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Emain Juliana

Emain Juliana

Autora de Simbología de las flores. Arte, cine y literatura y Fuerzas ocultas. Edita, diseña y escribe algún artículo que otro.

Literatura

La Tribuna y la promesa de la revolución

by Emain Juliana 27/02/2026
written by Emain Juliana

Cuando Emilia Pardo Bazán publica La Tribuna en 1883, decide situar la acción en los años que rodean la Revolución de 1868 porque en ese momento histórico se extendió la idea de que la política podía transformar la vida de la gente común. Antes de que el levantamiento obligara a abandonar el trono a Isabel II, el país llevaba tiempo atravesando un desgaste político que había erosionado la confianza en el sistema constitucional, cuyo funcionamiento dependía de una alternancia pactada entre facciones que manipulaban los procesos electorales y restringían la participación a quienes cumplían determinados requisitos económicos.

A medida que avanzaba la década de 1860, el descontento político se unió a una crisis económica que afectó con fuerza a las ciudades y que dejó claro que el sistema no ofrecía seguridad ni estabilidad para buena parte de la población. En ese contexto comenzó a organizarse una oposición que reunía a grupos distintos pero que coincidía en una idea básica: el régimen estaba agotado y era necesario iniciar un proceso que ampliara la representación política. El Pacto de Ostende fue el paso decisivo para coordinar esa estrategia y preparó el levantamiento de septiembre de 1868, que muchos interpretaron como la oportunidad real de cambiar el rumbo del país.

La Constitución de 1869 estableció el sufragio universal masculino y reconoció libertades que ampliaron el debate público. Por primera vez, muchos hombres que habían quedado fuera del sistema podían participar formalmente en la vida política. Las mujeres, en cambio, seguían excluidas del voto, pero la revolución extendió la idea de que el cambio era posible, aunque el poder siguiera concentrado en los mismos espacios de siempre.

Pero ¿de qué va La Tribuna?

«En una ciudad portuaria del norte de España, Amparo, joven cigarrera de carácter vehemente y gran facilidad de palabra, se convierte en líder espontánea de sus compañeras de fábrica en los años convulsos que preceden a la Primera República. Su fe apasionada en la igualdad, la justicia social y la República federal crece al mismo tiempo que su relación con Baltasar Sobrado, un burgués que la desea pero no está dispuesto a reconocerla como igual. Cuando Amparo queda embarazada y es abandonada, la distancia entre los ideales revolucionarios y la realidad social se vuelve irreparable. Emilia Pardo Bazán construye una novela lúcida y amarga sobre clase, género y poder, donde la proclamación de la República no supone la redención personal ni colectiva, sino un nuevo escenario para viejas injusticias».

En ciudades como A Coruña, donde la Fábrica de Tabacos reunía a muchas mujeres con salario propio, la prensa empezó a tener un papel real en la vida diaria. Los periódicos circulaban y se leían en grupo, de modo que el trabajo se convertía también en un espacio de debate político. Cuando Amparo lee en voz alta y explica las noticias a sus compañeras, extiende idea de que la política podía dar acceso a un mundo que antes parecía reservado a otros. En ese momento histórico se expande la creencia de que el cambio político podía influir también en la vida personal, especialmente en la de las trabajadoras y la novela recoge esa idea con confianza.

Después del derrocamiento de Isabel II y durante el periodo en el que gobernó Amadeo I de Saboya, junto con la experiencia republicana, quedó claro que cambiar la forma del Estado no modificaba por sí mismo las desigualdades sociales. El debate era más amplio y la prensa tenía más libertad, pero las mujeres seguían apartadas de las decisiones políticas y las diferencias entre clases seguían limitando las oportunidades reales. En ese contexto se entiende el conflicto de La Tribuna, donde la confianza plena en la revolución convive con una realidad que limita las posibilidades reales de la protagonista.

El contexto político no es un simple escenario. Es la razón por la que Amparo cree que su destino puede cambiar. Sin ese clima de apertura y de confianza en la revolución, no se entendería ni su implicación política ni la experiencia que atraviesa cuando descubre que el poder sigue estando donde siempre ha estado.

27/02/2026 0 comments
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Música

¿Por qué el metal sinfónico vuelve a llenar salas en 2026?

by Emain Juliana 20/02/2026
written by Emain Juliana

Si alguien dio por amortizado el metal sinfónico, probablemente no ha mirado la agenda de conciertos de este año, porque basta con repasar las fechas de gira de Amaranthe, Epica, Tarja Turunen & Marko Hietala o Brainstorm para comprobar que el género no solo sigue muy vivo, sino que vuelve a reunir a miles de personas en salas que, hasta hace poco, parecían demasiado grandes para una propuesta que muchos daban por reducida en su nicho.

El metal sinfónico tuvo su auge entre finales de los años noventa y mediados de los dos mil, con un pico muy claro aproximadamente entre 2003 y 2008.

El germen surge primero. En los años noventa ya había bandas que combinaban metal con elementos orquestales. Un buen ejemplo es Therion, que en 1996 lanzó Theli, un disco importante porque incorporó coros y estructuras casi operísticas dentro del metal. En 1997, Nightwish publicó Angels Fall First, un álbum que sirvió como base para definir el estilo que luego sería muy reconocido dentro del género.

El verdadero salto llega a comienzos de los 2000. Cuando Nightwish publica Once en 2004 y entra en circuitos más amplios de distribución, el metal sinfónico deja de ser un género que se escuchaba casi íntegramente en Europa para convertirse en fenómeno mundial dentro del metal. Paralelamente, Within Temptation con The Silent Force (2004) y Epica con The Phantom Agony (2003) consolidan la fórmula.

Hoy quienes rondamos los cuarenta o cincuenta podemos celebrarlo, porque ese subgénero que sonaba con fuerza cuando empezábamos a patear salas está otra vez en primera línea. Sin embargo, reducir el fenómeno a una cuestión generacional sería simplificarlo demasiado. Quienes hoy rondan los veinte años han llegado al metal sinfónico sin la sensación de que fue «algo de los dos mil», ya que lo han descubierto en un ecosistema digital donde conviven sin jerarquías una banda sonora épica, un tema de pop oscuro, metal extremo y una canción de Nightwish o de Apocaliptica. En ese ambiente, donde las playlists ya no separan las décadas como antes, el metal sinfónico se cuela de manera natural y llega a gente nueva que lo siente fresco porque lo están conociendo justo ahora.

A esto se suma algo más profundo que tiene que ver con el momento social. Hoy en día, vivimos en un entorno donde la economía es inestable, todo sucede muy rápido, estamos constantemente bombardeados de información y hay una sensación de incertidumbre que afecta a distintas generaciones.  En un contexto donde la vida cotidiana se organiza alrededor de tareas fragmentadas y estímulos demasiado breves, este género propone algo que va en la dirección contraria: temas largos y contundentes e intensos pero a la vez en cierta manera relajantes. Esa estructura, que exige bastante atención sonora resulta muy atractiva precisamente porque rompe con el ritmo frenético que domina otros espacios de consumo cultural, con su escala amplia y su dramatismo, permite canalizar esa tensión colectiva en un entorno compartido donde  no se vive en solitario, sino mas bien en comunidad.

La manera en que la gente escucha música hoy en día también tiene mucho que ver. Cuando la mayoría de lo que escuchamos a diario son canciones cortas y sueltas, el concierto toma otro sentido. Se vuelve una experiencia en sí misma, algo que realmente vale la pena, y que justifica gastar en la entrada, el viaje, el hotel y todo lo demás. El metal sinfónico entra en este tipo de experiencia, porque los integrantes no solo tocan canciones, sino que construyen una atmósfera completa que combina la fuerza instrumental con un espectáculo épico visual, o sea, un recuerdo para toda la vida. La gente siente que está viviendo algo único, algo que no podría hacer en casa, y esa sensación de teatro es suficiente para que valga la pena ir a un lugar lleno.

El género, además, ha sabido adaptarse a los estándares actuales sin perder su identidad. Las producciones son más elaboradas, los arreglos están trabajados con mayor detalle, la integración de elementos electrónicos o corales se realiza con una intención clara. Esa actualización evita que suene revenido y anclado a una etapa concreta y facilita que dialogue con otras corrientes del metal contemporáneo, lo que amplía su alcance sin diluir lo que lo hace reconocible.

También influye el clima cultural, donde proliferan historias de gran escala en cine, series y videojuegos que han normalizado una estética mas expansiva y dramática. El metal sinfónico siempre trabajó con esa dimensión narrativa, de modo que ahora conecta con una sensibilidad acostumbrada diversos canales y formatos. Cuando las letras abordan mundos imaginarios o luchas interiores que se expresan con fuerza, el público no percibe exceso, mas bien una coherencia con el imaginario que ya consume a diario.

Por eso, cuando en 2026 vemos entradas agotadas, no se trata de algo pasajero ni solo de nostalgia generacional, sino más bien de la mezcla entre un grupo de oyentes fieles que nunca desaparecieron y una nueva audiencia que lo descubre sin prejuicios, en un momento social que impulsa propuestas atractivas.

20/02/2026 0 comments
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MúsicaNoticias

Encuentro previo a la proyección de I Took the Road Less Traveled en Cangas del Narcea

by Emain Juliana 15/02/2026
written by Emain Juliana

Dos días antes de la proyección del documental I Took the Road Less Traveled, la Librería Treito acogió un encuentro organizado por Uve Magazine en el que se habló abiertamente sobre la película, la trayectoria de Diego Avello “Bull” y la realidad de la industria musical en Estados Unidos. La proyección tendrá lugar hoy, pero lo que se vivió antes de ayer fue una conversación que permitió contextualizar el proyecto y entender mejor el recorrido que recoge el filme.

L.A. Lloyd, Bull, Brudo Partida

En la mesa estuvieron Bull, el director J. Budro Partida y el coproductor L. A. Lloyd, quienes explicaron cómo se gestó el documental y qué les llevó a contar esta historia. La idea inicial había surgido años atrás a través de Raymond McGlamery, amigo vinculado al sector musical que falleció en 2022, y fue tras su muerte cuando Lloyd propuso retomar aquel planteamiento y convertirlo en una película. PennyRock Productions asumió la producción y, durante casi tres años, el equipo trabajó en la grabación y edición de un material que sigue el recorrido vital y artístico del músico cangués.

El documental parte de Asturias, pasa por México y se centra finalmente en Estados Unidos, donde Bull ha desarrollado buena parte de su carrera. Durante el encuentro explicó que verse reflejado en pantalla le obligó a revisar etapas que en su momento vivió con incertidumbre, especialmente cuando decidió marcharse de Cangas del Narcea para dedicarse al rock en un entorno donde el idioma, el acento y la falta de contactos suponían obstáculos reales. Señaló que el traslado implicó asumir riesgos personales y profesionales, y que muchas de esas decisiones aparecen recogidas en la película sin suavizar las dificultades.

Budro Partida subrayó que uno de los aspectos que más le interesaba al abordar el documental era precisamente esa perspectiva: la de un inmigrante que intenta consolidar una carrera en la cuna del rock and roll. Explicó que no se trataba únicamente de contar la historia de un músico, sino de observar cómo alguien procedente de un contexto pequeño se enfrenta a una industria que opera con otras reglas y otras dimensiones. Desde su punto de vista, el valor del proyecto reside en mostrar ese proceso sin idealizarlo, dejando espacio a las dudas y a los momentos en los que el avance no es inmediato.

Uno de los temas de la conversación fue la elección de cantar rock en inglés siendo asturiano. Bull reconoció que durante un tiempo dudó de su encaje dentro de una tradición musical muy definida, pero que finalmente decidió asumir su acento como parte de su identidad artística. Esa decisión, explicó, le permitió mantener coherencia con su propio recorrido y evitar adaptaciones que no respondían a su forma natural de expresarse.

Actualmente, tras su traslado de Austin a Nashville, está grabando un nuevo disco y en la búsqueda de sello discográfico que acompañe la siguiente etapa de su carrera. Además, durante el encuentro se anunció que el documental ha sido reconocido en el Austin Revolution Film Festival, que ha otorgado a I Took The Road Less Traveled – Documentary el premio a Mejor Largometraje Internacional, un reconocimiento relevante dentro del circuito independiente estadounidense. Además de la proyección prevista hoy en Cangas del Narcea, el equipo ha comenzado a enviarlo a festivales nacionales e internacionales.

El encuentro previo permitió que el público conociera el contexto del documental antes de verlo en pantalla y abrió un diálogo sobre lo que implica sostener una carrera musical fuera del lugar de origen. Hoy, con la proyección, esa conversación continuará desde otro ángulo.

15/02/2026 0 comments
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Literatura

Seis libros para abandonar el refugio invernal

by Emain Juliana 08/02/2026
written by Emain Juliana

Febrero suele ser el primer punto de arranque dentro del calendario editorial, porque, una vez que el ritmo del inicio de año comienza a asentarse y las novedades empiezan a encontrar su espacio en librerías y mesas de recomendación, aparece ese momento en el que los catálogos vuelven a ponerse en marcha y los lectores recuperan la curiosidad por descubrir nuevas lecturas. Es un mes en el que el sector empieza a mostrar las primeras apuestas del año, aquellas que marcan el tono de lo que vendrá en los meses siguientes y que permiten volver a establecer ese diálogo constante entre editoriales, librerías y público.

Las seis propuestas que reunimos aquí forman parte de ese primer impulso, de esa forma de comenzar el año apostando por historias y enfoques distintos que invitan a retomar el hábito lector tras las semanas más pausadas del invierno. 

FICCIÓN MODERNA Y CONTEMPORÁNEA


Los vigías, de Taina Tervonen,
Errata Naturae.

Es un libro breve y muy preciso que se sitúa en el cruce entre el periodismo y la narración literaria, y que pone el foco en quienes vigilan el mar para salvar vidas ignoradas por los discursos oficiales.
ISBN 979-13-87597-09-2, 168 páginas,
encuadernación rústica, precio 19,50 €.

RELATOS

Después de eternidad, de Maxim Ósipov,
Libros del Asteroide.

Reúne relatos que parten de situaciones cotidianas para construir un retrato moral de la Rusia contemporánea, donde la compasión y la ironía conviven con una mirada sobria sobre la historia reciente.
ISBN 978-84-10178-83-0, 296 páginas,
encuadernación rústica, precio 22,95 €.

RELATOS DE FICCIÓN

La soledad del corredor de fondo, de Alan Sillitoe,
Impedimenta.

Sigue siendo una lectura muy vigente porque aborda, sin dramatismos innecesarios, la dignidad individual, la rabia social y la elección personal frente a un sistema que ya ha decidido por sus protagonistas.
ISBN 979-13-87641-49-8, 248 páginas,
encuadernación rústica, 15,95 €.

 

NOVELA SOCIAL

La Tribuna, de Emilia Pardo Bazán,
Uve Books.

Una de las novelas más imprescindibles y menos complacientes del siglo XIX español, donde la lucha obrera, la conciencia política y el cuerpo femenino se cruzan en el contexto de las fábricas de tabaco de A Coruña.
ISBN 979-13-990946-3-3, 288 páginas,
encuadernación rústica, 23,90 €.

RELATO LARGO

Una historia desagradable, de Fiódor Dostoievski,
Nórdica Libros.

Es un relato breve y tremendamente afilado sobre el paternalismo, la hipocresía moral y los límites de la bondad entendida como gesto social, que demuestra hasta qué punto Dostoievki sigue siendo incómodo y actual.
ISBN 979-13-87922-52-8, 96 páginas,
encuadernación rústica, 17,50 €.

CRÓNICA LITERARIA

La aguja dorada, de Montserrat Roig,
Consonni.

Es un texto inclasificable que combina reportaje, diario y reflexión personal para pensar la memoria, el silencio y la resistencia humana a partir de un viaje a Leningrado, escrito con una cercanía que evita cualquier gesto grandilocuente. ISBN 978-84-19490-73-5, 272 páginas,
encuadernación rústica, 22,90 €.

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LiteraturaNoticiasPensamiento

La crisis silenciosa de librerías y editoriales en España

by Emain Juliana 27/01/2026
written by Emain Juliana

El anuncio del cierre de Tipos Infames, previsto para febrero de 2026 tras quince años de actividad continuada en el barrio madrileño de Malasaña, ha actuado como un detonante que ha ido mucho más allá de la conmoción provocada por la desaparición de una librería emblemática, abriendo un debate de fondo que el sector del libro llevaba tiempo posponiendo y que ahora irrumpe con fuerza en el espacio público. No se trata únicamente de la pérdida de un enclave cultural concreto, ni siquiera de un proyecto especialmente querido por lectores, autores, editoriales y la mayoritaria cadena del libro, sino de la constatación de que un modelo de librería, consolidado, reconocido, con programación constante y con una comunidad fiel, puede dejar de ser viable sin que medie una caída abrupta del interés por la lectura ni una pérdida evidente de relevancia cultural.

La paradoja resulta difícil de ignorar si se atiende a los datos más recientes sobre hábitos de lectura y compra de libros en España, que dibujan un escenario aparentemente favorable. La población lectora crece, la lectura por ocio se mantiene como práctica habitual en una parte significativa de la ciudadanía, la compra de libros no de texto continúa al alza y las librerías físicas siguen siendo, pese a todos los cambios tecnológicos, el principal canal de adquisición. A ello se suma una producción editorial elevada y una facturación que ha superado los niveles previos a la crisis de 2008, lo que podría llevar a pensar que el sector atraviesa un momento de estabilidad. Sin embargo, esta fotografía macroeconómica, que resulta tranquilizadora en los informes y en los titulares, convive con una realidad mucho más tensa cuando se observa el funcionamiento cotidiano de la cadena del libro, especialmente en el ámbito de las editoriales y librerías independientes.

La contradicción es, en ese sentido, estructural. Se lee más, se publican más títulos y, sin embargo, los espacios que sostienen la circulación cultural del libro cierran o sobreviven en un equilibrio cada vez más precario. El caso de Tipos Infames no responde a una falta de público ni a una desconexión con su entorno, sino a una acumulación de factores que afectan de manera especialmente intensa a los proyectos culturales de proximidad, comenzando por la presión inmobiliaria. El encarecimiento sostenido de los alquileres en los centros urbanos, unido a procesos de gentrificación y turistificación que transforman radicalmente el tejido social de los barrios, ha convertido a muchas librerías en actividades difícilmente compatibles con la lógica del mercado inmobiliario actual. Para un proyecto cuya viabilidad depende de la recurrencia del lector habitual, del tiempo lento y de la construcción de comunidad, la sustitución del vecindario por un flujo constante de consumo rápido supone una erosión progresiva que no siempre se percibe de inmediato, pero que termina por hacer inviable la continuidad.

A esta transformación del entorno urbano se suma una cuestión menos visible, pero decisiva para entender la fragilidad del sector: la estructura económica real del libro. El reparto del precio de venta, cuando se analiza con detalle, explica por qué el margen de maniobra es tan reducido para quienes editan y venden. Aproximadamente un 55 % del precio de un libro se destina a cubrir el circuito de distribución y librería, a lo que hay que añadir un 4 % de IVA que sale directamente del precio final. El porcentaje restante, en torno al 41 %, debe sostener todo lo demás: el autor, que suele percibir un 10 %, y, cuando los hay, ilustradores, correctores, diseñadores y lectores editoriales, además del trabajo del editor, los costes de impresión y encuadernación, la promoción, la prensa, el marketing, los envíos, la asistencia a ferias y la gestión administrativa que permite que ese libro llegue a existir y a circular.

HÁBITOS DE LECTURA Y COMPRA DE LIBROS EN ESPAÑA 2025

Este reparto convierte al libro en un producto cultural sometido a un equilibrio extremadamente delicado, en el que cada título supone una inversión significativa que solo se amortiza a medio o largo plazo, si es que llega a hacerlo, y en el que cualquier desviación, una subida de los costes de impresión, una devolución elevada, una campaña de ventas que no funciona como se esperaba, puede desajustar por completo el balance anual de una editorial pequeña. A diferencia de otros sectores, el libro no permite recortes sin consecuencias profundas, porque eliminar la corrección, el diseño o el trabajo editorial no genera eficiencia, sino empobrecimiento del texto, del objeto y, en última instancia, de la experiencia de lectura. Todo está ajustado al límite, y ese límite se toca con demasiada frecuencia.

En este contexto ya de por sí estrecho, existen además costes fijos que no dependen del número de libros vendidos ni del éxito de un título concreto, pero que pesan de manera constante en la contabilidad de las editoriales. Entre ellos, las cuotas gremiales. Los editores agremiados deben asumir pagos periódicos que se suma a una estructura de gastos fija e ineludible. La pertenencia a los gremios proporciona representación institucional, acceso a determinados servicios y participación en marcos de negociación colectiva, pero supone también una carga añadida para proyectos que ya operan con márgenes mínimos y sin capacidad real de acumulación, de modo que la profesionalización, lejos de garantizar estabilidad, se convierte a menudo en una fuente adicional de presión.

El resultado de esta suma de factores es un modelo basado en la resistencia permanente. Se publica, se vende, se cobra y, en muchos casos, ese ingreso se destina de inmediato a cubrir compromisos previos, sin que llegue a consolidarse una base económica que permita crecer, invertir o simplemente amortiguar los golpes. Mientras tanto, los hábitos de consumo cultural continúan transformándose, y aunque las librerías siguen siendo el principal canal de compra, el peso creciente de la venta online y de las grandes cadenas introduce una competencia desigual que beneficia a los grupos editoriales con redes de distribución propias y capacidad de visibilidad, y deja en situación de vulnerabilidad a quienes trabajan desde la escala pequeña y el catálogo cuidado.

En este escenario, las políticas públicas parecen avanzar con dificultad, oscilando entre el reconocimiento simbólico del valor cultural de las librerías y la incapacidad para abordar los factores estructurales que condicionan su supervivencia, como el acceso a locales en condiciones asumibles o la protección efectiva del comercio cultural frente a dinámicas puramente especulativas. El cierre de Tipos Infames, leído desde esta perspectiva, deja de ser una excepción para convertirse en un síntoma que obliga a replantear de manera honesta qué lugar ocupa el libro en las ciudades y qué tipo de ecosistema cultural se está dispuesto a sostener.

Pensar el futuro de las editoriales y las librerías en España exige, por tanto, ir más allá de los indicadores optimistas y atender a la realidad material del trabajo cultural, que no existe en abstracto ni se sostiene únicamente con buenas cifras. El libro necesita espacios, tiempo, profesionales y una red de relaciones que no puede improvisarse ni sustituirse por algoritmos. Cada librería que cierra no es solo un negocio que desaparece, sino un lugar menos donde la lectura se convierte en experiencia compartida, y cuando esos lugares se pierden, lo que se erosiona no es solo la economía del libro, sino la vida cultural misma de las ciudades.

27/01/2026 0 comments
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MúsicaNoticias

Cryptic Shift y su nuevo álbum Overspace & Supertime

by Emain Juliana 15/01/2026
written by Emain Juliana

Cryptic Shift nació en Leeds en 2015, cuando Alexander Bradley y Ryan Sheperson decidieron montar una banda que no se limitara a apilar riffs imposibles, sino que aspirara a algo más ambicioso: hacer convivir el death y el thrash metal técnico con la ciencia ficción sin caer en el disfraz ni en el guiño fácil. Desde el primer momento quedó claro que el objetivo no era tocar más rápido que nadie, sino crear un universo propio en el que música y relato avanzaran juntos, empujándose mutuamente.

Overspace & Supertime

Esa idea cristalizó en Visitations From Enceladus (2020), un debut que los sacó del circuito local y los colocó directamente en el radar internacional. No fue solo una cuestión de virtuosismo —que lo había—, sino de cómo las estructuras progresivas y el imaginario sci-fi estaban integrados con naturalidad, sin parecer un añadido decorativo. De ahí que la banda acabara definiendo su sonido como “Phenomenal Technological Astrodeath”, una etiqueta excesiva, sí, pero sorprendentemente ajustada a lo que proponían.

Overspace & Supertime retoma ese mismo universo, aunque lo hace desde un ángulo distinto. No funciona como una secuela directa, sino como una realidad alternativa en la que el relato se estira hacia zonas más extrañas y ambiciosas. Sheperson explica que el disco empuja al personaje principal a nuevas dimensiones, con encuentros más bizarros y situaciones más extremas, mientras la banda afina todavía más la manera de soldar concepto y composición para que todo respire como un bloque único.

En el apartado sonoro, el álbum ha sido producido por Jack Helliwell y masterizado por Greg Chandler, una combinación que se traduce en un sonido compacto, amplio y muy controlado, capaz de sostener la complejidad sin perder pegada. La parte visual corre a cargo de Jesse Jacobi, con una portada inspirada en 40 Days In The Desert de Moebius, donde figuras altas y encapuchadas enmarcan el encuentro entre “The Recaller” y “The Alien Sorceress”. Incluso aquí hay diálogo con el pasado: la composición del arte remite sutilmente al debut, dejando claro que ambos discos están conectados por debajo de la superficie.

Como adelanto, la banda ha publicado el videoclip de “Hexagonal Eyes (Diverity Trepaphymphaszym)”, dirigido por Murry Deaves, una canción que funciona casi como una declaración de intenciones. Todo suena más extremo, más afilado y, al mismo tiempo, más seguro de sí mismo, con una cascada de ideas que no se desborda en ningún momento. A nivel narrativo, el tema introduce un nuevo giro: una enfermedad temporal que aparece cuando el protagonista regresa a la base lunar ya conocida por quienes siguieron el primer disco.

Lejos de buscar atajos o fórmulas más digeribles, Overspace & Supertime confirma que Cryptic Shift sigue apostando por un camino muy exigente, pero perfectamente reconocible. 

15/01/2026 0 comments
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En corto

Regina Salcedo Irurzun

by Emain Juliana 09/01/2026
written by Emain Juliana

Regina Salcedo Irurzun es escritora y guionista, con una trayectoria que se mueve entre la poesía, el relato y otros lenguajes narrativos como el audiovisual y el videojuego. Ha recibido numerosos premios literarios a lo largo de su carrera y, recientemente, ha sido reconocida con el Premio Internacional de Poesía José Hierro. Combina la creación con una intensa labor cultural y formativa, y mantiene una relación constante con distintos formatos y proyectos. En En corto nos acercamos a su trabajo y a lo que tiene entre manos ahora mismo.

¿Pamplona o Madrid?

Madrid fue esencial en mi formación, pero para vivir me quedo con Pamplona.

¿Poesía o narrativa?

Cada necesidad creativa pide su forma. Simplificando mucho, son dos movimientos diferentes (hacia adentro y hacia afuera) que, en cierta manera, se complementan.

¿Escribes todos los días?

Escribo cuando siento que es una necesidad real; entonces lo hago con regularidad. Puedo pasar meses sin escribir (aparte de mis cuadernos). Soy incapaz de forzarme.

¿Qué no puede faltar cuando escribes?

Ya nada. He aprendido a escribir en cualquier circunstancia. Mi habitación propia es mental, aunque sueño con una tranquila cabaña en el bosque.

¿Cuaderno o pantalla?

Cuaderno para notas, ideas y digresiones privadas. Pantalla cuando el texto ya tiene voluntad literaria.

¿Prefieres escribir por la mañana o por la noche?

Rindo mejor por la mañana, aunque, si estoy inspirada, hasta dormir es un fastidio.

¿Planificas antes de escribir o te lanzas?

Cada libro pide sus dosis personalizadas. Pero es cierto que, si lo sé todo de antemano, me aburro y abandono. Escribir siempre tiene que descubrirme algo.

¿Disfrutas corrigiendo o prefieres lo espontáneo?

Escribir es corregir. Es ir aproximándote a la verdad, a la belleza, a lo que realmente deseas expresar. Nada más satisfactorio que hallar el equilibrio entre intuición y control.

¿Lees mientras escribes?

Casi siempre. No son incompatibles; al contrario, suelen retroalimentarse y crear redes sorprendentes. Pero, si no me apetece o no tengo tiempo, tampoco pasa nada.

¿Impartir talleres es importante para ti?

Sí, porque fueron un gran aprendizaje. Actualmente me dan más pereza por la energía y entrega que demandan.

¿El Premio José Hierro llegó en buen momento?

Eso creo, porque ahora sé que los premios no aseguran ventas ni difusión, y puedo valorarlo por el reconocimiento que supone. Hace años, habría acabado decepcionada.

¿Qué te aporta crear videojuegos?

Crear en equipo mundos con reglas estrictas es un desafío al ingenio. Y es fascinante verlos cobrar vida. Lástima que sea tan difícil sacar proyectos adelante.

En videojuegos, ¿te interesa más el guion o las mecánicas?

Me encantan las aventuras con historias y personajes sólidos, que equilibran guion y juego, que te cautivan y, además, te hacen pensar e incluso tomar decisiones.

¿Qué te gustaría impulsar en el Ateneo este año?

Dar espacio a propuestas originales y de calidad, de esas que dices: «Esto lo tiene que conocer y disfrutar todo el mundo». Difundir obras que remueven e iluminan.

¿Qué te gustaría seguir explorando?

A día de hoy, me conformaría con eso: desear seguir explorando.

09/01/2026 0 comments
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AgendaArteNoticias

Las grandes exposiciones que marcarán 2026

by Emain Juliana 05/01/2026
written by Emain Juliana

El calendario artístico internacional de 2026 apunta a una recuperación clara del formato expositivo de gran escala. Museos y centros culturales de referencia han anunciado programas ambiciosos que combinan retrospectivas de artistas consagrados, revisiones del canon y proyectos arquitectónicos vinculados a la actualización del patrimonio cultural.

Instituciones como el British Museum, la Tate, el Centre Pompidou o el MoMA han adelantado exposiciones que ponen el foco tanto en figuras centrales del arte contemporáneo como en lecturas renovadas de artistas históricos. El objetivo es atraer a un público amplio sin renunciar a un discurso crítico que dialogue con las preocupaciones actuales.

Entre las propuestas más destacadas se encuentran las retrospectivas dedicadas a Tracey Emin. En 2026, la Tate Modern de Londres albergará Tracey Emin: A Second Life, la exposición más ambiciosa de la artista hasta la fecha, con más de 90 obras que recorren cuatro décadas de producción. La muestra estará abierta del 26 de febrero al 31 de agosto de 2026 y presenta pintura, escultura, instalación, neón y video, integrando algunas de las piezas más emblemáticas de Emin como parte de una lectura amplia de su trayectoria.

Tracey Emin My Bed 1998 © Tracey Emin. Photo credit: Courtesy The Saatchi Gallery, London / Photograph by Prudence Cuming Associates Ltd

Otra de las figuras que concentrará atención en 2026 es Frida Kahlo, presente en distintos proyectos expositivos. Uno de los más importantes es Frida: The Making of an Icon, en la Tate Modern Exhibition, del 25 de junio de 2026 al 3 de enero de 2027, que busca alejarse de la lectura iconográfica más popular para abordar su obra desde enfoques históricos, políticos y sociales. Estas exposiciones pretenden situar a Kahlo dentro de un marco más amplio, atendiendo tanto a su producción artística como a las condiciones culturales en las que fue creada.

Junto a estas grandes figuras, el calendario de 2026 incluye la recuperación de artistas cuya obra ha sido tradicionalmente considerada marginal o secundaria. Es el caso de Beryl Cook, cuya pintura figurativa y de carácter popular está siendo objeto de una reevaluación crítica en distintos museos europeos. Entre estas propuestas destaca Beryl Cook: Pride and Joy, en The Box (Plymouth), del 24 de enero al 31 de mayo de 2026. Este tipo de iniciativas refleja una tendencia creciente a revisar el canon artístico desde criterios más amplios y diversos.

En el ámbito del arte moderno, 2026 contará también con una cita destacada en torno a Mark Rothko. La Fondazione Palazzo Strozzi, en Florencia, presentará Rothko in Florence, del 14 de marzo al 23 de agosto de 2026, una retrospectiva de gran escala que reunirá más de setenta obras procedentes de colecciones internacionales. La muestra propone un diálogo entre la pintura de Rothko y el contexto artístico florentino, extendiéndose a otros espacios de la ciudad y abordando su relación con la tradición pictórica europea.

Frida Kahlo (México, 1907–1954), Sin título [Autorretrato con collar de espinas y colibrí], 1940. Óleo sobre lienzo montado sobre cartón. Colección Nickolas Muray de Arte Mexicano, 66.6. Harry Ransom Center.

En el ámbito del Barroco español, Francisco de Zurbarán protagonizará una de las citas más relevantes del año con una exposición monográfica en la National Gallery de Londres, que se celebrará del 2 de mayo al 23 de agosto de 2026. La muestra reunirá un amplio conjunto de obras procedentes de colecciones internacionales y propondrá una lectura contextual de su producción, situando a Zurbarán dentro del desarrollo del Barroco europeo y atendiendo tanto a su dimensión espiritual como a su rigor formal.

El año 2026 también será relevante en el ámbito de la arquitectura cultural. Numerosos proyectos de ampliación, rehabilitación y nueva construcción de museos están previstos para los próximos meses, con un énfasis especial en la integración del edificio en su entorno urbano y en la sostenibilidad de los espacios. En este contexto, se anuncian iniciativas vinculadas a la reinterpretación del legado arquitectónico de Antoni Gaudí, especialmente en Barcelona, con motivo del centenario de su muerte, que se conmemorará a lo largo de 2026 mediante exposiciones, intervenciones contemporáneas y programas públicos en distintos espacios patrimoniales, así como actuaciones en edificios históricos vinculados a su obra, así como intervenciones contemporáneas en edificios históricos.

Estos proyectos no se limitan a ampliar la oferta expositiva, sino que plantean nuevas formas de relación entre el público y las instituciones culturales. La arquitectura pasa a desempeñar un papel activo en la experiencia del visitante, reforzando el valor simbólico y narrativo del espacio.

Otro de los rasgos destacados del calendario expositivo de 2026 es su carácter internacional. Junto a los grandes centros europeos y norteamericanos, ciudades de Asia y Oriente Medio consolidan su presencia como polos culturales de primer orden, con exposiciones capaces de atraer atención mediática y público internacional. Este desplazamiento geográfico amplía el mapa cultural y diversifica los discursos presentes en las grandes instituciones.

Desde el punto de vista mediático, las grandes exposiciones continúan siendo uno de los contenidos culturales con mayor capacidad de atracción. Suelen generar un volumen elevado de búsquedas, visitas y compartidos, especialmente cuando se presentan en formatos de guía, agenda o análisis contextual. Además, se trata de contenidos con una vigencia prolongada, que mantienen el interés del público durante meses.

La programación artística de 2026 confirma una tendencia ya visible en años anteriores: la necesidad de equilibrar el atractivo visual y la experiencia expositiva con un discurso sólido y contextualizado. Las exposiciones que logren combinar ambos aspectos serán las que definan el panorama cultural del año.

A medida que se vayan concretando fechas y sedes, el calendario se completará con nuevas propuestas. La atención se centrará no solo en la magnitud de los proyectos, sino en su capacidad para aportar lecturas relevantes sobre el arte, la historia y el presente cultural.

05/01/2026 0 comments
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MúsicaNoticias

Los 10 discos de metal más relevantes de 2025

by Emain Juliana 31/12/2025
written by Emain Juliana

En los últimos meses han salido discos muy visibles y otros que han funcionado especialmente bien dentro de la escena, dejando un panorama bastante interesante. Esta lista recoge algunos de los que mejor lo representan y que, además, han sido nuestros favoritos.

Testament. Para Bellum
Los veteranos del thrash demuestran que siguen teniendo algo que decir. Riffs afilados, tempos contundentes y una producción que no suena a despedida, sino a reafirmación.

Trauma Bond. Summer Ends. Some Are Long Gone.
Uno de los discos más extremos y comentados del año en la escena grindcore y noise-metal. Caótico, incómodo y deliberadamente abrasivo.

Deftones. Private Music
Atmosférico, oscuro y reconocible desde el primer minuto. Deftones siguen jugando en su propio terreno, sin competir con nadie, y por eso siguen siendo relevantes.

Spiritbox . Tsunami Sea
Metal moderno bien producido, con equilibrio entre brutalidad y melodía. Un disco que ha conectado escenas distintas y ha ampliado su público sin diluir identidad.

Deafheaven. Lonely People With Power (2025)
Deafheaven vuelve a tensar el equilibrio entre el black metal, el post-metal y la épica emocional, con un disco más áspero y expansivo que sus trabajos recientes. Lonely People With Power recupera intensidad y ambición sin perder sutileza, y confirma a la banda como uno de los nombres clave del metal contemporáneo.

Ghost. Skeletá
Metal teatral, ganchos claros y una puesta en escena que vuelve a funcionar. No es su disco más arriesgado, pero sí uno de los más efectivos del año.

Sleep Token. Even in Arcadia
Uno de los lanzamientos más discutidos de 2025. Amor y rechazo a partes iguales, pero imposible de ignorar por impacto, alcance y conversación generada.

Corpus Offal. Corpus Offal
Metal extremo directo y sin concesiones. Brutalidad bien ejecutada y una identidad clara que lo ha colocado en muchas listas especializadas.

Judas Priest. Invincible Shield II
Heavy metal clásico hecho con oficio y energía. No pretende reinventar nada, pero confirma que Judas Priest sigue siendo un nombre central del género.

Blood Incantation. Absolute Elsewhere
Uno de los discos más respetados del año dentro del metal extremo. Death metal técnico y atmosférico con ambición conceptual y peso real en la escena.

31/12/2025 0 comments
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MúsicaNoticiasPersonajes

Perry Bamonte y The Cure

by Emain Juliana 27/12/2025
written by Emain Juliana

Perry Archangelo Bamonte murió a los 65 años, en su casa y tras una breve enfermedad, durante los días de Navidad, una circunstancia que The Cure confirmó con un comunicado escueto y contenido, en el que hablaban de «enorme tristeza» y recordaban a Bamonte como una presencia creativa, cercana y fundamental dentro de la historia del grupo. La noticia obliga a detenerse y mirar con más atención una figura que nunca fue protagonista, pero sin la cual una parte esencial del sonido de The Cure resulta difícil de explicar.

Bamonte no encaja en la categoría de músico icónico, y esa es precisamente la clave de su importancia. No llegó a la banda como un fichaje estelar ni como un revulsivo mediático, sino desde la trastienda, desde el trabajo invisible que sostiene a los grupos en la carretera. Se incorporó al entorno de The Cure en 1984 como parte del equipo técnico, primero afinando instrumentos, preparando escenarios y acompañando a Robert Smith como asistente directo, aprendiendo de cerca no solo cómo se tocaban las canciones, sino cómo se construía el clima emocional que definía al grupo tanto en estudio como en directo. Ese aprendizaje silencioso explica que, cuando a comienzos de los años noventa pasó a formar parte oficial de la banda, su presencia no alterara el equilibrio, sino que lo reforzara de una manera casi natural.

El Cure de los noventa: capas, exceso y una identidad en tensión

La etapa de Perry Bamonte como miembro pleno coincide con uno de los momentos más complejos de The Cure, cuando la banda se encontraba atrapada entre el peso de su propio legado y la necesidad de no convertirse en una caricatura de sí misma. Tras Disintegration (1989), considerado por muchos como su gran obra definitiva, cualquier movimiento posterior estaba condenado a ser leído como insuficiente o innecesario. Wish (1992) fue la respuesta a esa presión, un disco emocionalmente intenso, físico, casi abrasivo, en el que las guitarras no buscan delicadeza sino empuje, acumulación, insistencia.

En ese contexto, la aportación de Bamonte resulta esencial precisamente porque no se manifiesta de forma evidente. The Cure de los noventa suena grande, amplio, a veces excesivo, y esa sensación no nace de una única mano, sino de la suma de capas que se superponen hasta crear un espacio reconocible, casi físico, en el que la voz de Robert Smith puede moverse con libertad.

Ese papel se hace todavía más visible en Wild Mood Swings (1996), probablemente el disco más discutido de la banda, recibido en su momento como irregular y desconcertante. Con la distancia del tiempo, el álbum se revela como el reflejo honesto de un grupo cansado de su propia identidad, probando registros dispares sin una dirección clara, oscilando entre estilos, tonos y estados de ánimo sin intentar disimular la contradicción. Bamonte encaja ahí porque es un músico flexible, capaz de adaptarse a esa inestabilidad sin forzar una cohesión artificial, permitiendo que el disco avance sin romperse del todo.

Aunque The Cure había definido ya buena parte del imaginario del rock gótico con obras como Pornography (1982), un álbum extremo, opresivo y cargado de imágenes autodestructivas, la banda nunca se limitó a ese territorio. Su historia está marcada por una tensión constante entre la oscuridad y la ligereza, entre la melancolía más densa y el pop inmediato, y es precisamente esa dualidad la que explica su alcance cultural. Canciones como Friday I’m in Love demuestran que el grupo podía moverse hacia la luminosidad sin perder credibilidad, y Bamonte supo habitar ese espacio ambiguo, reforzando tanto los pasajes más sombríos como los más accesibles sin que el conjunto se resintiera.

Cierres y regresos 

Con Bloodflowers (2000), The Cure parece consciente de estar cerrando un ciclo. El disco funciona como un balance, un trabajo introspectivo que dialoga con álbumes anteriores desde la madurez y el desgaste, sin la urgencia de demostrar nada a nadie. Aquí, de nuevo, la aportación de Bamonte se percibe como atmósfera, como una línea de temperatura constante que atraviesa todo el álbum y refuerza su carácter de despedida, aunque no definitiva.

Poco después, Bamonte abandona la banda, y lo hace de la misma manera en que había estado siempre, sin estridencias y sin convertir su salida en un relato épico. The Cure ha sobrevivido a múltiples cambios de formación, pero no todos pesan lo mismo. La ausencia de un músico que trabaja desde la estructura y desde lo invisible, se nota precisamente porque altera el equilibrio general, porque el sonido pierde parte de esa cualidad envolvente que había definido al grupo durante más de una década.

Años más tarde, Bamonte regresó puntualmente para momentos simbólicos y, más recientemente, para giras en las que The Cure recuperó una intensidad que sorprendió incluso a sus seguidores más veteranos. La propia banda llegó a afirmar que algunos de esos conciertos estuvieron entre los mejores de su historia.

Bamonte participó en cientos de conciertos y en varios de los discos más representativos de The Cure de los noventa y principios de los dos mil como parte estructural de una etapa decisiva. Su legado no se mide en iconografía ni en protagonismo, sino en equilibrio, en su capacidad de integrarse dentro de la canción para que esta funcione. Hablar hoy de Perry Bamonte es recordar que las grandes bandas no se sostienen solo sobre nombres visibles, sino sobre músicos que entienden la música como un espacio compartido, donde el ego se subordina al clima emocional. En The Cure, donde ese clima ha sido siempre la verdadera esencia, su aportación resulta imposible de ignorar.

27/12/2025 0 comments
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