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Literatura

5 libros para leer en primavera

by Uve Magazine 06/05/2026
written by Uve Magazine

La primavera modifica el ritmo de los días. La luz se alarga, los espacios se abren y la naturaleza vuelve a ocupar un lugar visible en la vida cotidiana. En literatura, no tiene por qué aparecer solo como estación explícita. A veces está en un jardín que revive, en una casa que se habita después de años de silencio, en un personaje que sale por fin de una vida demasiado estrecha o en una forma nueva de observar el mundo. Esta cinco propuestas funcionan muy bien en esa clave porque todos tienen algo de despertar: unos lo hacen desde la naturaleza, otros desde el viaje, la imaginación, la infancia o el deseo de vivir de otra manera.

Es probablemente uno de los libros más primaverales que se pueden leer, porque toda la historia se construye alrededor de una transformación que empieza en la tierra. Mary Lennox llega a una mansión inglesa después de una infancia solitaria, marcada por el abandono emocional y por una educación sin afecto real. Al principio es una niña arisca, caprichosa y desconfiada, pero la casa a la que llega guarda un misterio: un jardín cerrado desde hace años, casi olvidado, que parece haber quedado suspendido en el tiempo.

El argumento avanza cuando Mary descubre ese jardín y empieza a cuidarlo en secreto. Lo importante no es solo que las plantas vuelvan a crecer, sino que ella, al trabajar la tierra, al observar los brotes y al compartir ese espacio con otros niños, empieza también a salir de su propio encierro. La primavera aquí es el motor narrativo: cada flor que aparece, cada rama que despierta, acompaña un cambio interior. Es un libro sobre el cuidado, la curiosidad, la salud emocional y la capacidad de un lugar para devolverle a alguien las ganas de volver a mostrarse al mundo.

Este libro muestra una primavera más adulta, más irónica y más íntima. Elizabeth vive en una finca alemana y encuentra en el jardín una forma de libertad que contrasta con las obligaciones sociales, familiares y matrimoniales que la rodean. No es una novela de grandes giros argumentales, sino un libro construido a partir de observaciones, escenas domésticas, pensamientos y pequeños conflictos que revelan mucho sobre la vida de una mujer que necesita un espacio propio para respirar.

Su encanto está en que el jardín es una forma de territorio de independencia. Elizabeth lo cuida, lo organiza, lo recorre y lo convierte en una extensión de su carácter. Mientras la sociedad espera de ella una obediencia amable, ella encuentra entre plantas, estaciones y paseos una manera de reflexionar desde la distancia sobre lo que se supone que debe aceptar. Es un libro perfecto para quien quiera una lectura primaveral con humor, inteligencia.

Aquí la primavera entra desde la primera escena, cuando Topo abandona la limpieza de su casa porque el exterior lo llama con demasiada fuerza. Ese arranque ya contiene todo el espíritu del libro: salir, descubrir, dejarse llevar por el río, conocer a otros personajes y aceptar que la vida puede ser más amplia que una madriguera ordenada. La historia sigue a Topo, Rata, Tejón y Sapo en una serie de aventuras donde el campo, el agua, los caminos y los hogares tienen una presencia muy viva.

Aunque suele leerse como literatura infantil, tiene una hondura que funciona muy bien para adultos. Habla de amistad, de pertenencia, de impulsos desmedidos —sobre todo en el caso de Sapo— y de esa tensión entre el deseo de aventura y la necesidad de volver a casa. Es primaveral porque transmite movimiento, aire libre y comienzo, pero también porque entiende la naturaleza como un lugar que educa: el río enseña, el bosque intimida, los caminos tientan, las casas protegen. Es una lectura luminosa sin ser simple.

En este caso la primavera está más asociada al despertar sentimental e intelectual que a la naturaleza en sentido estricto. Lucy Honeychurch viaja a Florencia con su prima Charlotte, y ese viaje la enfrenta a una forma de vida más libre, más directa y menos reprimida que la que conoce en Inglaterra. Allí aparece George Emerson, un joven que no encaja del todo en las normas sociales que organizan el mundo de Lucy, y esa relación empieza a desmontar las expectativas que otros han puesto sobre ella.

El argumento gira en torno a una elección: vivir según lo que resulta correcto ante los demás o aceptar una verdad íntima que no siempre coincide con lo conveniente. Forster trabaja muy bien esa incomodidad de quien empieza a comprender que la educación recibida ha sido también una jaula. Por eso es un libro primaveral de otra manera: porque trata el paso de una vida obediente a una vida más consciente. Hay viaje, paisaje italiano, deseo, ironía social y una protagonista que necesita aprender por sí misma, no a través de las convenciones de su entorno.

La llegada de Anne Shirley a Green Gables tiene algo de estación nueva. Marilla y Matthew Cuthbert esperaban adoptar a un niño que les ayudara en la granja, pero por error llega Anne, una niña imaginativa, habladora y necesitada de afecto. A partir de ahí, el argumento se sostiene en la convivencia, en la adaptación de Anne a un hogar que no estaba preparado para ella y en la manera en que su presencia altera, poco a poco, la vida de quienes la rodean.

Anne mira el mundo con una intensidad que convierte cualquier rincón en algo memorable. Un camino, un árbol, una habitación o un vestido pueden adquirir para ella una importancia enorme, no porque el libro sea ingenuo, sino porque muestra muy bien lo que significa haber carecido de belleza y de cariño, y encontrarlos de pronto en lo cotidiano. Es una novela muy adecuada para primavera porque habla de crecimiento, de imaginación, de pertenencia y de segundas oportunidades. Anne no solo encuentra una casa: obliga a esa casa a volverse más viva.

06/05/2026 0 comments
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AgendaArte

Carmen Laffón: la materia silenciosa de una vida

by Uve Magazine 04/05/2026
written by Uve Magazine

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza dedicará, del 23 de junio al 27 de septiembre de 2026, una gran exposición a Carmen Laffón, una de las creadoras españolas más singulares de la segunda mitad del siglo XX y comienzos del XXI. Bajo el título Carmen Laffón. Variaciones, la muestra, comisariada por Paula Luengo, reúne 78 obras entre óleos, carboncillos y esculturas, y propone un recorrido por los temas que acompañaron a la artista durante más de sesenta años de trabajo. No se plantea como una revisión lineal de su trayectoria, sino como una manera de entrar en su mundo a través de aquello que volvió una y otra vez a sus manos: una muñeca, una cuna, un cesto, un armario, una azotea, el perfil de Sanlúcar, el Coto de Doñana, la viña, la cal o las salinas.

La exposición se organiza en nueve secciones dedicadas a sus motivos más frecuentes. El recorrido comienza con la muñeca Marcelina y las cunas, dos temas vinculados a la infancia, pero tratados desde una sensibilidad que no idealiza la niñez. En las Marcelinas de los años sesenta aparece una atmósfera cercana al realismo mágico, mientras que las cunas de los años noventa, de mayor formato, introducen una idea de fragilidad que recorre buena parte de su obra. Después llegan los bodegones, donde Laffón trabaja con objetos modestos y ensaya formatos, técnicas y maneras de ordenar el espacio. Sus mesas, a menudo divididas entre la superficie superior y la caída del mantel, muestran un equilibrio muy medido entre detalle y disolución, como si el objeto quisiera afirmarse y desaparecer al mismo tiempo.

Los interiores domésticos ocupan otro lugar fundamental. Canastas, costureros y máquinas de coser hablan de una esfera íntima, ligada al trabajo manual y a la vida cotidiana, pero también permiten entender cómo la artista fue modificando su relación con las cosas. Lo que al principio formaba parte de una composición más amplia termina ocupando el centro de la obra, ampliado, aislado, convertido en presencia principal. Algo parecido sucede con los armarios, uno de sus proyectos más prolongados, desarrollado entre 1973 y 2018. A partir de una pequeña alacena, Laffón realiza versiones en pintura y, desde 1995, también en bronce, hasta convertir ese mueble en una estructura casi flotante, cada vez más alejada del realismo inicial.

El paisaje aparece unido a Sevilla y, sobre todo, a Sanlúcar de Barrameda. En sus vistas urbanas de los años sesenta y setenta, las azoteas y los perfiles de ciudad van dejando paso al cielo y a la línea horizontal, una composición que anticipa sus obras sobre el Coto de Doñana. Desde finales de los setenta, el Coto visto desde Sanlúcar se convierte en uno de sus motivos más personales. Laffón lo pinta en distintas horas, estaciones y condiciones atmosféricas, con una atención muy precisa a la luz de la desembocadura del Guadalquivir. En las versiones tardías, realizadas entre 2011 y 2014, ese paisaje se acerca a la abstracción sin abandonar del todo su origen.

La etapa final de la exposición se centra en series de gran formato como La cal, La sal y La viña. En ellas, la artista se fija en materiales y trabajos humildes: los utensilios de los encaladores, las montañas blancas de las salinas de Bonanza, los cestos cargados de uvas de la viña que rodeaba su estudio. Laffón elimina casi siempre la figura humana, pero deja sus huellas en los objetos, en las herramientas, en las materias trabajadas. Esa ausencia da a las obras una intensidad particular, porque todo parece detenido después de haber sido usado, tocado o cuidado.

Carmen Laffón. Variaciones será la primera gran exposición dedicada a la artista desde su muerte. Su interés no está únicamente en reunir obras de distintas épocas, sino en mostrar cómo una creadora puede construir un lenguaje propio insistiendo en unos pocos motivos hasta agotarlos, transformarlos y devolverlos al espectador con otra densidad. En Laffón, la repetición nunca es costumbre: es una forma de conocimiento.

04/05/2026 0 comments
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AgendaArte

Flandes en el Thyssen

by Uve Magazine 22/04/2026
written by Uve Magazine

Hay tradiciones artísticas que, aun cuando cambian de siglo, de técnica y de sensibilidad, conservan una manera reconocible de interrogar el mundo. Eso es, en buena medida, lo que propone In situ / Ex situ II, el nuevo curso del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza organizado con la colaboración de VISITFLANDERS, que se celebrará del 23 de abril al 20 de junio de 2026 en formato híbrido. Si la primera edición se detenía en los grandes nombres de la pintura flamenca entre los siglos XV y XVII, esta segunda parte avanza hacia un territorio distinto, más cercano y a la vez más inestable, para seguir la evolución de esa tradición desde finales del siglo XIX hasta el presente.

La propuesta no se limita a encadenar autores de prestigio, plantea una línea de continuidad entre épocas muy distintas a partir de varias cuestiones de fondo como la mirada, la materialidad de la pintura y la relación de la obra con su entorno. No se trata solo de estudiar a Rysselberghe, Ensor, Magritte o Delvaux como artistas aislados, más bien es una reflexión sobre la manera en que el arte flamenco fue reformulando sus imágenes, tensiones y hasta su idea misma de realidad al entrar en la modernidad y, más tarde, en el arte contemporáneo.

El recorrido arranca con Théo van Rysselberghe, figura decisiva para comprender la recepción del neoimpresionismo en Bélgica y uno de los fundadores de Les Vingt, aquella sociedad artística que sirvió de plataforma para buena parte del arte moderno en su contexto. Después llegará James Ensor, cuyo universo de máscaras, deformaciones y gestos grotescos sigue conservando una potencia poco domesticable, como si su pintura hubiese entendido muy pronto que lo inquietante no pertenece solo al sueño o a la fantasía, sino también a la vida social y a sus ceremonias. Más adelante, el curso se detendrá en Felix de Boeck y Victor Servranckx para abordar la deriva hacia la abstracción en una Flandes atravesada por las fracturas de la guerra y por la necesidad de inventar nuevas formas para un tiempo nuevo.

Uno de los núcleos más sugerentes del programa será, sin duda, el dedicado a René Magritte y Paul Delvaux. No porque el surrealismo necesite presentación, sino porque en el ámbito flamenco adquirió un espesor particular, menos entregado al automatismo que a una forma calculada de extrañeza. En Magritte, la imagen piensa; en Delvaux, el sueño se vuelve escenario detenido, casi litúrgico, y produce una inquietud que no depende del sobresalto, sino de la precisión con que lo irreal ocupa el mundo visible. Que el curso pase por ellos tiene sentido: si algo demuestra la pintura flamenca del siglo XX es su capacidad para volver extraño lo cotidiano sin romper del todo con la tradición de la figuración.

El cierre estará dedicado al arte flamenco del siglo XXI y a su posición dentro del circuito internacional, con nombres como Luc Tuymans o Ann Veronica Janssens y con atención también al peso de sus museos, galerías y grandes citas como la feria de Bruselas. Es un final coherente, porque permite entender Flandes no solo como una herencia histórica, sino como un espacio todavía fértil para la experimentación, donde la pintura, la instalación y las nuevas formas de percepción siguen reformulando preguntas antiguas sobre la imagen, el cuerpo y la experiencia. Más que un simple curso panorámico, In situ / Ex situ II parece plantearse como una invitación a leer la continuidad de una tradición sin reducirla a museo, escuela o repertorio, y a comprobar que ciertas obsesiones visuales no desaparecen: cambian de forma, se afinan, se vuelven más ambiguas y regresan.

El curso In situ / Ex situ II se celebrará del 23 de abril al 20 de junio de 2026, en formato híbrido, con sesiones online y presenciales. La parte presencial tendrá lugar en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, situado en el Paseo del Prado, 8, 28014 Madrid.

22/04/2026 0 comments
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Literatura

Lena Dunham y el precio de la fama

by Uve Magazine 15/04/2026
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Lena Dunham acaba de publicar en Estados Unidos Famesick, un libro de memorias que llegará a España en septiembre bajo el sello Debate. El libro se centra en la propia Lena Dunham, que intenta sostener una carrera pública mientras va perdiendo control sobre su cuerpo, su intimidad y la forma en que otros cuentan su vida.

La trayectoria de Lena Dunham ya había estado muy ligada a la escritura desde una perspectiva biográfica. Desde sus primeros trabajos y más tarde con Girls, su obra se centró en temas como el cuerpo, la intimidad, la inseguridad, la ambición y el lugar que cada uno ocupa en el mundo. Con Famesick, ese terreno sigue muy presente, pero aparece tratado desde otra perspectiva. Aquí el centro no está tanto en la juventud o en la construcción de una identidad propia, mas bien en el desorden que se produce cuando una vida pública sigue creciendo mientras la salud se resiente.

El libro, según la información difundida previa a su lanzamiento, reconstruye ese periodo a partir de recuerdos, diarios, correos y registros médicos. Dunham se detiene en los años en que su carrera avanzaba con fuerza mientras su cuerpo entraba en una dinámica de dolor, tratamientos varios, hospitalizaciones y dependencia farmacológica. Esa convergencia entre visibilidad y enfermedad es una de las claves del libro, porque desplaza el foco de la celebridad hacia algo bastante menos vistoso: la experiencia de seguir pareciendo completamente funcional de cara al trabajo y a los medios, cuando por dentro todo comienza a desmoronarse.

Hay además otra cuestión que recorre Famesick y que va más allá del caso particular de Lena Dunham. El libro apunta a que su identidad pública no nace solo de una voluntad propia, sino también de una lucha constante entre versiones ajenas: la prensa, las redes, la crítica cultural, los lectores, los espectadores, los sectores que la admiran, los que la rechazan y los que necesitan convertirla en símbolo de algo más amplio. En ese punto, contar sus propias memorias con sus palabras y de la manera en que las ha vivido, pasa a ser también una manera de recuperar algo de control y pertenencia.

Más allá de simpatías o rechazos, Famesick parece situarse en un lugar bastante claro: el de una autora que vuelve sobre una etapa difícil para escribir no solo sobre la fama, también sobre la dificultad de seguir siendo una misma cuando los demás llevan tiempo hablando por ti.

15/04/2026 0 comments
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AgendaArte

Abril Imaginario, teatro en Madrid

by Uve Magazine 04/04/2026
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El Umbral de Primavera celebra del 2 al 26 de abril la sexta edición de Abril Imaginario, un ciclo que este año reúne seis proyectos escénicos y que vuelve a situar a la sala de Lavapiés como uno de los espacios madrileños donde la creación contemporánea encuentra un marco estable de trabajo y exhibición. La programación se reparte de jueves a domingo, con funciones de tarde y con pases matinales durante el fin de semana, y se articula a partir de un proceso de asesoría en el que han participado integrantes de [los números imaginarios] junto a Carlos Tuñón, responsable del acompañamiento de las piezas.

La edición de 2026 está formada por Crónica de una siesta mientras el mundo arde, 60 sodomitas a los cuales hice quemar, OBRA DURACIÓN ZONA – o formas de decir la casa, sospechosos huīdas, La inocencia de los lirios y Un archipiélago colapsa. Los seis títulos llegarán a escena después de ese trabajo previo de seguimiento que forma parte de la estructura del ciclo y que explica su continuidad dentro de la programación de El Umbral de Primavera. La propuesta mantiene así una línea reconocible, en la que las funciones no aparecen desligadas de su proceso de elaboración, sino vinculadas a un marco de formación, revisión y puesta en común que desemboca en la exhibición pública durante el mes de abril.

La primera pieza en abrir el ciclo es Crónica de una siesta mientras el mundo arde, creación de Carlos Gorbe, presentada como un viaje semimusical a través de su psique. El montaje se podrá ver los jueves 2 y 16 de abril a las 20:30 y los domingos 12 y 26 a las 20:00. A partir de ahí se irá desplegando el resto de la programación: 60 sodomitas a los cuales hice quemar, con dirección de Ian Loren, tendrá funciones los viernes 3, 10, 17 y 24 a las 21:00; OBRA DURACIÓN ZONA – o formas de decir la casa, de Gabriela Burgos y Pablo Orteu, se presentará los sábados 4, 11, 18 y 25 a las 12:30; sospechosos huīdas, de Jósbel Lobo, ocupará esos mismos sábados a las 20:30; La inocencia de los lirios, de Laura Iglesias, podrá verse los domingos 5, 12, 19 y 26 a las 12:00; y Un archipiélago colapsa, de Lengua Volcán bajo la dirección de Paul Stein, tendrá funciones los domingos 5 y 19 a las 20:00 y los jueves 9 y 23 a las 20:30.

La inocencia de los lirios

se adentra en una materia íntima; 60 sodomitas a los cuales hice quemar parte de un hecho ocurrido en 1596, cuando sesenta marineros acusados de “sodomía” por la Inquisición española fueron arrojados a un horno de cal; OBRA DURACIÓN ZONA – o formas de decir la casa se plantea como una deriva psicogeográfica alrededor de la casa y del deseo; sospechosos huīdas se centra en los desplazamientos forzados de la era contemporánea; La inocencia de los lirios nace de una investigación con las monjas carmelitas de la comunidad de Toro, en Zamora; y Un archipiélago colapsa trabaja sobre la fragilidad de la memoria a partir de un lenguaje fragmentado y visual. El ciclo mantiene así una programación en la que conviven materiales históricos, experiencias biográficas, cuestiones políticas y búsquedas formales que se resuelven desde lugares muy distintos.

En el caso de la obra dirigida por Ian Loren, el texto de presentación la sitúa entre el teatro documento, el teatro para la memoria y el drama, con la voluntad de recuperar una violencia histórica que no queda encerrada en el pasado. En OBRA DURACIÓN ZONA – o formas de decir la casa, Burgos y Orteu proponen que cada día de función entren en la sala con extracciones de la ciudad y abran allí un taller desde el que seguir trabajando con el público. sospechosos huīdas plantea una pregunta precisa, “¿es posible quitarle elegía al exilio?”, y coloca en el centro a quienes emigran y a las circunstancias que los empujan a hacerlo. La inocencia de los lirios se presenta como un misterio contemporáneo y como una práctica escénica relacional, atenta al silencio, a la vida conventual y a las formas de experiencia compartida. Un archipiélago colapsa, por su parte, aborda los recuerdos como una materia erosionada y cambiante.

Uno de los rasgos más singulares de esta edición está en el propio desarrollo de los proyectos. Al comienzo del proceso, en octubre de 2025, cada director y directora eligió una planta con la que sintiera que podía sintetizar y conceptualizar su pieza, y esa planta ha acompañado el trabajo hasta su llegada a escena en abril. El dato, incluido en la presentación del ciclo, añade una imagen concreta de ese recorrido y subraya la dimensión temporal del proyecto, que se construye a lo largo de varios meses antes de encontrarse con el público.

La presencia de [los números imaginarios] vuelve a ser central en esta sexta edición. La compañía, fundada en 2013, colabora de nuevo en el desarrollo del ciclo junto a Carlos Tuñón. Su intervención forma parte del trabajo previo de las piezas, que llegan a abril después de varios meses de asesoría. Por eso Abril Imaginario no funciona solo como una programación de estrenos, sino como la presentación pública de seis procesos de creación.

04/04/2026 0 comments
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Vidas en conflicto

Edgar Allan Poe y el precio de la obsesión

by Uve Magazine 28/03/2026
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La vida de Edgar Allan Poe ha sido tantas veces deformada por la leyenda del escritor maldito que resulta fácil olvidar algo esencial: antes que un personaje sombrío de biografía novelesca, Poe fue un autor de una inteligencia rigurosa, un artesano de la forma y un crítico extremadamente consciente de los efectos que quería producir en el lector. Su figura quedó envuelta muy pronto en una visión de decadencia, el alcohol, la pérdida y la muerte, y es cierto que todos esos elementos marcaron su existencia, pero limitarse a ellos impide ver lo más interesante. Poe no fue únicamente un hombre acosado por la desgracia, sino también un escritor que convirtió la inestabilidad material, el duelo, la ansiedad y la conciencia del fracaso en una obra de precisión casi matemática, donde el horror rara vez es un desahogo y suele ser, más bien, una construcción cuidadosamente calculada.

Nació en Boston en 1809 y quedó huérfano siendo todavía un niño. Su padre desapareció pronto y su madre, actriz, murió cuando Poe era muy pequeño. Fue acogido por John y Frances Allan, aunque esa acogida nunca llegó a traducirse en una pertenencia plena. Vivió, por tanto, en una posición ambigua, entre el amparo y la provisionalidad, entre la educación de un joven destinado a integrarse socialmente y la fragilidad del que sabe que ese lugar no le pertenece del todo. La relación con John Allan se deterioró con el tiempo, sobre todo a causa de las deudas, las expectativas frustradas y una incompatibilidad de temperamentos que acabó dejando a Poe sin la estabilidad económica que podría haber cambiado su destino. Esta herida temprana, que mezcla desarraigo afectivo y dependencia material, resulta importante porque en Poe hay siempre personajes al borde del colapso, sujetos que intentan sustentar una identidad o una autoridad mientras todo a su alrededor se descompone.

Su paso por la Universidad de Virginia y más tarde por el ejército no resolvió nada. Arrastró dificultades económicas, tensiones personales y una sensación persistente de no encontrar un lugar duradero en el mundo. Lo decisivo, sin embargo, es que esa precariedad no lo apartó de la literatura, sino que lo obligó a vivir de ella en un momento en que hacerlo en Estados Unidos era poco menos que una condena a la estrechez. Poe trabajó en revistas, corrigió textos, escribió reseñas, cuentos, poemas y ensayos, y lo hizo dentro de un mercado literario inestable y mal pagado, que exigía rapidez, visibilidad y capacidad para atraer lectores. De ahí surgió buena parte de su versatilidad. No solo inventó o fijó recursos narrativos que tendrían continuidad en la literatura posterior, sino que además reflexionó sin descanso sobre qué era un poema, cómo debía construirse un relato breve y de qué manera la unidad de efecto era decisiva para que una obra alcanzara intensidad.

Ese aspecto teórico de Poe suele quedar desplazado por su fama de autor oscuro, cuando en realidad es central. En textos como The Philosophy of Composition o en sus reseñas y comentarios críticos aparece un escritor obsesionado con el control formal, con la economía de medios y con la necesidad de que cada elemento contribuya al resultado final. Puede discutirse hasta qué punto sus explicaciones sobre el proceso de escritura fueron sinceras o estratégicas, pero lo importante es que revelan una conciencia artística nada improvisada. Poe se opone así a la imagen del genio arrebatado que escribe empujado solo por la fiebre o la desgracia. Incluso en sus piezas más delirantes hay cálculo, estructura y una voluntad de exactitud que explica por qué sigue siendo tan legible y tan moderno.

En su poesía, esa mezcla de música, pérdida y artificio alcanza una intensidad muy particular. The Raven es el ejemplo más célebre, pero no conviene reducirlo a una pieza de atmósfera o a un poema de fácil iconografía. En él ya está la teatralidad del duelo, la obsesión verbal, la repetición como mecanismo mental y una voz poética atrapada en su propio deseo de insistir allí donde no hay respuesta posible. Algo parecido ocurre en Annabel Lee, Ulalume o Lenore, donde la muerte de la mujer amada aparece menos como simple motivo romántico que como fijación que organiza el recuerdo y deforma el presente. Es difícil no relacionar esos poemas con la enfermedad y muerte de Virginia Clemm, su esposa, cuya larga agonía marcó profundamente a Poe, pero sería un error leerlos solo como biografía cifrada. Lo que hace importante esa poesía es el modo en que convierte la pérdida en ritmo, insistencia y escena mental, de manera que el lector no contempla únicamente una desgracia, sino una conciencia incapaz de salir de ella.

En la narrativa breve es donde su genio se vuelve más evidente. Poe entendió muy pronto que el cuento no debía ser una novela en miniatura, sino una forma específica, cerrada sobre sí misma, donde cada detalle actuase con intensidad. En relatos como The Fall of the House of Usher, Ligeia, Berenice o The Black Cat, la descomposición física y moral no aparece como un simple catálogo de horrores, sino como el modo en que la mente percibe un mundo que ha dejado de ser estable. Sus narradores suelen estar heridos por la culpa, la obsesión, el miedo o el autoengaño, y precisamente por eso el terror en Poe no depende tanto de monstruos externos como de una percepción alterada, de una sensibilidad que se vuelve incapaz de sostener la realidad sin deformarla. La casa de Usher no es solo un escenario gótico memorable, sino una extensión enfermiza de la conciencia; el corazón que late bajo el suelo en The Tell-Tale Heart no es únicamente un efecto macabro, sino la forma acústica de la culpa.

Ahí reside buena parte de su modernidad. Poe desplaza el centro del espanto desde lo sobrenatural hacia la psicología, aunque nunca renuncie del todo a la ambigüedad. Lo terrible no siempre consiste en que ocurra algo imposible, sino en que la razón empiece a resquebrajarse y el sujeto ya no pueda fiarse ni de lo que ve ni de lo que piensa. Ese camino lo convertiría en una referencia decisiva para la literatura fantástica posterior, para el simbolismo, para el decadentismo e incluso para formas del terror contemporáneo que siguen explorando el deterioro mental como fuente de inquietud.

Pero Poe no solo transformó el relato de terror. También abrió el camino del cuento detectivesco con The Murders in the Rue Morgue, The Mystery of Marie Rogêt y The Purloined Letter, textos en los que Auguste Dupin inaugura una inteligencia analítica que más tarde cristalizaría en Sherlock Holmes y en toda una tradición posterior. Lo notable es que esta invención surge del mismo autor que escribía sobre enterramientos prematuros, criptas y dobles. Lejos de ser facetas incompatibles, ambas revelan una misma obsesión: penetrar en lo oculto, reconstruir un orden invisible, demostrar que el caos puede leerse si se descifra bien la superficie. En Poe conviven así la fascinación por lo irracional y el placer del análisis, la pesadilla y el método, y esa convivencia lo vuelve especialmente rico.

Su vida siguió siendo desordenada y dura. Nunca consiguió verdadera seguridad económica, sus relaciones profesionales fueron tensas, su salud era frágil y su vínculo con el alcohol agravó una vulnerabilidad que ya existía. La muerte de Virginia lo dejó devastado y sus últimos años fueron erráticos. Murió en 1849, en circunstancias todavía discutidas, después de haber sido hallado en muy mal estado en Baltimore. La posteridad, además, quedó condicionada por la campaña hostil de Rufus Griswold, que ayudó a fijar la imagen de Poe como un ser degenerado y autodestructivo, imagen que tardó mucho en corregirse.

Sin embargo, lo verdaderamente perdurable en Poe no es el escándalo biográfico, sino la densidad de una obra que supo convertir la inestabilidad en forma. Fue un escritor que vivió bajo asedio, por las deudas, por el duelo, por la humillación social y por sus propias fracturas, pero que respondió a ese asedio no con desorden expresivo, sino con una disciplina artística extraordinaria. En sus mejores páginas hay belleza, sí, pero una belleza inseparable de la presión, del encierro y del temblor. En Poe, la literatura convierte la pérdida, la obsesión y el miedo en una estructura verbal de gran precisión, donde el desorden de la vida adquiere forma sin desaparecer del todo.

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AgendaArte

Émilie Tronche inaugura la Feria del Cómic de Madrid

by Uve Magazine 25/03/2026
written by Uve Magazine

Émilie Tronche será la encargada de abrir mañana la segunda edición de la Feria del Cómic de Madrid, una cita que este año quiere detenerse en el cómic no solo como forma de entretenimiento, sino también como espacio de creación, de lectura y de pensamiento. La autora francesa, conocida por la serie de animación Samuel, participará en Casa del Lector en un encuentro con Íñigo Picabea bajo el título El viaje a la adolescencia, una elección nada casual para inaugurar una programación que presta especial atención a los procesos de formación, a la memoria emocional y a las distintas maneras de narrar el paso hacia la madurez.

La presencia de Tronche marca además una de las líneas de esta edición, que mira con interés al cómic europeo y a los intercambios entre lenguajes. La jornada del jueves se cerrará con la proyección de Samuel en Cineteca, presentada por la propia autora, mientras que el viernes llegará la primera gran jornada de actividad continua, con encuentros profesionales, talleres, coloquios, proyectos editoriales con participación internacional y una masterclass dedicada al portafolio, en una programación que parece buscar un equilibrio entre reflexión, oficio y apertura a nuevos públicos.

A lo largo de los cuatro días, Plaza Matadero reunirá a librerías y editoriales en sus casetas, donde los libros podrán adquirirse con un 10 % de descuento. Más allá de ese incentivo, la feria parece insistir en algo que sigue siendo importante: convertir el cómic en un lugar de intercambio real entre quienes lo hacen, quienes lo editan y quienes lo leen.

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Música

Auge del vinilo en la era del streaming

by Uve Magazine 24/03/2026
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Hace unos años, hablar del vinilo era hablar de nostalgia, de coleccionistas resistentes en medio del dominio digital. Ahora ya no. El vinilo ha recuperado presencia de una forma muy clara y, lo más curioso, lo ha hecho en un momento en que casi toda la música se escucha en plataformas. A primera vista puede parecer raro, aunque en realidad tiene bastante sentido.

La música hoy está en todas partes y al mismo tiempo en ninguna. La escuchamos en el móvil, en el ordenador, en altavoces pequeños, en listas automáticas, en canciones sueltas que van entrando y saliendo del día sin dejar apenas rastro material. Todo eso resulta cómodo, claro, porque permite acceder a casi cualquier disco en cuestión de segundos, aunque también ha hecho que la relación con la música se vuelva más rápida, más ligera y bastante menos tangible. En ese contexto, el vinilo ha recuperado un atractivo que va mucho más allá del sonido.

Lo que mucha gente compra cuando adquiere un vinilo no es solo un soporte para escuchar canciones. Compra una portada grande, un objeto que pesa, que ocupa sitio, que se puede abrir, guardar, colocar en una estantería y mirar de vez en cuando y también una sensación de permanencia. En una época en la que casi todo pasa por pantallas y archivos invisibles, tener un disco entre las manos sigue produciendo efecto, porque da la impresión de que esa música existe de una forma más estable y más cercana.

Por eso no sorprende tanto que buena parte de los compradores más jóvenes se hayan acercado al vinilo sin haber crecido con él. Para muchos ni siquiera es un regreso, porque nunca fue parte de su rutina. No están volviendo a nada. Lo están descubriendo como un objeto distinto y con una presencia que otros formatos no tienen. Ahí está una de las claves del fenómeno. El vinilo no ha resucitado como reliquia, ni como capricho de cuatro nostálgicos. Se ha convertido en un objeto cultural que encaja bastante bien en el presente.

Los datos de 2025 dejan poco margen para la duda. En Estados Unidos, The Life of a Showgirl de Taylor Swift fue el vinilo más vendido del año con 1,601 millones de copias, muy por delante de Man’s Best Friend de Sabrina Carpenter, con 292.000, y GNX de Kendrick Lamar, con 279.000. En Reino Unido volvió a ocupar el primer puesto con 147.000 copias, mientras que la IFPI lo situó también como el vinilo número uno a escala global.

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AgendaArte

Guercino en el Thyssen: exposición en Madrid 2026

by Uve Magazine 17/03/2026
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Guercino y sus heroínas bíblicas, una muestra centrada en la mirada que Giovanni Francesco Barbieri, conocido como Il Guercino, dedicó a distintas figuras femeninas de la tradición bíblica. Comisariada por María Eugenia Alonso, conservadora de Pintura Antigua del museo, la propuesta reúne en la sala 12 de la colección permanente un conjunto de seis obras que permite examinar tanto la potencia narrativa del pintor italiano como su capacidad para dotar de intensidad emocional a sus personajes.

Guercino, nacido en Cento en 1591 y fallecido en Bolonia en 1666, fue una de las grandes figuras del barroco del norte de Italia. En esta exposición, el punto de partida es Jesús y la samaritana en el pozo (hacia 1640–1641), una de las obras maestras de la colección Thyssen, en torno a la cual se articula un recorrido que incorpora préstamos de instituciones como el Museo del Prado, la Dulwich Picture Gallery de Londres y el Musée des Beaux-Arts de Estrasburgo. A través de esta selección, el museo plantea una reflexión sobre la representación de la mujer en los relatos bíblicos, aunque también sobre la evolución estilística del artista y su notable dominio del gesto, de la luz y de la expresión dramática.

La elección de estas figuras no responde a una simple preferencia iconográfica. Durante el siglo XVII, las heroínas bíblicas ocuparon un lugar destacado en la pintura europea, en especial dentro del contexto de la Contrarreforma, que favoreció imágenes capaces de conmover al espectador y de hacer visibles los afectos. En ese terreno, Guercino se mueve con especial soltura. Su pintura, heredera de la tradición boloñesa del Seicento y cercana a esa poética de los afectos que también cultivaron artistas como Guido Reni o Domenichino, convierte cada escena en un espacio cargado de tensión emocional, donde las manos, las miradas y las posturas corporales adquieren un valor decisivo.

El recorrido se abre con dos mujeres del Nuevo Testamento asociadas al motivo de la culpa y el arrepentimiento. En Jesús y la samaritana en el pozo, el diálogo entre ambos personajes se construye mediante un delicado intercambio de gestos y miradas, que da a la escena una intensidad silenciosa. Junto a ella se presenta Jesús y la mujer adúltera (hacia 1621), donde el artista utiliza los contrastes de luces y sombras para ordenar la escena y subrayar, frente al juicio de los fariseos, la fragilidad de la figura femenina, que aparece recogida, abatida y vulnerable.

La exposición continúa con dos episodios del Antiguo Testamento en los que la injusticia y la violencia recaen sobre mujeres convertidas en víctimas. En Susana y los viejos (1617), Guercino representa el momento en que la joven es observada por dos jueces mientras se baña. La composición, que destaca el cuerpo de Susana sobre un fondo oscuro, no se limita a narrar el episodio, sino que coloca al espectador en una posición incómoda, casi como testigo directo del acoso. Muy distinto, aunque igualmente dramático, resulta Abraham repudia a Agar e Ismael (1657), donde el pintor construye la escena con un sentido casi teatral y concentra la emoción en los gestos de los personajes, acentuando el conflicto moral y afectivo del pasaje.

El último tramo de la muestra se detiene en dos figuras que la tradición cristiana ha presentado con frecuencia como encarnaciones del peligro femenino, aunque Guercino introduce en ellas una lectura menos convencional. En Sansón y Dalila (1654), Dalila deja de ser simplemente la mujer traidora que arrastra al héroe a la caída y adquiere una dimensión distinta, más cercana a la de una figura activa en defensa de su pueblo. Algo parecido sucede en Salomé recibe la cabeza de san Juan Bautista (1637), donde Salomé no aparece como la joven seductora y cruel fijada por buena parte de la iconografía posterior, sino como un personaje inclinado hacia el arrepentimiento, marcado más por la presión materna que por la voluntad propia.

Con esta exposición, el Thyssen no solo devuelve la atención a una de las figuras esenciales del barroco italiano, sino que propone una lectura matizada de varios personajes femeninos cuya representación ha estado durante siglos condicionada por interpretaciones morales rígidas. En manos de Guercino, estas mujeres dejan de ser tipos cerrados para convertirse en figuras complejas, atravesadas por el dolor, la vulnerabilidad, la ambigüedad o la dignidad. El resultado es una muestra pequeña en dimensiones, pero muy precisa en su planteamiento, que permite observar cómo la pintura barroca fue también un espacio de negociación simbólica en torno a la imagen de la mujer.

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Feria del Cómic de Madrid 2026: fechas y programa

by Uve Magazine 11/03/2026
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Madrid celebrará del 26 al 29 de marzo la segunda edición de la Feria del Cómic, un evento que regresa a Matadero Madrid con un crecimiento notable en participación y con una clara voluntad de consolidarse como una cita de referencia dentro del panorama cultural español. Tras el éxito de su primera convocatoria, la feria amplía tanto su dimensión comercial como su programación cultural, reforzando además su vocación internacional con un programa centrado en el cómic europeo contemporáneo.

El encuentro reunirá durante cuatro días a 84 expositores, entre ellos 36 sellos editoriales, 34 librerías generalistas y 13 librerías especializadas, lo que refleja la creciente relevancia del sector y el interés que despierta la historieta en distintos ámbitos del mundo del libro. El espacio de venta también crece de forma significativa: se instalarán 60 casetas en la Plaza Matadero, frente a las 36 de la edición inaugural, lo que permitirá una mayor diversidad de catálogos y propuestas para los lectores. La participación de librerías generalistas, que se ha más que duplicado respecto al año anterior, evidencia además cómo el cómic ha dejado de ser un ámbito estrictamente especializado para ocupar un lugar cada vez más visible en la oferta cultural habitual.

Organizada por el Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid junto con la Asociación de Librerías de Madrid, la feria nació con el propósito de situar a las librerías en el centro del ecosistema del cómic y reconocer su papel como espacios donde se produce el encuentro cotidiano entre los lectores y las historias en viñetas. En este sentido, el evento no solo funciona como escaparate editorial, sino también como celebración del trabajo de mediación cultural que realizan estos establecimientos a lo largo del año.

La programación cultural, comisariada por la periodista y escritora Laura Barrachina, propone un recorrido por algunas de las principales tradiciones del cómic europeo y por los debates que atraviesan actualmente el medio. A lo largo de la feria se sucederán conversaciones con autores y autoras, mesas redondas, actividades profesionales y talleres dirigidos a públicos diversos, con el objetivo de favorecer el diálogo entre creadores, lectores y profesionales del sector. Participarán figuras destacadas del panorama nacional como Teresa Valero, Juan Díaz Canales, Javier Olivares, Ilu Ros o Mauro Entrialgo, junto a autores internacionales procedentes principalmente de Francia, Bélgica y Alemania, entre ellos Émilie Tronche, Mathieu Burniat o Mia Oberländer.

Las actividades se desarrollarán en distintos espacios de Casa del Lector e incluirán también emisiones de radio y pódcasts en directo, así como proyecciones cinematográficas en Cineteca, ampliando así el alcance del evento más allá del formato tradicional de feria del libro. Entre los temas que se abordarán destacan el proceso creativo de la historieta, el diálogo entre cómic europeo y manga, la traducción de obras gráficas y los desafíos que plantea la inteligencia artificial para el sector editorial.

La segunda edición incorpora además nuevos formatos destinados a ampliar la experiencia del visitante. Por primera vez se podrá visitar la exposición «El cómic belga», organizada en colaboración con la Delegación general Valonia-Bruselas en España y producida por el Centre Belge de la Bande Dessinée de Bruselas. La muestra reúne reproducciones de planchas de autores belgas desde la década de 1950 hasta la actualidad, poniendo en relación figuras históricas con creadores contemporáneos y subrayando la importancia de esta tradición dentro de la historieta europea. Permanecerá abierta en Casa del Lector hasta el 9 de abril.

Otra de las novedades será la celebración de un concurso de cosplay abierto al público, que invita a los asistentes a acudir caracterizados como personajes de cómic y compartir sus fotografías en redes sociales. Esta iniciativa apunta a la dimensión participativa y comunitaria del medio, que trasciende la lectura para convertirse en una forma de expresión cultural compartida.

Las instituciones implicadas han subrayado que Madrid necesitaba una feria específica dedicada al cómic y que la primera edición demostró la existencia de un público amplio y diverso dispuesto a respaldarla. El objetivo ahora es consolidar esta cita como un punto de encuentro entre generaciones y sensibilidades distintas, donde convivan la tradición de la historieta con las nuevas formas de creación gráfica.

Con su ampliación de espacios, su enfoque europeo y una programación que combina divulgación, reflexión y actividades participativas, la Feria del Cómic de Madrid aspira a consolidarse como un evento estable dentro del calendario cultural de la ciudad y como un escaparate privilegiado para un medio narrativo que continúa evolucionando y ganando reconocimiento.

 
 
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