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Category:

Música

Música

CIRITH UNGOL publica Live At The Roxy

by Clara Belmonte 27/04/2025
written by Clara Belmonte

CIRITH UNGOL publica Live At The Roxy, un álbum en directo que recoge la actuación que la banda ofreció en 2024 en el mítico Roxy Theatre de Los Ángeles. El lanzamiento, a través de Metal Blade Records, estará disponible en formato CD, vinilo y DVD.

La grabación recoge la presentación completa de su último trabajo de estudio, Dark Parade (2023), acompañada de una selección de clásicos que repasaron toda su trayectoria. Con cerca de 100 minutos de duración y 20 temas en total, el álbum muestra a CIRITH UNGOL en un gran momento de forma, en un concierto vibrante que supo capturar también la energía del público.

Como adelanto, la banda ha publicado el vídeo en directo de “Relentless”, un tema inspirado en escalas egipcias e hindúes. Según el batería y fundador Robert Garven, la canción refleja una lucha constante contra los propios demonios en un mundo cada vez más caótico.

Sobre grabar en el Roxy, Garven explica:
“Es un sitio especial, parte de la historia de Hollywood. Poder tocar allí, rodeados de amigos y fans llegados de muchos países, fue algo muy significativo para nosotros”.

La crítica especializada ya ha destacado este nuevo trabajo. Deaf Forever (Alemania) lo describe como “un impresionante álbum en directo que ofrece prácticamente un repaso completo a la carrera de la banda, con una captura de sonido que traslada la atmósfera de la sala al oyente”. Mystification ‘Zine señala: “Un sermón tras otro en favor de la mejor causa: el heavy metal”, mientras que Metal.de destaca su autenticidad: “Cercanos, sin pulir, ofreciendo exactamente lo que los fans vivieron en sus conciertos europeos”.

Live At The Roxy – Tracklist:

  1. Velocity (S.E.P.)

  2. Relentless

  3. Sailor On The Seas Of Fate

  4. Sacrifice

  5. Looking Glass

  6. Dark Parade

  7. Distant Shadows

  8. Down Below

  9. Atom Smasher

  10. I’m Alive

  11. Frost And Fire

  12. Black Machine

  13. Blood And Iron

  14. Chaos Descends

  15. The Frost Monstreme

  16. Fire

  17. Death Of The Sun

  18. Master Of The Pit

  19. King Of The Dead

  20. Join The Legion

Formación en Live At The Roxy:

  • Tim Baker – voz

  • Greg Lindstrom – guitarra

  • Robert Garven – batería

  • Armand John Anthony – guitarra

  • Jarvis Leatherby – bajo

Live At The Roxy promete ser una referencia obligada para cualquier seguidor de CIRITH UNGOL… y para quienes aún no han descubierto su particular forma de entender el heavy metal.

Ya puedes ver el vídeo de “Relentless” aquí.

27/04/2025 0 comments
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Música

MESSA “Fire on the Roof”

by Uve Magazine 15/04/2025
written by Uve Magazine

MESSA prende fuego al doom metal con su nuevo videoclip "Fire on the Roof"

Desde Italia, MESSA regresa con fuerza con el videoclip de “Fire on the Roof”, uno de los cortes más magnéticos de su nuevo álbum The Spin, publicado el 11 de abril por Metal Blade Records. Un tema cargado de emoción, distorsión y atmósfera, que confirma el momento brillante que atraviesa la banda.

Con The Spin, MESSA firma su cuarto disco y quizá el más ambicioso hasta la fecha. Su característico scarlet doom —una mezcla de doom metal, rock gótico, jazz y una sensibilidad casi cinematográfica— alcanza aquí una nueva dimensión. El álbum no se limita a seguir caminos conocidos: los moldea, los rompe y los reconstruye a su manera.

The Spin cuenta además con colaboraciones como la del músico Andrea Mantione (Nuovo Testamento) en los sintetizadores del propio “Fire on the Roof”, y una portada del artista visual Nico Vascellari, que aporta un guiño contemporáneo a esta propuesta cargada de matices.

MESSA ya no es solo una banda revelación del underground: es uno de los nombres imprescindibles del metal actual. Y The Spin, su confirmación definitiva.

“Fire on the Roof” habla de amores imposibles, de esa atracción que arde por dentro y empuja a cruzar límites. “Hay una maldición, un miedo, unas llamas que te arrastran al infierno… pero también un impulso que no puedes ignorar”, explica la banda. El resultado es una canción intensa y vulnerable a partes iguales, reforzada por un videoclip tan sugestivo como visceral.

La crítica ha sido clara: MESSA está en su mejor momento. Decibel Magazine lo considera “una obra que combina doom, goth, heavy metal y jazz con honestidad y fuerza”; Metal Hammer destaca la mezcla de “una voz excepcional con momentos íntimos y riffs abrasadores”; y Deaf Forever no duda en decir que es su disco más sólido hasta ahora.

15/04/2025 0 comments
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Música

IGORRR. El caos como forma de arte

by Emain Juliana 05/04/2025
written by Emain Juliana

Veinte años después de su debut, IGORRR regresa con Amen, un álbum tan oscuro como impredecible que consolida su lugar como una de las propuestas más radicales de la música contemporánea.

Dos décadas después de comenzar su aventura sonora bajo el nombre IGORRR, el francés Gautier Serre sigue reinventando el ruido con cada nuevo lanzamiento. El próximo 19 de septiembre, y bajo el sello Metal Blade Records, verá la luz Amen, su quinto álbum de estudio: una obra que, lejos de ofrecer respuestas, lanza nuevas preguntas, más oscuras, densas y desconcertantes que nunca.

Desde sus inicios en 2005, IGORRR ha sido el vehículo de una visión musical tan ecléctica como radical. ¿Black metal? ¿Breakcore? ¿Música barroca? ¿Trip hop? ¿Todo a la vez y al mismo tiempo? Con influencias que van de Johann Sebastian Bach y Domenico Scarlatti a Cannibal Corpse, Meshuggah, Aphex Twin o el grupo de música balcánica Taraf de Haïdouks, Serre ha creado un lenguaje propio donde lo sublime y lo grotesco conviven sin pedir permiso.

Amen llega como una evolución natural pero también como una anomalía dentro de una discografía ya de por sí inclasificable. “Este álbum es definitivamente más oscuro que sus predecesores; tiene un tono solemne que no había alcanzado antes”, afirma el propio Serre. Grabado en parte con un coro real en una iglesia y tras un largo proceso de experimentación con instrumentación y diseño sonoro, el disco se presenta como un nuevo punto de inflexión en el universo IGORRR.

Pero Amen no es solo una letanía gótica. En su interior encontramos temas como “Blastbeat Falafel” o “ADHD”, pequeñas cápsulas de energía frenética que, en palabras de Serre, “funcionan como un trago de limoncello entre platos”, necesarias para no perderse en el peso del conjunto.

“ADHD” es además el primer adelanto del álbum, acompañado por un videoclip tan perturbador como hipnótico, realizado junto al dúo creativo Meat Dept. Mezclando animación 3D con inteligencia artificial, el vídeo se convierte en una “terapia experimental” donde lo visual se retuerce en clave de humor negro y estética delirante, con ecos del universo de Fantômas y cierto aire de parodia Bond sesentera. “La música es 100% casera”, asegura Serre, aunque el vídeo se permitió jugar con las tecnologías más recientes, “empujando el dial del desasosiego estético hasta convertirlo en algo adictivo”.

Lo que empezó como un proyecto de estudio en solitario ha evolucionado hacia una formación completa capaz de trasladar a los escenarios el complejo entramado sonoro de IGORRR. A día de hoy, el grupo lo completan Jb Le Bail y Marthe Alexandre en las voces, Remi Serafino a la batería y Martyn Clément en la guitarra, mientras Serre continúa al mando de las máquinas y de la visión global del proyecto.

La trayectoria discográfica de IGORRR incluye joyas como Nostril (2010), Hallelujah (2012), el aclamado Savage Sinusoid (2017) —su primer disco sin uso de samples— y Spirituality and Distortion (2020), que incluso alcanzó el número doce en las listas alemanas. En todos ellos se advierte una constante: la voluntad de incomodar, de romper moldes, de llevar al oyente a lugares donde nunca ha estado… y no siempre querrá quedarse.

Gautier Serre ha afirmado en varias ocasiones que su cerebro “compone música incluso mientras duerme”. El verdadero reto, confiesa, está en filtrar esas ideas y quedarse con las que realmente ama, “con mayúscula”. No en vano, también ha desarrollado otros proyectos paralelos como Whourkr o Corpo-Mente, donde explora distintas ramas de su imaginación musical.

Próxima gira: España incluida

Para celebrar el lanzamiento de Amen, IGORRR arrancará una extensa gira europea acompañado por Master Boot Record e Imperial Triumphant. Entre las fechas más esperadas están las tres paradas en España:

  • 3 de octubre – Bilbao (Santana 27)

  • 4 de octubre – Barcelona (Apollo 1)

  • 5 de octubre – Madrid (La Riviera)

Una ocasión perfecta para presenciar, en carne y hueso, lo que significa vivir el caos con precisión quirúrgica.

IGORRR no hace música para todos los oídos. Y ahí reside su fuerza. En tiempos de fórmulas seguras y producción en masa, Serre sigue apostando por la locura, el riesgo y la belleza de lo inclasificable. Con Amen, parece que el apocalipsis tiene, por fin, banda sonora.

https://igorrr.com

https://www.metalblade.com/us/

05/04/2025 0 comments
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Música

Cattle Decapitation vuelve a Europa en 2025. Una gira devastadora con parada en el Rock Imperium de Cartagena

by Sara Petricor 27/03/2025
written by Sara Petricor

Los titanes californianos del deathgrind, Cattle Decapitation, han anunciado su esperado regreso a Europa para el verano de 2025. La banda ofrecerá una potente combinación de conciertos en solitario y actuaciones en algunos de los festivales más importantes del continente, incluyendo su primera visita al Rock Imperium Festival en España.

Fechas en solitario:

  • 08/06 – Bratislava, Eslovaquia @ Randal (con Skeletal Remains)
  • 09/06 – Budapest, Hungría @ Barba Negra (con Skeletal Remains + Incantation)
  • 11/06 – Schweinfurt, Alemania @ Stadtbahnhof (con Skeletal Remains + Incantation)
  • 12/06 – Eindhoven, Países Bajos @ Dynamo (con Skeletal Remains + Severe Torture)
  • 14/06 – Brighton, Reino Unido @ Chalk (con Skeletal Remains)
  • 17/06 – Oberhausen, Alemania @ Kulttempel (con Severe Torture)
  • 23/06 – Karlsruhe, Alemania @ Substage (co-headline con Fit For An Autopsy)
  • 24/06 – Milán, Italia @ Legend Club

Festivales confirmados:

  • 04/06 – Sweden Rock (Suecia)
  • 06/06 – Mystic Festival (Polonia)
  • 07/06 – Chronical Moshers (Alemania)
  • 13/06 – Into The Grave (Países Bajos)
  • 15/06 – Download Festival (Reino Unido)
  • 18/06 – Copenhell (Dinamarca)
  • 19/06 – Nummirock (Finlandia)
  • 21/06 – Graspop Metal Meeting (Bélgica)
  • 22/06 – Hellfest (Francia)
  • 26/06 – Basinfire (República Checa)
  • 27/06 – Impericon Festival (Alemania)
  • 28/06 – Abyss Festival (Suiza)
  • 29/06 – Rock Imperium (España – Cartagena)

Una trayectoria marcada por la evolución y la crítica social

Formados en 1996 en San Diego, Cattle Decapitation comenzó como una banda de grindcore extremo con un enfoque radical en el maltrato animal y la decadencia humana. A lo largo de las décadas, han evolucionado hacia un estilo más complejo y técnico, fusionando death metal, grind y elementos melódicos sin perder un ápice de brutalidad.

Su discografía es un grito desesperado contra la autodestrucción del ser humano y el colapso ecológico. Álbumes como To Serve Man (2002), The Anthropocene Extinction (2015) o Death Atlas (2019) los consolidaron como referentes del metal extremo con conciencia. Con su último trabajo, Terrasite (2023), la banda vuelve a elevar el listón. Terrasite alcanzó posiciones destacadas en las listas de Billboard, incluyendo el #2 en “Current Hard Music Albums” y el #4 en “Rock Albums”.

 

27/03/2025 0 comments
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ArteCineEventosMúsica

Blur, To the End

by Uve Magazine 25/03/2025
written by Uve Magazine

Viernes 28 de marzo de 2025 – CaixaForum Madrid
Proyección: 20:00 h | Warm up DJ: desde las 19:30 h | VOSE | 102 minutos
Sesión presentada por Esteban Girón

En el marco del ciclo In-Edit On Tour, CaixaForum Madrid acoge la proyección de Blur, To the End, un documental dirigido por Toby L. que se adentra en el regreso de una de las bandas clave del britpop: Blur. Con sensibilidad y cercanía, la película no solo repasa los grandes éxitos del grupo, sino que retrata con honestidad el reencuentro emocional y creativo de Damon Albarn, Graham Coxon, Alex James y Dave Rowntree tras ocho años de silencio discográfico.


El filme arranca con el proceso de grabación de The Ballad of Darren (2023), su primer álbum en casi una década, y culmina con los dos macroconciertos celebrados en Wembley. Pero más allá del espectáculo, lo que narra To the End es la historia de una amistad compleja, las heridas del tiempo y la capacidad de la música para dar sentido incluso a lo que ya parecía cerrado. Alegría, vulnerabilidad, orgullo, melancolía, cansancio, lesiones, lágrimas y humor negro: todos estos matices atraviesan este último capítulo vital de unos músicos que siguen conectando con varias generaciones.

Intervienen en el documental, además de los miembros de la banda, figuras esenciales como el productor James Ford, el mánager Mike Smith y el actor Phil Daniels, voz inolvidable en Parklife. Una obra para fans, sí, pero también para quienes quieran asomarse al interior de una banda que supo convertir lo cotidiano en himno y lo colectivo en identidad.

La sesión será presentada por el músico y comunicador Esteban Girón y contará con un warm up previo desde las 19:30 h, a cargo de Don Viti (Víctor Patiño), DJ de referencia en la escena madrileña, que ofrecerá una sesión especialmente comisariada para la ocasión, inspirada en el universo Blur.

Ciclo de música – In-Edit On Tour

Del 14 de marzo al 4 de abril de 2025 – CaixaForum Madrid

Esta proyección forma parte de In-Edit On Tour, el ciclo que acerca a distintas ciudades españolas una cuidada selección de los mejores documentales musicales que han pasado por el prestigioso In-Edit, Festival Internacional de Documental Musical de Barcelona. Tras veinte años apostando de forma exclusiva por el documental musical, In-Edit se ha consolidado como un referente internacional, con ediciones en diferentes países y un firme compromiso con la música como herramienta narrativa, social y emocional.

De la electrónica al rock clásico, pasando por el reggae, el punk, el flamenco, el jazz o las propuestas más experimentales, el ciclo demuestra que la música sigue siendo una de las formas más poderosas para contar quiénes somos, de dónde venimos y hacia dónde vamos.

25/03/2025 0 comments
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Música

Sanhedrin presenta su nuevo álbum Heat Lightning

by Sandra Marquez 11/03/2025
written by Sandra Marquez

Sanhedrin, el trío neoyorquino que lleva una década sacudiendo la escena del heavy metal, regresa con Heat Lightning , un álbum que eleva su sonido a nuevas alturas. Tras el éxito de Lights On (2022), la banda apuesta por una producción más ambiciosa y una mezcla aún más rica de influencias del metal clásico y el hard rock. Grabado en el legendario estudio Utopia Bearsville y producido por Matt Brown y Jerry Farley, el disco captura la esencia de Sanhedrin con una claridad y potencia sin precedentes. La portada, ilustrada a mano por Johan Prenger, añade el broche visual a un trabajo que respira dedicación, evolución y pasión por la música.

Desde el arrollador inicio con Blind Wolf , inspirado en las sectas, hasta la épica King of Tides , que narra el choque entre puritanos y nativos en el Nuevo Mundo, el álbum es un viaje electrizante. Heat Lightning —tema que da nombre al disco— una metáfora sobre el cambio climático, mientras que The Fight of Your Life rinde homenaje a quienes viven por y para la música. No faltan las explosiones de energía con Franklin County Line y los himnos de resistencia como Let’s Spill Some Blood . Con un sonido más nítido y agresivo, este trabajo es un símbolo de persistencia, amistad y la búsqueda constante de la esencia del metal en su máxima expresión. Sanhedrin no solo sigue en pie, sino que demuestra lo mejor aún está por venir.

El 14 de marzo llega Heat Lightning , el nuevo álbum de Sanhedrin, bajo el sello Metal Blade Records.

11/03/2025 0 comments
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Música

Nat King Cole, el alma de una época

by Clara Belmonte 11/03/2025
written by Clara Belmonte

Si alguna vez has sentido que una canción te abraza, que una voz te acompaña en la soledad o que una melodía ilumina un momento gris, es posible que hayas escuchado a Nat King Cole sin darte cuenta. Hay algo en su manera de cantar, en la cadencia pausada de su voz y en el piano que la acompaña como una brisa suave, que transforma lo cotidiano en algo un poco más bello.

Nathaniel Adams Coles, más conocido como Nat King Cole, nació el 17 de marzo de 1919 en Montgomery, Alabama, en el seno de una familia humilde y profundamente musical. Su madre, Perlina Adams, tocaba el órgano en la iglesia, y fue ella quien le enseñó sus primeras notas al piano. Su padre, Edward Coles, era diácono y carnicero, pero su vocación era el ministerio. Cuando Nat era aún un niño, la familia se trasladó a Chicago, donde su padre se convirtió en pastor y su madre siguió tocando en la iglesia. Aquellos primeros años estuvieron marcados por la música gospel, el jazz y la música clásica, géneros que aprendería a interpretar con una destreza que marcaría toda su carrera.

Chicago, en aquel entonces, era un hervidero cultural, y el joven Nat quedó fascinado con el jazz que se respiraba en el barrio de Bronzeville. Aún siendo adolescente, empezó a frecuentar clubes nocturnos y admirar a músicos como Louis Armstrong y Earl Hines, su gran inspiración al piano. Tanto lo impresionó Hines que decidió seguir sus pasos y, a mediados de los años 30, inició su carrera artística, abandonando la “s” de su apellido y adoptando el nombre de Nat Cole. Su hermano Eddie, bajista, se unió a su primera banda, con la que grabaron su primer disco en 1936. No tardó en hacerse un nombre en la escena local y pronto la audiencia empezó a llamarlo “King”, un apodo que nunca lo abandonaría.

Su carrera tomó un giro decisivo cuando, tras una gira con el pianista Eubie Blake, decidió establecerse en Los Ángeles, donde formó el King Cole Swingers y, poco después, en 1939, el legendario Nat King Cole Trio , junto al guitarrista Oscar Moore y el bajista Wesley Prince. En plena era de las grandes bandas, un grupo compuesto únicamente por piano, guitarra y bajo era una rareza, pero su sonido innovador y elegante capturó al público, influyendo en futuras generaciones de músicos y consolidando a Nat como un pianista de jazz excepcional. Aunque al principio se veía solo como instrumentista, con el tiempo comenzó a cantar en algunas presentaciones. No tenía gran confianza en su voz, pero el público pensaba lo contrario. Fue precisamente con una de esas canciones, Sweet Lorraine (1940), cuando llamó la atención de las discográficas y firmó un contrato con Capitol Records, sello al que permanecería fiel durante toda su carrera. Su popularidad creció rápidamente y, en 1950, alcanzó el número uno de ventas con Mona Lisa . En esta etapa comenzó a alejarse poco a poco del jazz para centrarse en las baladas, lo que algunos puristas vieron como una traición a sus raíces. Pero Nat no prestó atención a las críticas: hacía la música que sentía y que conectaba con su público.

A lo largo de los años, su voz aterciopelada y su estilo refinado conquistaron corazones de todas partes del mundo. Su interpretación de Unforgettable , Nature Boy , The Christmas Song y Ramblin’ Rose lo convirtió en una de las voces más queridas del siglo XX. Pero si algo hizo aún más especial a Nat King Cole fue su decisión de cantar en español. En 1958, grabó en La Habana la discoteca Cole Español , interpretando clásicos latinos con un acento entrañablemente imperfecto que enamoró a los países hispanohablantes. Fue tal el éxito que lanzó dos discos más en este idioma: A Mis Amigos (1959) y More Cole Español (1962), con canciones como Quizás, quizás, quizás y Perfidia . Sin hablar español, Nat memorizaba fonéticamente cada palabra y su dedicación fue recompensada con el cariño de un público que aún hoy lo recuerda con admiración.

Pero a pesar del amor que recibió de su público, su vida estuvo marcada por el racismo. En 1948, al comprar una casa en Hancock Park, un barrio exclusivo de Los Ángeles, sus vecinos blancos hicieron todo lo posible por expulsarlo. Desde amenazas hasta la quema de una cruz en su jardín, nada fue suficiente para hacerlo renunciar. Cuando le dijeron que no querían “indeseables” en el barrio, Nat respondió con elegancia: “Yo tampoco. Y si veo que alguien indeseable entra aquí, seré el primero en quejarme” .

Su enfrentamiento con la segregación no terminó ahí. En 1956, mientras ofrecía un concierto en Alabama, fue atacado en pleno escenario por supremacistas blancos que intentaron secuestrarlo. Aunque salió herido, decidió terminar la actuación, pero con una declaración clara: nunca más volvería a actuar en el sur de Estados Unidos. Paradójicamente, también recibió críticas de la comunidad afroamericana, que lo acusaba de no hacer lo suficiente por la lucha por los derechos civiles. No era un activista en el sentido tradicional, pero apoyaba la causa de distintas maneras: con donaciones, usando su influencia y rompiendo barreras como ser el primer afroamericano en tener un programa de televisión propio, The Nat King Cole Show (1956).

A pesar de estos desafíos, su carrera continuó brillando. Se casó con Maria Ellington, con quien tuvo cinco hijos, entre ellos Natalie Cole, quien años más tarde se convertiría en una estrella por derecho propio. Pero su felicidad no es muy dura. En 1964, con solo 45 años, le diagnosticaron cáncer de pulmón. Un fumador empedernido, había pasado años grabando con un cigarrillo entre los dedos, sin imaginar que su voz, la misma que había enamorado al mundo, se apagaría demasiado pronto. Aun con la enfermedad avanzando, Nat siguió trabajando y dejó su última grabación, LOVE , pocos meses antes de su muerte, el 15 de febrero de 1965.

El día de su funeral, cientos de personas pasaron por su ataque para despedirse, mientras figuras como Frank Sinatra, Count Basie y Sammy Davis Jr. llevaban su féretro. Jack Benny, quien pronunció su elegía, dijo: “Nat Cole era un éxito aún mayor como hombre que como artista, y eso es mucho decir”.

11/03/2025 0 comments
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ArteEventosMúsica

Epica lanza su nuevo álbum “Aspiral” y anuncia gira

by Clara Belmonte 07/03/2025
written by Clara Belmonte

La banda neerlandesa de metal sinfónico Epica ha anunciado el lanzamiento de su noveno álbum, titulado Aspiral. Saldrá el 11 de abril de 2025 bajo el sello Nuclear Blast Records y promete un sonido potente y envolvente, con una combinación de elementos sinfónicos, coros épicos y la energía del metal progresivo.

El nombre del disco está inspirado en una escultura de 1965 del artista polaco Stanisław Szukalski, que simboliza renovación e inspiración. La banda describe cada canción como una pieza con identidad propia, pero unidas forman una obra que invita a la reflexión y al viaje musical. A lo largo del álbum, Epica explora temas como la transformación personal, el paso del tiempo y la lucha entre la luz y la oscuridad, conceptos recurrentes en su discografía.

En Aspiral, Epica mantiene su característico sonido sinfónico con la inclusión de grandes orquestaciones, coros majestuosos y arreglos cinematográficos. La producción estuvo a cargo de Joost van den Broek, con quien han trabajado en álbumes anteriores, grabado en los Sandlane Studios. La portada fue diseñada por Hedi Xandt, reconocido por su trabajo con Rammstein, Ghost y Parkway Drive, lo que refuerza la estética grandiosa del proyecto.

Influencias y evolución de Epica

Desde su debut en 2003 con The Phantom Agony, Epica ha desarrollado un estilo único que mezcla el metal sinfónico con elementos de música clásica, progresiva y gótica. La banda, liderada por Simone Simons en la voz y Mark Jansen en las guitarras y guturales, ha evolucionado a lo largo de los años, incorporando influencias de música cinematográfica, folk y electrónica. Con discos como The Divine Conspiracy (2007), Design Your Universe (2009) o Omega (2021), han consolidado su reputación como una de las bandas más innovadoras del género.

Aspiral se presenta como un punto de inflexión en su carrera, combinando la esencia de sus primeros trabajos con nuevas exploraciones sonoras. La banda ha experimentado con estructuras más progresivas, una mayor presencia de sintetizadores y una narrativa conceptual más profunda.

Lista de canciones

El disco incluye 11 temas nuevos que reflejan la evolución de la banda:

  1. Cross the Divide

  2. Arcana

  3. Darkness Dies in Light – A New Age Dawns Part VII

  4. Obsidian Heart

  5. Fight to Survive – The Overview Effect

  6. Metanoia – A New Age Dawns Part VIII

  7. T.I.M.E.

  8. Apparition

  9. Eye of the Storm

  10. The Grand Saga of Existence – A New Age Dawns Part IX

  11. Aspiral

Como adelanto, la banda ha estrenado el videoclip de “Cross the Divide”, dirigido por Kunststoff y disponible en plataformas digitales. Este primer sencillo presenta un sonido envolvente con cambios dinámicos, combinando los coros sinfónicos con riffs pesados y la poderosa voz de Simone Simons.

Gira mundial y fechas en España

Epica también ha anunciado una gira mundial para presentar Aspiral, con fechas en Europa y América Latina. En España, la banda actuará en:

  • 30 de enero de 2026 – Barcelona

  • 31 de enero de 2026 – Madrid

Las entradas ya están a la venta en los canales oficiales.

Un nuevo hito en la carrera de Epica

Con Aspiral, Epica sigue evolucionando y explorando nuevas ideas sin perder su esencia. Este nuevo trabajo promete emocionar a sus seguidores y atraer a nuevos oyentes, consolidando su legado como una de las bandas más influyentes del metal sinfónico.

Para más información, visita epica.nl.

07/03/2025 0 comments
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Música

La transformación sonora de Joan Gómez Alemany y Josep Lluís Galiana en Interaccions Sonores 2.0

by Uve Magazine 18/12/2024
written by Uve Magazine

Joan Gómez Alemany y Josep Lluís Galiana vuelven a sorprendernos con un nuevo capítulo en su trayectoria creativa: Interaccions Sonores 2.0. Este disco, editado por el sello valenciano Liquen Records, continúa explorando el universo sonoro que ambos músicos comenzaron a construir en 2019 con su primer trabajo conjunto, presentado en el Teatro Círculo de Valencia.

El álbum es una auténtica inmersión en el mundo de la improvisación y la experimentación. Joan Gómez Alemany, además de componer la electrónica fija, se une esta vez al piano como improvisador, mientras que Josep Lluís Galiana despliega toda su expresividad con el saxofón. Juntos, han creado una obra que juega con los límites del sonido, desdibujando fronteras y construyendo un diálogo constante entre lo acústico y lo electrónico.

Grabado en los Rockaway Studios de Castelló de la Plana el pasado 31 de agosto, este trabajo es el resultado de años de colaboración entre ambos artistas. Desde 2017, su complicidad creativa ha dado lugar a ocho discos, además de proyectos visuales y literarios. Con Interaccions Sonores 2.0, vuelven a demostrar su capacidad para reinventarse y llevar su música a nuevos territorios.

JOSEP LLUÍS GALIANA & JOAN GÓMEZ ALEMANY, en Liquen Records

El disco, dividido en seis partes que se suceden sin pausas, es un viaje de 60 minutos lleno de contrastes y texturas. La interacción entre el saxofón y la electrónica crea un mapa sonoro que invita al oyente a perderse en sus capas y detalles. Tal como describió el crítico Paco Yáñez, es un diálogo constante en el que cada elemento encuentra su espacio mientras la obra se despliega como un organismo vivo.

Además del impecable trabajo musical, la producción estuvo en manos de Josep Lluís Galiana, con un diseño visual a cargo de Sergi Moya. Las notas del disco, escritas por Gómez Alemany, profundizan en la filosofía detrás de esta propuesta: la hibridación, el rechazo a las categorías fijas y la creación de un espacio sonoro en constante transformación.

Para quienes quieran sumergirse en esta experiencia única, Interaccions Sonores 2.0 está disponible en formato físico a través de la web de Liquen Records y en edición digital en Bandcamp, además de en más de 30 plataformas digitales. Es una obra que no solo desafía las convenciones musicales, sino que también invita a replantearse cómo entendemos el sonido y su potencial creativo.

Si buscas una experiencia sonora que te saque de lo habitual, este disco promete ser una ventana abierta a lo inesperado. Puedes encontrarlo aquí:

Web de Liquen Records
Bandcamp de Liquen Records

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ArteMúsicaPersonajes

Mata Hari, la leyenda de una mujer fatal

by Uve Magazine 07/08/2024
written by Uve Magazine

Margaretha Geertruida Zelle, más conocida como Mata Hari, fue una bailarina, cortesana y espía neerlandesa que se convirtió en un ícono de la “mujer fatal” durante más de un siglo. Detrás de su fascinante imagen de bailarina exótica y espía seductora, se oculta una vida marcada por tragedias y malentendidos que la llevaron a un destino trágico. Desde sus primeros días en el norte de los Países Bajos, Margaretha se destacó por ser una persona excepcional: llamativa, audaz y con un talento innato para los idiomas.  Triunfó en Europa con sus danzas brahmánicas y orientales, pero durante la Primera Guerra Mundial, su vida dio un giro drástico cuando realizó labores de espionaje a favor de Alemania. Detenida por las fuerzas francesas, fue declarada culpable de espionaje y traición, condenada a muerte y ejecutada por fusilamiento en la fortaleza de Vincennes.

A los 18 años, buscando aventuras y desesperada por escapar de su situación, respondió a un anuncio matrimonial del capitán Rudolph MacLeod, un militar veinte años mayor. En 1895, se casaron y se trasladaron a Java, donde la vida matrimonial resultó ser un infierno. MacLeod, alcohólico y adúltero, la maltrataba. Tuvieron dos hijos, Norman-John y Louise Jeanne, pero la tragedia los golpeó cuando Norman-John murió envenenado. La relación se deterioró completamente y en 1902 se separaron, dejando a Margaretha en una situación realmente complicada por las dificultades vividas en las Indias. Fue entonces cuando comenzó a reinventarse como una nueva y sorprendente mujer.

En 1905, una bailarina exótica que se hacía llamar Mata Hari –nombre que en malayo significa “ojo del día”– irrumpió en la escena parisina con una actuación en el Musée Guimet. Vestida con un atuendo transparente y seductor, presentó danzas supuestamente sagradas que cautivaron a la audiencia. Sus relatos de lujuria, celos, pasión y venganza la convirtieron en la mujer más glamurosa y deseada de París, frecuentada por aristócratas, diplomáticos y militares.

Mata Hari 1910

Durante la Primera Guerra Mundial, los Países Bajos se mantuvieron neutrales, permitiendo a Zelle cruzar fronteras libremente. Para evitar los campos de batalla, viajaba entre Francia y los Países Bajos pasando por España y Gran Bretaña, lo que llamó la atención de las autoridades. Su relación con Vadim Maslov, un joven piloto ruso, intensificó su implicación en actividades sospechosas. Maslov, herido gravemente en combate, llevó a Zelle a solicitar permiso para visitarlo en el frente, siendo obligada por agentes del Deuxième Bureau a espiar para Francia a cambio de este privilegio.

Antes de la guerra, Zelle había actuado como Mata Hari ante el príncipe heredero Guillermo de Prusia. El Deuxième Bureau pensó que podría obtener información seduciéndolo. Sin embargo, su participación fue mínima y la propaganda alemana promovió una imagen exagerada del príncipe como un gran guerrero. En realidad, era conocido por ser un mujeriego y fiestero, sin mucha influencia en la dirección del ejército. Ladoux, su contacto en el Deuxième Bureau, más tarde se convertiría en uno de sus principales acusadores.

Su fama y sus conexiones con altos funcionarios militares y políticos la convirtieron en un blanco fácil durante tiempos de guerra. En el otoño de 1915, cuando se encontraba en La Haya, la exótica bailarina recibió la visita de Karl Kroemer, cónsul honorario de Alemania en Ámsterdam, quien le ofreció 20.000 francos a cambio de espiar para Alemania. Ella tomó esa suma, considerándola una compensación por los abrigos de piel, joyas y dinero que los alemanes le habían confiscado tras el estallido de la guerra, pero, según aseguró ella misma, no desempeñó el trabajo.

En noviembre de 1916, fue arrestada en Falmouth y llevada a Londres, donde fue interrogada por sir Basil Thomson. Afirmó trabajar para el Deuxième Bureau, aunque no está claro si mintió o si las autoridades francesas la estaban utilizando sin reconocerlo. Más tarde, en Madrid, intentó concertar una reunión con el príncipe heredero, lo que la llevó a ofrecer información a los alemanes, aunque sus motivos no están claros. En enero de 1917, los mensajes interceptados identificaron a Mata Hari como la espía H-21. Estos mensajes fueron diseñados para exponerla y facilitar su arresto por los franceses.

Mata Hari, Paris 1905, Museum Guimet

Para finales de enero de 1917, Mata Hari estaba cada vez más ansiosa. Ladoux no solo la había traicionado, sino que tampoco le había pagado. La falta de noticias de Vadime aumentaba su preocupación, temiendo que hubiera sido herido. Se estaba quedando sin dinero y tuvo que mudarse a hoteles cada vez más económicos en París. El 12 de febrero de 1917 se emitió una orden de arresto contra Mata Hari, acusándola de espionaje a favor de Alemania. Al día siguiente, fue arrestada, su habitación fue registrada y sus pertenencias fueron confiscadas. El encargado de interrogarla fue Pierre Bouchardon, juez instructor del Tercer Tribunal Militar, conocido por su severidad y su enemistad hacia las mujeres “inmorales”. En su diario, Bouchardon expresó su profundo desprecio por las “devorahombres” como Mata Hari. Ordenó que fuera aislada en la prisión más horrenda de París: Saint-Lazare.

Las condiciones en la prisión de Saint-Lazare no eran las mas adecuadas,  las celdas se encontraban infestadas de pulgas, ratas, y otras alimañas, la comida era deleznable.  Se le negó el acceso a sus pertenencias personales, incluida su medicación para la sifilís. Pudo comunicarse esporádicamente con su abogado, Édouard Clunet,  pero este carecía de experiencia en juicios militares. 

Durante su juicio, las pruebas en su contra eran principalmente manipuladas o circunstanciales. El capitán Pierre Bouchardon, su interrogador principal, utilizó su carácter y vida personal para condenarla, ignorando la falta de pruebas concluyentes. A lo largo del juicio, Mata Hari defendió su inocencia, declarando su amor por Francia y negando haber proporcionado información significativa a los alemanes.

Mata Hari ha sido recordada como una espía seductora, pero la realidad es más compleja. Fue una mujer atrapada por las circunstancias, cuya vida y muerte fueron manipuladas por los intereses políticos y militares de su tiempo. En sus propias palabras: “No sé si en el futuro se me recordará, pero si así fuera, que nadie me vea como a una víctima sino como a alguien que nunca dejó de luchar con valentía y pagó el precio que le tocó pagar”. Su historia es un recordatorio de cómo las apariencias pueden engañar y cómo la lucha por la supervivencia puede llevar a decisiones desesperadas. Mata Hari sigue siendo una figura legendaria, pero también una trágica víctima de su propia leyenda y de las maquinaciones de aquellos que la utilizaron.

Mata Hari 1905, Walery, París
07/08/2024 0 comments
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