto

De 18:00 a 22:00 h, el público adulto podrá disfrutar de actividades innovadoras y únicas. Entre ellas:

  • Speed Dating Científico: Una dinámica divertida donde los participantes podrán conocer a diferentes investigadores y descubrir su trabajo en solo unos minutos.
  • ‘A tu cerebro le gusta el chocolate’: Una actividad interactiva con cata de chocolate que explorará cómo responde nuestro cerebro a este delicioso estímulo.

Investigación a Escena: Un Late Show Científico

De 20:00 a 21:30 h, el evento culminará con el Late Show ‘Investigación a Escena’, un formato que combina microcharlas científicas con humor. Algunos de los temas que se abordarán incluyen:

  • ‘Clima, Biodiversidad y Responsabilidad Climática’
  • ‘Diseñando nanosistemas para la energía del futuro’
  • ‘Retos del VIH infantil en el mundo’
  • ‘Decodificando el cerebro: la forma de los pensamientos’

Este espectáculo promete ser uno de los momentos más destacados de la noche, donde la ciencia y la diversión se unen para brindar una experiencia inolvidable.

Feria de la Investigación y Exposiciones

Además, todos los públicos podrán disfrutar de la Feria de la Investigación, que estará activa de 17:30 a 21:00 h, donde se presentarán demostraciones en vivo de los últimos avances en ciencia e innovación. También podrás visitar la exposición ‘Dinosaurios de la Patagonia’ y explorar la historia de estas fascinantes criaturas.

No te lo Pierdas

La Noche Europea de la Investigación 2024 es un evento gratuito, con acceso a todas las actividades hasta completar aforo. ¡No te pierdas esta oportunidad de adentrarte en el mundo de la ciencia y vivir una experiencia enriquecedora para toda la familia!

Para más información, visita: www.lanochedelainvestigacion.com.

19/09/2024 0 comments
0 FacebookTwitterPinterestLinkedinWhatsapp
AgendaArteEventos

El taller de Rubens

by Uve Magazine 12/09/2024
written by Uve Magazine

El taller de Rubens. Explorando la colaboración y creatividad del maestro barroco

Pieter Paul Rubens fue el pintor más exitoso de Europa durante la primera mitad del siglo XVII, con una impresionante producción de alrededor de 1,500 obras que aún se conservan. La exposición El Taller de Rubens, comisariada por Alejandro Vergara, jefe de Conservación del Área de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte del Museo Nacional del Prado, explora tanto su método colaborativo de trabajo como el espacio físico de su taller en Amberes, donde se llevaban a cabo las creaciones. Este taller no solo era un lugar de producción artística, sino también un laboratorio donde Rubens, junto con numerosos ayudantes, realizaba su prolífica obra. La exposición recrea ese ambiente con una detallada escenificación de caballetes, lienzos, pinceles y otros materiales del siglo XVII, junto a libros, bustos antiguos y objetos que reflejan los intereses del artista.

En torno a esta recreación, que podrá visitarse en el Museo Nacional del Prado en Madrid del 15 de octubre de 2024 al 16 de febrero de 2025, se presentan veinte pinturas, dos dibujos y cinco grabados que ilustran las diferentes formas de colaboración entre Rubens y sus asistentes. Rubens establecía las composiciones iniciales, permitiendo que sus ayudantes desarrollaran y completaran partes de las obras, multiplicando así su producción sin sacrificar calidad. Esta dinámica de trabajo convierte la exposición en un viaje inmersivo a la época del maestro de Amberes, mostrando cómo combinaba talento, enseñanza y trabajo en equipo para consolidar su éxito.

En paralelo, el Museo organiza el ciclo de conferencias A propósito de Rubens. Ideal, organización y saber en el taller de un pintor los días 30 de octubre y 6, 13 y 20 de noviembre de 2024. Este ciclo profundiza en cómo Rubens optimizó su taller, aprovechando las tecnologías de su tiempo para maximizar su producción, mientras mantenía la emoción y belleza como objetivos fundamentales de su arte. Las conferencias también explorarán la representación de los talleres de pintura y su comparación con los espacios de creación contemporáneos.

Para los amantes del arte, esta exposición y las actividades asociadas ofrecen una oportunidad única de entender el genio de Rubens, su capacidad organizativa y la influencia duradera de su taller en la evolución del arte barroco europeo.

12/09/2024 0 comments
0 FacebookTwitterPinterestLinkedinWhatsapp
LiteraturaPersonajes

Federico García Lorca, arte y pasión

by Uve Magazine 19/08/2024
written by Uve Magazine

Federico García Lorca es una de las figuras más influyentes del siglo XX, no solo en España, sino en todo el mundo. Su vida y obra están marcadas por una profunda sensibilidad hacia la cultura popular, la injusticia social y los conflictos internos que derivan del amor, la muerte y la identidad.

Nació el 5 de junio de 1898 en el municipio granadino de Fuente Vaqueros, en el seno de una familia acomodada. Su madre, Vicenta Lorca Romero, fue maestra y fomentó en su hijo un profundo amor por la literatura y las artes. Desde pequeño, Federico mostró un talento natural para la música, una pasión que desarrolló a lo largo de su vida, estudiando piano con el reconocido maestro Antonio Segura Mesa. Sin embargo, su camino artístico lo llevaría a convertirse en uno de los poetas más grandes de la lengua española.

A los seis años, su vida cambió cuando se trasladó a Almería para vivir con su tutor, Antonio Rodríguez Espinosa. Fue un período breve pero significativo que marcó el inicio de su relación con la enfermedad, un tema recurrente en su obra. Al enfermar, regresó a Granada, donde continuó sus estudios en el Sagrado Corazón de Jesús. Aunque en su adolescencia su interés principal estaba en la música, comenzó a desarrollar una voz literaria única que, con el tiempo, se consolidaría.

En 1914, García Lorca se matriculó en la Universidad de Granada para estudiar Filosofía y Letras y Derecho. Durante estos años, se integró en la tertulia “El Rinconcillo”, un grupo de jóvenes intelectuales que se reunían en el café Alameda. Estas tertulias fueron cruciales para su desarrollo como escritor, permitiéndole conectar con otros jóvenes con intereses similares y comenzar a definir su estilo literario. Los viajes que realizó por diversas ciudades españolas con su profesor Martín Domínguez Berrueta fueron determinantes en su formación. Estos viajes inspiraron su primer libro en prosa, Impresiones y paisajes, publicado en 1918. Este libro refleja sus primeras inquietudes estéticas y políticas, y es un claro precursor de la profundidad y complejidad que caracterizarían su obra posterior.

En 1919, Lorca se trasladó a Madrid para continuar sus estudios en la Residencia de Estudiantes, un importante centro cultural e intelectual que influyó decisivamente en su obra. Allí, entró en contacto con algunas de las figuras más destacadas del mundo intelectual y artístico de la época, como Salvador Dalí, Luis Buñuel, y Rafael Alberti. Este ambiente estimulante, junto con su aversión al ambiente provinciano de Granada, consolidó su identidad como escritor y artista. Durante su estancia en la Residencia, publicó Libro de poemas y estrenó su primera obra de teatro, El maleficio de la mariposa, marcando el inicio de una carrera literaria prolífica y profundamente influyente.

Primera representación de El maleficio de la mariposa.

La relación de Lorca con Salvador Dalí es uno de los aspectos más fascinantes de su vida personal y artística. Esta amistad, intensa y compleja, dio lugar a una fructífera colaboración. Fruto de esta relación es la “Oda a Salvador Dalí”, uno de los poemas más destacados de Lorca, publicado en 1926. Lorca también mantuvo una estrecha amistad con el compositor Manuel de Falla, con quien colaboró en varios proyectos, como la promoción del cante jondo, una forma de flamenco primitiva y profunda que Lorca consideraba esencial para la cultura andaluza. Esta colaboración reflejaba su interés por las tradiciones populares y su deseo de integrarlas en su obra literaria.

Federico García Lorca es uno de los miembros más destacados de la llamada Generación del 27, un grupo de poetas que se reunieron en 1927 para conmemorar el tricentenario de la muerte de Luis de Góngora. Esta generación se caracteriza por la fusión de las formas poéticas tradicionales con las vanguardias, y por un enfoque común en temas como la muerte, el amor y la injusticia social. Obras como Romancero gitano (1928) consolidaron la reputación de Lorca como un poeta profundamente conectado con las raíces populares y al mismo tiempo innovador en su forma y estilo.

En 1929, Lorca viajó a Nueva York, un viaje que marcó un punto de inflexión en su obra. En la Gran Manzana, quedó impresionado por la modernidad y, al mismo tiempo, horrorizado por la deshumanización que percibía en la vida urbana. Estas experiencias dieron lugar a Poeta en Nueva York, una de sus obras más complejas y oscuras, que no se publicó hasta después de su muerte. Este libro es una denuncia del capitalismo y una exploración de la alienación del ser humano en la sociedad moderna. Al regresar a España, continuó su prolífica producción literaria, destacando en el teatro con obras como Bodas de sangre (1933), Yerma (1934) y La casa de Bernarda Alba (1936). Estas tragedias rurales abordan temas como la opresión social, el honor y el deseo, y son consideradas algunas de las mejores obras del teatro español del siglo XX.

El estallido de la Guerra Civil Española en 1936 marcó el inicio de una etapa oscura en la vida de Lorca. Aunque no estaba directamente involucrado en la política, sus simpatías hacia la República y su asociación con figuras de la izquierda lo convirtieron en un blanco para las fuerzas franquistas. Rechazó la oferta de exilio que le hicieron amigos preocupados por su seguridad, creyendo que no corría peligro en su Granada natal. Sin embargo, el 18 de agosto de 1936, Federico García Lorca fue arrestado y fusilado, y su cuerpo fue enterrado en una fosa común que hasta el día de hoy no ha sido localizada.

19/08/2024 0 comments
0 FacebookTwitterPinterestLinkedinWhatsapp
Newer Posts
Older Posts

Apúntate a nuestra newsletter

Recibe las novedades de cada semana en tu email

Artículos populares

  • 1

    Luis XIV. El esplendor y la sombra del Rey Sol

    15/05/2024
  • 2

    Yoshitomo Nara. Un universo de emociones

    20/05/2024
  • 3

    Descubre los bestsellers de Novela Negra del año

    19/05/2024
  • 4

    Orvallo, el murmullo de la lluvia

    28/03/2025
  • 5

    Antoni Gaudí y su legado inmortal

    10/06/2024
  • 6

    Cómo se construye hoy la visibilidad cultural

    31/12/2025

Categorias

  • Agenda
  • Amores extraños
  • Arte
  • Cine
  • En corto
  • Entrevistas
  • Eventos
  • Historias del occidente
  • Literatura
  • Los fantasmas olvidados
  • Música
  • Noticias
  • Pensamiento
  • Personajes
  • Reseñas
  • Sin categoría

Selección de los editores

La crisis silenciosa de librerías y editoriales en España
by Emain Juliana 27/01/2026
¿Qué leía la clase trabajadora del siglo XIX?
by Valeria Cruz 25/01/2026
Donde los muertos no siempre se van: El fantasma del cementerio
by Verónica García-Peña 24/01/2026

Artículos aleatorios

Memorias de África, un hogar inesperado
by Valeria Cruz 14/03/2025
Encuentros: obras de la Colección TBA21
by Uve Magazine 31/05/2023
Antoni Gaudí y su legado inmortal
by Valeria Cruz 10/06/2024

Categorías populares

  • Literatura (92)
  • Arte (90)
  • Eventos (67)
  • Agenda (45)
  • Música (43)
  • Personajes (38)
  • Noticias (30)
  • Pensamiento (24)
  • Sin categoría (22)
  • Cine (17)

Uve Magazine es un espacio para quienes disfrutan pensando la cultura sin prisas.
Hablamos de literatura, arte, música e historia desde una mirada feminista, crítica y sensible. Publicamos cada semana artículos, relatos, poesía, entrevistas, efemérides… y también proponemos encuentros, charlas y eventos culturales dentro y fuera de la pantalla.

¿Quieres proponer una colaboración, un texto o una idea para un evento?
Puedes escribirnos a través del formulario de contacto. Leemos todo.

 

Las opiniones, juicios y afirmaciones expresadas en los artículos publicados en este sitio web corresponden únicamente a sus autores y no reflejan necesariamente la postura de este medio. El portal no asume responsabilidad alguna, directa o indirecta, por los contenidos, consecuencias o posibles reclamaciones derivadas de dichos textos, que son de exclusiva responsabilidad de quienes los firman.

Facebook Instagram

@2025 – Uve Magazine. All Right Reserved.

  • Política de privacidad
  • Política de cookies
  • Contacto
Uve Magazine
  • Inicio
  • Agenda
  • Arte
  • Eventos
  • Literatura
  • Música
  • Pensamiento
  • Tienda
  • Contacto
  • Newsletter
Uve Magazine
  • Inicio
  • Agenda
  • Arte
  • Eventos
  • Literatura
  • Música
  • Pensamiento
  • Tienda
  • Contacto
  • Newsletter
@2026 – Uve Magazine. All Right Reserved.

Carrito

Cerrar

No hay productos en el carrito.

Cerrar