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Arte

ArteMúsicaPersonajes

Mata Hari, la leyenda de una mujer fatal

by Uve Magazine 07/08/2024
written by Uve Magazine

Margaretha Geertruida Zelle, más conocida como Mata Hari, fue una bailarina, cortesana y espía neerlandesa que se convirtió en un ícono de la “mujer fatal” durante más de un siglo. Detrás de su fascinante imagen de bailarina exótica y espía seductora, se oculta una vida marcada por tragedias y malentendidos que la llevaron a un destino trágico. Desde sus primeros días en el norte de los Países Bajos, Margaretha se destacó por ser una persona excepcional: llamativa, audaz y con un talento innato para los idiomas.  Triunfó en Europa con sus danzas brahmánicas y orientales, pero durante la Primera Guerra Mundial, su vida dio un giro drástico cuando realizó labores de espionaje a favor de Alemania. Detenida por las fuerzas francesas, fue declarada culpable de espionaje y traición, condenada a muerte y ejecutada por fusilamiento en la fortaleza de Vincennes.

A los 18 años, buscando aventuras y desesperada por escapar de su situación, respondió a un anuncio matrimonial del capitán Rudolph MacLeod, un militar veinte años mayor. En 1895, se casaron y se trasladaron a Java, donde la vida matrimonial resultó ser un infierno. MacLeod, alcohólico y adúltero, la maltrataba. Tuvieron dos hijos, Norman-John y Louise Jeanne, pero la tragedia los golpeó cuando Norman-John murió envenenado. La relación se deterioró completamente y en 1902 se separaron, dejando a Margaretha en una situación realmente complicada por las dificultades vividas en las Indias. Fue entonces cuando comenzó a reinventarse como una nueva y sorprendente mujer.

En 1905, una bailarina exótica que se hacía llamar Mata Hari –nombre que en malayo significa “ojo del día”– irrumpió en la escena parisina con una actuación en el Musée Guimet. Vestida con un atuendo transparente y seductor, presentó danzas supuestamente sagradas que cautivaron a la audiencia. Sus relatos de lujuria, celos, pasión y venganza la convirtieron en la mujer más glamurosa y deseada de París, frecuentada por aristócratas, diplomáticos y militares.

Mata Hari 1910

Durante la Primera Guerra Mundial, los Países Bajos se mantuvieron neutrales, permitiendo a Zelle cruzar fronteras libremente. Para evitar los campos de batalla, viajaba entre Francia y los Países Bajos pasando por España y Gran Bretaña, lo que llamó la atención de las autoridades. Su relación con Vadim Maslov, un joven piloto ruso, intensificó su implicación en actividades sospechosas. Maslov, herido gravemente en combate, llevó a Zelle a solicitar permiso para visitarlo en el frente, siendo obligada por agentes del Deuxième Bureau a espiar para Francia a cambio de este privilegio.

Antes de la guerra, Zelle había actuado como Mata Hari ante el príncipe heredero Guillermo de Prusia. El Deuxième Bureau pensó que podría obtener información seduciéndolo. Sin embargo, su participación fue mínima y la propaganda alemana promovió una imagen exagerada del príncipe como un gran guerrero. En realidad, era conocido por ser un mujeriego y fiestero, sin mucha influencia en la dirección del ejército. Ladoux, su contacto en el Deuxième Bureau, más tarde se convertiría en uno de sus principales acusadores.

Su fama y sus conexiones con altos funcionarios militares y políticos la convirtieron en un blanco fácil durante tiempos de guerra. En el otoño de 1915, cuando se encontraba en La Haya, la exótica bailarina recibió la visita de Karl Kroemer, cónsul honorario de Alemania en Ámsterdam, quien le ofreció 20.000 francos a cambio de espiar para Alemania. Ella tomó esa suma, considerándola una compensación por los abrigos de piel, joyas y dinero que los alemanes le habían confiscado tras el estallido de la guerra, pero, según aseguró ella misma, no desempeñó el trabajo.

En noviembre de 1916, fue arrestada en Falmouth y llevada a Londres, donde fue interrogada por sir Basil Thomson. Afirmó trabajar para el Deuxième Bureau, aunque no está claro si mintió o si las autoridades francesas la estaban utilizando sin reconocerlo. Más tarde, en Madrid, intentó concertar una reunión con el príncipe heredero, lo que la llevó a ofrecer información a los alemanes, aunque sus motivos no están claros. En enero de 1917, los mensajes interceptados identificaron a Mata Hari como la espía H-21. Estos mensajes fueron diseñados para exponerla y facilitar su arresto por los franceses.

Mata Hari, Paris 1905, Museum Guimet

Para finales de enero de 1917, Mata Hari estaba cada vez más ansiosa. Ladoux no solo la había traicionado, sino que tampoco le había pagado. La falta de noticias de Vadime aumentaba su preocupación, temiendo que hubiera sido herido. Se estaba quedando sin dinero y tuvo que mudarse a hoteles cada vez más económicos en París. El 12 de febrero de 1917 se emitió una orden de arresto contra Mata Hari, acusándola de espionaje a favor de Alemania. Al día siguiente, fue arrestada, su habitación fue registrada y sus pertenencias fueron confiscadas. El encargado de interrogarla fue Pierre Bouchardon, juez instructor del Tercer Tribunal Militar, conocido por su severidad y su enemistad hacia las mujeres “inmorales”. En su diario, Bouchardon expresó su profundo desprecio por las “devorahombres” como Mata Hari. Ordenó que fuera aislada en la prisión más horrenda de París: Saint-Lazare.

Las condiciones en la prisión de Saint-Lazare no eran las mas adecuadas,  las celdas se encontraban infestadas de pulgas, ratas, y otras alimañas, la comida era deleznable.  Se le negó el acceso a sus pertenencias personales, incluida su medicación para la sifilís. Pudo comunicarse esporádicamente con su abogado, Édouard Clunet,  pero este carecía de experiencia en juicios militares. 

Durante su juicio, las pruebas en su contra eran principalmente manipuladas o circunstanciales. El capitán Pierre Bouchardon, su interrogador principal, utilizó su carácter y vida personal para condenarla, ignorando la falta de pruebas concluyentes. A lo largo del juicio, Mata Hari defendió su inocencia, declarando su amor por Francia y negando haber proporcionado información significativa a los alemanes.

Mata Hari ha sido recordada como una espía seductora, pero la realidad es más compleja. Fue una mujer atrapada por las circunstancias, cuya vida y muerte fueron manipuladas por los intereses políticos y militares de su tiempo. En sus propias palabras: “No sé si en el futuro se me recordará, pero si así fuera, que nadie me vea como a una víctima sino como a alguien que nunca dejó de luchar con valentía y pagó el precio que le tocó pagar”. Su historia es un recordatorio de cómo las apariencias pueden engañar y cómo la lucha por la supervivencia puede llevar a decisiones desesperadas. Mata Hari sigue siendo una figura legendaria, pero también una trágica víctima de su propia leyenda y de las maquinaciones de aquellos que la utilizaron.

Mata Hari 1905, Walery, París
07/08/2024 0 comments
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ArteLiteraturaPensamiento

¿Qué es el libro objeto?

by Sandra Marquez 05/08/2024
written by Sandra Marquez

Son libros capaces de transmitir, de comunicar, promulgar ideas, sentimientos, pensamientos, ocultar secretos, denunciar injusticias… su comunicación visual  es el resultado de la intervención del artista, que ha tomado al libro como expresión y haciendo uso de una o varias técnicas, juega con la disposición de los elementos, incluye nuevos materiales, técnicas, texturas, objetos incrustados, papel plegado, rasgado… y nos invita a reconstruir su mensaje de una manera distinta, a fascinarnos con una propuesta artística,  a integrar todos nuestros sentidos al momento de leer

 

Los registros visuales que los componen, los matices diferenciados y su reconocida capacidad universal a la hora de difundir conocimientos. El procedimiento de transformación está delimitado sólo por la imaginación del artista, buscando posibilidades y claves expresivas de impacto visual, por tanto, los libros objeto son muy variados y responden a las necesidades e inquietudes de cada artista, además adquieren la pluralidad suficiente como para elaborar discursos propios.

05/08/2024 0 comments
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AgendaArteEventos

Explorando la luz sólida. Anthony McCall

by Uve Magazine 30/07/2024
written by Uve Magazine

Del 19 de junio al 10 de noviembre de 2024, el Museo Guggenheim Bilbao se convierte en el epicentro de una experiencia visual y sensorial única con la exposición “Anthony McCall: Fracción de segundo”. Esta muestra no solo celebra el décimo aniversario del programa Film & Video del museo, sino que también destaca el trabajo innovador de Anthony McCall, un pionero del cine expandido y la videoinstalación.

Desde su inicio en 2014, el programa Film & Video del Guggenheim ha sido un referente en la exploración del videoarte y las prácticas artísticas contemporáneas ligadas a la imagen en movimiento. A lo largo de los años, ha presentado obras icónicas de artistas como Christian Marclay, Ragnar Kjartansson, Pierre Huyghe y muchos otros. Esta vez, es el turno de Anthony McCall, un británico afincado en Nueva York que ha revolucionado el arte con su concepto de “luz sólida”.

Un Viaje a Través de la Luz

Anthony McCall, nacido en 1946 en St. Paul’s Cray, Reino Unido, ha dedicado su carrera a explorar la naturaleza de la luz y sus posibilidades en el arte. Sus obras se caracterizan por el uso de luz proyectada para crear fenómenos escultóricos inmersivos. A través de haces de luz, McCall forma estructuras geométricas que parecen flotar en el aire, invitando a los visitantes a interactuar con ellas. En “Fracción de segundo”, McCall presenta una selección de sus obras más emblemáticas junto con el estreno de una nueva creación titulada “Fracción de segundo Espejo IV” (2024). Esta obra es una doble proyección horizontal de luz que incluye dos grandes espejos, proyectores y pantallas traslúcidas. La luz se proyecta a diferentes alturas, creando efectos elípticos y horizontales que giran y se entrelazan en el espacio, formando un dibujo lineal consistente en un campo de planos entrecruzados y en espiral. Esta nueva creación promete ser una experiencia envolvente, donde la luz no solo se ve, sino que también se siente y se vive, invitando a los visitantes a una inmersión total en el arte lumínico de McCall.

La experiencia que ofrece McCall es paradójica y fascinante. Por un lado, sus imágenes multidimensionales parecen sólidas, aunque estén hechas de luz. Por otro, parecen inmóviles, aunque cambian continuamente a lo largo del tiempo. Esta interacción entre lo sólido y lo etéreo, lo fijo y lo mutable, desafía las percepciones convencionales del espacio y el tiempo en el cine y la escultura. Al invitar a los visitantes a caminar a través de sus esculturas de luz, McCall cuestiona el uso tradicional de la narrativa y el montaje en el cine. Sus obras no solo son visualmente impactantes, sino que también provocan una reflexión profunda sobre la naturaleza de la percepción y la interacción humana con el arte. Al adentrarse en estos haces de luz, los visitantes no solo observan, sino que se convierten en parte de la obra, interactuando con las sombras y reflejos que crean, y experimentando de primera mano la transformación constante de la luz.

Fracción de segundo (Espejo) IV, 2024 Vista de la instalación, Museo Guggenheim Bilbao Cortesía del artista y de Sean Kelly, Nueva York, Los Ángeles & Sprüth Magers © Anthony McCall

La exposición también incluye una retrospectiva de la carrera de McCall, presentando obras tempranas como “Miniatura en blanco y negro” (1972). Esta pieza utiliza un proyector de diapositivas Kodak para mostrar una secuencia de 81 diapositivas que producen imágenes negativas en color después de mirar una imagen fija durante un tiempo y luego un objeto blanco. Esta obra temprana demuestra el interés de McCall por los efectos visuales y la manipulación de la percepción desde sus inicios.

Además, la exposición presenta “Cortina de humo” (2017), una serie de fotografías a gran escala que capturan el movimiento de la luz sólida. Estas imágenes permiten a los visitantes detenerse y observar las texturas de la niebla artificial que se revelan momentáneamente a través de los haces de luz, añadiendo una dimensión adicional a la experiencia visual.

La combinación de obras nuevas y retrospectivas en “Fracción de segundo” no solo muestra la evolución artística de McCall, sino que también ofrece una visión coherente de su enfoque innovador sobre la luz y el espacio. Sus obras desafían las nociones tradicionales del arte y la percepción, creando un diálogo continuo entre el pasado y el futuro, lo tangible y lo intangible. En conclusión, Anthony McCall nos invita a un viaje a través de la luz, donde cada obra es una puerta a una nueva dimensión de la percepción. A través de sus esculturas de luz, McCall no solo ilumina el espacio físico, sino también los rincones más profundos de nuestra imaginación y percepción. Cada visitante de “Fracción de segundo” se encontrará inmerso en un mundo donde la luz es la protagonista indiscutible, transformando y siendo transformada por la interacción humana.

30/07/2024 0 comments
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ArtePersonajes

Alphonse Mucha. El maestro del Art Noveau

by Clara Belmonte 22/07/2024
written by Clara Belmonte

Alphonse Mucha, nacido el 24 de julio de 1860 en Ivančice, una pequeña ciudad del sur de Moravia, es uno de los nombres más reconocidos del Art Nouveau. Su vida y obra son una oda a la belleza y la creatividad, con un legado que sigue inspirando a artistas y diseñadores hasta el día de hoy.

Desde sus primeros años, Mucha mostró una inclinación por el arte, aunque su camino hacia la profesionalización fue arduo debido a los modestos ingresos de su familia. Su padre, Ondřej, era ujier de la corte y su madre, Amálie, hija de un molinero. Mucha trabajó en diversos empleos de pintura decorativa en Moravia y, en 1879, se mudó a Viena para trabajar con una compañía de diseño teatral.

El destino le jugó una mala pasada en 1881 cuando un incendio destruyó el Ringtheater, el principal cliente de su firma. Este revés lo llevó de regreso a Moravia, donde empezó a hacer retratos y arte decorativo. Su talento llamó la atención del conde Eduard Khuen Belasi, quien lo contrató para pintar murales en su residencia. Este trabajo le abrió las puertas a una educación formal en la Academia de Bellas Artes de Múnich, patrocinada por el conde.

En Viena, Mucha descubrió el trabajo de Hans Makart, un pintor académico destacado, conocido por sus murales y retratos históricos. La grandiosidad y el detalle en las obras de Makart dejaron una huella profunda en Mucha, orientándolo hacia un estilo que combinaba la narrativa histórica con una rica ornamentación.

En 1887, Mucha se mudó a París, donde continuó sus estudios en la Académie Julian y la Académie Colarossi. Paralelamente, empezó a producir ilustraciones para revistas y publicidad. Su gran oportunidad llegó en 1895, cuando creó un cartel para la obra “Gismonda” de Victorien Sardou, protagonizada por la famosa actriz Sarah Bernhardt. El cartel fue un éxito rotundo, catapultando a Mucha a la fama. Bernhardt quedó tan impresionada que le ofreció un contrato exclusivo de seis años. Durante este tiempo, Mucha no solo diseñó carteles, sino también escenografías y vestuarios para el Théâtre de la Renaissance. Su estilo, caracterizado por líneas sinuosas, figuras femeninas estilizadas y elementos florales, se convirtió en sinónimo del Art Nouveau.

El éxito de Mucha en París lo llevó a colaborar con el joyero Georges Fouquet. Fascinado por los adornos en las mujeres de los carteles de Mucha, Fouquet le encargó diseños para una serie de joyas que se presentaron en la Exposición Universal de París en 1900. Mucha también diseñó los interiores de la joyería de Fouquet, creando un espacio que era una obra de arte en sí misma.

A pesar de su éxito en Francia, Mucha siempre soñó con proyectos que reflejaran su herencia eslava. Entre 1906 y 1910, visitó los Estados Unidos, pero finalmente regresó a su tierra natal para establecerse en Praga. Allí, decoró el Teatro de Bellas Artes y otros edificios emblemáticos. Con la independencia de Checoslovaquia después de la Primera Guerra Mundial, Mucha diseñó sellos postales, billetes y otros documentos oficiales para la nueva nación. Sin embargo, su proyecto más ambicioso fue la “Epopeya eslava” (Slovanská epopej), una serie de veinte enormes pinturas que narran la historia de los pueblos eslavos. Esta obra monumental fue donada a la ciudad de Praga en 1928 y representa el pináculo de su carrera artística.

Uno de los trabajos más destacados de Mucha en su tierra natal fue el vitral de la Catedral de San Vito en Praga, instalado en 1930 en la nave norte. Este vitral, patrocinado por el Banco Slavia, representa a San Wenceslao, patrón de los eslavos, como infante junto a su abuela, Santa Ludmila. Alrededor de estas figuras centrales, se encuentran escenas de la vida de los Santos Cirilo y Metodio, quienes esparcieron la cristiandad entre los eslavos. En la parte inferior del vitral, se aprecia la alegoría de La Eslavia, debajo de Cristo, reflejando el orgullo y la identidad eslava. Este vitral no solo es una obra de arte magnífica, sino también un símbolo del renacimiento cultural y espiritual de Checoslovaquia. Una reproducción de este vitral se exhibe en el Museo Mucha de la República Checa, permitiendo a los visitantes apreciar la maestría y el simbolismo de esta obra.

La invasión alemana de Checoslovaquia en 1939 fue un golpe devastador para Mucha. Fue arrestado e interrogado por la Gestapo, y nunca se recuperó del trauma. Murió el 14 de julio de 1939 en Praga, a causa de una pulmonía, y fue enterrado en el cementerio de Vyšehrad. Aunque al momento de su muerte su estilo se consideraba pasado de moda, el interés por su obra resurgió en la década de 1960 y ha continuado desde entonces. Gran parte de este renacimiento se debe a su hijo, Jiri Mucha, quien escribió extensamente sobre su padre y dedicó su vida a preservar y promover su legado.

El estilo de Mucha es inconfundible. Sus obras frecuentemente presentan mujeres jóvenes y hermosas, vestidas con atuendos neoclásicos y rodeadas de exuberantes flores. Aunque este estilo fue imitado en su época y se convirtió en un símbolo del Art Nouveau, Mucha siempre insistió en que su arte tenía un propósito espiritual y no meramente comercial. A lo largo de su carrera, Mucha produjo una vasta cantidad de trabajos que abarcan desde pinturas y pósteres hasta diseños para joyería, alfombras y decorados teatrales. Su enfoque en la figura femenina y la ornamentación floral ha influenciado a numerosos artistas y diseñadores contemporáneos.

22/07/2024 0 comments
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ArtePersonajes

Caravaggio. Luz y oscuridad en el Barroco

by Valeria Cruz 18/07/2024
written by Valeria Cruz

Michelangelo Merisi da Caravaggio (Milán, 29 de septiembre de 1571 – Porto Ercole, 18 de julio de 1610), conocido simplemente como Caravaggio, fue un pintor italiano cuyo estilo revolucionó la pintura del Barroco. Su vida y obra estuvieron marcadas por una lucha constante entre la luz y la oscuridad, reflejando la miseria que lo rodeaba a través de personajes que se confundían entre lo sagrado y lo profano.

Caravaggio nació en la ciudad lombarda de Caravaggio, situada al este de Milán. Su padre, Fermo Merisi, trabajaba como administrador y arquitecto decorador para los Sforza da Caravaggio, una familia noble. Su madre, Lucía Aratori, pertenecía a una familia adinerada. Tras la muerte de su padre debido a la peste que asoló Milán, el joven Caravaggio entró a trabajar como aprendiz del pintor lombardo Simone Peterzano en 1584. Finalizado su aprendizaje, conoció las obras de Giorgione y Tiziano en un viaje a Venecia, influyéndose profundamente de ellas.

Llegó a Roma en 1592, “desnudo y extremadamente necesitado, sin una dirección fija y sin provisiones… además corto de dinero”. Contactó con Giuseppe Cesari, el “pintor de flores y frutos” de la cámara del papa Clemente VIII, quien le ofreció trabajo en su taller de pintura. Allí Caravaggio pintó varios cuadros entre los que destacan Muchacho pelando fruta, su primera obra conocida, Cesto con frutas y un supuesto autorretrato que tituló Baco.

Su situación económica era precaria hasta que comenzó a forjarse importantes amistades, como la del pintor Próspero Orsi, que le introdujo en el círculo de los grandes coleccionistas de arte, y el joven siciliano Mario Minniti, quien le sirvió de modelo y ayudante. El cardenal Francesco Maria del Monte, un importante coleccionista y mecenas, invitó a Caravaggio a su círculo, lo que permitió que su fama se extendiera y obtuviera los encargos más importantes de la ciudad. De esta época son los cuadros: La buenaventura y Partida de cartas.

Baco. Caravaggio

Caravaggio fue contratado para decorar la Capilla Contarelli, donde pintó El martirio de San Mateo y La vocación de San Mateo, obras que consolidaron su reputación. Sin embargo, su carácter violento y aficionado a las peleas callejeras lo llevó a tener numerosos conflictos. En mayo de 1606, durante un partido de pallacorda, se enfrentó a Ranuccio Tomassoni, un joven aristócrata, a quien intentó mutilar y accidentalmente mató. Este hecho provocó que fuera sentenciado a muerte y tuviera que huir de Roma.

El pintor se refugió en Nápoles, donde continuó trabajando bajo la protección de la familia Colonna. Realizó importantes obras como Siete obras de misericordia y Madonna del Rosario. Posteriormente, viajó a Malta, donde fue nombrado caballero de la Orden de Malta, aunque su comportamiento pendenciero le causó problemas, siendo expulsado de la orden y obligado a dejar la isla. En Nápoles sufrió un ataque que le desfiguró el rostro y aumentó su paranoia y aislamiento.

En 1610, Caravaggio recibió permiso para volver a Roma. Sin embargo, en Porto Ércole, fue encarcelado por un guardia español al ser confundido con otra persona, y el barco que debía llevarlo a Roma zarpó sin él. Su salud, muy deteriorada por su estilo de vida, empeoró. Afectado de disentería y muy débil, murió en la playa de Porto Ércole el 18 de julio de 1610.

Madonna del Rosario. Caravaggio

La vida de Caravaggio estuvo marcada por excesos y delincuencia, siempre huyendo de sí mismo: “Huyo para encontrar un nuevo hogar. Que no digan que soy un criminal. Soy un hombre que busca ayuda, un artista que busca misericordia”. Su estilo revolucionario y su capacidad para capturar el dramatismo de la figura humana a través del claroscuro tuvieron una influencia profunda en sus contemporáneos y generaciones posteriores. Aunque fue olvidado durante siglos, su obra resurgió en el siglo XX, cuando se reconoció su importancia en el desarrollo del arte occidental. Caravaggio es ahora considerado un pionero de la pintura moderna, un maestro que, a través de su técnica y visión, cambió para siempre el curso del arte.

18/07/2024 0 comments
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ArtePersonajes

Fallece Shelley Duvall a los 75 años

by Uve Magazine 11/07/2024
written by Uve Magazine

La actriz Shelley Duvall falleció a los 75 años en su hogar de Texas debido a complicaciones derivadas de la diabetes. Su pareja, Dan Gilroy, la describió con ternura: “Mi querida, dulce, maravillosa compañera de vida y amiga nos ha dejado. Demasiado sufrimiento últimamente, ahora es libre. Vuela lejos, hermosa Shelley”.

Nacida y criada en Texas, Duvall tuvo un inicio de carrera cinematográfica que parecía sacado de un cuento de hadas. En 1970, un encuentro casual con el director Robert Altman en una fiesta la llevó a debutar en la gran pantalla con “El volar es para los pájaros”. Este fue el comienzo de una fructífera colaboración con Altman, participando en películas como “Los vividores” (1971), “Ladrones como nosotros” (1974), “Nashville” (1975) y “Tres mujeres” (1977). Esta última le valió el premio a la mejor actriz en Cannes, consolidando su estatus como una actriz de talento indiscutible.

Su carrera continuó en ascenso con su participación en “Annie Hall” de Woody Allen, compartiendo pantalla con grandes figuras como Diane Keaton y Paul Simon. Sin embargo, fue su papel como Wendy Torrance en “El resplandor” (1980) el que definió su carrera y, de alguna manera, su vida. La adaptación de la novela de Stephen King, dirigida por el exigente Kubrick, sometió a Duvall a una presión extrema. En una entrevista de 1981 con People, confesó haber “llorado 12 horas al día durante semanas” durante el rodaje, una experiencia que describió como traumática. “Nunca volveré a dar tanto. Si quieres llenarme de dolor y llamarlo arte, adelante… pero no conmigo”, declaró contundentemente.

A pesar del sufrimiento, la escena de la escalera con el bate de béisbol, filmada 127 veces, se convirtió en una de las más icónicas del cine de terror. En una entrevista de 2021 con The Hollywood Reporter, Duvall, visiblemente emocionada, expresó que no se arrepentía del esfuerzo, considerando que la escena resultó ser una de las mejores de la película. Esta dualidad de sentimientos hacia Kubrick y su método de dirección dejó una marca imborrable en su carrera.

Después de “El resplandor”, Duvall participó en películas como “Popeye”, “Time Bandits”, “Roxanne” y “El retrato de una dama”. Sin embargo, se retiró de la actuación en 2002, alejándose de los reflectores y trasladándose a Blanco, Texas. Su reaparición en la gran pantalla en la película de terror indie “The Forest Hills” en 2023 marcó su regreso final a la actuación, cerrando así un ciclo en su carrera cinematográfica.

Los últimos años de Duvall estuvieron marcados por la enfermedad y el aislamiento. En 2016, una polémica aparición en el programa de Dr. Phil la mostró visiblemente deteriorada, un triste contraste con la vibrante actriz que una vez fue. No obstante, en su entrevista de 2021, Duvall se mostró reflexiva y nostálgica, revelando los traumas del rodaje de “El resplandor” pero también recordando con cariño a Kubrick.

A lo largo de su vida, Duvall fue objeto de rumores sobre su salud mental, alimentados por episodios como el de 2009, cuando se afirmó que creía en la llegada de alienígenas a través de su jardín. Aunque desmintió estos rumores, su retiro del ojo público no logró disipar completamente las especulaciones.

11/07/2024 0 comments
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Arte

Antoni Gaudí y su legado inmortal

by Valeria Cruz 10/06/2024
written by Valeria Cruz

El 10 de junio de 1926, Antoni Gaudí, uno de los más grandes arquitectos del siglo XX, perdió la vida tras ser atropellado por un tranvía en Barcelona. A casi un siglo de su trágica muerte, su influencia se siente no solo en Barcelona, sino en el mundo entero. Su obra maestra, la Sagrada Familia, junto con otros monumentos emblemáticos como La Pedrera y la Casa Batlló, continúan asombrando a millones de visitantes cada año.

Antoni Gaudí nació el 25 de junio de 1852, aunque se debate si en Reus o Riudoms, en una familia de caldereros. Esta herencia familiar influyó profundamente en su visión espacial y su habilidad para transformar superficies en volúmenes. Desde joven, Gaudí mostró un talento excepcional para el dibujo, lo que lo llevó a estudiar arquitectura en la Escuela de Arquitectura de Barcelona. Su formación no fue convencional, y alternó sus estudios con colaboraciones con reconocidos arquitectos de la época, como Josep Fontserè y Francisco de Paula del Villar.

La carrera de Gaudí despegó cuando impresionó al industrial Eusebi Güell durante la Exposición Universal de París de 1878. Esta relación no solo cimentó su reputación, sino que también le permitió realizar algunas de sus obras más importantes. Entre las construcciones financiadas por Güell destacan el Palau Güell, el Parque Güell y la Cripta de la Colonia Güell, todas ellas muestras del estilo único y visionario de Gaudí.

Su primer gran encargo fue la Casa Vicens, construida entre 1883 y 1888. Este edificio modernista marcó el inicio de una carrera llena de innovaciones arquitectónicas. En 1903, Gaudí fue encargado de remodelar un edificio existente para Josep Batlló. La transformación incluyó una nueva fachada y un interior que se ha convertido en una obra de arte por derecho propio. También conocida como Casa Milà, La Pedrera, encargada por Pedro Milá y Camps entre 1906 y 1910, refleja la etapa naturalista de Gaudí. Inspirada en formas orgánicas, es una de las construcciones más visitadas de Barcelona.

Sin embargo, la obra cumbre de Gaudí es, sin duda, la Sagrada Familia. Aceptó hacerse cargo de este proyecto en 1883 y dedicó los últimos años de su vida casi exclusivamente a esta monumental basílica. Gaudí transformó el proyecto inicial de Francisco de Paula del Villar, infundiendo su visión única. A pesar de diversas dificultades, incluida una crisis económica y la pérdida de seres queridos, Gaudí se mantuvo firme en su dedicación al templo, que describió como su “gran obra”.

Gaudí sufrió un cambio radical en su vida personal, pasando de ser un dandy a llevar una vida austera y dedicada exclusivamente a su trabajo y su fe. Esta transformación fue tan profunda que el día de su muerte, su apariencia descuidada llevó a que fuera confundido con un mendigo. Tras ser atropellado por un tranvía en la Gran Vía de les Corts Catalanes, fue llevado al Hospital de la Santa Creu donde, a pesar de ser reconocido, ya era demasiado tarde para salvarlo. Murió a los 73 años, en la plenitud de su carrera.

Gaudí fue enterrado en la capilla de Nuestra Señora del Carmen de la cripta de la Sagrada Familia. Su funeral congregó a una multitud que quería despedir al hombre que había cambiado la faz de la arquitectura. Hoy, a casi cien años de su muerte, Gaudí sigue siendo una figura central en la historia de la arquitectura. Su obra, especialmente la Sagrada Familia, sigue en construcción, con la esperanza de completarse para el centenario de su muerte en 2026. Este aniversario no solo marca la pérdida de un genio, sino también la celebración de su duradera influencia y su visión, que transciende el tiempo.

10/06/2024 0 comments
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ArteEventos

Un viaje entre el realismo y la abstracción

by Uve Magazine 26/05/2024
written by Uve Magazine

El Museo Guggenheim Bilbao presenta la esperada retrospectiva de Martha Jungwirth, una artista austriaca cuya obra desafía las convenciones y explora la frontera sutil entre el realismo y la abstracción. Esta exhibición, patrocinada por Occident, estará abierta al público del 7 de junio al 22 de septiembre de 2024, y promete ofrecer una visión integral de la trayectoria de Jungwirth, que abarca seis décadas de creación artística. Nacida en Viena en 1940, Martha Jungwirth se ha consagrado como una figura crucial en el panorama artístico contemporáneo. Su obra se caracteriza por trazos explosivos y gestuales, así como por tonos vibrantes que buscan expresar emociones profundas más que representar narrativas lineales. Desde sus primeros años en la Universität für angewandte Kunst de Viena hasta la actualidad, Jungwirth ha desarrollado un estilo único que fusiona influencias de la forma humana, los animales, la historia del arte y sus viajes alrededor del mundo.

Martha Jungwirth Bucéfalo (Bukephalos), 2021

La exposición reúne cerca de setenta obras, incluyendo acuarelas, óleos y tres libros de artista que abarcan casi cincuenta años de producción. Sus pinturas y dibujos, siempre en la frontera entre el realismo y la abstracción, nos invitan a experimentar la espontaneidad y la vitalidad de sus composiciones erráticas y colores intensos. El recorrido de la exposición comienza con las primeras obras de Jungwirth, que incluyen dibujos de gran formato de objetos cotidianos y retratos. Estas piezas iniciales, que forman parte de la serie Indesit, representan el comienzo de sus exploraciones sutiles entre el realismo y la abstracción. Aunque pudiera parecer sorprendente para una artista abstracta, el retrato es un género recurrente en su obra, donde fusiona la forma humana con pinceladas expresivas y colores vibrantes, capturando la esencia íntima de sus modelos. A medida que avanza la exhibición, se exploran las “escapadas de pintura” de Jungwirth, donde sus viajes y la observación de la naturaleza se convierten en un catalizador para la creación artística. Desde la década de 1970, sus viajes no solo han sido una fuente de inspiración, sino también una forma de investigación artística. Las obras resultantes no son simples representaciones de lugares, sino respuestas emocionales a los estados de ánimo y sensaciones desatadas por la naturaleza.

Martha Jungwirth Toro (Stier), 2020

En la sección dedicada a los animales, se destaca la serie Australidelfos (Australidelphia), creada en 2020, que se centra en los marsupiales australianos. Esta serie no solo homenajea a estas criaturas antiguas, sino que también reflexiona sobre los devastadores incendios forestales de Australia en 2019 y 2020. Las composiciones cromáticas de sus pinturas simbolizan la violencia y la tragedia enfrentada por estas especies, ofreciendo una visión conmovedora y crítica de la relación entre la humanidad y la naturaleza. La muestra también revela la continua inspiración de Jungwirth en la historia del arte, con series de pinturas que dialogan con obras de Richard Gerstl, Frans Hals y Oskar Kokoschka, entre otros. Sus interpretaciones de las obras maestras de Francisco de Goya y Édouard Manet, por ejemplo, demuestran cómo Jungwirth imprime su peculiar vocabulario artístico en cada pieza, creando desviaciones radicales de las fuentes originales.

Una de las características más distintivas del trabajo de Jungwirth es su uso innovador de materiales. Sus pinturas no se limitan a lienzos tradicionales, sino que se extienden a soportes inesperados como cartón, libros de contabilidad y papel de estraza. Esta elección de materiales poco convencionales permite a Jungwirth explorar los límites del control y el caos, desafiando las normas artísticas establecidas y creando un diálogo entre lo ordenado y lo espontáneo. A través de su obra, Jungwirth nos invita a experimentar una profunda conexión entre el yo y el mundo. Sus pinturas no son meras imágenes, sino condensaciones de experiencias, emociones y recuerdos. Con una comprensión aguda de las especificidades de la realidad, Jungwirth ofrece al espectador un atisbo de las profundidades de la percepción y la conciencia humanas.

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Arte

La odisea de los retratos robados de Bacon

by Valeria Cruz 23/05/2024
written by Valeria Cruz

En el tranquilo y señorial barrio de la Plaza de la Encarnación, junto al Senado en Madrid, se perpetró en 2015 un robo que sacudió los cimientos del mundo del arte contemporáneo. Cinco retratos del célebre pintor irlandés Francis Bacon, valorados en 30 millones de euros, fueron sustraídos del domicilio de José Capelo, amante y amigo del artista. Estos óleos, que Bacon había legado a Capelo, decoraban el dormitorio principal de su vivienda, añadiendo un toque personal e íntimo a la colección.

La operación policial para recuperar estas obras ha sido una auténtica odisea, llena de giros inesperados, detenciones y alianzas con informantes. Tras casi nueve años de intensas investigaciones, la Brigada de Patrimonio de la Policía Nacional ha logrado localizar uno de los dos retratos que aún estaban desaparecidos. Este hallazgo fue posible gracias a la detención de dos personas involucradas en la receptación de los cuadros robados. Los agentes, con la colaboración de uno de los detenidos, encontraron el retrato en un inmueble de Madrid.

El cuadro, un retrato de José Capelo firmado por Bacon en 1989, fue identificado gracias a las fotografías proporcionadas por su propietario y la inscripción en el reverso de la obra. La recuperación de este retrato es un hito significativo en una investigación que ha sido una montaña rusa de emociones y frustraciones para todos los implicados.

Los protagonistas de un robo cinematográfico

La banda responsable del robo estaba compuesta por un elenco de personajes variopintos: un marchante de arte, peristas, joyeros del Rastro de Madrid y hasta un conductor de Uber. Esta diversidad de perfiles hizo que la trama fuera más compleja y difícil de desentrañar. Desde 2015, los cuadros han pasado por numerosas manos en intentos fallidos de venta, dejando un rastro de pistas que los investigadores han seguido meticulosamente.

A lo largo de la investigación, se han detenido a 16 personas, incluidos los autores materiales y el presunto cerebro de la operación, Cristóbal García. Sin embargo, a pesar de las pruebas contundentes en su contra, García y sus cómplices solo fueron condenados por receptación y se les impuso una multa de 3.600 euros, debido a la falta de pruebas para condenarlos por el robo en sí.

Intentos fallidos y una recuperación inesperada

Desde el robo, la banda intentó vender las obras en varias ocasiones sin éxito. En el primer intento, en septiembre de 2015, Ricardo Barbastro, uno de los detenidos, ofreció los cuadros a su primo, un empleado de una galería de arte, quien rechazó la oferta por sospechar de su procedencia. El segundo intento fue en febrero de 2016, durante una reunión en Majadahonda, Madrid, que también fracasó.

El tercer intento de venta fue el que finalmente llevó a la desarticulación de la banda. Un anticuario en Sitges, sospechando de la procedencia de uno de los cuadros, consultó con Art Register, una empresa británica especializada en arte robado. La compañía confirmó que se trataba de una obra robada y alertó a la Brigada de Patrimonio de la Policía, que utilizó la huella digital de la fotografía enviada por el anticuario para rastrear a los autores.

El cuarto intento de venta se produjo en enero de 2021, cuando el conocido “detective del arte” Arthur Brand informó a la Policía sobre un video en el que se veían los cuadros junto a una portada de EL PAÍS. Aunque la operación policial para recuperar las obras en ese momento no tuvo éxito, proporcionó pistas cruciales que llevaron a la reciente recuperación del cuarto retrato.

El futuro del caso y la búsqueda del quinto retrato

A pesar de estos avances, la investigación aún no ha concluido. La Policía sigue buscando el quinto retrato, con la esperanza de cerrar finalmente este capítulo oscuro en la historia del arte contemporáneo español. Este caso ha demostrado la dificultad casi insuperable de vender una obra de arte robada, especialmente cuando se trata de piezas tan icónicas como las de Francis Bacon.

El robo de los retratos de Bacon no solo ha puesto de manifiesto las vulnerabilidades en la seguridad del patrimonio artístico, sino que también ha subrayado la importancia de la colaboración internacional y la tenacidad de las fuerzas de seguridad. Cada obra recuperada es un testimonio de la dedicación de los investigadores y una victoria para el legado cultural que representa el arte de Bacon.

23/05/2024 0 comments
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AgendaArteEventos

Celebración del 150 aniversario de Julio Romero de Torres en el Museo Thyssen-Bornemisza

by Uve Magazine 22/05/2024
written by Uve Magazine

En el marco del 150 aniversario del nacimiento del destacado pintor cordobés Julio Romero de Torres, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza exhibe una de sus obras más emblemáticas: “La Chiquita Piconera”. Esta obra, realizada entre 1929 y 1930, poco antes de la muerte del artista, es considerada su testamento pictórico y estará disponible para el público del 6 de mayo al 28 de julio de 2024.

Un Homenaje al Maestro

La exhibición de “La Chiquita Piconera” ha sido posible gracias al préstamo del Museo Julio Romero de Torres de Córdoba y el apoyo del Ayuntamiento de Córdoba. La obra se presenta en la sala 45 del museo, dedicada a los realismos de entreguerras, donde comparte espacio con obras de artistas de renombre como Pablo Picasso, Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz y Balthus. Esta combinación de obras ofrece un contexto rico y profundo, permitiendo a los visitantes apreciar diferentes enfoques y estilos dentro de un mismo periodo histórico.

“La Chiquita Piconera” es una representación sublime del talento de Julio Romero de Torres. Con una técnica casi fotográfica, el pintor captura la esencia íntima de una humilde habitación. En el centro de la escena, una joven, la modelo María Teresa López, está sentada frente a un brasero de cobre, mirando de forma directa e intensa al espectador. Esta mirada penetrante conecta emocionalmente con quien la observa, invitándolo a reflexionar sobre la vida de la protagonista.

La atmósfera de la pintura se enriquece con una puerta entreabierta que permite vislumbrar el paisaje cordobés al anochecer. En el fondo se distinguen el Guadalquivir, el Puente Romano, el paseo de la Ribera y la Torre de la Calahorra, elementos que enmarcan la escena y aportan una capa adicional de profundidad y realismo.

Más Allá de la Denuncia Social

En el ocaso de su vida, Julio Romero de Torres regresó a temas que había explorado en su juventud, pero con una nueva profundidad y madurez. “La Chiquita Piconera” va más allá de la simple denuncia social, exponiendo la crudeza de la vida marginal de su protagonista en una imagen cargada de melancolía y sensualidad. La obra no solo destaca por su temática, sino también por su ejecución técnica y la capacidad del pintor para sintetizar su trayectoria vital y artística.

 

22/05/2024 0 comments
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