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Rob Reiner, muerto en un crimen violento

by Uve Magazine
written by Uve Magazine

El director y actor estadounidense Rob Reiner y su esposa, Michele Singer Reiner, fueron hallados muertos en su domicilio del barrio de Brentwood, en Los Ángeles. Ambos presentaban heridas de arma blanca y la policía investiga el suceso como un homicidio.

Los servicios de emergencia acudieron a la vivienda tras recibir una llamada de alerta. Al llegar, encontraron los cuerpos sin vida de la pareja. Reiner tenía 78 años; su esposa, 68. La Policía de Los Ángeles asumió el caso desde el primer momento y lo trasladó a la división especializada en delitos graves. Por ahora no se han hecho públicos arrestos ni conclusiones definitivas sobre lo ocurrido, y la investigación continúa abierta.

La familia ha pedido respeto y privacidad mientras se esclarecen los hechos. Las autoridades, por su parte, mantienen la cautela y no han facilitado detalles sobre posibles sospechosos ni sobre el contexto exacto del crimen.

Rob Reiner fue una de las figuras más influyentes del cine y la televisión estadounidense de las últimas décadas. Alcanzó popularidad primero como actor en la serie All in the Family y consolidó su prestigio como director con títulos que marcaron a varias generaciones, entre ellos This Is Spinal Tap, Cuenta conmigo, La princesa prometida, Cuando Harry encontró a Sally… y Algunos hombres buenos. Su filmografía combinó éxito comercial, reconocimiento crítico y una fuerte presencia en la cultura popular.

Además de su carrera artística, Reiner fue un productor influyente y una figura activa en el debate público estadounidense, conocido por su implicación en causas sociales y políticas.

La muerte violenta del cineasta y de su esposa ha causado una profunda conmoción en el mundo del cine y ha reabierto el debate sobre la vulnerabilidad incluso en entornos considerados seguros. A la espera de nuevos datos oficiales, el caso permanece bajo investigación.

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MúsicaNoticias

Jorge Martínez Ilegal: Memoria de un hombre eléctrico

by Beatriz Menédez Alonso
written by Beatriz Menédez Alonso

En Asturias se ha apagado una luz que parecía destinada a no oscurecerse nunca. Los trenes continúan pasando, las gaviotas siguen disputándose las esquinas del puerto, las fábricas ya oxidadas derraman silenciosamente su memoria, pero algo esencial ha cambiado: ya no está Jorge Martínez, el hombre que convirtió la furia en oficio, el sarcasmo en arma, el ruido en revelación.

Su muerte no es solo la retirada involuntaria de un músico: es la caída de un pilar secreto. Un temblor en la arquitectura del tiempo. Algo en el paisaje —visible únicamente para quienes sintieron en el pecho el impacto de sus canciones— ha perdido su equilibrio.

«La vida es un deporte de riesgo», decía él, con la placidez insolente de quien ya ha vivido demasiado. En otros sería pose; en él, diagnóstico. O quizá, sentencia.

Infancia: El descubrimiento del engaño

Nació el 1 de mayo de 1955 en Avilés, donde el humo de las fábricas se mezclaba con un legado burgués que parecía ajeno al porvenir. Creció bajo la vigilancia severa de un padre secretario judicial, en un hogar donde la disciplina pesaba lo mismo que los libros bien ordenados.

Desde niño buscó rendijas, grietas por las que fisurar la realidad. Una tarde, con apenas tres años, tocó una de las ranas de la fuente del Campo San Francisco, en Oviedo. Aquellas ranas que él creía vivas eran de metal.

«Ahí supe que el mundo estaba lleno de impostores».

Ese instante fue un bautismo: la sospecha como brújula, la ironía como herramienta, la desobediencia como método.

Nada en su adolescencia fue lineal. Internados para «niños problema», mudanzas continuas siguiendo a un padre que cambiaba de destino, un servicio militar obligatorio que endureció la carne y avivó la rabia silenciosa que más tarde sería ritmo y compás.

Aquellos años fueron una sucesión de pasillos largos, dormitorios compartidos, conversaciones clandestinas y silencios densos. Pero también fueron el terreno fértil donde germinó la pulsión musical. Escuchó por primera vez a Elvis, luego a The Beatles, después a Los Bravos, y algo en su interior hizo clic, como si una corriente eléctrica le atravesara de costado.

En alguna entrevista, alguna noche, alguna conversación perdida en bares y camerinos, Jorge dejó caer el nombre de grupos como The Blue Code, The Police, Talking Heads, The Romantics.

Y uno entiende, entonces, que su música contenía pequeños destellos de ese universo: la elegancia sintética, el pulso nocturno, las guitarras angulosas y cortantes, la estética urbana y fría; en definitiva, la melancolía rítmica que definía a la new wave. No porque él quisiera imitar nada —Jorge jamás siguió un camino que no fuera el suyo—, sino porque su antena estaba siempre afinada hacia los ruidos secretos del mundo.

Intentó estudiar Derecho. Era el camino lógico. Pero lo lógico nunca fue suficiente para él. Lo inevitable era otra cosa.

Con un «carné de circo y variedades» obtenido en los bajos del Teatro Filarmónica, Jorge se adentró en el mundo de las orquestas de la mano de Manolo Carrizo. Fue su chitlin circuit español: una sucesión de salas donde la música no era un capricho artístico, sino una batalla diaria contra el cansancio, contra el ruido de fondo, contra la indiferencia.

En esas noches itinerantes, entre humo y cables, aprendió a tocar para públicos que no siempre pedían música, pero siempre exigían verdad. Ese aprendizaje brutal, esa escuela sin afecto, fue la fragua donde se templó su carácter.

Allí, Jorge comprendió algo esencial: el escenario no es un altar, es un campo de batalla. Y él, un combatiente dispuesto.

A finales de los setenta llegó a un Gijón convulso, mezcla de crisis industrial y ebullición creativa. Bares donde la madrugada se convertía en filosofía basura, y locales de ensayo donde se horneaban pequeñas revoluciones de barrio.

Gijón lo adoptó con cautela, como se adopta a un forastero peligroso.

Y allí, en 1982, nacieron Ilegales.

No eran solo una banda: eran una declaración de guerra, un terremoto en traje de guitarras.

«Somos peligrosos y estamos armados».

«¡Tiempos nuevos, tiempos salvajes!».

Las letras eran cuchillos; las guitarras, sierras eléctricas. Y él, al frente, era un torbellino de insolencia, lucidez y precisión quirúrgica. Siempre dispuesto al combate.

Ilustración de Federico Granell

Jorge no componía canciones: esculpía artefactos explosivos. Su discografía es un mapa emocional y político de la España áspera, violenta y a veces ridícula que le tocó recorrer.

Discos emblemáticos:

• Ilegales (1982)
Su primera bandera negra. Un debut que no pidió permiso para existir: lo impuso.
«Europa ha muerto», «Problema sexual», «Heil Hitler» o «Istambul» golpearon como piedras lanzadas desde un callejón oscuro. El disco abrió una brecha: allí donde el rock español aún buscaba definiciones, Ilegales llegó para tirar la mesa entera.
No era punk, no era rock and roll antiguo, no era new wave —y era todo eso a la vez—.
Un manifiesto: crudo, incómodo, necesario.

• Agotados de esperar el fin (1984)
Más oscuro, más afilado. «¡Tiempos nuevos, tiempos salvajes!» dejó de ser solo una canción para convertirse en un eslogan generacional en un país que despertaba sin saber aún de qué.
La producción, más fría y más geométrica, deja entrever la influencia del espíritu new wave: guitarras cortantes, bajos tensos, una ciudad nocturna respirando detrás de cada nota.
Un disco que anticipa el colapso con feroz lucidez.

• Todos están muertos (1985)
Brutal, distópico, hiriente. Una radiografía del nihilismo urbano de los ochenta: callejones mojados, violencia sorda, personajes que sobreviven por pura inercia. Aquí Ilegales se vuelve más cinematográfico, más venenoso —y Jorge escribe como quien afila un bisturí—.
El disco no consuela: escupe verdad.

• Chicos pálidos para la máquina (1990)
Una obra de madurez violenta. «Regreso al sexo químicamente puro» es uno de los grandes himnos del rock español. La producción es más dura, más fría, más industrial. Hay algo mecánico, casi futurista, en la manera en que cada instrumento encaja en las canciones.

• Regreso al sexo químicamente puro (1991)
Continuación de la etapa más corrosiva del grupo. Irreverente y filosóficamente incorrecto.

• Si la muerte me mira de frente me pongo de lao (2015)
Tras años de mutaciones y resistencias, Jorge regresa con un título que ya es un testamento de actitud.
El disco destila experiencia, rabia renovada y una lucidez que solo se consigue después de sobrevivir a varias vidas dentro de una sola.

• Rebelión (2018)
La prueba de que Jorge seguía siendo dinamita pura.

• La lucha por la vida (2022)
Un álbum de revisión elegante y poderosa, cargado de colaboraciones. Aquí la banda no está sola: es un ejército de voces, guitarras y sensibilidades que se cruzan en un territorio común: el rock en español. Loquillo, Luz Casal, Iván Ferreiro, El Niño de Elche, Coque Malla, Bunbury, Evaristo Páramos, Josele Santiago, etc.

• Joven y arrogante (2024)
A los 70 años volvió con más fuerza que muchos veinteañeros. Una bofetada sonora a la complacencia y a la idea absurda de que el rock debe suavizarse con la edad.
Aquí Jorge se ríe de la vejez, de las expectativas, del mercado, del mundo entero.

La imagen de Jorge —la ceja desafiante, el cuero negro, la mueca irónica— podía llevar a engaño. Tras esa máscara había un lector voraz, un observador minucioso, un hombre capaz de unir reflexiones filosóficas con frases demoledoras tipo:
«Yo hago rock and roll para no matar a nadie».

Y aquella sentencia inmortal pronunciada en televisión, arma de doble filo que lo convirtió en mito instantáneo:
«Señora, si no le gusta mi careto… ¡cambie de canal!».

Su relación con la televisión fue un choque permanente entre su lengua afilada y el deseo de domesticarlo. Apareció en programas musicales, debates y espacios de entrevistas donde su presencia generaba un pequeño estado de excepción.

Participó en espacios culturales, actuaciones en Aplauso, colaboraciones esporádicas en debates musicales de RTVE, entrevistas en La 2 y apariciones memorables en programas de crítica social donde dejó frases que todavía circulan en cámaras de eco digitales.

Nunca se adaptó al medio: lo saboteaba suavemente, como un anarquista invitado a un baile de gala. Su sola presencia alteraba el guion, y los presentadores aprendieron que con él no había entrevista, sino duelo.

En 2017, el documental Mi vida entre las hormigas lo retrató sin filtros: Jorge aparecía filmado en su palacio de Bolgues, en Las Regueras, esa vasta y misteriosa propiedad que había heredado y transformado a su imagen y semejanza.

Entre muros antiguos y corredores interminables, caminaba como un espectro, un Nosferatu de Murnau, cuyos pasos resonaban en la madera gastada y los ventanales altos. La cámara lo seguía mientras se movía entre salas polvorientas llenas de recuerdos fragmentados: libros con páginas amarillentas, retratos enmarcados de antepasados, y extraños objetos que parecían custodiar secretos que solo él comprendía.

Su figura esbelta y silenciosa se recortaba contra la luz que se filtraba por los ventanales, creando un juego de sombras que lo hacía parecer más vampiro que hombre. A cada gesto, a cada mirada, se percibía la tensión de alguien que había vencido a su propio caos interno, que había sobrevivido a tormentas invisibles y ahora caminaba con la serenidad inquietante de quien conoce los abismos.

«No he envejecido: me he destilado».

Mientras otros músicos de su generación se diluían en la nostalgia, él persistía con una presencia indomable.

En septiembre de 2025, en plena gira, un frenazo brusco en una vida que solo conoció la velocidad.

La enfermedad lo obligó a detenerse, pero no a rendirse.

Se marchó el último titán.
El último guitarrista de su generación que seguía en activo.
El último que todavía parecía capaz de incendiar el escenario con un solo acorde.

Jorge Martínez nunca pretendió ser un santo. Tampoco un ejemplo. Caminó por la vida con la franqueza de quien sabe que cada paso puede cortar, pero aun así lo da. Había en él una mezcla rara de determinación y herida; un modo de avanzar como si el mundo fuera un suelo de cristal que, sin embargo, no lograba quebrarlo del todo.

Asturiano de raíz y tempestad, Jorge fue un creador hecho de electricidad y fiebre.
Un artesano de la oscuridad.

Su amplificador se ha apagado.
Pero la vibración permanece.

Y mientras en algún local de ensayo un adolescente pulse un acorde torcido, Jorge seguirá allí:
afilado, insurgente, brillante, eterno.

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LiteraturaNoticiasPersonajes

El legado de Lorca entra en la era digital

by Valeria Cruz
written by Valeria Cruz

La digitalización del archivo de Federico García Lorca marca uno de los hitos culturales más relevantes de los últimos años en España. Manuscritos, cartas, dibujos, fotografías, programas teatrales y documentos personales del poeta han pasado del papel frágil a la pantalla, abriendo un acceso sin precedentes a uno de los legados literarios más importantes del siglo XX. Sin embargo, esta apertura convive con una realidad más compleja: el archivo está vivo, en expansión, y sigue incompleto.

El núcleo del legado está custodiado por la Fundación Federico García Lorca, con sede en el Centro Federico García Lorca de Granada. Allí se conserva el mayor conjunto documental del autor: materiales literarios, documentos personales, correspondencia, bocetos, carteles, libros anotados y fotografías que recorren su vida creativa y su entorno intelectual. Desde 2020, este archivo cuenta con la máxima protección legal al haber sido declarado Bien de Interés Cultural, lo que garantiza su preservación y control institucional.

El proceso de digitalización no es nuevo, pero ha alcanzado ahora una fase decisiva. Parte sustancial del archivo ya puede consultarse a través de plataformas digitales de la Fundación y proyectos asociados como Edad de Plata, una iniciativa que reúne fondos documentales de los grandes intelectuales de principios del siglo XX. Esta digitalización permite que investigadores, lectores, estudiantes y centros culturales de todo el mundo accedan directamente a los documentos originales sin depender de desplazamientos físicos ni de permisos complejos.

El valor de este acceso es enorme. Por primera vez, se pueden estudiar borradores de poemas, tachaduras, correcciones manuscritas, diseños escénicos y cartas privadas que revelan la cocina creativa de Lorca. El escritor deja de ser solo una figura mitificada de los manuales escolares para convertirse en un autor tangible, contradictorio, obsesivo, vulnerable. La digitalización no solo conserva: humaniza.

Pero el archivo no es un conjunto cerrado. Una investigación reciente ha demostrado que aún faltan piezas relevantes del legado. Grabaciones sonoras de la voz del poeta, determinadas cartas, manuscritos teatrales completos y otros documentos siguen sin aparecer o permanecen dispersos en colecciones privadas de difícil acceso. La propia historia del archivo está marcada por traslados, conflictos legales, herencias y décadas de opacidad que han condicionado su conservación.

Esa condición fragmentaria se hizo visible con especial fuerza en la exposición «Lorca y el archivo. Memoria en movimiento», celebrada en Granada, que reunió alrededor de 460 piezas procedentes de más de cincuenta archivos de España y América. El proyecto puso de relieve hasta qué punto el legado de Lorca está repartido por el mundo y cómo su reconstrucción sigue siendo una tarea abierta, casi arqueológica.

La digitalización, por tanto, no es solo una operación técnica: es una herramienta de reparación histórica. Durante décadas, el cuerpo documental de Lorca estuvo marcado por el trauma de su asesinato, la censura, el exilio de su familia y la dispersión forzada de sus papeles. Convertir ese legado en patrimonio accesible supone devolverlo a la comunidad cultural y a la ciudadanía.

Desde el ámbito académico, el impacto ya es notable. El acceso digital facilita estudios comparativos entre versiones de textos, análisis genéticos de las obras y nuevas lecturas críticas que antes eran inviables por las restricciones físicas del archivo. En el ámbito educativo, permite que institutos y universidades trabajen directamente con fuentes primarias, rompiendo la distancia entre el alumnado y los documentos originales.

Sin embargo, la digitalización también abre debates incómodos: ¿hasta qué punto debe exponerse la vida privada de un autor?, ¿todo documento debe hacerse público?, ¿quién decide qué se digitaliza primero?, ¿qué ocurre con los fondos aún en manos particulares? El archivo de Lorca no es solo una herencia literaria; es también un territorio de poder simbólico, económico y político.

A día de hoy, puede afirmarse que una parte sustancial del legado ya está preservada en formato digital y al alcance del público. Pero también es cierto que el archivo sigue incompleto y que su reconstrucción continúa. Nuevas cartas aparecen, nuevos documentos se identifican, nuevos fondos salen a subasta. El archivo de Lorca no es un monumento estático: es un organismo en movimiento.

Quizá esa condición inacabada sea, paradójicamente, la forma más fiel de representar al propio Lorca: una figura abierta, atravesada por el deseo, el conflicto, la belleza y la herida. La digitalización no cierra su historia. La mantiene viva.

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MúsicaNoticias

Rosalía anuncia nueva gira mundial

by Clara Belmonte
written by Clara Belmonte

Rosalía volverá a recorrer el mundo con una gira internacional que ya se perfila como uno de los grandes acontecimientos musicales de los próximos años. Tras consolidar su estatus como artista global, la catalana afronta esta nueva etapa con un espectáculo de gran formato que abarcará Europa, América y Asia.

Desde su irrupción inicial hasta la redefinición del pop contemporáneo, su carrera ha estado marcada por una constante ruptura de fronteras estéticas, culturales y lingüísticas. Flamenco, electrónica, reguetón experimental y arte visual han convivido en una propuesta que ha descolocado a la industria desde dentro.

Esta nueva gira supone no solo la presentación de un nuevo proyecto musical, sino también una expansión definitiva de su marca artística. Su impacto va más allá de lo sonoro: Rosalía es un fenómeno cultural que atraviesa moda, cine, diseño y cultura digital.

Las expectativas son altas. Producciones escénicas ambiciosas, narrativa visual fuerte y una conexión con el público que ha demostrado ser transversal en generaciones y territorios.

La industria mira con atención: pocas artistas europeas han alcanzado un nivel de proyección comparable en tan poco tiempo. Rosalía no solo exporta música; exporta un nuevo modelo de artista global desde el sur de Europa.

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ArteNoticias

Muere Martin Parr, genio de la fotografía

by Uve Magazine
written by Uve Magazine

Fallece Martin Parr a los 73 años, dejando tras de sí un archivo visual inconfundible que retrató con ironía, color saturado y una crudeza directa la sociedad de consumo, el turismo de masas y la vida cotidiana sin filtros.

Lejos de la épica y del dramatismo clásico del fotoperiodismo, Parr convirtió lo banal en protagonista: playas abarrotadas, comidas grasientas, souvenirs absurdos, cuerpos apretados al sol. Su estilo, inmediatamente reconocible, fue tan criticado como celebrado por mostrar un espejo incómodo de la clase media occidental. Nada en sus imágenes pretendía embellecer; todo estaba pensado para subrayar el exceso, la torpeza y la contradicción social.

Miembro histórico de la agencia Magnum Photos, dirigió también durante años su fundación en Bristol, desde donde impulsó a nuevas generaciones de fotógrafos. Su influencia se extiende desde la fotografía documental hasta la moda, la publicidad y el arte contemporáneo.

Parr nunca buscó caer bien. Su obra incomoda porque señala. Y precisamente por eso su legado resulta hoy más vigente que nunca, en una época dominada por la imagen edulcorada, el filtro constante y la corrección estética. Supo mostrar lo que nadie quería mirar de frente.

Su muerte cierra una etapa fundamental de la fotografía europea contemporánea, pero su archivo queda como testimonio incómodo, divertido y feroz de una sociedad que se reconoció —a regañadientes— en sus propias contradicciones.

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MúsicaNoticias

Adiós a Sandro Giacobbe

by Valeria Cruz
written by Valeria Cruz

Sandro Giacobbe, uno de los cantantes italianos más populares entre el público español de los años setenta y ochenta, ha fallecido a los 75 años. El músico, que llevaba tiempo batallando contra una enfermedad, permanecía retirado de la vida pública, aunque seguía siendo una referencia para quienes crecieron escuchando sus baladas.

Saltó a la fama con canciones como El jardín prohibido y Señora mía, temas que se convirtieron en clásicos inmediatos y que mantuvieron una presencia constante en la radio y la televisión durante décadas. Su forma de interpretar, directa y sentimental, le permitió conectar con un público amplio en Italia, España y América Latina.

Aunque su actividad artística se redujo en los últimos años, su nombre nunca desapareció del todo. Sus canciones continúan presentes en recopilatorios, conciertos homenaje y en la memoria colectiva de varias generaciones. Con su muerte se marcha una figura emblemática de la canción romántica italiana, cuyo legado permanece vivo en quienes todavía encuentran emoción en su repertorio.

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LiteraturaMúsicaNoticias

Cuando la creación se sale de la órbita

by Sandra Marquez
written by Sandra Marquez

Franco Battiato siempre ha tenido algo de inasible. Su figura, envuelta durante décadas en una mezcla de reverencia, misterio y etiquetas más o menos acertadas, tendió a encasillarlo como un artista solemne, casi ascético. Sin embargo, quienes lo trataron de cerca describen a un hombre distinto: irónico, ligero, capaz de desmontar cualquier solemnidad con un gesto o una frase inesperada. Esa faceta, la menos contada, es justo la que recupera Battiato el extraterrestre, la versión española del libro de Maurizio Di Bona y Alessio Cantarella que llega dos años después de su publicación en Italia.

El proyecto nació en 2023 con un título que no dejaba lugar a dudas: Battiato l’alieno. Lo firmaban un dibujante napolitano, Di Bona, y un ingeniero informático de Catania, Cantarella, unidos por el afecto y la admiración hacia el músico. El libro llamó la atención de inmediato por su enfoque extraño y divertido, completamente alejado de los ensayos sobrios que suelen ocupar los estantes dedicados a Battiato. Era una manera libre —a veces satírica, siempre respetuosa— de acercarse a alguien a quien muchos consideran un «botón de santidad», un ser al que solo se puede mirar desde abajo. Di Bona y Cantarella decidieron que ya era hora de sacarlo de ese pedestal, devolverle la ligereza y mostrarlo como un hombre que sabía reírse de sí mismo.

Esa fue la premisa para construir un cómic lleno de encuentros insólitos, viajes interplanetarios y guiños a su visión artística, pero también un mosaico de recuerdos de quienes lo trataron. El resultado permitió que lectores y críticos italianos celebraran su llegada por su carácter inesperado: contar a Battiato a través del dibujo implicaba moverse por una galaxia donde nada es recto ni lógico, donde cada página puede abrir un desvío. Y eso, precisamente, es lo que lo hace tan fiel al espíritu del propio músico.

La edición española, Battiato el extraterrestre, traducida por Mabel Villagra y Mariola Gómez Outes, aterriza ahora en Amazon con el mismo objetivo: invitar a quienes conocen al autor de Centro de gravedad permanente a mirarlo desde un ángulo distinto, y permitir que quienes apenas saben algo de él descubran un universo creativo sin solemnidad impostada. Di Bona ha comprobado ese efecto en su propia casa: sus dos hijas, mientras él trabajaba en los bocetos y escuchaba Cuccuruccucú en bucle, comenzaron a dibujar a Battiato entre Spider-Man y un Pokémon, como si fuese un superhéroe raro llegado desde la luna. En su cabeza, el autor de Alexander Platz dejaba de pertenecer a un Olimpo reservado para adultos melómanos y se convertía en una figura lúdica, contagiosa y sorprendentemente actual.

Esa lectura juvenil no es anecdótica. El libro funciona también como una puerta de acceso para lectores jóvenes acostumbrados al lenguaje visual, y que encuentran aquí una manera de interpretar a un músico que, pese a su aura intelectual, siempre jugó con la cultura pop, con lo esotérico, con lo filosófico y con lo cotidiano. La sátira, lejos de banalizar su figura, la libera. Y en un gesto casi simbólico, lo devuelve a la Tierra sin restarle un ápice de rareza.

La obra incluye un prólogo de Syusy Blady y un amplio conjunto de testimonios de quienes compartieron proyectos, escenas y conversaciones con él. Entre ellos está el propio Cantarella, que fue amigo de Battiato y colaboró con él en la película Niente è come sembra (2007). Su mirada, más íntima y técnica a la vez,  ayuda a completar el retrato de un creador que, detrás de su fama de asceta musical, guardaba humor, curiosidad y un enfoque poco convencional sobre casi todo.

Los autores

Maurizio Di Bona (1971), dibujante napolitano, ha desarrollado una trayectoria que combina sátira, cultura pop y divulgación gráfica. Entre sus obras destacan Chi ha paura di Giordano Bruno (2006), Cose da Runners (2016), È tutto un manga manga (2020) y Supereroi (2022). En 2025 volverá a colaborar con Cantarella en Battiato l’artista.

Alessio Cantarella (1985), ingeniero informático de Catania, combina su perfil técnico con una notable sensibilidad artística. Gestionó la web y los perfiles sociales del filósofo Manlio Sgalambro y fue amigo cercano de Battiato. Además de su participación en la película Niente è come sembra, cofirma Battiato l’artista (2025).

Un libro para quienes buscan al hombre detrás del mito

Battiato el extraterrestre no intenta explicar ni desmitificar nada. Su propósito es otro: devolver al lector la idea de un artista libre, contradictorio y brillante. A través de dibujos, anécdotas y escenas que cruzan espacio, tiempo y humor, los autores logran un retrato que escapa de los clichés y recupera la capacidad de asombro que siempre acompañó a Battiato.

Para quienes lo conocen, es una invitación a revisitar su obra desde otro registro. Para quienes no, una puerta abierta a uno de los creadores más singulares de la música italiana.

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MúsicaNoticias

The Crown anuncia su gran adiós en 2026

by Clara Belmonte
written by Clara Belmonte

The Crown anuncia su despedida definitiva tras 35 años de ferocidad y Death Metal sin concesiones. La banda cierra etapa con NO TOMORROW – Farewell 2026, una gira pensada como un último choque directo con sus fans: energía, sudor y cero nostalgia blanda.

Las fechas ya confirmadas incluyen paradas en España, Portugal, Suiza, EE. UU., Italia, Austria, Finlandia, Países Bajos y varias ciudades de Suecia, donde el grupo dará su concierto final el 19 de diciembre de 2026 en Gotemburgo.

The Crown se va por decisión propia, con la misma contundencia que los vio nacer. Un final ruidoso, fiel y celebratorio.

Las fechas confirmadas en España para la gira de despedida de The Crown – No Tomorrow: Farewell 2026 son:

  • 06/03/26 – Barcelona (Sala Lennon)

  • 07/03/26 – Valencia (Sala Zulu)

  • 08/03/26 – Madrid (Sala Nazca)

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ArteNoticias

El Thyssen revela claves ocultas de un Degas

by Uve Magazine
written by Uve Magazine

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza exhibirá, del 17 de noviembre de 2025 al 1 de marzo de 2026, un montaje especial dedicado al estudio técnico de En la sombrerería (1882), uno de los primeros pasteles de Edgar Degas centrados en la vida cotidiana. La obra, marcada por una fragilidad excepcional, ha sido analizada en profundidad por el Área de Restauración del museo gracias al mecenazgo de la Fundación María Cristina Masaveu Peterson, lo que ha permitido comparar el pastel con otras piezas del artista y confirmar tanto la calidad del soporte como la complejidad de su proceso creativo.

Las investigaciones revelan una composición muy meditada desde los primeros trazos, con apenas ligeras correcciones visibles bajo la superficie. La radiografía confirma su buen estado de conservación y la presencia de un cartón mecanizado como soporte, mientras que el examen del papel y de las capas de color muestra el característico método del pintor: una superposición minuciosa de pasteles fijados capa a capa con un producto que evitaba brillos y alteraciones cromáticas. Todo apunta a que ese fijativo era el elaborado por su amigo Luigi Chialiva, cuya fórmula —basada en caseína, bórax y alcohol— aparece registrada en una patente estadounidense de 1899.

La muestra ofrece una mirada privilegiada al oficio de Degas, a sus decisiones técnicas y a la delicadeza de una obra que, pese a su aparente sencillez, encierra un proceso de trabajo riguroso y lleno de matices. Una ocasión singular para redescubrir al maestro del pastel y comprender cómo construía la textura, la luz y el movimiento en una escena tan íntima como la de una sombrerería parisina.

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MúsicaNoticias

Amon Amarth anuncian su gran gira europea 2026

by Uve Magazine
written by Uve Magazine

Amon Amarth vuelve a la carga. La banda sueca, referencia absoluta del metal vikingo desde los noventa, ha anunciado una extensa gira europea para otoño de 2026 bajo el nombre The Allfather Awakens Tour, una travesía que recorrerá Reino Unido y buena parte del continente. Llegarán acompañados por dos formaciones también suecas: Orbit Culture, uno de los nombres más frescos del death metal moderno, y Soilwork, veteranos pilares del melodeath.

La banda viene de un año especialmente activo: actuaciones con Slayer en Cardiff y Londres, una campaña estadounidense junto a Pantera y el lanzamiento de su reciente single, We Rule the Waves, acompañado de un videoclip que recupera su épica habitual. Para 2026 preparan un nuevo álbum, anunciado como un regreso aún más contundente, «carved from salt and steel», según la nota oficial.

Una gira con nueva producción escénica

El tour arrancará el 9 de octubre en Manchester, continuará por Londres y Wolverhampton, y desde allí cruzará al continente para recorrer Francia, Luxemburgo, Alemania, Bélgica, Países Bajos, Suecia, Finlandia, Estonia, Polonia, Hungría, Austria, República Checa, Italia, Suiza, España y Portugal. La banda promete un montaje escénico renovado y un setlist ampliado, con la teatralidad que caracteriza sus directos.

Fechas confirmadas en España y Portugal

Los seguidores de la península podrán verlos en:

  • Barcelona – 13 de noviembre (Sant Jordi Club)

  • Madrid – 14 de noviembre (Vistalegre)

  • Lisboa – 15 de noviembre (Sala Tejo)

Las entradas saldrán a la venta el viernes 28 de noviembre a las 9:00 GMT / 10:00 CET a través de su web oficial.

Reyes del metal vikingo

Formados en Tumba en 1992, Amon Amarth han construido una trayectoria sólida basada en himnos épicos, guitarras monumentales y una estética marcada por la mitología nórdica. Discos esenciales como Twilight of the Thunder God o Jomsviking consolidaron un estilo reconocible y una fórmula que continúa atrayendo a miles de seguidores. Su directo es una de sus mayores armas: grandes escenarios, producción cuidada y un sentido de espectáculo que mezcla identidad, narrativa y fuerza bruta.

Con The Great Heathen Army (2022), producido por Andy Sneap, llevaron su sonido hacia un terreno más cinematográfico sin perder potencia. El cierre de la nota de prensa confirma lo que muchos fans esperaban: un nuevo álbum verá la luz a finales de 2026.

Una nueva campaña de conquista

Con más de treinta años de carrera y una reputación que ya los sitúa entre los referentes del metal mundial, Amon Amarth se preparan para otro asalto europeo. Y, visto el tamaño del despliegue, no tienen intención de aflojar los remos.

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