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exposición

AgendaArteNoticias

El Thyssen revisita Express de Robert Rauschenberg

by Uve Magazine 13/01/2026
written by Uve Magazine

En el marco del centenario del nacimiento de Robert Rauschenberg, el Museo Thyssen-Bornemisza presenta una instalación especial en torno a Express (1963), una de las obras más representativas de un artista que cambió de forma radical la manera de entender el arte en el siglo XX. La propuesta cuenta con el apoyo de la Robert Rauschenberg Foundation y se inscribe en un amplio programa internacional de revisión crítica de su legado.

Rauschenberg: Express. En movimiento

Formado en el experimental Black Mountain College, Rauschenberg creció artísticamente en un entorno donde la pintura convivía con la música, la danza y la acción. Esa educación transversal marcó toda su trayectoria y explica su rechazo a las jerarquías tradicionales entre disciplinas. Frente al expresionismo abstracto dominante en los años cincuenta, su obra introdujo materiales cotidianos, imágenes procedentes de los medios de masas y una relación directa con la realidad inmediata.

Comisariada por Marta Ruiz del Árbol, conservadora senior de Pintura Moderna, la instalación propone una nueva lectura de Express, atendiendo tanto a su compleja iconografía como a su impulso experimental. La obra se sitúa en continuidad con los célebres Combines de Rauschenberg, piezas híbridas que borraron las fronteras entre pintura y escultura y que resultaron decisivas para el desarrollo del arte pop, el neo-dada y buena parte del arte contemporáneo posterior.

La muestra subraya también el papel central de Express en la consagración internacional del artista, tras recibir en 1964 el Gran Premio de Pintura de la Bienal de Venecia, un reconocimiento que confirmó la potencia de una obra incómoda, abierta y profundamente innovadora.

Más allá de la revisión histórica, esta instalación invita a reflexionar sobre la vigencia del pensamiento de Rauschenberg y su firme convicción de que el arte no es un objeto aislado, sino una herramienta de transformación individual y social. Una ocasión clara y directa para redescubrir a uno de los grandes agitadores del arte del siglo XX y medir el alcance real de su legado artístico y ético.

Del 3 de febrero al 24 de mayo de 2026

13/01/2026 0 comments
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ArteEventos

Warhol y Pollock, juntos en el Thyssen

by Uve Magazine 11/09/2025
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El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta del 21 de octubre de 2025 al 25 de enero de 2026 la exposición «Warhol, Pollock y otros espacios americanos», comisariada por Estrella de Diego. La muestra reúne más de un centenar de obras de Andy Warhol y Jackson Pollock, dos figuras fundamentales del arte del siglo XX, junto a creadores como Lee Krasner, Helen Frankenthaler, Marisol Escobar, Sol LeWitt, Cy Twombly y Robert Rauschenberg. Procedentes de más de treinta instituciones de Norteamérica y Europa, muchas de estas piezas nunca han sido vistas en España.

Warhol y Pollock, en apariencia opuestos, coincidieron en su interés por revisar la tradición pictórica, cuestionar la relación entre figura y fondo y explorar nuevas estrategias espaciales. El recorrido revela a un Pollock no siempre definido como “maestro abstracto” y a un Warhol más complejo que el artista desapasionado de la cultura de masas. Ambos, desde registros distintos, trastocaron la noción de fondo y figura y desarrollaron estrategias de ocultamiento y camuflaje en sus proyectos pictóricos, donde a menudo aparecen huellas autobiográficas.

La exposición, organizada con la colaboración de la Comunidad de Madrid y el Ayuntamiento de Madrid, se articula en seis capítulos que muestran los diálogos entre abstracción y figuración, más allá de las etiquetas tradicionales. El primero confronta los inicios figurativos de Pollock y Krasner con dos versiones de la célebre Coca-Cola de Warhol. La sección Rastros y vestigios reúne obras de artistas como Audrey Flack, Marisol Escobar, Anne Ryan, Perle Fine y Rauschenberg, donde la figuración aparece fragmentada y camuflada. En El fondo como figura destacan piezas icónicas de Warhol como Liz en plata como Cleopatra (1963), Un solo Elvis (1964) y Jackie II (1966).

El apartado Repeticiones y fragmentos se centra en la serialidad y las duplicaciones de Warhol con series como Flores, Calaveras, Sillas eléctricas y los célebres accidentes automovilísticos, entre ellos Choque óptico de automóviles (1962) y Desastre blanco I (1963). Espacios sin horizontes presenta ocho pinturas oxidadas de Warhol junto a dos piezas de Helen Frankenthaler, en un diálogo con las últimas obras de Pollock. La muestra concluye con El espacio como metafísica, dedicado a la serie Sombras de Warhol (1978-79), que se enfrenta a Sin título (Verde sobre morado) (1961) de Mark Rothko en un encuentro marcado por la ausencia y la desmaterialización de la figura.

Con este proyecto, el Thyssen propone una nueva lectura de dos artistas clave del siglo XX y de sus contemporáneos, mostrando cómo, desde diferentes posiciones, compartieron una misma obsesión por reinventar el espacio pictórico y transformar radicalmente la relación entre abstracción y figuración.

11/09/2025 0 comments
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AgendaEventos

La fotografía como vía hacia lo invisible

by Uve Magazine 12/06/2025
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Desde sus inicios, la fotografía ha sido mucho más que un simple acto de documentación. Para numerosos autores, la cámara se ha transformado en una herramienta de introspección, capaz de traducir lo intangible en imágenes que hablan del tiempo, los sueños o el misterio. Este enfoque artístico convierte la fotografía en un espacio de interpretación simbólica y poética, donde lo visible se subordina a lo que apenas puede nombrarse.

Con motivo de la exposición Duane Michals. El fotógrafo de lo invisible, la Fundación Canal organiza un encuentro único con David Jiménez, uno de los fotógrafos más destacados del panorama español actual. Acompañado por Javier Díaz-Guardiola, Jiménez compartirá su mirada sobre la fotografía como medio de revelación, capaz de trascender lo evidente y convertirse en lenguaje emocional y filosófico.

📅 1 de julio de 2025
🕡 De 18:30 a 20:00 h
📍 Auditorio de la Fundación Canal (Mateo Inurria, 2)
Toda la recaudación se destinará al Centro de día de patología dual de la Fundación Proyecto Hombre Madrid.

Reserva aquí tu entrada

12/06/2025 0 comments
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ArteLiteratura

«Los mundos de Alicia». Un viaje a través del espejo del tiempo

by Uve Magazine 30/03/2025
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Del 3 de abril al 3 de agosto, CaixaForum Madrid acoge Los mundos de Alicia. Soñar el país de las maravillas, una exposición que invita a recorrer el largo camino que ha seguido el personaje de Lewis Carroll desde su creación hasta hoy. Se trata de la mayor muestra dedicada a Alicia en el país de las maravillas, y lo hace desde un enfoque amplio, creativo y muy visual.

La exposición, organizada en colaboración con el V&A Museum de Londres y producida por la Fundación ”la Caixa”, propone un viaje por las muchas vidas de Alicia: su origen en la Inglaterra victoriana, sus distintas adaptaciones al cine y al teatro, su presencia en la moda, la ciencia o las artes plásticas, y cómo ha llegado a convertirse en una figura moderna, reinterpretada desde una mirada actual.

A lo largo de cinco secciones —La invención de Alicia, A través de la pantalla, Alicia, puerta a otros mundos, Alicia en escena y Convertirse en Alicia— se ofrece un recorrido temático que permite descubrir el contexto en el que se escribió el libro, las ideas que lo atraviesan y las muchas formas en las que se ha seguido leyendo y transformando desde 1865. La muestra sigue el hilo narrativo de los doce capítulos del libro original, pero no es una simple retrospectiva: es también una invitación a mirar el mundo desde otro ángulo.

1. La invención de Alicia nos sitúa en el contexto literario, social y político de la Inglaterra victoriana, para entender la génesis de una obra que desafió las convenciones de su tiempo.
2. A través de la pantalla recoge las múltiples versiones cinematográficas y televisivas que han reinterpretado la historia de Carroll, desde las primeras adaptaciones mudas hasta las propuestas más experimentales.
3. Alicia, puerta a otros mundos se adentra en cómo temas como el sueño, el tiempo o el espacio han nutrido movimientos artísticos y discursos filosóficos contemporáneos.
4. Alicia en escena explora la apropiación del personaje en el ámbito teatral y escénico, donde se convierte en una llave para imaginar lo imposible.
5. Convertirse en Alicia ofrece una mirada actual: la niña curiosa se transforma en una figura empoderada y polifacética, símbolo de libertad, exploración y resistencia.

Con una puesta en escena inmersiva, que combina materiales históricos, piezas audiovisuales y propuestas contemporáneas, Los mundos de Alicia muestra cómo esta historia sigue viva, conectando con temas tan actuales como la identidad, la imaginación o el paso del tiempo.

30/03/2025 0 comments
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AgendaArteEventos

“Revelaciones” de Marina Vargas

by Valeria Cruz 10/02/2025
written by Valeria Cruz

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta Revelaciones, la octava edición del ciclo Kora, una iniciativa que impulsa el trabajo de mujeres artistas contemporáneas desde una mirada de género. La exposición, comisariada por Semíramis González, recoge la obra de Marina Vargas (Granada, 1980) y propone una relectura de las figuras femeninas tradicionalmente relegadas en el arte, especialmente en el ámbito de lo sagrado y lo espiritual. Tras su paso por Madrid, la muestra itinerará al Museo de Arte Contemporáneo de Querétaro (México) de septiembre de 2025 a enero de 2026.

El protagonismo de lo oculto

La exposición parte de la figura de María Magdalena para construir un recorrido que da visibilidad a mujeres cuya presencia ha sido silenciada o distorsionada en la historia del arte. Vargas entrelaza estas figuras con símbolos, palabras, lecturas del tarot y otros recursos vinculados a su universo creativo.

Las obras expuestas, muchas de ellas creadas específicamente para esta muestra, establecen un diálogo con los espacios del museo y con piezas de la colección permanente, así como con préstamos de instituciones como el Museo Nacional de Escultura. El resultado es un conjunto inédito en el que pintura, escultura, dibujo y sonido convergen en un espacio de reinterpretación y resistencia.

Marina Vargas, Piedad

Cuatro secciones, cuatro cartas del tarot

La exposición se articula en torno a cuatro secciones, cada una de ellas representada por una gran carta del tarot, elemento recurrente en la obra de Vargas.

  1. Palabra: En esta primera sección, el lenguaje es protagonista. Una instalación muestra frases en lengua de signos (española y universal) tomadas de teólogas feministas como Cynthia Bourgeault, artistas como Hannah Wilke, figuras históricas como Juana de Arco y escritoras como Kate Millet, junto con lemas feministas actuales. En el mismo espacio se encuentra la escultura Magdalena (2024), un par de manos unidas en un triángulo que remite al útero y a las movilizaciones feministas. Estas piezas establecen un diálogo con la pintura Hércules en la corte de Onfalia (1537) de Hans Cranach, donde las manos cobran un especial protagonismo.

  2. Visión: En esta sala, Vargas aborda la enfermedad como proceso de transformación. A través de piezas como Mére-Mer (2024), una serie de cangrejos que descienden por la pared en referencia al signo astrológico de cáncer; Lo divino Femenino (2024), un tapiz bordado con la Cruz de Camarga y caracoles usados en rituales afrocubanos; y Exvotos (2022), moldes utilizados en sesiones de radioterapia cubiertos de oro, la artista rememora su experiencia con el cáncer de mama. La sección culmina con la carta del tarot de El Mundo, símbolo de renacimiento.

  3. Cuerpo: Presidida por dos esculturas de la serie Piedad, esta sección juega con la idea del cuerpo fragmentado. Una de las esculturas cuelga del techo, mientras que otra, craquelada en el suelo, parece abrirse para mostrar lo oculto. Estas piezas dialogan con La Virgen del árbol seco (hacia 1465) de Petrus Christus, donde el Árbol de la Ciencia florece nuevamente tras la concepción de Jesús. La sala concluye con la carta del tarot de La Fuerza, que representa la resistencia de las mujeres a lo largo de la historia.

  4. Egipcíaca: Esta última sección se desarrolla en un espacio completamente negro y se centra en la figura de Santa María Egipcíaca, representada en la talla de Luis Salvador Carmona (1734-1766) cedida por el Museo Nacional de Escultura. La obra dialoga con la fotografía de Vargas Noli Me Tangere. La Incredulidad (2020), en la que la artista aparece mastectomizada, y con la tabla La Magdalena (1477-1478) de Derick Baegert. La voz de María Botto, actriz que interpretó a María Magdalena en la película Resucitado (2016), acompaña este espacio con la lectura del significado de las cartas del tarot diseñadas por la artista.

Un arte que revisa la historia

Para Semíramis González, Revelaciones es mucho más que una muestra inédita de Marina Vargas: es un ejercicio de cuestionamiento de las estructuras patriarcales que han dominado el relato del arte. “No se trata solo de dar nombre a las mujeres ocultadas en lo sagrado, sino también de desmontar los códigos visuales que las han cosificado y relegado a los márgenes”, afirma la comisaria.

Marina Vargas, licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Granada y con un máster en Producción e Investigación en Lenguajes Artísticos, ha desarrollado un trabajo multidisciplinar que abarca escultura, pintura, dibujo y fotografía. Su obra forma parte de importantes colecciones institucionales como las de Artium (Vitoria-Gasteiz), CA2M (Madrid), CAAM (Las Palmas de Gran Canaria) o la Fundación Benetton (Italia), entre otras.

Con Revelaciones, Vargas sigue explorando los modelos de representación heredados y los arquetipos visuales que han condicionado el papel de la mujer en la historia del arte. La exposición invita a repensar la iconografía sagrada desde una óptica contemporánea, convirtiéndose en una propuesta imprescindible para quienes buscan una mirada crítica y renovadora sobre el arte y su historia.

10/02/2025 0 comments
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ArteEventos

Guardi y Venecia en el Thyssen

by Uve Magazine 04/02/2025
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El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta por primera vez en Madrid la colección completa de obras de Francesco Guardi perteneciente al Museo Calouste Gulbenkian. Gracias a un acuerdo de colaboración entre ambas instituciones, del 3 de febrero al 11 de mayo de 2025, los visitantes podrán disfrutar de 18 óleos y un dibujo del pintor veneciano, el artista más representado en la colección del financiero armenio Calouste Sarkis Gulbenkian (1869-1955).

Guardi y la veduta veneciana

Miembro de una familia de pintores, Francesco Guardi (1712-1793) se formó en el taller familiar junto a su hermano mayor, Gianantonio. Durante sus primeros años se dedicó a la pintura de temas religiosos e históricos, pero fue en su madurez cuando se especializó en la veduta, la representación de paisajes urbanos. Influenciado por Canaletto, Guardi evolucionó su estilo a través de una pincelada suelta y vibrante, logrando una atmósfera más poética e idealizada que la de su predecesor.

Las obras expuestas, fechadas entre 1765 y 1791, muestran distintos rincones de Venecia, desde vistas icónicas como el Puente de Rialto o el Palacio Ducal, hasta celebraciones populares como la Fiesta de la Ascensión. También incluyen escenas de los alrededores de la ciudad y caprichos arquitectónicos, ejemplos de su libertad creativa en la composición paisajística.

Un recorrido por la Venecia de Guardi

La exposición, comisariada por Mar Borobia, se divide en dos secciones: “La ciudad y sus fiestas” y “Terraferma y los caprichos”, y se exhibe en tres salas de la colección permanente del Thyssen.

En las salas 13 y 14 se presentan escenas festivas y panoramas urbanos que reflejan la animación y el esplendor de Venecia en el siglo XVIII. Entre las piezas más destacadas se encuentran La fiesta de la Ascensión en la plaza de San Marcos (h. 1775), en la que el pintor plasma con pinceladas rápidas el bullicio de la celebración.

Otro lienzo significativo es La partida del Bucintoro (h. 1765-1780), que capta la salida de la galera de los dux desde la dársena veneciana. Asimismo, Regata en el Gran Canal (h. 1775) y El puente de Rialto según el proyecto de Palladio (h. 1770) ofrecen diferentes perspectivas de la ciudad.

Otras obras que completan esta sección incluyen El Canal de Giudecca con la Iglesia de Santa Marta (h. 1770-1780), Pórtico con figuras (h. 1778), El pórtico del Palacio Ducal (h. 1778) y El Gran Canal junto al puente de Rialto (h. 1780-1790), todas representaciones que revelan la maestría de Guardi en la creación de atmósferas vibrantes.

Terraferma y los caprichos

La segunda sección, en la sala 15, exhibe la faceta más libre e imaginativa del pintor. Su pincelada suelta y expresiva captura el paso del tiempo y el deterioro arquitectónico con un tono melancólico. Obras como Capricho con arco romano en ruinas y templo circular (h. 1770-1780) muestran su talento para la composición idealizada.

El interés de Guardi por la vida cotidiana se refleja en Las compuertas en Dolo (h. 1774-1776), donde retrata la actividad del río Brenta. Asimismo, La isla de San Giorgio Maggiore (h. 1790) es un bello ejemplo de su visión de la arquitectura veneciana.

Un legado compartido

La exposición culmina con dos obras clave: Regata en el Gran Canal junto al puente de Rialto (h. 1791) de Giacomo Guardi, hijo del artista, y Il Bucintoro (h. 1745-1750) de Canaletto, prestada por la Colección Thyssen-Bornemisza al Museu Nacional d’Art de Catalunya. Esta última obra sirvió de inspiración para Guardi en una de sus composiciones más emblemáticas.

Esta muestra representa una oportunidad única para admirar el genio de Francesco Guardi y su visión de Venecia en un contexto inigualable, el Museo Thyssen-Bornemisza, donde la tradición y la modernidad se encuentran en un diálogo continuo sobre el arte y la historia.

04/02/2025 0 comments
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AgendaArteEventos

Peter Halley en el Thyssen

by Uve Magazine 16/10/2024
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El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza se prepara para acoger una importante retrospectiva dedicada al influyente artista contemporáneo Peter Halley, del 19 de octubre de 2024 al 19 de enero de 2025. Esta exposición, comisariada por Guillermo Solana, forma parte del programa de muestras en torno a la colección de Blanca y Borja Thyssen-Bornemisza y marca el regreso de Halley a España, donde no se le había dedicado una exposición de este calibre desde 1992, cuando el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía organizó una retrospectiva sobre su obra. La actual muestra abarca un extenso periodo, desde 1985 hasta 2024, y está compuesta por una selección de veinte pinturas pertenecientes a colecciones tanto públicas como privadas de España. Lo más destacado de esta exposición es que el propio Halley ha participado activamente en su curaduría, seleccionando las obras y diseñando el plan de instalación. Además, este proyecto ha sido organizado en colaboración con el Ajuntament de Palma y el Casal Solleric, donde la exposición viajará en primavera de 2025.

Peter Halley irrumpió en la escena artística en los años 80, aportando una visión crítica y profundamente sociológica a la tradición del arte abstracto-geométrico, hasta entonces dominada por ideales formalistas y utópicos. A través de su obra, Halley desafía las concepciones convencionales de la geometría como un símbolo de racionalidad ideal, reinterpretándola como un reflejo del confinamiento y el control social, impregnado de un trasfondo distópico. Sus representaciones del cuadrado, un elemento venerado casi religiosamente por artistas como Malévich y Josef Albers, adquieren un tono irónico en su obra, donde se transforman en iconos de prisiones, celdas y conductos. Esta visión crítica de la geometría se traduce en composiciones que evocan circuitos integrados y diagramas de flujo, anticipando así la sociedad hiperconectada y, a la vez, profundamente aislada de la era digital.

Un rasgo distintivo del trabajo de Halley es su uso audaz de colores fluorescentes, conocidos como Day-glo, que evocan la intensidad y la energía de las pantallas electrónicas. A través de esta paleta cromática, Halley se ha consolidado como uno de los coloristas más experimentales de su generación, aportando un enfoque novedoso a la relación entre el color, el espacio y el contexto social. Su capacidad para conjugar estos elementos lo convierte en una figura fundamental dentro del arte contemporáneo, y su influencia sigue siendo evidente en artistas y movimientos actuales.

A lo largo de su carrera, Halley ha mantenido su independencia artística, evitando el apoyo de grandes galerías comerciales y optando por colaboraciones a largo plazo con galeristas de confianza en distintos países. Esta exposición también resalta la fuerte conexión que el artista ha establecido con España, donde su obra ha sido bien recibida desde su primera aparición en 1986, cuando participó en la colectiva El arte y su doble: una perspectiva de Nueva York, organizada por la Fundación Caja de Pensiones en Madrid. Poco después, en 1992, el Museo Reina Sofía le dedicó una retrospectiva que ya había recorrido museos europeos como el Musée d’Art Contemporain de Burdeos y el Stedelijk Museum de Ámsterdam. Fue a partir de ese momento que Halley comenzó a exponer con regularidad en galerías españolas, como la Galería Senda en Barcelona y con el galerista Javier López en Madrid, consolidando su relación con el país.

Las pinturas de Halley se encuentran en importantes colecciones públicas y privadas españolas, incluyendo el Museo Reina Sofía, la Fundación “la Caixa” y el Institut Valencià d’Art Modern (IVAM), lo que subraya la relevancia de su obra en el panorama artístico español. Además, cuenta con una instalación permanente en la Biblioteca Pública José Hierro de Usera, en Madrid, inspirada en el cuento La biblioteca de Babel de Jorge Luis Borges, lo que muestra su interés por la intersección entre el arte y la literatura.

La exposición en el Thyssen-Bornemisza ofrece una visión completa de la trayectoria artística de Peter Halley, con veinte pinturas de gran formato que recorren su evolución estilística desde 1985 hasta la actualidad. Obras tempranas como Cárcel (1985) y Comercio de pieles (1994) reflejan un minimalismo monocromático, mientras que trabajos posteriores como Edutainment y Apagón (ambas de 2005), o Gravedad (2006), muestran una mayor complejidad en la repetición de formas, la superposición de planos y el uso de una paleta cromática más variada. En sus creaciones más recientes, Halley sigue profundizando en los temas que caracterizaron su obra temprana, pero con un enfoque renovado. Ejemplos de ello son Mágico a medias (2018), Clemencia (2019) y La nota alta (2020), donde multiplica las formas geométricas y suaviza su paleta de colores, creando composiciones de gran dinamismo y luminosidad.

La exposición de Peter Halley en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza no solo representa una oportunidad para apreciar la evolución de uno de los grandes maestros de la abstracción contemporánea, sino también para reflexionar sobre las conexiones entre el arte, la sociedad y la tecnología en el mundo actual.

16/10/2024 0 comments
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AgendaArteEventos

El taller de Rubens

by Uve Magazine 12/09/2024
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El taller de Rubens. Explorando la colaboración y creatividad del maestro barroco

Pieter Paul Rubens fue el pintor más exitoso de Europa durante la primera mitad del siglo XVII, con una impresionante producción de alrededor de 1,500 obras que aún se conservan. La exposición El Taller de Rubens, comisariada por Alejandro Vergara, jefe de Conservación del Área de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte del Museo Nacional del Prado, explora tanto su método colaborativo de trabajo como el espacio físico de su taller en Amberes, donde se llevaban a cabo las creaciones. Este taller no solo era un lugar de producción artística, sino también un laboratorio donde Rubens, junto con numerosos ayudantes, realizaba su prolífica obra. La exposición recrea ese ambiente con una detallada escenificación de caballetes, lienzos, pinceles y otros materiales del siglo XVII, junto a libros, bustos antiguos y objetos que reflejan los intereses del artista.

En torno a esta recreación, que podrá visitarse en el Museo Nacional del Prado en Madrid del 15 de octubre de 2024 al 16 de febrero de 2025, se presentan veinte pinturas, dos dibujos y cinco grabados que ilustran las diferentes formas de colaboración entre Rubens y sus asistentes. Rubens establecía las composiciones iniciales, permitiendo que sus ayudantes desarrollaran y completaran partes de las obras, multiplicando así su producción sin sacrificar calidad. Esta dinámica de trabajo convierte la exposición en un viaje inmersivo a la época del maestro de Amberes, mostrando cómo combinaba talento, enseñanza y trabajo en equipo para consolidar su éxito.

En paralelo, el Museo organiza el ciclo de conferencias A propósito de Rubens. Ideal, organización y saber en el taller de un pintor los días 30 de octubre y 6, 13 y 20 de noviembre de 2024. Este ciclo profundiza en cómo Rubens optimizó su taller, aprovechando las tecnologías de su tiempo para maximizar su producción, mientras mantenía la emoción y belleza como objetivos fundamentales de su arte. Las conferencias también explorarán la representación de los talleres de pintura y su comparación con los espacios de creación contemporáneos.

Para los amantes del arte, esta exposición y las actividades asociadas ofrecen una oportunidad única de entender el genio de Rubens, su capacidad organizativa y la influencia duradera de su taller en la evolución del arte barroco europeo.

12/09/2024 0 comments
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AgendaArteEventos

Explorando la luz sólida. Anthony McCall

by Uve Magazine 30/07/2024
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Del 19 de junio al 10 de noviembre de 2024, el Museo Guggenheim Bilbao se convierte en el epicentro de una experiencia visual y sensorial única con la exposición “Anthony McCall: Fracción de segundo”. Esta muestra no solo celebra el décimo aniversario del programa Film & Video del museo, sino que también destaca el trabajo innovador de Anthony McCall, un pionero del cine expandido y la videoinstalación.

Desde su inicio en 2014, el programa Film & Video del Guggenheim ha sido un referente en la exploración del videoarte y las prácticas artísticas contemporáneas ligadas a la imagen en movimiento. A lo largo de los años, ha presentado obras icónicas de artistas como Christian Marclay, Ragnar Kjartansson, Pierre Huyghe y muchos otros. Esta vez, es el turno de Anthony McCall, un británico afincado en Nueva York que ha revolucionado el arte con su concepto de “luz sólida”.

Un Viaje a Través de la Luz

Anthony McCall, nacido en 1946 en St. Paul’s Cray, Reino Unido, ha dedicado su carrera a explorar la naturaleza de la luz y sus posibilidades en el arte. Sus obras se caracterizan por el uso de luz proyectada para crear fenómenos escultóricos inmersivos. A través de haces de luz, McCall forma estructuras geométricas que parecen flotar en el aire, invitando a los visitantes a interactuar con ellas. En “Fracción de segundo”, McCall presenta una selección de sus obras más emblemáticas junto con el estreno de una nueva creación titulada “Fracción de segundo Espejo IV” (2024). Esta obra es una doble proyección horizontal de luz que incluye dos grandes espejos, proyectores y pantallas traslúcidas. La luz se proyecta a diferentes alturas, creando efectos elípticos y horizontales que giran y se entrelazan en el espacio, formando un dibujo lineal consistente en un campo de planos entrecruzados y en espiral. Esta nueva creación promete ser una experiencia envolvente, donde la luz no solo se ve, sino que también se siente y se vive, invitando a los visitantes a una inmersión total en el arte lumínico de McCall.

La experiencia que ofrece McCall es paradójica y fascinante. Por un lado, sus imágenes multidimensionales parecen sólidas, aunque estén hechas de luz. Por otro, parecen inmóviles, aunque cambian continuamente a lo largo del tiempo. Esta interacción entre lo sólido y lo etéreo, lo fijo y lo mutable, desafía las percepciones convencionales del espacio y el tiempo en el cine y la escultura. Al invitar a los visitantes a caminar a través de sus esculturas de luz, McCall cuestiona el uso tradicional de la narrativa y el montaje en el cine. Sus obras no solo son visualmente impactantes, sino que también provocan una reflexión profunda sobre la naturaleza de la percepción y la interacción humana con el arte. Al adentrarse en estos haces de luz, los visitantes no solo observan, sino que se convierten en parte de la obra, interactuando con las sombras y reflejos que crean, y experimentando de primera mano la transformación constante de la luz.

Fracción de segundo (Espejo) IV, 2024 Vista de la instalación, Museo Guggenheim Bilbao Cortesía del artista y de Sean Kelly, Nueva York, Los Ángeles & Sprüth Magers © Anthony McCall

La exposición también incluye una retrospectiva de la carrera de McCall, presentando obras tempranas como “Miniatura en blanco y negro” (1972). Esta pieza utiliza un proyector de diapositivas Kodak para mostrar una secuencia de 81 diapositivas que producen imágenes negativas en color después de mirar una imagen fija durante un tiempo y luego un objeto blanco. Esta obra temprana demuestra el interés de McCall por los efectos visuales y la manipulación de la percepción desde sus inicios.

Además, la exposición presenta “Cortina de humo” (2017), una serie de fotografías a gran escala que capturan el movimiento de la luz sólida. Estas imágenes permiten a los visitantes detenerse y observar las texturas de la niebla artificial que se revelan momentáneamente a través de los haces de luz, añadiendo una dimensión adicional a la experiencia visual.

La combinación de obras nuevas y retrospectivas en “Fracción de segundo” no solo muestra la evolución artística de McCall, sino que también ofrece una visión coherente de su enfoque innovador sobre la luz y el espacio. Sus obras desafían las nociones tradicionales del arte y la percepción, creando un diálogo continuo entre el pasado y el futuro, lo tangible y lo intangible. En conclusión, Anthony McCall nos invita a un viaje a través de la luz, donde cada obra es una puerta a una nueva dimensión de la percepción. A través de sus esculturas de luz, McCall no solo ilumina el espacio físico, sino también los rincones más profundos de nuestra imaginación y percepción. Cada visitante de “Fracción de segundo” se encontrará inmerso en un mundo donde la luz es la protagonista indiscutible, transformando y siendo transformada por la interacción humana.

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ArteEventos

Un viaje entre el realismo y la abstracción

by Uve Magazine 26/05/2024
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El Museo Guggenheim Bilbao presenta la esperada retrospectiva de Martha Jungwirth, una artista austriaca cuya obra desafía las convenciones y explora la frontera sutil entre el realismo y la abstracción. Esta exhibición, patrocinada por Occident, estará abierta al público del 7 de junio al 22 de septiembre de 2024, y promete ofrecer una visión integral de la trayectoria de Jungwirth, que abarca seis décadas de creación artística. Nacida en Viena en 1940, Martha Jungwirth se ha consagrado como una figura crucial en el panorama artístico contemporáneo. Su obra se caracteriza por trazos explosivos y gestuales, así como por tonos vibrantes que buscan expresar emociones profundas más que representar narrativas lineales. Desde sus primeros años en la Universität für angewandte Kunst de Viena hasta la actualidad, Jungwirth ha desarrollado un estilo único que fusiona influencias de la forma humana, los animales, la historia del arte y sus viajes alrededor del mundo.

Martha Jungwirth Bucéfalo (Bukephalos), 2021

La exposición reúne cerca de setenta obras, incluyendo acuarelas, óleos y tres libros de artista que abarcan casi cincuenta años de producción. Sus pinturas y dibujos, siempre en la frontera entre el realismo y la abstracción, nos invitan a experimentar la espontaneidad y la vitalidad de sus composiciones erráticas y colores intensos. El recorrido de la exposición comienza con las primeras obras de Jungwirth, que incluyen dibujos de gran formato de objetos cotidianos y retratos. Estas piezas iniciales, que forman parte de la serie Indesit, representan el comienzo de sus exploraciones sutiles entre el realismo y la abstracción. Aunque pudiera parecer sorprendente para una artista abstracta, el retrato es un género recurrente en su obra, donde fusiona la forma humana con pinceladas expresivas y colores vibrantes, capturando la esencia íntima de sus modelos. A medida que avanza la exhibición, se exploran las “escapadas de pintura” de Jungwirth, donde sus viajes y la observación de la naturaleza se convierten en un catalizador para la creación artística. Desde la década de 1970, sus viajes no solo han sido una fuente de inspiración, sino también una forma de investigación artística. Las obras resultantes no son simples representaciones de lugares, sino respuestas emocionales a los estados de ánimo y sensaciones desatadas por la naturaleza.

Martha Jungwirth Toro (Stier), 2020

En la sección dedicada a los animales, se destaca la serie Australidelfos (Australidelphia), creada en 2020, que se centra en los marsupiales australianos. Esta serie no solo homenajea a estas criaturas antiguas, sino que también reflexiona sobre los devastadores incendios forestales de Australia en 2019 y 2020. Las composiciones cromáticas de sus pinturas simbolizan la violencia y la tragedia enfrentada por estas especies, ofreciendo una visión conmovedora y crítica de la relación entre la humanidad y la naturaleza. La muestra también revela la continua inspiración de Jungwirth en la historia del arte, con series de pinturas que dialogan con obras de Richard Gerstl, Frans Hals y Oskar Kokoschka, entre otros. Sus interpretaciones de las obras maestras de Francisco de Goya y Édouard Manet, por ejemplo, demuestran cómo Jungwirth imprime su peculiar vocabulario artístico en cada pieza, creando desviaciones radicales de las fuentes originales.

Una de las características más distintivas del trabajo de Jungwirth es su uso innovador de materiales. Sus pinturas no se limitan a lienzos tradicionales, sino que se extienden a soportes inesperados como cartón, libros de contabilidad y papel de estraza. Esta elección de materiales poco convencionales permite a Jungwirth explorar los límites del control y el caos, desafiando las normas artísticas establecidas y creando un diálogo entre lo ordenado y lo espontáneo. A través de su obra, Jungwirth nos invita a experimentar una profunda conexión entre el yo y el mundo. Sus pinturas no son meras imágenes, sino condensaciones de experiencias, emociones y recuerdos. Con una comprensión aguda de las especificidades de la realidad, Jungwirth ofrece al espectador un atisbo de las profundidades de la percepción y la conciencia humanas.

26/05/2024 0 comments
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