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Blur, To the End

by Uve Magazine
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Viernes 28 de marzo de 2025 – CaixaForum Madrid
Proyección: 20:00 h | Warm up DJ: desde las 19:30 h | VOSE | 102 minutos
Sesión presentada por Esteban Girón

En el marco del ciclo In-Edit On Tour, CaixaForum Madrid acoge la proyección de Blur, To the End, un documental dirigido por Toby L. que se adentra en el regreso de una de las bandas clave del britpop: Blur. Con sensibilidad y cercanía, la película no solo repasa los grandes éxitos del grupo, sino que retrata con honestidad el reencuentro emocional y creativo de Damon Albarn, Graham Coxon, Alex James y Dave Rowntree tras ocho años de silencio discográfico.


El filme arranca con el proceso de grabación de The Ballad of Darren (2023), su primer álbum en casi una década, y culmina con los dos macroconciertos celebrados en Wembley. Pero más allá del espectáculo, lo que narra To the End es la historia de una amistad compleja, las heridas del tiempo y la capacidad de la música para dar sentido incluso a lo que ya parecía cerrado. Alegría, vulnerabilidad, orgullo, melancolía, cansancio, lesiones, lágrimas y humor negro: todos estos matices atraviesan este último capítulo vital de unos músicos que siguen conectando con varias generaciones.

Intervienen en el documental, además de los miembros de la banda, figuras esenciales como el productor James Ford, el mánager Mike Smith y el actor Phil Daniels, voz inolvidable en Parklife. Una obra para fans, sí, pero también para quienes quieran asomarse al interior de una banda que supo convertir lo cotidiano en himno y lo colectivo en identidad.

La sesión será presentada por el músico y comunicador Esteban Girón y contará con un warm up previo desde las 19:30 h, a cargo de Don Viti (Víctor Patiño), DJ de referencia en la escena madrileña, que ofrecerá una sesión especialmente comisariada para la ocasión, inspirada en el universo Blur.

Ciclo de música – In-Edit On Tour

Del 14 de marzo al 4 de abril de 2025 – CaixaForum Madrid

Esta proyección forma parte de In-Edit On Tour, el ciclo que acerca a distintas ciudades españolas una cuidada selección de los mejores documentales musicales que han pasado por el prestigioso In-Edit, Festival Internacional de Documental Musical de Barcelona. Tras veinte años apostando de forma exclusiva por el documental musical, In-Edit se ha consolidado como un referente internacional, con ediciones en diferentes países y un firme compromiso con la música como herramienta narrativa, social y emocional.

De la electrónica al rock clásico, pasando por el reggae, el punk, el flamenco, el jazz o las propuestas más experimentales, el ciclo demuestra que la música sigue siendo una de las formas más poderosas para contar quiénes somos, de dónde venimos y hacia dónde vamos.

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ArteSin categoría

El enigma oculto bajo las pirámides de Egipto

by Uve Magazine
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Desde que Al-Mamún, califa de Bagdad, ordenó abrir por la fuerza un túnel en la Gran Pirámide en el siglo IX, las pirámides de Guiza no han dejado de ser objeto de fascinación, teorías descabelladas y, sobre todo, muchas preguntas sin respuesta. A lo largo de los siglos, se han intentado explicar su función, su modo de construcción y el simbolismo que encierran, siempre con la certeza de que fueron concebidas como tumbas monumentales para los faraones. Pero hoy, a la luz de los descubrimientos recientes, esa certeza empieza a desdibujarse. La combinación de nuevas tecnologías, como el radar de penetración terrestre o las cámaras térmicas de alta precisión, con hallazgos arqueológicos desconcertantes, ha abierto una puerta inesperada a la posibilidad de que aún no entendemos realmente qué son estas estructuras, ni para qué fueron concebidas.

Uno de los hallazgos más recientes proviene del proyecto internacional Scan Pyramids, que en 2023 detectó una anomalía térmica en la cara este de la Gran Pirámide de Keops. Gracias a cámaras infrarrojas, los investigadores descubrieron bloques de piedra a nivel del suelo con una diferencia de temperatura de hasta seis grados respecto a los bloques contiguos. Esta variación no se explica por el simple efecto del sol o la erosión. En las imágenes, mientras la mayoría del monumento aparece teñido de azules y magentas, estas zonas anómalas brillan en tonos cálidos. La posibilidad de que estas diferencias escondan una cámara o cavidad no explorada ha reavivado el interés por una pirámide que, a pesar de haber sido medida, escaneada y atravesada, sigue resistiéndose a ser comprendida del todo. A este hallazgo se suma otro descubrimiento: un corredor oculto de nueve metros de largo en la parte superior de la misma pirámide, detectado también por los sensores del equipo, que se une a una estructura en forma de L ubicada a pocos metros de profundidad y a una posible cámara entre los tres y diez metros bajo la superficie. Todo parece indicar que el interior de Keops no solo es más complejo de lo que pensábamos, sino que hay zonas clave que aún no han sido tocadas.

Pero lo que ha descolocado aún más a la comunidad arqueológica ha sido el trabajo conjunto de Corrado Malanga, de la Universidad de Pisa, y Filippo Biondi, de la Universidad de Strathclyde, quienes han utilizado un radar de apertura sintética (SAR) para mapear el subsuelo de Guiza. Los resultados, publicados en 2022 y actualizados recientemente, muestran un mundo oculto bajo la meseta: cinco estructuras cilíndricas verticales con techos inclinados, todas ellas ubicadas bajo la pirámide de Kefrén, conectadas mediante ocho pozos en espiral que descienden hasta 648 metros de profundidad, y que a su vez se vinculan con dos grandes estructuras cúbicas de 80 metros de lado. En conjunto, esta red subterránea forma un complejo de al menos dos kilómetros de largo que se extiende bajo las tres pirámides principales. Los investigadores aseguran que estas formaciones no son naturales y sugieren que podrían haber servido como cámaras acústicas, generadores energéticos o algún tipo de estructura cuyo propósito aún escapa a nuestra comprensión. Aunque estas ideas rozan lo fantástico, lo cierto es que los datos están ahí, esperando ser interpretados.

Por otro lado, la imagen clásica del constructor egipcio también ha empezado a resquebrajarse. En marzo de 2025, un equipo arqueológico descubrió esqueletos en el sur de Egipto, procedentes de Nubia y datados en torno al 3000 a. C., lo que los sitúa por delante de la construcción de las pirámides. Esta cronología plantea una cuestión delicada: ¿eran los constructores de las pirámides una fuerza local egipcia homogénea, como se ha creído, o participaron en su levantamiento pueblos de otras regiones? La osteóloga Sarah Field, citada por el Daily Mail, señaló que este hallazgo podría cambiar la forma en que entendemos el origen y la organización de quienes levantaron las grandes construcciones. A este hallazgo se suma el trabajo en Tombos (Sudán del Sur), donde la arqueóloga Sara Schrader descubrió pequeñas pirámides de adobe con restos humanos que revelan una vida de trabajo físico intenso. Hasta ahora se asumía que las tumbas piramidales estaban reservadas a la élite, pero estos descubrimientos sugieren lo contrario: que personas de clases bajas también podían ser enterradas en estructuras de ese tipo, lo que abre nuevas preguntas sobre el simbolismo, la funcionalidad y el acceso social a estos espacios.

Las pirámides fueron construidas entre los años 2630 y 2500 a. C., como tumbas para los faraones de la IV Dinastía, mediante enormes rampas y una estructura de organización laboral altamente sofisticada. Pero cada nuevo descubrimiento parece horadar esa narrativa y recordar que, aunque creamos conocerlas, las pirámides siguen siendo estructuras incomprensibles en muchos aspectos. Como si fueran más que tumbas, más que símbolos, más que monumentos. Como si su verdadero propósito aún estuviera enterrado, esperando el momento —y la tecnología adecuada— para salir a la luz.

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ArteLiteratura

Cuando los libros se llenan de flores

by Valeria Cruz
written by Valeria Cruz
Imagen de cubierta de Las flores

Redouté. El libro de las flores
El arte floral en su máxima expresión

Conocido como el “Rafael de las flores”, Pierre-Joseph Redouté fue uno de los ilustradores botánicos más destacados de todos los tiempos. Su obra marcó un antes y un después en la representación artística de la naturaleza, y Redouté. El libro de las flores rinde homenaje a ese legado con una edición que es en sí misma una joya visual.

Este volumen reúne algunas de las láminas más emblemáticas del pintor belga, quien trabajó al servicio de María Antonieta y más tarde de la emperatriz Josefina. A través de sus pinceles, Redouté capturó con precisión científica y delicadeza artística la complejidad de cada flor, desde sus formas y texturas hasta sus colores más sutiles.

Pero este libro es mucho más que un muestrario de flores bellamente ilustradas: es una invitación a contemplar la botánica como un arte. En sus páginas, el lector se adentra en un universo donde ciencia y estética se dan la mano, y donde cada ilustración cuenta también una historia: la de una época fascinada por la naturaleza, por el coleccionismo y por la clasificación del mundo.

Con textos que contextualizan la figura de Redouté, su técnica y su influencia, esta edición se convierte en una obra imprescindible para amantes del arte floral, la historia natural y el libro ilustrado. Redouté. El libro de las flores es una celebración de la belleza vegetal, una ventana a un mundo donde cada pétalo es una obra maestra y cada planta, un testimonio de la pasión humana por entender —y embellecer— el entorno.

Simbología de las flores. Un viaje cultural a través de pétalos y siglos
Arte, cine y literatura desde la raíz hasta la flor

En Simbología de las flores. Arte, cine y literatura,  Emain Juliana nos invita a sumergirnos en una historia fascinante: la de las flores y los múltiples significados que han despertado a lo largo del tiempo. Cada capítulo del libro es una travesía que comienza con la llegada de una semilla y se expande hacia un entramado simbólico que atraviesa la historia, la arquitectura, la pintura, la literatura, la música o el cine.

Este no es un catálogo botánico ni un simple recorrido estético. Es una obra ambiciosa que combina investigación histórica y sensibilidad cultural para mostrarnos cómo determinadas flores han sido mucho más que elementos decorativos: han sido símbolos religiosos, códigos secretos, alegorías del deseo, emblemas del poder o presagios de muerte.

Juliana recoge el rastro de flores concretas —como la rosa, el lirio, la amapola o el narciso— desde sus primeras menciones hasta su consolidación como símbolos culturales. La autora explora cómo estas flores aparecen en la arquitectura sagrada, en partituras musicales, en lienzos cargados de intención, en relatos literarios o en secuencias cinematográficas donde una flor, aparentemente inocente, encierra toda una historia por descifrar.

Con una prosa clara y culta, Simbología de las flores se convierte en una herramienta para ver el mundo con otros ojos. Es un libro que habla de flores, sí, pero también de todo lo que hemos proyectado en ellas como civilización: amor, fe, poder, dolor, belleza. Una lectura que fascinará tanto a estudiosos del arte y la historia como a curiosos, lectores, artistas o amantes de los símbolos ocultos en las pequeñas cosas.

El gran libro de las flores
Un jardín ilustrado para pequeños y grandes exploradores
Yuval Zommer · Traducción de Susana Tornero

Con su inconfundible estilo colorido y lleno de vida, Yuval Zommer nos abre las puertas de un jardín exuberante en El gran libro de las flores, una obra que fascina tanto a lectores jóvenes como a adultos. A medio camino entre la enciclopedia visual y el álbum ilustrado, este libro invita a descubrir el asombroso universo de las flores con curiosidad, asombro y alegría.

A lo largo de sus páginas, Zommer combina datos científicos accesibles con pequeñas anécdotas sorprendentes sobre la vida de las plantas: ¿por qué algunas flores huelen tan bien y otras tan mal?, ¿cómo se comunican con los insectos?, ¿qué flores abren solo de noche?, ¿y cuáles son tan raras que parecen sacadas de otro planeta?

Con ilustraciones vibrantes y un diseño lleno de detalles para observar una y otra vez, El gran libro de las flores no solo enseña, también invita a jugar y a mirar el entorno natural con otros ojos. Cada página es una oportunidad para despertar el interés por la botánica, la ecología y el respeto por el medio ambiente.

Traducido por Susana Tornero, este título forma parte de la exitosa serie “El gran libro de…” de Yuval Zommer, uno de los ilustradores infantiles más celebrados del panorama actual. Su propuesta combina conocimiento, humor y una estética única que lo ha convertido en un autor de referencia para introducir a niños y niñas en el amor por la naturaleza.

Ideal para compartir en familia, para disfrutar en el aula o para regalar a cualquier amante de las flores, este libro es una auténtica celebración de la diversidad, la belleza y la inteligencia del mundo vegetal.

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ArteEventos

El Museo Guggenheim Bilbao presenta una experiencia inmersiva de Refik Anadol

by Clara Belmonte
written by Clara Belmonte

El Museo Guggenheim Bilbao inaugura un nuevo ciclo de exposiciones titulado in situ, con el que busca explorar el arte digital en el siglo XXI. La primera muestra de este programa es Arquitectura viva (Living Architecture), una instalación inmersiva del artista turco-estadounidense Refik Anadol, inspirada en el trabajo del arquitecto Frank Gehry. La exposición, que se podrá visitar entre el 7 de marzo y el 19 de octubre de 2025, fusiona arte, arquitectura e inteligencia artificial para ofrecer al público una experiencia sensorial única, donde la estructura del icónico edificio se convierte en el punto de partida de una nueva forma de percepción visual.

Refik Anadol es un pionero en la utilización de la inteligencia artificial como herramienta creativa y en la exploración de sus implicaciones en la sociedad actual y futura. Nacido en Estambul en 1985 y radicado en Los Ángeles, Anadol ha desarrollado un enfoque artístico basado en la recopilación y procesamiento de datos mediante algoritmos avanzados, con los que crea visualizaciones en movimiento que desafían la frontera entre lo digital y lo físico. Sus instalaciones han sido exhibidas en algunos de los espacios culturales más prestigiosos del mundo, como el MoMA de Nueva York, el Centro Pompidou de París y la Serpentine Gallery de Londres. Su trabajo se sitúa en la intersección del arte, la ciencia y la tecnología, explorando el modo en que los datos pueden transformarse en experiencias estéticas envolventes.

En Arquitectura viva (Living Architecture), Anadol utiliza inteligencia artificial para analizar y reinterpretar la estructura del Museo Guggenheim Bilbao, capturando su esencia arquitectónica en un flujo continuo de imágenes generadas por algoritmos. La obra combina datos obtenidos de modelos 3D del edificio con información recopilada en tiempo real sobre las condiciones ambientales y el comportamiento del público, creando una pieza en constante transformación. El resultado es una serie de “alucinaciones artificiales” que convierten la arquitectura en un organismo vivo, en el que formas y colores evolucionan sin cesar, reflejando la dinámica del entorno.

Refik Anadol. Credit Efsun Erkilic

Esta exposición es posible gracias a la colaboración del Museo Guggenheim Bilbao con 1OF1, una entidad dedicada al coleccionismo y la preservación del arte digital. Su fundador, Ryan Zurrer, subraya la importancia de apoyar a los artistas que, con su visión de futuro, están definiendo la expresión artística contemporánea. 1OF1 apuesta por el desarrollo del coleccionismo digital y por la creación de experiencias únicas en el ámbito del arte del siglo XXI.

Por su parte, Euskaltel se une al proyecto como partner tecnológico, reafirmando su compromiso con la innovación y el desarrollo de nuevas ideas a través del arte. Para la compañía, esta colaboración representa una oportunidad de contribuir al avance de la tecnología en el ámbito cultural, facilitando la materialización de propuestas que desafían los límites de la creatividad y la percepción.

Arquitectura viva (Living Architecture) se exhibirá en uno de los espacios más emblemáticos del Museo Guggenheim Bilbao, integrando la arquitectura del edificio con la obra de Anadol. La muestra invita al espectador a reflexionar sobre el papel de la inteligencia artificial en la sociedad y su impacto en la creación artística, explorando nuevas formas de interacción entre la tecnología, la memoria y la imaginación. A través de esta instalación, Anadol no solo transforma el espacio museístico en una experiencia envolvente, sino que plantea una reflexión sobre la relación entre el ser humano y el mundo digital, abriendo un debate sobre la influencia de la inteligencia artificial en la percepción, la creatividad y el futuro del arte.

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Arte

Helen Frankenthaler. Pintura sin reglas

by Uve Magazine
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El Museo Guggenheim Bilbao acogerá, del 11 de abril al 28 de septiembre de 2025, la exposición Pintura sin reglas , una ambiciosa retrospectiva dedicada a la artista estadounidense Helen Frankenthaler, una de las figuras más influyentes del arte abstracto del siglo XX. Organizada en colaboración con la Fondazione Palazzo Strozzi de Florencia y la Helen Frankenthaler Foundation de Nueva York, la muestra ofrecerá un recorrido por más de cinco décadas de creación artística. A través de un conjunto de obras representativas de su trayectoria, la exposición invita al público a descubrir el universo pictórico de un artista que transformó la manera en que entendemos la pintura.

Helen Frankenthaler (1928-2011) fue una pionera del expresionismo abstracto y una de las precursoras del Color Field Painting , un movimiento en el que el color y la forma se convierten en los protagonistas absolutos de la obra. Su trabajo se caracteriza por un equilibrio singular entre el control y la espontaneidad, por una experimentación constante con los materiales y por una búsqueda incesante de nuevos lenguajes pictóricos. La exposición en el Guggenheim Bilbao permitirá comprender la evolución de su producción artística, desde sus primeras exploraciones en los años cincuenta hasta sus creaciones finales en el siglo XXI, resaltando su capacidad de innovación y su influencia en generaciones posteriores de artistas.

La muestra reunirá una cuidada selección de sus obras más emblemáticas, incluyendo pinturas de gran formato que permiten apreciar la audacia de su enfoque y la profundidad emocional de su trabajo. A través de este recorrido, los visitantes podrán observar cómo Frankenthaler logró expandir los límites de la pintura, creando un lenguaje visual único que desafiaba las normas establecidas. Pintura sin reglas se convierte así en un homenaje a una artista que nunca dejó de reinventarse y que supo construir un legado que sigue vigente en la actualidad.

El poder de la experimentación y el diálogo con su tiempo.

Helen Frankenthaler irrumpió en la escena artística neoyorquina de los años cincuenta con una propuesta que desafiaba las convenciones del expresionismo abstracto. Influenciada por los grandes nombres de la época, como Jackson Pollock y Willem de Kooning, pero también por artistas de generaciones anteriores como Hans Hofmann, Frankenthaler desarrolló un enfoque personal que revolucionó la pintura. Su técnica más innovadora fue el remojo-stain , que consistía en verter pintura diluida directamente sobre lienzos sin impresión, permitiendo que los colores se fusionaran con la tela y crearan efectos de transparencia y fluidez sin precedentes.

Este método de trabajo, que combinaba una aparente espontaneidad con un control preciso del resultado, fue una de sus mayores contribuciones a la historia del arte. La técnica no solo le permitió generar composiciones de gran expresividad y luminosidad, sino que también influyó en otros artistas que más tarde desarrollarían el Color Field Painting , como Morris Louis y Kenneth Noland. Frankenthaler demostró que la pintura podía ser un espacio de exploración sin restricciones, en el que la interacción entre color, forma y superficie se convertía en el verdadero protagonista.

Uno de los aspectos más interesantes de la exposición en el Guggenheim Bilbao es la manera en que se presenta la obra de Frankenthaler en diálogo con la producción artística de su tiempo. Pintura sin reglas no solo ofrece un recorrido por su trayectoria individual, sino que también contextualiza su trabajo dentro del efervescente ambiente creativo de la Nueva York de mediados del siglo XX. La muestra reúne algunas de sus pinturas más representativas junto con piezas de otros artistas con los que mantuvieron estrechos lazos creativos y de amistad, reflejando así la riqueza de una época en la que la pintura adquirió una nueva dimensión.

Frankenthaler siempre fue un artista permeable a las influencias de su entorno, pero su trabajo nunca quedó subordinado a ellas. Su capacidad de absorber referencias y transformarlas en un lenguaje propio le permitió mantenerse a la vanguardia de la experimentación artística durante más de cinco décadas. Desde sus primeras obras, en las que se percibe el impacto de la acción pictórica de Pollock, hasta sus creaciones más tardías, marcadas por un uso más meditativo del color y la composición, Frankenthaler construyó un corpus artístico de una riqueza inigualable.

El recorrido expositivo también pone en valor su versatilidad como creadora. Aunque es conocido sobre todo por su obra pictórica, Frankenthaler trabajó en una amplia variedad de medios, incluyendo la xilografía, el grabado y la escultura. Su experimentación con las técnicas de impresión la llevó a desarrollar un estilo innovador que desafiaba las convenciones del grabado tradicional, explorando la posibilidad de trasladar la fluidez de su pintura al papel. Estos trabajos, aunque menos conocidos que sus grandes lienzos, reflejan la misma inquietud creativa que caracteriza toda su producción.

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Frankenstein de Mary Shelley

by Valeria Cruz
written by Valeria Cruz

En el verano de 1816, un grupo de escritores se refugió en la Villa Diodati, una mansión situada a orillas del lago Lemán, Suiza. Entre ellos estaban Lord Byron, Percy B. Shelley, su amante Mary Godwin (después conocida como Mary Shelley), su hermanastra Claire Clairmont y el médico John Polidori. La erupción del volcán Tambora en 1815 había provocado un enfriamiento global que llevó a que 1816 fuera conocido como “el año sin verano”. En este ambiente gótico y melancólico, Byron propuso un concurso: cada uno debía escribir una historia de terror. De esta velada nacería Frankenstein o el moderno Prometeo, una de las obras más influyentes de la literatura universal.

Mary Shelley nació el 30 de agosto de 1797 en Londres. Era hija de dos figuras intelectuales de gran peso en su época: el filósofo y escritor político William Godwin, autor de Una investigación acerca de la justicia política, y Mary Wollstonecraft, una de las pioneras del feminismo y autora de Vindicación de los derechos de la mujer. Sin embargo, su madre falleció pocos días después de dar a luz, dejando a Mary en manos de su padre, quien la educó en un ambiente de gran estimulación intelectual. A pesar de la gran influencia de Godwin en la formación de su hija, su segunda esposa no tuvo el mismo nivel de interés en el desarrollo intelectual de Mary, lo que la llevó a sentirse algo marginada en su propio hogar. Su refugio fue la lectura, los escritos de su madre y los círculos filosóficos y literarios de su padre, donde conoció a Percy Bysshe Shelley, un joven poeta radical y admirador de Godwin. La relación entre ambos se volvió apasionada, pero también escandalosa, ya que Percy estaba casado en ese momento.

En 1814, Mary y Percy huyeron juntos a Francia, viajando a través de Europa en condiciones difíciles. Durante los siguientes años, Mary vivió tanto alegrías como profundas tragedias, incluida la pérdida de varios de sus hijos en la infancia. En 1816, la pareja llegó a Suiza, donde se reunieron con Lord Byron y Claire Clairmont en Villa Diodati. George Gordon Byron, conocido como Lord Byron, era una de las figuras más controvertidas de la literatura romántica. Poeta, aventurero y libertino, Byron había escapado de Inglaterra tras una serie de escándalos personales y políticos. En Suiza, estableció su residencia en Villa Diodati, donde su vida de excesos y genio literario influyó profundamente en sus acompañantes. El médico personal de Byron, John Polidori, también jugó un papel fundamental en aquel verano. De la misma velada en la que Mary Shelley concibió Frankenstein, Polidori escribió El vampiro, una historia que daría forma a la imagen del vampiro aristocrático que más tarde influiría en Drácula de Bram Stoker.

El ambiente intelectual en Villa Diodati estaba impregnado de discusiones sobre filosofía, ciencia y literatura gótica. Se hablaba de galvanismo y de experimentos que pretendían reanimar tejidos muertos. Fue en ese entorno que Mary Shelley tuvo su pesadilla visionaria sobre un científico que creaba un ser monstruoso. La novela no solo es una historia de terror, sino también una profunda reflexión sobre los límites de la ciencia y la responsabilidad del creador frente a su creación. Victor Frankenstein encarna al científico ambicioso que, movido por el deseo de conocimiento, traspasa los límites de la naturaleza. Las ideas del siglo XVIII sobre el galvanismo, las disecciones y la posibilidad de la reanimación artificial influyeron enormemente en la novela. Erasmus Darwin, abuelo de Charles Darwin, había especulado sobre la capacidad de la electricidad para otorgar vida a la materia inerte, lo que también resonaba en el pensamiento de Shelley.

Mary Shelley

El personaje del monstruo es una de las creaciones más complejas de la literatura. A diferencia de su representación en el cine, donde es una criatura torpe y brutal, en la novela es inteligente, sensible y elocuente. Aprender a leer y a hablar a través de libros como El paraíso perdido, Las desventuras del joven Werther y Las vidas paralelas le da una profunda conciencia de su propia tragedia. El monstruo no nace malvado, sino que es rechazado por su creador y por la humanidad. Su deseo de afecto se convierte en rabia y venganza cuando es marginado y perseguido. Este dilema moral ha hecho que Frankenstein sea interpretado como una crítica a la sociedad y a la discriminación basada en la apariencia.

Desde su publicación, Frankenstein ha inspirado numerosas adaptaciones teatrales y cinematográficas. La versión de 1931 de Universal Studios, protagonizada por Boris Karloff, consolidó la imagen del monstruo con tornillos en el cuello y andar torpe. En 1994, Frankenstein de Mary Shelley, dirigida por Kenneth Branagh, intentó ser más fiel al material original, presentando a un monstruo con una profundidad emocional más cercana al libro. El legado de Mary Shelley también se extiende a la ciencia. Hoy, el término “frankensteiniano” se usa para describir avances tecnológicos o científicos que generan dilemas éticos, como la clonación o la inteligencia artificial.

Frankenstein, 1931

Frankenstein sigue siendo una obra fundamental porque plantea cuestiones universales sobre la naturaleza humana, la responsabilidad moral y los peligros de la ambición desmedida. La historia de Mary Shelley, una joven que transformó su visión en una de las obras más influyentes de la literatura, es también un testimonio de su propio talento y determinación. Su monstruo, lejos de ser un simple ser terrorífico, es un reflejo de nuestros propios miedos, esperanzas y tragedias. Más de dos siglos después de su publicación, el dilema de la criatura de Frankenstein sigue interpelándonos y recordándonos que la verdadera monstruosidad no reside en la apariencia, sino en la indiferencia de la humanidad hacia aquellos a quienes ha condenado al abandono.

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ArteEventosMúsica

Epica lanza su nuevo álbum “Aspiral” y anuncia gira

by Clara Belmonte
written by Clara Belmonte

La banda neerlandesa de metal sinfónico Epica ha anunciado el lanzamiento de su noveno álbum, titulado Aspiral. Saldrá el 11 de abril de 2025 bajo el sello Nuclear Blast Records y promete un sonido potente y envolvente, con una combinación de elementos sinfónicos, coros épicos y la energía del metal progresivo.

El nombre del disco está inspirado en una escultura de 1965 del artista polaco Stanisław Szukalski, que simboliza renovación e inspiración. La banda describe cada canción como una pieza con identidad propia, pero unidas forman una obra que invita a la reflexión y al viaje musical. A lo largo del álbum, Epica explora temas como la transformación personal, el paso del tiempo y la lucha entre la luz y la oscuridad, conceptos recurrentes en su discografía.

En Aspiral, Epica mantiene su característico sonido sinfónico con la inclusión de grandes orquestaciones, coros majestuosos y arreglos cinematográficos. La producción estuvo a cargo de Joost van den Broek, con quien han trabajado en álbumes anteriores, grabado en los Sandlane Studios. La portada fue diseñada por Hedi Xandt, reconocido por su trabajo con Rammstein, Ghost y Parkway Drive, lo que refuerza la estética grandiosa del proyecto.

Influencias y evolución de Epica

Desde su debut en 2003 con The Phantom Agony, Epica ha desarrollado un estilo único que mezcla el metal sinfónico con elementos de música clásica, progresiva y gótica. La banda, liderada por Simone Simons en la voz y Mark Jansen en las guitarras y guturales, ha evolucionado a lo largo de los años, incorporando influencias de música cinematográfica, folk y electrónica. Con discos como The Divine Conspiracy (2007), Design Your Universe (2009) o Omega (2021), han consolidado su reputación como una de las bandas más innovadoras del género.

Aspiral se presenta como un punto de inflexión en su carrera, combinando la esencia de sus primeros trabajos con nuevas exploraciones sonoras. La banda ha experimentado con estructuras más progresivas, una mayor presencia de sintetizadores y una narrativa conceptual más profunda.

Lista de canciones

El disco incluye 11 temas nuevos que reflejan la evolución de la banda:

  1. Cross the Divide

  2. Arcana

  3. Darkness Dies in Light – A New Age Dawns Part VII

  4. Obsidian Heart

  5. Fight to Survive – The Overview Effect

  6. Metanoia – A New Age Dawns Part VIII

  7. T.I.M.E.

  8. Apparition

  9. Eye of the Storm

  10. The Grand Saga of Existence – A New Age Dawns Part IX

  11. Aspiral

Como adelanto, la banda ha estrenado el videoclip de “Cross the Divide”, dirigido por Kunststoff y disponible en plataformas digitales. Este primer sencillo presenta un sonido envolvente con cambios dinámicos, combinando los coros sinfónicos con riffs pesados y la poderosa voz de Simone Simons.

Gira mundial y fechas en España

Epica también ha anunciado una gira mundial para presentar Aspiral, con fechas en Europa y América Latina. En España, la banda actuará en:

  • 30 de enero de 2026 – Barcelona

  • 31 de enero de 2026 – Madrid

Las entradas ya están a la venta en los canales oficiales.

Un nuevo hito en la carrera de Epica

Con Aspiral, Epica sigue evolucionando y explorando nuevas ideas sin perder su esencia. Este nuevo trabajo promete emocionar a sus seguidores y atraer a nuevos oyentes, consolidando su legado como una de las bandas más influyentes del metal sinfónico.

Para más información, visita epica.nl.

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AgendaArteEventos

Tarek Atoui. At-Tāriq

by Valeria Cruz
written by Valeria Cruz

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y TBA21 presentan At-Tāriq, la primera exposición individual de Tarek Atoui en Madrid, un innovador proyecto que explora las tradiciones musicales y artesanales rurales del mundo árabe y del norte de África a través del sonido y el arte. La muestra, comisariada por Daniela Zyman, se podrá visitar del 18 de febrero al 18 de mayo de 2025 y cuenta con la colaboración de la Fundación Ecolec.

Un proyecto de investigación sonora y cultural

El proyecto es un encargo de TBA21 Thyssen-Bornemisza Art Contemporary y es el resultado de más de tres años de viajes e intercambios con músicos y artesanos de la región del Atlas marroquí. A través de este trabajo de campo, Atoui ha recopilado sonidos y melodías tradicionales vinculadas a antiguas rutas comerciales y de peregrinación, con el objetivo de reivindicar su legado oral y reinterpretarlo en un contexto contemporáneo.

Inspirándose en la conexión de la noche con lo desconocido, At-Tāriq (término que significa “la estrella de la mañana” o “el visitante nocturno” y hace referencia al capítulo 86 del Corán) invita a reflexionar sobre la memoria, la identidad y la experiencia poética de la escucha.

La exposición transforma el espacio expositivo del museo en cinco majlis, espacios tradicionales de hospitalidad en la cultura árabe, que Atoui reimagina como estaciones de escucha inmersivas. Estos majlis ofrecen un viaje sensorial a la cultura amazigh, mostrando instrumentos tradicionales fabricados por artesanos de la región junto a piezas de cerámica, textiles y esculturas cinéticas que interactúan con el sonido.

Conocido por su enfoque disruptivo de la música, Atoui trabaja con materiales como bronce, piedra, cerámica y textiles, explorando sus propiedades acústicas y amplificándolas mediante dispositivos sonoros digitales y analógicos. Los visitantes podrán experimentar con una composición en constante mutación, donde objetos vibran, raspan superficies o generan sonidos mecánicos que reescriben el paisaje sonoro.

Un paisaje sonoro en evolución

La base musical de la exposición surge de una residencia artística que Atoui realizó en Córdoba en 2023, donde trabajó con grabaciones de conciertos, poemas y cánticos amazighs. Junto a las artistas Ziúr (Berlín), Susie Ibarra (Nueva York/Berlín) y Nancy Mounir (El Cairo), Atoui fusionó estos sonidos con la electrónica y la improvisación contemporánea, dando lugar a una pieza sonora que se estrenó en concierto en la misma ciudad.

Como parte del programa expositivo, el concierto “Ecos olvidados en el tiempo”, que se presentó en enero en el Museo MAP de Marrakech durante la feria 1-54, será recreado en Madrid el 3 de marzo de 2025, coincidiendo con ARCOmadrid. Esta presentación contará con la participación de las tres artistas que colaboraron con Atoui en Córdoba.

Una exposición en constante activación

At-Tāriq no es una muestra estática, sino un proyecto en continua evolución. Durante los tres meses de exposición, se desarrollará un amplio programa de actividades, incluyendo visitas guiadas nocturnas performativas, conciertos, conferencias y talleres interactivos para distintos públicos. Este programa cuenta con la colaboración de EducaThyssen y Mondo Sonoro, así como el apoyo de instituciones culturales como el Institut Français, Casa Árabe y la Fundación Euroárabe de Altos Estudios.

Tarek Atoui (Beirut, 1980) es un artista sonoro y compositor franco-libanés residente en París. Su trabajo se sitúa en la intersección del sonido, la tecnología y la cultura, diseñando instrumentos y dispositivos para crear experiencias inmersivas. Ha participado en eventos internacionales como la Bienal de Venecia (2019) y ha expuesto en instituciones de prestigio como la Tate Modern de Londres y la Pinault Collection en París.

Desde su proyecto Re-visiting Tarab (2010-2013), Atoui ha explorado cómo las tradiciones musicales rurales del mundo árabe han influido en los repertorios urbanos y religiosos. At-Tāriq es una extensión de esta investigación, un homenaje a la capacidad de la música tradicional para resistir los cambios políticos y sociales.

TBA21: arte contemporáneo y compromiso social

TBA21-Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, fundada en 2002 por Francesca Thyssen-Bornemisza, es una de las principales plataformas de arte y acción pública a nivel internacional. En colaboración con el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, desarrolla exposiciones, programas educativos y residencias artísticas en Madrid, Venecia y Jamaica. Su enfoque combina el arte y la investigación para abordar temas ecológicos, sociales y políticos, contribuyendo a la transformación cultural y la paz.

At-Tāriq es mucho más que una exposición de arte sonoro: es una inmersión en el patrimonio oral del mundo árabe y amazigh, un espacio de reflexión sobre la memoria y la identidad. A través de su investigación y experimentación, Tarek Atoui nos invita a repensar la música como un acto de escucha profunda, un viaje a través del tiempo y el sonido.

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ArtePersonajes

Las cinco pintoras más importantes del siglo XX

by Uve Magazine
written by Uve Magazine

A lo largo del siglo XX, la pintura experimentó una revolución sin precedentes. Movimientos como el surrealismo, el expresionismo y el arte abstracto transformaron la manera en que concebimos el arte. En este contexto, cinco pintoras se alzaron como figuras fundamentales, desafiando las normas impuestas y transitando un camino difícil para las mujeres en el mundo del arte.

Frida Kahlo (1907-1954)

Pocas artistas han logrado convertir su vida en un testimonio visual tan impactante como Frida Kahlo. Su obra, profundamente autobiográfica, refleja el dolor físico y emocional que la acompañó durante toda su existencia. Con un estilo surrealista, pero enraizado en el folclore mexicano, Kahlo exploró temas como la identidad, la maternidad y la política. Obras como Las dos Fridas y Autorretrato con collar de espinas que refleja otro de sus grandes tormentos,  su relación con Diego Rivera. Su obra está llena de iconografía, simbolismo y dolor físico.

Las dos Fridas

Georgia O’Keeffe (1887-1986)

Pionera del modernismo en los Estados Unidos, Georgia O’Keeffe revolucionó la representación de la naturaleza y la abstracción. Sus famosas pinturas de flores, como Jimson Weed/White Flower No. 1, y sus paisajes del suroeste estadounidense destacan por su atrevimiento formal y el uso innovador del color. Su trabajo se caracteriza por el desarrollo en series, donde exploraba un motivo —ya fuera una flor, un paisaje, un hueso o una estructura arquitectónica— que primero debía despertar en ella una emoción intensa. Una vez capturada esa sensación, la traducía en varias pinturas, abordando el tema desde distintos ángulos hasta agotar su interés por él.

Georgia O’Keeffe prácticamente todas las interpretaciones que se hicieron sobre sus obras

Abstraction Blue

Tamara de Lempicka (1898-1980)

Emblema del Art Déco, Tamara de Lempicka capturó la elegancia y el glamur de los años 20 y 30 con su estilo inconfundible. Sus retratos, caracterizados por formas caraterísticas de Art Decó y una paleta de colores vibrante, reflejan el espíritu de la modernidad. Obras como Autorretrato en un Bugatti Verde o La joven con un vestido verde  consolidaron su reputación como una de las pintoras más icónicas de su tiempo.

Se advierte en su obra una profunda admiración por Ingres, pero también ecos de Botticelli y del Manierismo en general. Sus géneros predilectos son el desnudo y el retrato, donde aparecen hombres de porte elegante o mujeres etéreas, envueltas en vestidos de telas ondulantes.

Asimismo, algunos críticos han señalado la presencia de elementos cubistas en su trabajo. La artista, que tuvo contacto con el movimiento, incorporó en ciertas piezas una sutil geometrización de las formas.

La joven con un vestido verde

Leonora Carrington (1917-2011)

Figura clave del surrealismo, Leonora Carrington desarrolló una obra que combina mitología, simbolismo y una visión onírica del mundo. De origen británico, pero con una profunda conexión con México, Carrington creó universos en los que lo mágico y lo real se entrelazan de manera inconfundible. Su pintura El mundo mágico de los mayas es una muestra del sincretismo y la fascinación por lo esotérico que marcó su producción artística.

Autorretrato

Louise Bourgeois (1911-2010)

Si bien Louise Bourgeois es más conocida por su trabajo escultórico, su obra pictórica y sus dibujos desempeñaron un papel crucial en su desarrollo artístico. A través de sus creaciones, exploró temas como la memoria, el cuerpo y la psique humana. Su icónica serie de pinturas y dibujos Femme Maison ofrece una profunda reflexión sobre la identidad femenina y la relación entre el espacio doméstico y la autonomía personal.

Femme maison
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“Revelaciones” de Marina Vargas

by Valeria Cruz
written by Valeria Cruz

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta Revelaciones, la octava edición del ciclo Kora, una iniciativa que impulsa el trabajo de mujeres artistas contemporáneas desde una mirada de género. La exposición, comisariada por Semíramis González, recoge la obra de Marina Vargas (Granada, 1980) y propone una relectura de las figuras femeninas tradicionalmente relegadas en el arte, especialmente en el ámbito de lo sagrado y lo espiritual. Tras su paso por Madrid, la muestra itinerará al Museo de Arte Contemporáneo de Querétaro (México) de septiembre de 2025 a enero de 2026.

El protagonismo de lo oculto

La exposición parte de la figura de María Magdalena para construir un recorrido que da visibilidad a mujeres cuya presencia ha sido silenciada o distorsionada en la historia del arte. Vargas entrelaza estas figuras con símbolos, palabras, lecturas del tarot y otros recursos vinculados a su universo creativo.

Las obras expuestas, muchas de ellas creadas específicamente para esta muestra, establecen un diálogo con los espacios del museo y con piezas de la colección permanente, así como con préstamos de instituciones como el Museo Nacional de Escultura. El resultado es un conjunto inédito en el que pintura, escultura, dibujo y sonido convergen en un espacio de reinterpretación y resistencia.

Marina Vargas, Piedad

Cuatro secciones, cuatro cartas del tarot

La exposición se articula en torno a cuatro secciones, cada una de ellas representada por una gran carta del tarot, elemento recurrente en la obra de Vargas.

  1. Palabra: En esta primera sección, el lenguaje es protagonista. Una instalación muestra frases en lengua de signos (española y universal) tomadas de teólogas feministas como Cynthia Bourgeault, artistas como Hannah Wilke, figuras históricas como Juana de Arco y escritoras como Kate Millet, junto con lemas feministas actuales. En el mismo espacio se encuentra la escultura Magdalena (2024), un par de manos unidas en un triángulo que remite al útero y a las movilizaciones feministas. Estas piezas establecen un diálogo con la pintura Hércules en la corte de Onfalia (1537) de Hans Cranach, donde las manos cobran un especial protagonismo.

  2. Visión: En esta sala, Vargas aborda la enfermedad como proceso de transformación. A través de piezas como Mére-Mer (2024), una serie de cangrejos que descienden por la pared en referencia al signo astrológico de cáncer; Lo divino Femenino (2024), un tapiz bordado con la Cruz de Camarga y caracoles usados en rituales afrocubanos; y Exvotos (2022), moldes utilizados en sesiones de radioterapia cubiertos de oro, la artista rememora su experiencia con el cáncer de mama. La sección culmina con la carta del tarot de El Mundo, símbolo de renacimiento.

  3. Cuerpo: Presidida por dos esculturas de la serie Piedad, esta sección juega con la idea del cuerpo fragmentado. Una de las esculturas cuelga del techo, mientras que otra, craquelada en el suelo, parece abrirse para mostrar lo oculto. Estas piezas dialogan con La Virgen del árbol seco (hacia 1465) de Petrus Christus, donde el Árbol de la Ciencia florece nuevamente tras la concepción de Jesús. La sala concluye con la carta del tarot de La Fuerza, que representa la resistencia de las mujeres a lo largo de la historia.

  4. Egipcíaca: Esta última sección se desarrolla en un espacio completamente negro y se centra en la figura de Santa María Egipcíaca, representada en la talla de Luis Salvador Carmona (1734-1766) cedida por el Museo Nacional de Escultura. La obra dialoga con la fotografía de Vargas Noli Me Tangere. La Incredulidad (2020), en la que la artista aparece mastectomizada, y con la tabla La Magdalena (1477-1478) de Derick Baegert. La voz de María Botto, actriz que interpretó a María Magdalena en la película Resucitado (2016), acompaña este espacio con la lectura del significado de las cartas del tarot diseñadas por la artista.

Un arte que revisa la historia

Para Semíramis González, Revelaciones es mucho más que una muestra inédita de Marina Vargas: es un ejercicio de cuestionamiento de las estructuras patriarcales que han dominado el relato del arte. “No se trata solo de dar nombre a las mujeres ocultadas en lo sagrado, sino también de desmontar los códigos visuales que las han cosificado y relegado a los márgenes”, afirma la comisaria.

Marina Vargas, licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Granada y con un máster en Producción e Investigación en Lenguajes Artísticos, ha desarrollado un trabajo multidisciplinar que abarca escultura, pintura, dibujo y fotografía. Su obra forma parte de importantes colecciones institucionales como las de Artium (Vitoria-Gasteiz), CA2M (Madrid), CAAM (Las Palmas de Gran Canaria) o la Fundación Benetton (Italia), entre otras.

Con Revelaciones, Vargas sigue explorando los modelos de representación heredados y los arquetipos visuales que han condicionado el papel de la mujer en la historia del arte. La exposición invita a repensar la iconografía sagrada desde una óptica contemporánea, convirtiéndose en una propuesta imprescindible para quienes buscan una mirada crítica y renovadora sobre el arte y su historia.

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