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Uve Magazine nº 5 y «Los fantasmas olvidados» ya a la venta

by Uve Magazine 01/11/2026
written by Uve Magazine

Uve Magazine incorpora a su catálogo dos nuevas publicaciones impresas: Deshielo, floración y vendimia, el quinto número de la revista, y Los fantasmas olvidados, una edición especial que reúne los artículos de la escritora Verónica García-Peña. Ambas publicaciones ya están disponibles para su compra.

El otoño nos ha dejado dos publicaciones que teníamos muchas ganas de compartir con nuestros lectores. Por un lado, el quinto número de Uve Magazine, que continúa nuestro recorrido por la literatura, el arte y la cultura a través de entrevistas y colaboraciones. Por otro, Los fantasmas olvidados, un monográfico que recupera en papel una de las series que hemos publicado en nuestra edición digital y que, gracias a la escritura de Verónica García-Peña, nos invita a recorrer algunos de los lugares donde todavía sobreviven historias que el tiempo parecía haber borrado.

Con estas dos ediciones seguimos apostando por la revista impresa, por el trabajo de nuestros colaboradores y por la posibilidad de reunir en papel contenidos a los que merece la pena regresar.

Deshielo, floración y vendimia, el quinto número de Uve Magazine

El número 5 toma su título de los ciclos de la naturaleza, aunque sus páginas se ocupan también de los cambios que experimentamos las personas y de las historias que permanecen mientras todo lo demás se transforma. La literatura vuelve a tener un espacio importante, con un artículo de Verónica García-Peña dedicado a la figura del «ángel del hogar» y a la influencia que este ideal femenino ejerció sobre generaciones de mujeres.

Entre sus contenidos encontramos una entrevista al escritor y geólogo Jorge Ordaz, realizada por Beatriz Menéndez Alonso, en la que conversan sobre literatura, ciencia y mitología. La autora también nos acerca a Flores La Plaza, un establecimiento de Cangas del Narcea que cumple cuarenta años y cuya historia permite conocer el trabajo de quienes han dedicado buena parte de su vida a mantener un negocio familiar.

La música llega de la mano de Juan Manuel Moretti, cantante y compositor de la banda argentina Estelares, a quien Sandra Márquez entrevista coincidiendo con su gira europea y la publicación de Los Lobos. La conversación recorre más de treinta años de trayectoria musical, desde los primeros discos hasta su relación actual con las canciones y el público.

Completa esta entrega Juegos Olímpicos, un relato de Marta Pastur Rubio que nos acerca a la infancia y a esas relaciones familiares que, contempladas desde la distancia, adquieren significados diferentes.

El número incluye también una selección musical de Frecuencia Uve para acompañar su lectura.

Deshielo, floración y vendimia

  • Textos y colaboraciones: Marta Pastur, Sandra Márquez, Verónica García-Peña y Beatriz Menéndez Alonso.

  • Fotografías: José Antonio Pernia López, Martín Bonetto e iStock.

  • Ilustración, cubierta y contracubierta: Sandra Márquez.

  • Corrección: Susana Martí.

  • Diseño y edición: Uve Books.

  • ISBN: 979-13-992255-5-6.

Los fantasmas olvidados, las historias de Verónica García-Peña reunidas en papel

La segunda de nuestras novedades es Los fantasmas olvidados, un especial dedicado a la serie de artículos que Verónica García-Peña ha publicado en Uve Magazine. A lo largo de sus entregas, la escritora ha recorrido pueblos abandonados, antiguos sanatorios, hoteles y otros escenarios en los que la historia documentada convive con las leyendas que se han transmitido durante generaciones.

Sus textos parten de la figura del fantasma para hablar del temor a desaparecer de la memoria de los demás. Los lugares que visita conservan las huellas de quienes los habitaron, aunque sus nombres hayan desaparecido de los registros o apenas sobrevivan en algún relato popular. De ahí que el olvido termine convirtiéndose en uno de los grandes protagonistas de la publicación.

Reunir estos artículos en una misma edición permite seguir el recorrido completo de una serie que los lectores habían conocido hasta ahora a través de entregas independientes. El monográfico ofrece así la oportunidad de regresar a esas historias y descubrir las relaciones que existen entre ellas, desde los espectros asociados a edificios abandonados hasta las leyendas de quienes parecen negarse a abandonar el mundo de los vivos.

La publicación llega después de las presentaciones celebradas en Gijón y Oviedo, donde tuvimos ocasión de conversar con Verónica García-Peña sobre sus textos y sobre la importancia que concede a la memoria en su escritura.

Dos publicaciones que ya puedes conseguir

Tanto el número 5 de Uve Magazine como el especial Los fantasmas olvidados se encuentran ya a la venta. Quienes quieran descubrir sus contenidos o incorporar ambas publicaciones a su biblioteca pueden hacerlo a través de nuestra web.

Seguimos trabajando para que Uve Magazine tenga una vida que vaya más allá de la pantalla, con nuevas ediciones impresas y encuentros que nos permitan compartir la literatura y la cultura con nuestros lectores.

Gracias por acompañarnos, por leer la revista y por hacer posible que sigamos publicando.

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EventosMúsica

Amon Amarth conquista las listas con The Allfather Awakens

by Uve Magazine 01/11/2026
written by Uve Magazine

La banda sueca alcanza el número uno en varias listas de rock y metal con su decimotercer álbum, publicado por Metal Blade Records, mientras continúa una gira europea que llegará a Barcelona y Madrid los días 13 y 14 de noviembre.

Formados en 1992 en Tumba, una localidad situada al sur de Estocolmo, Amon Amarth llevan más de tres décadas convirtiendo la mitología nórdica en materia musical. Su trayectoria ha estado marcada por una particular interpretación del death metal melódico, en la que las antiguas sagas escandinavas encuentran su lugar entre guitarras contundentes, melodías reconocibles y la voz gutural de Johan Hegg. Con trece álbumes de estudio publicados, el grupo ha conseguido reunir a varias generaciones de seguidores y hacerse un hueco entre las grandes formaciones internacionales del género. Su último trabajo, The Allfather Awakens, publicado el pasado 2 de octubre a través de Metal Blade Records, ha comenzado su recorrido comercial con unos resultados que confirman el alcance de su música más allá de los países escandinavos.

El disco ha alcanzado el número uno en las listas de hard rock de Estados Unidos, Canadá y Suecia, además de encabezar la clasificación de rock y metal en Alemania. En el Reino Unido ha llegado al segundo puesto entre los álbumes de rock y metal y al sexto entre los lanzamientos independientes, mientras que en Suiza y Austria ha alcanzado las posiciones quinta y segunda de sus respectivas listas generales. Son resultados destacados para una formación que, pese a desenvolverse en un género alejado de los grandes circuitos de la música comercial, ha construido una audiencia internacional capaz de llenar recintos de considerable tamaño. Estas posiciones corresponden a distintas clasificaciones nacionales y especializadas, aunque todas apuntan a la buena acogida del lanzamiento.

El regreso de Odín y las antiguas sagas

La figura de Odín, conocido en la tradición nórdica como el Padre de Todos, vuelve a ocupar un lugar importante en el universo de Amon Amarth. Asociado con la guerra y la sabiduría, este dios protagoniza uno de los relatos más conocidos de la mitología escandinava: el sacrificio de uno de sus ojos para obtener conocimiento al beber del pozo de Mímir. La historia, que relaciona la sabiduría con la renuncia personal, sirve de referencia para comprender parte del imaginario que rodea al nuevo disco.

Aunque el título y la cubierta, realizada por el artista Tom Thiel, remiten directamente a esta figura mitológica, The Allfather Awakens no ha sido concebido como un álbum conceptual. Sus canciones desarrollan diferentes relatos inspirados en la historia y las creencias de los pueblos nórdicos, con personajes que se enfrentan a conflictos en los que el sacrificio y el deber ocupan un papel central. La banda mantiene así una de las características que han definido su repertorio desde sus primeros trabajos, aunque en esta ocasión ha incorporado algunas decisiones musicales que amplían las posibilidades de su sonido.

Una de las principales novedades aparece en Upphaf, la primera incursión acústica de Amon Amarth, que introduce una atmósfera más contenida y cercana a la narración oral. Por su parte, Gjallarhorn y Eight Legs of Thunder recuperan la vertiente más reconocible del grupo, con riffs de guitarra y un desarrollo rítmico pensado para adquirir especial fuerza durante los conciertos. El tema The Allfather Awakes concentra buena parte de las ideas que han acompañado la elaboración del álbum. Según ha explicado Johan Hegg, su mensaje plantea la necesidad de que la sabiduría, el conocimiento y los hechos orienten las decisiones que tomamos sobre el futuro.

La grabación también ha supuesto algunos cambios respecto a sus anteriores trabajos. Los músicos comenzaron a componer durante la gira, aprovechando los desplazamientos y las jornadas entre conciertos, y posteriormente organizaron dos sesiones de grabación separadas por varios meses en el estudio del productor Jacob Hansen, en Dinamarca. Este procedimiento permitió trabajar cada composición de manera individual. En el apartado instrumental, los guitarristas decidieron recuperar amplificadores Marshall, dejando a un lado los modelos 5150 que habían utilizado anteriormente, con la intención de conseguir un sonido menos asociado a determinadas producciones actuales de metal.

Del escenario a las grandes concentraciones de seguidores

Buena parte de la popularidad de Amon Amarth se explica por sus actuaciones en directo. A lo largo de su carrera han compartido escenarios con Slayer, Iron Maiden y Slipknot, además de participar en festivales como Wacken Open Air, Download y Bloodstock. Su presencia en estos acontecimientos ha contribuido a que una banda surgida de la escena sueca de comienzos de los noventa haya terminado actuando ante públicos de decenas de miles de personas.

Entre las costumbres que han nacido alrededor de sus conciertos destaca el llamado Viking Row, una práctica en la que los asistentes se sientan en el suelo y simulan remar al mismo tiempo, como si formaran parte de la tripulación de un barco vikingo. Sus primeros antecedentes se sitúan habitualmente en una actuación de la banda en Bloodstock en 2009, aunque con el paso de los años el gesto ha adquirido una popularidad que ha superado el entorno de sus propios seguidores. En 2022, el grupo le dedicó la canción Put Your Back into the Oar, acompañada de un videoclip que recogía esa relación entre los músicos y su público.

Para la gira de The Allfather Awakens, Amon Amarth ha preparado una nueva producción escénica inspirada en el Valhalla, el gran salón de Odín donde, según la tradición mitológica, son recibidos los guerreros caídos en combate. La propuesta continúa una evolución que ha llevado a la banda a conceder cada vez mayor importancia a la escenografía y a la representación visual de las historias que aparecen en sus discos.

Barcelona y Madrid recibirán la gira en noviembre

Después de recorrer buena parte de Europa durante octubre, Amon Amarth llegará a España con dos actuaciones programadas para mediados de noviembre. La primera tendrá lugar el viernes 13 en el Sant Jordi Club de Barcelona y la segunda, el sábado 14, en el Palacio Vistalegre de Madrid. Ambas fechas forman parte de la programación de Route Resurrection y contarán con la participación de otras dos bandas suecas, Orbit Culture y Soilwork.

El paso por España permitirá comprobar cómo se integran las nuevas canciones en un repertorio que acumula más de treinta años de historia. Amon Amarth afronta estos conciertos después de conseguir algunas de las mejores posiciones internacionales de su trayectoria reciente, en un momento en el que su público continúa creciendo y el grupo mantiene una intensa actividad sobre los escenarios.

Tras las actuaciones españolas, la gira europea continuará el 15 de noviembre en Lisboa. Para entonces, The Allfather Awakens habrá completado sus primeras semanas de vida con un respaldo comercial considerable. Queda por ver qué lugar ocupará entre los discos más recordados de la formación, aunque sus resultados iniciales demuestran que las antiguas historias de Odín todavía encuentran oyentes dispuestos a seguirlas, también fuera de los territorios donde nacieron.

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AgendaArteNoticias

Hajar Brown protagoniza En un minuto

by Uve Magazine 22/10/2026
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La nueva puesta en escena del texto de Inmaculada Alvear, dirigida por Oriol Pamies, se estrenará el 12 de noviembre en Almoradí y reunirá a las dos actrices con Gabriel Márquez.

La actriz Hajar Brown, conocida por interpretar a Amira Naybet en la serie SKAM España, protagoniza junto a Luna Pamies y Gabriel Márquez una nueva producción teatral de En un minuto, obra de la dramaturga Inmaculada Alvear que aborda el racismo, la violencia machista y las dificultades que encuentran personas de distintas culturas para convivir en una sociedad atravesada por los prejuicios. El montaje, producido por Willy Producciones en colaboración con MV Producción y Distribución, se estrenará el próximo 12 de noviembre en el Teatro Cortés de Almoradí (Alicante), antes de iniciar una gira por diferentes escenarios españoles.

La historia gira alrededor de Amal y Elvira, dos mujeres cuyas vidas están condicionadas por circunstancias culturales y personales distintas, pero que encuentran un espacio donde compartir sus experiencias. Amal, una inmigrante musulmana interpretada por Hajar Brown, y Elvira, a quien da vida Luna Pamies, comienzan a conocerse mientras intentan superar las barreras que las separan. En ese proceso aparece Matías, interpretado por Gabriel Márquez, un personaje cuya desconfianza representa buena parte de los temores que la obra pretende examinar.

Aunque esta producción llegará a los escenarios en noviembre, En un minuto cuenta con una trayectoria anterior. El texto de Inmaculada Alvear fue llevado a escena en Murcia en 2009, bajo la dirección de Sara Serrano, y posteriormente se representó en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. La obra surgió después de un viaje de la autora a Marruecos, donde comenzó a interesarse por las experiencias de quienes abandonan su país y deben adaptarse a una sociedad que, con frecuencia, los recibe con desconfianza.

Más de quince años después, su recuperación permite volver sobre unas cuestiones que continúan presentes en el debate público: los prejuicios hacia la población inmigrante, las relaciones entre culturas y la forma en que el miedo puede condicionar nuestras relaciones.

Hajar Brown, de SKAM España al teatro

Para Hajar Brown, el personaje de Amal supone abordar desde el escenario algunas cuestiones que ya habían estado presentes en su trayectoria audiovisual. Nacida en Madrid y de origen marroquí, la actriz alcanzó una mayor proyección pública gracias a SKAM España, adaptación de la serie juvenil noruega creada por Julie Andem.

En la cuarta y última temporada, estrenada en 2020, Brown asumió el protagonismo a través de Amira Naybet, una joven musulmana que intentaba conciliar sus creencias, sus amistades y sus relaciones sentimentales mientras se enfrentaba a los prejuicios asociados al uso del hiyab.

La serie, que también contó entre sus protagonistas con Nicole Wallace, Irene Ferreiro y Alba Planas, se distinguió por incorporar a sus tramas conflictos relacionados con la identidad, la sexualidad y las relaciones personales durante la adolescencia. La temporada centrada en Amira permitió, además, situar la experiencia de una joven musulmana en el centro de una ficción española de amplia difusión.

Brown, que también ha desarrollado una faceta pública como modelo y activista, ha hablado en distintas entrevistas sobre la representación de las mujeres musulmanas en los medios de comunicación y las dificultades que encuentran cuando no responden a las expectativas de su entorno.

Su incorporación a En un minuto establece así una relación interesante entre dos personajes, Amira y Amal, que viven situaciones diferentes, aunque ambas deben enfrentarse a los juicios que otras personas hacen sobre su identidad. El nuevo montaje supone también su regreso al teatro, disciplina con la que ya había tenido contacto durante su formación y en la que fue reconocida con el Premio Nacional de Teatro Grecolatino en 2014, según la información facilitada por la productora.

Luna Pamies, del cine de Elena López Riera a los escenarios

El reparto incorpora también a Luna Pamies, actriz que llamó la atención de la crítica cinematográfica por su interpretación en El agua (2022), el primer largometraje de la directora alicantina Elena López Riera.

Ambientada en un pueblo del sureste español, la película combina una historia de iniciación adolescente con las creencias populares que rodean a las mujeres de una misma familia. Pamies interpreta a Ana, una joven que intenta construir su propia identidad mientras convive con las supersticiones y expectativas de quienes la rodean.

Su trabajo le valió una nominación al Premio Goya a la mejor actriz revelación en 2023, además del reconocimiento en los Premios Berlanga del Audiovisual Valenciano. Con En un minuto, la intérprete afronta su debut teatral en el papel de Elvira, una mujer cuya relación con Amal constituye el eje central de la historia.

Junto a ellas estará Gabriel Márquez, actor y creador alicantino que, además de interpretar a Matías, se ha encargado de adaptar el texto original para esta producción. La dirección escénica corresponde a Oriol Pamies, mientras que Younes Demnati participa en las labores de traducción y asesoría.

Inmaculada Alvear y el teatro como espacio de conflicto social

La dramaturga Inmaculada Alvear cuenta con una trayectoria vinculada a la escritura teatral y a la gestión cultural. Doctora en Historia Antigua por la Universidad Complutense de Madrid, amplió su formación dramatúrgica con autores como Mauricio Kartún y José Sanchis Sinisterra y ha formado parte del colectivo Teatro del Astillero.

En 2004 recibió el Premio Nacional Calderón de la Barca por El sonido de tu boca, mientras que Mi vida gira alrededor de quinientos metros obtuvo un accésit del Premio María Teresa León para autoras dramáticas.

Precisamente esta última obra, centrada en la violencia de género y sus consecuencias dentro de una familia, ya había sido llevada a escena por Willy Producciones. Su montaje incorporaba una propuesta teatral a ciegas, con la que la compañía buscaba modificar la experiencia del espectador mediante la percepción sonora y la ausencia de referencias visuales.

La recuperación de En un minuto prolonga esa relación entre la autora y la productora, que ha desarrollado otros espectáculos relacionados con conflictos sociales y cuestiones de identidad, como La llamada de Lauren, de Paloma Pedrero, sobre los roles de género, o Josefina, una aproximación a la figura de Josefina Manresa y su relación con Miguel Hernández.

En esta ocasión, el encuentro entre dos mujeres permite examinar cómo se construyen las diferencias culturales y qué sucede cuando los prejuicios dejan de ser ideas abstractas para intervenir directamente en la vida de las personas.

Lejos de limitarse a presentar dos posiciones enfrentadas, la historia plantea que quienes parecen tener poco en común pueden descubrir experiencias compartidas cuando encuentran un espacio para escucharse. La figura de Matías introduce, por su parte, el peso de la desconfianza y de los temores que dificultan ese acercamiento.

La nueva puesta en escena de En un minuto llegará al Teatro Cortés de Almoradí el 12 de noviembre, con un reparto que reúne distintas trayectorias interpretativas y recupera un texto cuya temática conserva su actualidad. Tras el estreno, la producción tiene previsto continuar su recorrido mediante una gira nacional.

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Arte

El infierno de Dante: Doré y Rauschenberg en Madrid

by Uve Magazine 10/10/2026
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La Fundación Canal reúne en Madrid las interpretaciones que Gustave Doré y Robert Rauschenberg realizaron del Infierno de Dante Alighieri. A través de 111 obras gráficas, la exposición permite descubrir cómo un mismo texto literario dio lugar a dos concepciones del arte separadas por casi un siglo.
Cuando Dante Alighieri escribió la Divina comedia a principios del siglo XIV, difícilmente podía imaginar hasta qué punto su descripción del infierno determinaría la representación artística del castigo y la condenación. Su viaje por los nueve círculos del inframundo, acompañado por el poeta Virgilio, ofrecía una geografía precisa del pecado, poblada por personajes históricos, criaturas mitológicas y almas sometidas a tormentos que guardaban relación con sus faltas. Más de siete siglos después, ese universo continúa proporcionando materia de trabajo a los artistas.

La Fundación Canal de Madrid presenta, del 7 de octubre de 2026 al 5 de enero de 2027, El infierno de Dante. Doré y Rauschenberg, una exposición comisariada por Lola Durán Úcar que reúne las dos series completas que Gustave Doré (1832-1883) y Robert Rauschenberg (1925-2008) dedicaron a la primera parte del poema. Aunque ambos partieron del mismo texto, sus imágenes responden a preocupaciones artísticas y sociales considerablemente distintas.
En 1861, Gustave Doré publicó sus célebres ilustraciones del Infierno, una serie de 75 xilografías que terminaría convirtiéndose en una de las representaciones más conocidas de la obra de Dante. Su interpretación, vinculada al Romanticismo, construye un paisaje de montañas, precipicios, bosques y arquitecturas imposibles, donde las figuras humanas parecen insignificantes frente a la inmensidad del escenario.
Doré prestó especial atención a los contrastes entre luces y sombras, a la anatomía de los condenados y a la expresividad de sus gestos. Sus ilustraciones fueron concebidas como una narración visual que acompaña el avance de Dante y Virgilio, deteniéndose en los episodios de mayor intensidad. Para ejecutarlas contó con grabadores especializados, entre ellos Héliodore Pisan, responsable de las estampas de la edición de Hachette de 1862 que puede contemplarse en la exposición.
Uno de los ejemplos más conocidos es el encuentro con Paolo y Francesca, los amantes condenados a girar eternamente arrastrados por una tormenta. Doré los representa abrazados, suspendidos en el aire, mientras otros cuerpos se retuercen a su alrededor. La composición transforma el episodio literario en una imagen de enorme dramatismo, en la que el sufrimiento convive con la belleza de las figuras.
Casi cien años después, Robert Rauschenberg emprendió una interpretación completamente diferente. Entre 1958 y 1960 realizó sus XXXIV dibujos para el Infierno de Dante, una serie en la que incorporó fotografías procedentes de revistas, imágenes publicitarias, dibujos, pintura y transferencias sobre papel.
En lugar de reconstruir visualmente el mundo medieval, Rauschenberg trasladó los personajes y conflictos del poema a la sociedad estadounidense de mediados del siglo XX. Dante puede aparecer representado mediante la fotografía de un hombre corriente extraída de un anuncio de ropa interior, mientras que Virgilio adopta ocasionalmente la apariencia de un atleta o un hombre de negocios. Entre los condenados surgen políticos, militares y figuras reconocibles de la cultura de masas.

Su interpretación introduce cuestiones relacionadas con el poder político, la violencia institucional y la sociedad de consumo. En el círculo de los fraudulentos, por ejemplo, los demonios que amenazan a Dante y Virgilio son sustituidos por fuerzas policiales antidisturbios. En otros pasajes aparecen referencias a la Guerra Fría y a las tensiones militares de la época.
La exposición presenta las 35 litografías offset de la edición Macorini de 1965, que reproducen los 34 dibujos originales del artista, conservados actualmente en el MoMA, además de la portada de la serie. El ejemplar expuesto pertenece a una tirada de 250.
El contraste entre ambos autores resulta especialmente evidente en el último círculo del infierno, donde Dante sitúa a los traidores y al propio Lucifer, atrapados en un inmenso lago helado. Doré representa al demonio como una criatura gigantesca, inmóvil y abatida, cuyas alas ocupan buena parte del espacio. Rauschenberg, en cambio, introduce referencias a la amenaza nuclear y a la destrucción asociada al conflicto político del siglo XX.
Organizada siguiendo el descenso por los nueve círculos, la muestra permite comparar las soluciones que cada artista encontró para representar los mismos acontecimientos. El diseño expositivo, realizado por Enrique Bonet, incorpora fragmentos del poema que ayudan a situar las escenas dentro de la narración.
Más allá de las diferencias técnicas, El infierno de Dante. Doré y Rauschenberg plantea una cuestión que atraviesa buena parte de la historia del arte: cómo una obra literaria puede adquirir significados diferentes según la época en la que se interpreta. Doré encontró en Dante un universo apropiado para desarrollar los ideales estéticos del Romanticismo; Rauschenberg utilizó ese mismo relato para examinar algunas de las contradicciones de la sociedad contemporánea.
La distancia entre ambas propuestas demuestra también que los grandes clásicos literarios no permanecen encerrados en el periodo histórico en el que fueron escritos. Cada nueva interpretación incorpora las inquietudes de su tiempo. Y, en el caso de Dante, el infierno continúa ofreciendo suficientes imágenes y conflictos humanos como para que artistas de siglos distintos encuentren en él algo que contar.

Información de la exposición

El infierno de Dante. Doré y Rauschenberg

Fundación Canal, Sala Mateo Inurria 2, Madrid
Del 7 de octubre de 2026 al 5 de enero de 2027
De 11:00 a 20:00 h; miércoles de 11:00 a 15:00 h
Entrada gratuita
Comisaria: Lola Durán Úcar
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Literatura

Chris Kraus, una escritora entre la autobiografía, la crítica y el true crime

by Uve Magazine 05/10/2026
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Chris Kraus es escritora, crítica cultural y una de las autoras estadounidenses que con mayor libertad ha trabajado en los límites entre ficción, autobiografía y ensayo. Antes de publicar novelas estudió interpretación y pasó casi dos décadas realizando performances y películas experimentales en Nueva York; más tarde se trasladó a Los Ángeles, donde comenzó a escribir. Desde 1990 es coeditora de Semiotext(e), editorial independiente muy vinculada al pensamiento contemporáneo y a la experimentación literaria. Ha sido becaria Guggenheim, ocupó en 2019 la Cátedra Mary Routt de Escritura en Scripps College y fue escritora residente en ArtCenter College entre 2020 y 2024. Su obra ha sido traducida a diecisiete idiomas.

Su trayectoria literaria comenzó relativamente tarde. Kraus había desarrollado ya una carrera dentro del cine experimental y la crítica cultural cuando publicó, en 1997, Amo a Dick, el libro que acabaría convirtiéndola en una autora de culto. La novela parte de una situación autobiográfica: una cineasta casada, cercana a los cuarenta años, se enamora de un conocido intelectual y comienza a escribirle cartas, algunas de ellas junto con su marido. Sin embargo, aquello que parecía una historia de obsesión sentimental terminaba interrogando el deseo femenino, las relaciones de poder, el fracaso artístico y la posibilidad de convertir la propia intimidad en literatura. Semiotext(e) define precisamente el libro como una ruptura de la separación tradicional entre realidad y ficción, privacidad y expresión personal. 

El reconocimiento no fue inmediato. Amo a Dick necesitó años para encontrar a sus lectores y convertirse en una referencia para una nueva generación feminista; su adaptación televisiva en 2016 volvió a situarlo en primer plano. Aquel éxito tardío resulta importante porque buena parte de la literatura posterior de Kraus continúa interrogando un problema que ya estaba allí: qué ocurre cuando una autora utiliza su propia vida sin convertir necesariamente el resultado en unas memorias. Dosier de prensa Los cuatro pas…

En Aliens & Anorexia y Sopor siguió borrando esas fronteras. Narración, ensayo, arte y experiencia personal comenzaron a mezclarse hasta formar una escritura en la que el argumento convencional importaba menos que las relaciones que podían establecerse entre materiales aparentemente alejados. Kraus no abandona nunca lo autobiográfico, pero progresivamente deja de utilizarlo únicamente como centro de la narración para convertirlo en una vía de acceso a asuntos sociales, culturales y políticos más amplios.

Ese cambio resulta especialmente visible en Verano del odio. La novela presenta a Catt, alter ego de Kraus, que viaja a Albuquerque y entra en contacto con Paul, un hombre que ha pasado por prisión. A partir de esa relación aparecen el sistema penal estadounidense, la desigualdad, la propiedad inmobiliaria y las diferencias de clase. La propia presentación de Semiotext(e) subraya ese intento de Catt por aproximarse a una realidad estadounidense que siente más concreta que el mundo de la crítica académica y artística en el que se mueve. Catt reaparecerá años después en Los cuatro pasaron el día juntos. Dosier de prensa Los cuatro pas…

Entre ambas novelas se encuentra también un libro fundamental para comprender la evolución de Kraus: After Kathy Acker, publicada en 2017. En esta biografía literaria de la escritora experimental Kathy Acker recurrió a una amplia investigación de archivo y a conversaciones con amigos y colaboradores de la autora. La experiencia personal dejaba así espacio a otra forma de escritura: observar una vida ajena mediante documentos, testimonios y restos del pasado para reconstruir, al mismo tiempo, el ambiente cultural de una época.

Ese interés por la investigación alcanza otra dimensión en Los cuatro pasaron el día juntos. Kraus comenzó el proyecto pensando en escribir un libro de true crime, a partir de un asesinato cometido en 2019 por tres jóvenes en Iron Range, una antigua región minera de Minnesota. Sin embargo, durante la investigación descubrió que el paisaje de aquellas pequeñas poblaciones obreras le recordaba al Connecticut de su infancia, antes de que su familia emigrara a Nueva Zelanda. “Tal vez todo era el mismo libro”, explicaría después. Dosier de prensa Los cuatro pas…

La novela comenzó entonces a ampliarse. Al crimen se sumaron la historia de sus padres, su infancia, la desindustrialización estadounidense, la pobreza rural, la metanfetamina, la política, las redes sociales y el deterioro de su matrimonio con un hombre afectado por la adicción. En una entrevista con The New Yorker, Kraus explicó además las dificultades de escribir hoy un true crime siguiendo modelos clásicos como A sangre fría: las personas son mucho más conscientes de las consecuencias públicas de sus palabras y resulta cada vez más complicado obtener la clase de testimonios en los que se apoyaban aquellas investigaciones. 

Por eso Los cuatro pasaron el día juntos supone un cambio y, al mismo tiempo, una continuación. En Amo a Dick, Kraus comenzó por su propia intimidad para terminar hablando del mundo que la rodeaba; casi treinta años después inicia el recorrido desde fuera, desde un asesinato y las vidas de unos desconocidos, y termina regresando a su familia y a sí misma. Ella prefiere hablar de «novela de no ficción» antes que de autoficción, porque su escritura trabaja con diarios, entrevistas, documentos y hechos reales que después reorganiza.

Por eso, su incursión en el true crime no supone una ruptura, sino una evolución lógica de su obra. Kraus lleva décadas utilizando vidas concretas —la suya o la de otros— para observar cuestiones más amplias: la clase social, la violencia, la adicción, la desigualdad y las tensiones de la sociedad estadounidense.

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Eventos

Uve Magazine presentó su quinto número en Flores La Plaza

by Uve Magazine 29/09/2026
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El sábado 26 de septiembre presentamos en Flores La Plaza, en Cangas del Narcea, el quinto número de Uve Magazine: Deshielo, floración y vendimia. La revista sigue el paso de las estaciones para hablar de los cambios en la naturaleza y en nuestras vidas, y reúne literatura, música, entrevistas e historias vinculadas al territorio.

Imagen de José Antonio Pernia López

Flores La Plaza ocupa un lugar especial en este número. Durante la presentación conversamos con Kiti y Alberto sobre los cuarenta años del negocio, sus comienzos y los cambios que han vivido en Cangas. Fue una ocasión para continuar, junto a ellos y al público, ahondando en la historia y el futuro del negocio que habíamos iniciado al preparar el reportaje.

La próxima presentación será el 16 de octubre en La Tercera Palabra. Nos acompañarán Marta Pastur, Jorge Ordaz, Beatriz Menéndez y Sandra Márquez para hablar de sus colaboraciones y de las historias que componen este quinto número. ¡Os esperamos!

Imagen de José Antonio Pernia López
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AgendaEventos

Uve Magazine nº 5: deshielo, floración y vendimia

by Uve Magazine 22/09/2026
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Hay revistas que se construyen alrededor de un tema y otras que, cuando empiezan a tomar forma, encuentran una relación entre textos que en principio parecían ir por caminos distintos. El número 5 de Uve Magazine pertenece a las segundas. Su título, Deshielo, floración y vendimia, terminó apareciendo casi como una consecuencia natural de sus páginas: aquello que cambia, aquello que crece y aquello que, después de un tiempo, está preparado para recogerse.

El número incluye además una playlist propia de Uve Magazine para acompañar esta entrega.

Verónica García-Peña escribe sobre la figura del «ángel del hogar» y sobre todo lo que ese ideal femenino dejó en la literatura y en la vida de muchas mujeres.

Beatriz Menéndez Alonso entrevista a Jorge Ordaz, geólogo y escritor, con quien habla de sus libros, de ciencia, de mitología, de literatura, de Asturias y de los autores que han formado parte de su vida como lector, y visita Flores La Plaza, un establecimiento que cumple cuarenta años en Cangas del Narcea y cuya historia permite hablar de oficio, continuidad y de los cambios que se han producido a su alrededor durante estas cuatro décadas. Imágenes de José Antonio Pernia López.

La música ocupa un lugar importante en este número. Sandra Márquez entrevista a Juan Manuel Moretti, cantante, guitarrista y compositor de Estelares, una de las bandas con una trayectoria más larga de la escena argentina. Coincide con su gira europea y con la publicación de Los Lobos, y recorre más de treinta años de canciones, discos y conciertos.

Moretti habla de cómo han cambiado Estelares y también de todo lo que permanece después de tantos años trabajando juntos: la escritura de las canciones, la relación con el público, los directos, las giras y una forma de entender la música que ha ido creciendo sin perder del todo el vínculo con sus primeros discos.  Imágenes de Martín Bonetto.

Y Marta Pastur Rubio firma Juegos Olímpicos, un relato en el que infancia y códigos familiares construyen una historia que parece sencilla hasta que empieza a mostrar todo lo que guarda detrás.

Todos estos contenidos encuentran un hilo común en Deshielo, floración y vendimia: lo que cambia, lo que crece y lo que, después de un tiempo, puede por fin recogerse.

El próximo 26 de septiembre, a las 12:00 h, presentaremos este nuevo número de Uve Magazine en Flores La Plaza, en Cangas del Narcea.

Nos encantará compartir la mañana con quienes queráis acompañarnos.

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Literatura

La casa sabe lo que ocurrió

by Uve Magazine 15/09/2026
written by Uve Magazine

Hay lugares que parecen recordar mejor que las personas. Una habitación cerrada durante años, una escalera que cruje cuando nadie la pisa, una puerta que todos evitan sin saber del todo por qué. La literatura gótica entendió muy pronto que una casa podía ser mucho más que el escenario de una historia. Podía guardar aquello que sus habitantes habían intentado ocultar y devolverlo, tarde o temprano, convertido en una de las peores pesadillas de cualquiera de nosotros.

Por eso seguimos regresando a las casas encantadas.

En El castillo de Otranto, publicado por Horace Walpole en 1764 y considerado uno de los textos fundacionales de la novela gótica, el edificio ya aparece unido a la herencia familiar, la culpa y un pasado que condiciona a quienes lo habitan. El castillo no está ahí únicamente para ofrecer pasadizos, puertas cerradas o apariciones. Sus muros recuerdan una historia anterior a los propios personajes.

Con el tiempo, el terror abandona en parte los castillos medievales y entra directo en mansiones y residencias familiares. Ese cambio importa porque acerca el miedo a la vida cotidiana y a la gente corriente. Ya no se trata solo de internarse en un lugar extraño. Lo inquietante empieza a suceder precisamente donde uno debería sentirse completamente a salvo.

Edgar Allan Poe llevó esta unión entre edificio y habitantes hasta uno de sus ejemplos más conocidos en La caída de la Casa Usher. El propio título juega con una doble lectura: la casa es el edificio, pero también un símbolo del linaje. Los muros deteriorados, la enfermedad de Roderick Usher y la decadencia familiar avanzan juntos hasta volverse completamente  inseparables. La vivienda comparte su misma ruina.

Algo parecido sucede, aunque de una forma más ambigua, en Otra vuelta de tuerca, de Henry James. Bly parece al principio un sueño de vivienda, una gran residencia campestre en la que una institutriz debe cuidar de dos niños. Sin embargo, ventanas, corredores, jardines y habitaciones van cambiando de sentido a medida que cambia también la percepción de la narradora. Buena parte de la inquietud nace de ahí, de no saber con certeza si el peligro está dentro de la casa o dentro de quien la observa.

Las casas encantadas inquietan porque convierten en extraño aquello que conocemos bien. Una escalera no da miedo por sí sola. Tampoco una ventana, un dormitorio o un pasillo. Empiezan a hacerlo cuando dejan de comportarse como esperamos. La puerta que debería abrirse permanece cerrada, la habitación que tendría que estar vacía parece ocupada, el ruido cotidiano aparece sin una causa clara. El miedo entra entonces por una pequeña grieta en la normalidad.

La literatura victoriana encontró en ese terreno una fuente casi inagotable de ideas y los lectores las seguimos disfrutando hasta hoy día. Durante el siglo XIX, la casa era uno de los grandes símbolos de estabilidad social. En ella residía la familia,  era símbolo de respetabilidad, jerarquía y buena parte de la vida privada transcurría en el interior de sus muros. Convertir ese mismo espacio en origen del peligro permitía mostrar que bajo una apariencia de orden podían esconderse secretos, conflictos y también algunos tipos de violencia que nadie quería nombrar.

La historia de Clifford House, relato anónimo publicado en la Inglaterra victoriana, pertenece de lleno a esa tradición. Un joven matrimonio llega a una residencia londinense que parece ofrecer todo lo necesario para comenzar una vida cómoda: es amplia, elegante y, de forma algo sospechosa, asequible. Después llegan los ruidos inexplicables, los pasos en habitaciones vacías y ciertas presencias que parecen insinuarse en reflejos y rincones. Poco a poco, aquello que debía convertirse en un hogar empieza a revelar una historia anterior.

Lo interesante es que el miedo no depende de una sucesión constante de apariciones. Lo primero que se rompe es la confianza en la casa. Los habitantes siguen reconociendo las habitaciones y los objetos, pero ya no pueden estar seguros de lo que sucede en ellos. El hogar deja de ser un espacio conocido y empieza a obedecer unas reglas que sus nuevos propietarios no comprenden.

Esa misma idea reaparece muchas veces después.

En Rebecca, de Daphne du Maurier, Manderley no necesita estar literalmente encantada para parecerlo. Rebecca ha muerto antes de que comience la novela, pero continúa presente en las habitaciones, en las rutinas, en los objetos y, sobre todo, en la forma en que los demás hablan de ella. La segunda señora de Winter llega a una casa ocupada por una ausencia.

Shirley Jackson llevó esa sensación todavía más lejos en The Haunting of Hill House. Desde las primeras páginas, Hill House parece construida de una forma apenas equivocada, pero suficiente para desorientar. Hay puertas que no permanecen abiertas, habitaciones cuya disposición resulta difícil de entender y corredores que impiden hacerse una idea clara del edificio. La casa termina por alterar la percepción de quienes la habitan, y el lector ya no sabe si Eleanor está siendo perseguida por ese lugar o si es ella quien proyecta sobre él sus propios temores.

Ahí está una de las razones por las que seguimos volviendo a estas historias.

Una casa puede acumular tiempo.

Las personas llegan y se marchan, pero los edificios permanecen. Conservan reformas, objetos, fotografías, habitaciones clausuradas y detalles de la casa cuyo origen acaba olvidándose. Esa permanencia permite imaginar que algo del pasado también se ha quedado allí, aunque ya nadie recuerde de dónde viene.

Por eso, en tantas historias de fantasmas, el verdadero conflicto no consiste en enfrentarse a algo desconocido, sino en descubrir algo terrible que ya ocurrió. Un asesinato, una traición, una muerte silenciada, una relación prohibida o una injusticia familiar suelen preceder a cualquier aparición. El fantasma llega porque alguien intentó  ocultar lo ocurrido

También por eso abundan las zonas prohibidas. El ático, el sótano, la habitación cerrada, el ala abandonada o el cuarto al que nadie entra concentran aquello que la familia prefiere ocultar.

No es casual que tantas historias góticas giren en torno a conflictos familiares. Herencias, matrimonios, filiaciones, muertes y propiedades aparecen una y otra vez porque la casa representa algo más que un edificio. Decide quién pertenece, quién hereda, quién puede entrar y quién se queda fuera.

A veces basta un objeto para que todo empiece a cambiar: un retrato, una puerta tapiada, una carta olvidada, una mancha, un mueble que nadie quiere mover. Cosas que parecían insignificantes empiezan a contar una historia que todavía no conocemos.

El lector entra entonces en la casa igual que entra el personaje: intentando entender qué ocurrió allí.

Quizá por eso este tipo de relato sigue enganchando después de más de dos siglos. Puede cambiar la arquitectura, desaparecer el castillo y aparecer un piso, un hotel o una vivienda suburbana, pero permanece la misma inquietud: descubrir que ese lugar guarda algo terrible que desconocemos.

Y pocas cosas inquietan tanto como pensar en todo lo que una casa ha visto antes de nosotros.

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AgendaMúsicaNoticias

Amon Amarth presenta «Eight Legs of Thunder»

by Uve Magazine 31/08/2026
written by Uve Magazine

Amon Amarth ha publicado «Eight Legs of Thunder», nuevo adelanto de The Allfather Awakens, el próximo álbum de la banda sueca, que verá la luz el 2 de octubre a través de Metal Blade Records. El lanzamiento llegará acompañado de una gira europea que pasará por Barcelona y Madrid en noviembre.

La nueva canción parte de Sleipnir, el caballo de ocho patas asociado a Odín en la mitología nórdica, uno de los motivos que han acompañado a Amon Amarth a lo largo de buena parte de su trayectoria. Musicalmente, «Eight Legs of Thunder» recupera algunos de los elementos más reconocibles del grupo, con un riff construido sobre un ritmo de galope y un estribillo pensado para el directo.

El videoclip, dirigido por Dariusz Szermanowicz, traslada esta referencia mitológica a un escenario bastante distinto del habitual imaginario vikingo de la banda. La historia se desarrolla como un western contemporáneo, entre carreteras, camionetas y personajes inspirados en el cine del Oeste, mientras Sleipnir aparece integrado en una secuencia de carácter fantástico.

«Eight Legs of Thunder» es el último adelanto de The Allfather Awakens, un disco formado por diez canciones en el que Amon Amarth vuelve a utilizar la mitología y la historia nórdicas como punto de partida. Odín ocupa de nuevo una posición central en las letras y en la iconografía del álbum, aunque la banda aclara que no se trata de un trabajo conceptual, sino de una colección de historias relacionadas con el conflicto, el sacrificio y los relatos del mundo antiguo.

El grupo ha introducido también algunos cambios en su proceso de composición. El álbum fue grabado en dos sesiones, separadas por varios meses, en el estudio del productor Jacob Hansen en Dinamarca. Parte del material comenzó a escribirse durante las giras, en lugar de esperar al regreso de la banda al estudio, y cada canción fue trabajada de manera independiente. En las guitarras, Amon Amarth ha buscado además un sonido algo menos moderno, recuperando amplificadores Marshall.

El nuevo álbum incluye canciones ya presentadas como «Gjallarhorn», «Upphaf» y «We Rule the Waves», además de temas como «Kvasir’s Blood», «Die With a War Cry», «Raven God», «Oden’s Hunt» y «Ascending Like an Eagle».

Tras la publicación de The Allfather Awakens, Amon Amarth recorrerá Reino Unido y Europa durante octubre y noviembre con una nueva producción escénica inspirada en el salón dorado de Odín. La gira llegará a España los días 13 de noviembre, al Sant Jordi Club de Barcelona, y 14 de noviembre, a Vistalegre en Madrid, antes de continuar hacia Lisboa.

Formados en Tumba, Suecia, en 1992, Amon Amarth han construido durante más de tres décadas una de las carreras más reconocibles del death metal melódico europeo. La formación actual está integrada por Johan Hegg, Olavi Mikkonen, Johan Söderberg, Ted Lundström y Jocke Wallgren.

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EventosMúsicaNoticias

Estelares regresa a Europa con cuatro conciertos en septiembre

by Uve Magazine 29/08/2026
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La banda argentina Estelares volverá a Europa este mes de septiembre con una gira que pasará por Barcelona, Madrid, Londres y Berlín. Con casi tres décadas de trayectoria, el grupo liderado por Manuel Moretti mantiene una posición destacada dentro del rock argentino y ha construido un repertorio en el que conviven el rock, el pop y la canción de autor.

La gira comenzará el 3 de septiembre en Barcelona, dentro de Cosquín Rock, continuará el día 4 en la Sala Uni de Madrid y seguirá después por Londres, donde actuarán el 5 de septiembre en Oslo, y Berlín, con un último concierto el día 6 en Badehaus.

Formados en La Plata, Estelares han desarrollado una trayectoria marcada por el peso de las melodías y por unas letras que se han convertido en uno de los rasgos más reconocibles de la banda. Discos como Sistema Nervioso Central, Una temporada en el amor, Las antenas o Un mar de soles rojos han acompañado distintas etapas de su carrera, mientras canciones como “Ella dijo”, “Un día perfecto”, “Aire”, “Es el amor”, “Cristal” o “Las trémulas canciones” forman parte de su repertorio más conocido.

A lo largo de estos años el grupo también ha colaborado con músicos españoles, entre ellos Enrique Bunbury, en “Aleluya”, y Nacho Vegas, en “200 monos”, dos conexiones que refuerzan el vínculo de Estelares con el público de este lado del Atlántico.

La gira europea de 2026 será, por tanto, una nueva oportunidad para reencontrarse con una banda que ha mantenido una presencia constante dentro del rock en español y que llega a estas cuatro ciudades con buena parte de su historia sobre el escenario.

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