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arte

AgendaArteEventos

El taller de Rubens

by Uve Magazine 12/09/2024
written by Uve Magazine

El taller de Rubens. Explorando la colaboración y creatividad del maestro barroco

Pieter Paul Rubens fue el pintor más exitoso de Europa durante la primera mitad del siglo XVII, con una impresionante producción de alrededor de 1,500 obras que aún se conservan. La exposición El Taller de Rubens, comisariada por Alejandro Vergara, jefe de Conservación del Área de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte del Museo Nacional del Prado, explora tanto su método colaborativo de trabajo como el espacio físico de su taller en Amberes, donde se llevaban a cabo las creaciones. Este taller no solo era un lugar de producción artística, sino también un laboratorio donde Rubens, junto con numerosos ayudantes, realizaba su prolífica obra. La exposición recrea ese ambiente con una detallada escenificación de caballetes, lienzos, pinceles y otros materiales del siglo XVII, junto a libros, bustos antiguos y objetos que reflejan los intereses del artista.

En torno a esta recreación, que podrá visitarse en el Museo Nacional del Prado en Madrid del 15 de octubre de 2024 al 16 de febrero de 2025, se presentan veinte pinturas, dos dibujos y cinco grabados que ilustran las diferentes formas de colaboración entre Rubens y sus asistentes. Rubens establecía las composiciones iniciales, permitiendo que sus ayudantes desarrollaran y completaran partes de las obras, multiplicando así su producción sin sacrificar calidad. Esta dinámica de trabajo convierte la exposición en un viaje inmersivo a la época del maestro de Amberes, mostrando cómo combinaba talento, enseñanza y trabajo en equipo para consolidar su éxito.

En paralelo, el Museo organiza el ciclo de conferencias A propósito de Rubens. Ideal, organización y saber en el taller de un pintor los días 30 de octubre y 6, 13 y 20 de noviembre de 2024. Este ciclo profundiza en cómo Rubens optimizó su taller, aprovechando las tecnologías de su tiempo para maximizar su producción, mientras mantenía la emoción y belleza como objetivos fundamentales de su arte. Las conferencias también explorarán la representación de los talleres de pintura y su comparación con los espacios de creación contemporáneos.

Para los amantes del arte, esta exposición y las actividades asociadas ofrecen una oportunidad única de entender el genio de Rubens, su capacidad organizativa y la influencia duradera de su taller en la evolución del arte barroco europeo.

12/09/2024 0 comments
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AgendaArteEventos

Explorando la luz sólida. Anthony McCall

by Uve Magazine 30/07/2024
written by Uve Magazine

Del 19 de junio al 10 de noviembre de 2024, el Museo Guggenheim Bilbao se convierte en el epicentro de una experiencia visual y sensorial única con la exposición “Anthony McCall: Fracción de segundo”. Esta muestra no solo celebra el décimo aniversario del programa Film & Video del museo, sino que también destaca el trabajo innovador de Anthony McCall, un pionero del cine expandido y la videoinstalación.

Desde su inicio en 2014, el programa Film & Video del Guggenheim ha sido un referente en la exploración del videoarte y las prácticas artísticas contemporáneas ligadas a la imagen en movimiento. A lo largo de los años, ha presentado obras icónicas de artistas como Christian Marclay, Ragnar Kjartansson, Pierre Huyghe y muchos otros. Esta vez, es el turno de Anthony McCall, un británico afincado en Nueva York que ha revolucionado el arte con su concepto de “luz sólida”.

Un Viaje a Través de la Luz

Anthony McCall, nacido en 1946 en St. Paul’s Cray, Reino Unido, ha dedicado su carrera a explorar la naturaleza de la luz y sus posibilidades en el arte. Sus obras se caracterizan por el uso de luz proyectada para crear fenómenos escultóricos inmersivos. A través de haces de luz, McCall forma estructuras geométricas que parecen flotar en el aire, invitando a los visitantes a interactuar con ellas. En “Fracción de segundo”, McCall presenta una selección de sus obras más emblemáticas junto con el estreno de una nueva creación titulada “Fracción de segundo Espejo IV” (2024). Esta obra es una doble proyección horizontal de luz que incluye dos grandes espejos, proyectores y pantallas traslúcidas. La luz se proyecta a diferentes alturas, creando efectos elípticos y horizontales que giran y se entrelazan en el espacio, formando un dibujo lineal consistente en un campo de planos entrecruzados y en espiral. Esta nueva creación promete ser una experiencia envolvente, donde la luz no solo se ve, sino que también se siente y se vive, invitando a los visitantes a una inmersión total en el arte lumínico de McCall.

La experiencia que ofrece McCall es paradójica y fascinante. Por un lado, sus imágenes multidimensionales parecen sólidas, aunque estén hechas de luz. Por otro, parecen inmóviles, aunque cambian continuamente a lo largo del tiempo. Esta interacción entre lo sólido y lo etéreo, lo fijo y lo mutable, desafía las percepciones convencionales del espacio y el tiempo en el cine y la escultura. Al invitar a los visitantes a caminar a través de sus esculturas de luz, McCall cuestiona el uso tradicional de la narrativa y el montaje en el cine. Sus obras no solo son visualmente impactantes, sino que también provocan una reflexión profunda sobre la naturaleza de la percepción y la interacción humana con el arte. Al adentrarse en estos haces de luz, los visitantes no solo observan, sino que se convierten en parte de la obra, interactuando con las sombras y reflejos que crean, y experimentando de primera mano la transformación constante de la luz.

Fracción de segundo (Espejo) IV, 2024 Vista de la instalación, Museo Guggenheim Bilbao Cortesía del artista y de Sean Kelly, Nueva York, Los Ángeles & Sprüth Magers © Anthony McCall

La exposición también incluye una retrospectiva de la carrera de McCall, presentando obras tempranas como “Miniatura en blanco y negro” (1972). Esta pieza utiliza un proyector de diapositivas Kodak para mostrar una secuencia de 81 diapositivas que producen imágenes negativas en color después de mirar una imagen fija durante un tiempo y luego un objeto blanco. Esta obra temprana demuestra el interés de McCall por los efectos visuales y la manipulación de la percepción desde sus inicios.

Además, la exposición presenta “Cortina de humo” (2017), una serie de fotografías a gran escala que capturan el movimiento de la luz sólida. Estas imágenes permiten a los visitantes detenerse y observar las texturas de la niebla artificial que se revelan momentáneamente a través de los haces de luz, añadiendo una dimensión adicional a la experiencia visual.

La combinación de obras nuevas y retrospectivas en “Fracción de segundo” no solo muestra la evolución artística de McCall, sino que también ofrece una visión coherente de su enfoque innovador sobre la luz y el espacio. Sus obras desafían las nociones tradicionales del arte y la percepción, creando un diálogo continuo entre el pasado y el futuro, lo tangible y lo intangible. En conclusión, Anthony McCall nos invita a un viaje a través de la luz, donde cada obra es una puerta a una nueva dimensión de la percepción. A través de sus esculturas de luz, McCall no solo ilumina el espacio físico, sino también los rincones más profundos de nuestra imaginación y percepción. Cada visitante de “Fracción de segundo” se encontrará inmerso en un mundo donde la luz es la protagonista indiscutible, transformando y siendo transformada por la interacción humana.

30/07/2024 0 comments
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ArtePersonajes

Caravaggio. Luz y oscuridad en el Barroco

by Valeria Cruz 18/07/2024
written by Valeria Cruz

Michelangelo Merisi da Caravaggio (Milán, 29 de septiembre de 1571 – Porto Ercole, 18 de julio de 1610), conocido simplemente como Caravaggio, fue un pintor italiano cuyo estilo revolucionó la pintura del Barroco. Su vida y obra estuvieron marcadas por una lucha constante entre la luz y la oscuridad, reflejando la miseria que lo rodeaba a través de personajes que se confundían entre lo sagrado y lo profano.

Caravaggio nació en la ciudad lombarda de Caravaggio, situada al este de Milán. Su padre, Fermo Merisi, trabajaba como administrador y arquitecto decorador para los Sforza da Caravaggio, una familia noble. Su madre, Lucía Aratori, pertenecía a una familia adinerada. Tras la muerte de su padre debido a la peste que asoló Milán, el joven Caravaggio entró a trabajar como aprendiz del pintor lombardo Simone Peterzano en 1584. Finalizado su aprendizaje, conoció las obras de Giorgione y Tiziano en un viaje a Venecia, influyéndose profundamente de ellas.

Llegó a Roma en 1592, “desnudo y extremadamente necesitado, sin una dirección fija y sin provisiones… además corto de dinero”. Contactó con Giuseppe Cesari, el “pintor de flores y frutos” de la cámara del papa Clemente VIII, quien le ofreció trabajo en su taller de pintura. Allí Caravaggio pintó varios cuadros entre los que destacan Muchacho pelando fruta, su primera obra conocida, Cesto con frutas y un supuesto autorretrato que tituló Baco.

Su situación económica era precaria hasta que comenzó a forjarse importantes amistades, como la del pintor Próspero Orsi, que le introdujo en el círculo de los grandes coleccionistas de arte, y el joven siciliano Mario Minniti, quien le sirvió de modelo y ayudante. El cardenal Francesco Maria del Monte, un importante coleccionista y mecenas, invitó a Caravaggio a su círculo, lo que permitió que su fama se extendiera y obtuviera los encargos más importantes de la ciudad. De esta época son los cuadros: La buenaventura y Partida de cartas.

Baco. Caravaggio

Caravaggio fue contratado para decorar la Capilla Contarelli, donde pintó El martirio de San Mateo y La vocación de San Mateo, obras que consolidaron su reputación. Sin embargo, su carácter violento y aficionado a las peleas callejeras lo llevó a tener numerosos conflictos. En mayo de 1606, durante un partido de pallacorda, se enfrentó a Ranuccio Tomassoni, un joven aristócrata, a quien intentó mutilar y accidentalmente mató. Este hecho provocó que fuera sentenciado a muerte y tuviera que huir de Roma.

El pintor se refugió en Nápoles, donde continuó trabajando bajo la protección de la familia Colonna. Realizó importantes obras como Siete obras de misericordia y Madonna del Rosario. Posteriormente, viajó a Malta, donde fue nombrado caballero de la Orden de Malta, aunque su comportamiento pendenciero le causó problemas, siendo expulsado de la orden y obligado a dejar la isla. En Nápoles sufrió un ataque que le desfiguró el rostro y aumentó su paranoia y aislamiento.

En 1610, Caravaggio recibió permiso para volver a Roma. Sin embargo, en Porto Ércole, fue encarcelado por un guardia español al ser confundido con otra persona, y el barco que debía llevarlo a Roma zarpó sin él. Su salud, muy deteriorada por su estilo de vida, empeoró. Afectado de disentería y muy débil, murió en la playa de Porto Ércole el 18 de julio de 1610.

Madonna del Rosario. Caravaggio

La vida de Caravaggio estuvo marcada por excesos y delincuencia, siempre huyendo de sí mismo: “Huyo para encontrar un nuevo hogar. Que no digan que soy un criminal. Soy un hombre que busca ayuda, un artista que busca misericordia”. Su estilo revolucionario y su capacidad para capturar el dramatismo de la figura humana a través del claroscuro tuvieron una influencia profunda en sus contemporáneos y generaciones posteriores. Aunque fue olvidado durante siglos, su obra resurgió en el siglo XX, cuando se reconoció su importancia en el desarrollo del arte occidental. Caravaggio es ahora considerado un pionero de la pintura moderna, un maestro que, a través de su técnica y visión, cambió para siempre el curso del arte.

18/07/2024 0 comments
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AgendaEventosMúsica

Momentos Alhambra | Tardes Thyssen 2024

by Uve Magazine 14/06/2024
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Del 21 de junio al 28 de septiembre de 2024, regresan los  conciertos a las Terrazas del Museo Thyssen con una nueva edición de #TardesThyssen, patrocinada por Cervezas Alhambra. Bajo el título “Desde las Lindes”, el ciclo de 2024 ofrecerá diez actuaciones musicales de artistas nacionales e internacionales, abarcando una amplia gama de géneros, desde folk y R&B hasta electrónica, flamenco, jazz y pop.

Los conciertos se llevarán a cabo los viernes y sábados de junio y septiembre a las 20h, y como en ediciones anteriores, la entrada es libre hasta completar aforo.

Diversidad Sonora en el Corazón del Arte

La programación de esta edición busca acercar al público propuestas con identidades sonoras diversas, presentando músicas tradicionalmente consideradas periféricas y que ahora se sitúan en el centro del escenario. Esta integración de música y arte se ve reflejada en la selección de diez obras de la exposición “La memoria colonial en las colecciones Thyssen-Bornemisza”, que estarán vinculadas a cada concierto.

Calendario de Actuaciones

21 de junio | Çantamarta x Joven con vestido japonés. El quimono

Çantamarta, un trío formado por dos músicos españoles y uno venezolano, ofrece un cruce de fronteras musicales con influencias del R&B, Neo-Soul, hip hop y house, enriquecido por elementos caribeños.

22 de junio | Calequi y las Panteras x Jinete árabe

Javier Calequi, junto a Lauri Revuelta y Luisa Corral, nos invita a un viaje sonoro por América, con ritmos y armonías latinas, folk y pop.

28 de junio | Queidem x Dos desnudos femeninos en un paisaje

Queidem, alquimista del transformismo pop, explora paisajes emocionales a través de instrumentaciones delicadas y viscerales.

29 de junio | Edu Requejo x El rastro perdido

El barcelonés Edu Requejo nos enfrenta al caos y la diversidad global con su mezcla de jazz, trap, pop y música antillana.

13 de septiembre | Yerai Cortés x Mujer en un diván

Yerai Cortés, destacado en el panorama flamenco nacional, expresa su arte con la guitarra española, combinando raíces gitanas y virtuosismo técnico.

14 de septiembre | Alex Conde Trio x Retrato de un hombre de la isla de Dominica

Este trío de jazz, compuesto por piano, contrabajo y batería, fusiona el flamenco con una técnica impecable y composiciones sorprendentes.

20 de septiembre | Los Sara Fontán x Franzi ante una silla tallada

El dúo Los Sara Fontán ofrece una poderosa mezcla de post rock, electrónica e improvisación, explorando el diálogo entre percusión y violín.

21 de septiembre | Marina Gallardo x La toilette

Marina Gallardo presenta una fusión de pop y folk-rock, con momentos de suavidad acústica y explosiones de guitarra eléctrica.

27 de septiembre | Skygaze x La cala

Skygaze apuesta por la experimentación compositiva con una fuerte presencia electrónica, abarcando hip hop, house, jazz, soul y funk.

28 de septiembre | Carly Gibert x Pesca en el estrecho de Long Island a la altura de New Rochelle

Carly Gibert, artista y cantautora, cautiva con su voz única y su capacidad para fusionar hip hop, R&B y funk en una experiencia multicultural y bilingüe.

14/06/2024 0 comments
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ArteEventos

Un viaje entre el realismo y la abstracción

by Uve Magazine 26/05/2024
written by Uve Magazine

El Museo Guggenheim Bilbao presenta la esperada retrospectiva de Martha Jungwirth, una artista austriaca cuya obra desafía las convenciones y explora la frontera sutil entre el realismo y la abstracción. Esta exhibición, patrocinada por Occident, estará abierta al público del 7 de junio al 22 de septiembre de 2024, y promete ofrecer una visión integral de la trayectoria de Jungwirth, que abarca seis décadas de creación artística. Nacida en Viena en 1940, Martha Jungwirth se ha consagrado como una figura crucial en el panorama artístico contemporáneo. Su obra se caracteriza por trazos explosivos y gestuales, así como por tonos vibrantes que buscan expresar emociones profundas más que representar narrativas lineales. Desde sus primeros años en la Universität für angewandte Kunst de Viena hasta la actualidad, Jungwirth ha desarrollado un estilo único que fusiona influencias de la forma humana, los animales, la historia del arte y sus viajes alrededor del mundo.

Martha Jungwirth Bucéfalo (Bukephalos), 2021

La exposición reúne cerca de setenta obras, incluyendo acuarelas, óleos y tres libros de artista que abarcan casi cincuenta años de producción. Sus pinturas y dibujos, siempre en la frontera entre el realismo y la abstracción, nos invitan a experimentar la espontaneidad y la vitalidad de sus composiciones erráticas y colores intensos. El recorrido de la exposición comienza con las primeras obras de Jungwirth, que incluyen dibujos de gran formato de objetos cotidianos y retratos. Estas piezas iniciales, que forman parte de la serie Indesit, representan el comienzo de sus exploraciones sutiles entre el realismo y la abstracción. Aunque pudiera parecer sorprendente para una artista abstracta, el retrato es un género recurrente en su obra, donde fusiona la forma humana con pinceladas expresivas y colores vibrantes, capturando la esencia íntima de sus modelos. A medida que avanza la exhibición, se exploran las “escapadas de pintura” de Jungwirth, donde sus viajes y la observación de la naturaleza se convierten en un catalizador para la creación artística. Desde la década de 1970, sus viajes no solo han sido una fuente de inspiración, sino también una forma de investigación artística. Las obras resultantes no son simples representaciones de lugares, sino respuestas emocionales a los estados de ánimo y sensaciones desatadas por la naturaleza.

Martha Jungwirth Toro (Stier), 2020

En la sección dedicada a los animales, se destaca la serie Australidelfos (Australidelphia), creada en 2020, que se centra en los marsupiales australianos. Esta serie no solo homenajea a estas criaturas antiguas, sino que también reflexiona sobre los devastadores incendios forestales de Australia en 2019 y 2020. Las composiciones cromáticas de sus pinturas simbolizan la violencia y la tragedia enfrentada por estas especies, ofreciendo una visión conmovedora y crítica de la relación entre la humanidad y la naturaleza. La muestra también revela la continua inspiración de Jungwirth en la historia del arte, con series de pinturas que dialogan con obras de Richard Gerstl, Frans Hals y Oskar Kokoschka, entre otros. Sus interpretaciones de las obras maestras de Francisco de Goya y Édouard Manet, por ejemplo, demuestran cómo Jungwirth imprime su peculiar vocabulario artístico en cada pieza, creando desviaciones radicales de las fuentes originales.

Una de las características más distintivas del trabajo de Jungwirth es su uso innovador de materiales. Sus pinturas no se limitan a lienzos tradicionales, sino que se extienden a soportes inesperados como cartón, libros de contabilidad y papel de estraza. Esta elección de materiales poco convencionales permite a Jungwirth explorar los límites del control y el caos, desafiando las normas artísticas establecidas y creando un diálogo entre lo ordenado y lo espontáneo. A través de su obra, Jungwirth nos invita a experimentar una profunda conexión entre el yo y el mundo. Sus pinturas no son meras imágenes, sino condensaciones de experiencias, emociones y recuerdos. Con una comprensión aguda de las especificidades de la realidad, Jungwirth ofrece al espectador un atisbo de las profundidades de la percepción y la conciencia humanas.

26/05/2024 0 comments
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ArteEventos

Yoshitomo Nara. Un universo de emociones

by Emain Juliana 20/05/2024
written by Emain Juliana

La Fundación BBVA  patrocina una monumental exposición dedicada a Yoshitomo Nara que presenta en el Museo Guggenheim Bilbao. Esta exhibición ofrece una oportunidad única para explorar cuatro décadas de la prolífica carrera de este destacado artista japonés. Del 28 de junio al 3 de noviembre de 2024, los visitantes podrán sumergirse en el fascinante mundo de Nara, guiados por la curadora Lucía Agirre. Nara, nacido en 1959 en Hirosaki, Japón, ha recibido tanto el respaldo de la crítica internacional como el reconocimiento del público. Sus imágenes de niños con grandes cabezas y ojos expresivos, que pueden parecer amenazantes y vulnerables a la vez, son inconfundibles y evocan una mezcla de emociones complejas. Estas figuras, que a menudo parecen al borde de un estallido emocional, reflejan la propia infancia y experiencias de Nara, así como su profundo conocimiento de la música, el arte y la sociedad.

La música, especialmente el rock y el punk, ha sido una constante fuente de inspiración para Nara. Desde sus inicios, la música ha acompañado sus momentos de creación, infundiendo en sus obras una energía y un espíritu de rebeldía. Las letras de las canciones que escuchaba, aunque no siempre comprendidas literalmente, resonaban en él a nivel emocional, lo que se refleja en la intensidad de sus obras. La exposición en el Guggenheim Bilbao destaca esta conexión, mostrando cómo Nara ha integrado estas influencias musicales en su arte. La obra de Nara está llena de símbolos y temas recurrentes que reflejan su continuidad de pensamiento a lo largo de los años. Elementos como la casa de tejado rojo, los brotes de hierba, el fuego y el cuchillo aparecen frecuentemente, creando una iconografía personal que invita a los espectadores a reflexionar sobre su propia existencia. Estos motivos no solo representan aspectos de su vida, sino que también resuenan con las experiencias y emociones de su audiencia, haciendo que sus obras sean profundamente universales y accesibles.

Yoshitomo Nara

Esta exposición es la primera gran retrospectiva individual de Nara en España y en un destacado museo europeo. Tras su estancia en Bilbao, la muestra viajará a Baden-Baden y Londres, adaptándose a cada espacio y proporcionando una experiencia única en cada ubicación. La colaboración con el Museum Frieder Burda y la Hayward Gallery subraya la importancia y el alcance internacional de esta exposición. Las experiencias personales de Nara, desde su infancia aislada hasta sus viajes y estancias en Europa, han sido cruciales en la formación de su visión artística. Su primer viaje a Europa en 1980 le permitió contemplar de cerca las grandes obras maestras del arte medieval y renacentista, lo que supuso un despertar emocional y una revelación artística para él. Estas influencias se combinan en su obra con la estética del Neoexpresionismo alemán, aprendido durante su formación en la Kunstakademie de Düsseldorf bajo la tutela de A. R. Penck.

Los eventos traumáticos, como el gran terremoto de Japón oriental en 2011, también han dejado una huella profunda en la obra de Nara. La devastación y el sufrimiento que presenció lo llevaron a reflexionar sobre su papel como artista y a dirigir su atención a proyectos comunitarios en la región de Tohoku. Este cambio en su cosmovisión se refleja en sus obras más recientes, donde la temática de la protección y la comunidad se vuelve central. Además de la exposición, el Museo Guggenheim Bilbao ha diseñado una serie de espacios educativos y contenidos digitales bajo la iniciativa Didaktika. Esta plataforma, patrocinada por la Fundación EDP, ofrece al público herramientas y recursos para una apreciación más profunda de la obra de Nara, incluyendo una biografía detallada del artista y una exploración de la música que ha inspirado su vida.

Yoshitomo Nara

Con su rica iconografía y su profundo sentido de humanidad, Nara nos recuerda la importancia de la empatía y la conexión en el arte y en la vida.

20/05/2024 0 comments
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Arte

El arte y la salud mental

by Valeria Cruz 18/05/2024
written by Valeria Cruz

La conexión entre el arte y la salud mental es un tema candente. El arte, en sus diversas formas, puede ser una fuente de consuelo, reflexión y sanación. A través de colores, formas y expresiones, nos permite conectar con nuestras emociones más profundas, ofreciendo una vía para la autocomprensión y el alivio emocional. Ahora, gracias a una innovadora investigación, se está explorando cómo esta conexión puede ser medida y entendida científicamente.

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Quirónsalud y la Universidad Rey Juan Carlos (URJC) han iniciado un estudio pionero para investigar cómo el arte puede influir en la salud de las personas. Este proyecto, denominado “Emociones a través del arte”, tiene como objetivo analizar las emociones predominantes que provocan más de 200 cuadros de las colecciones del Museo Thyssen-Bornemisza. Utilizando avanzadas técnicas de inteligencia artificial y análisis biométrico, este estudio busca identificar las emociones inconscientes que se generan al observar estas obras de arte.

La ciencia detrás del arte

El estudio combina varias técnicas innovadoras para captar y analizar las reacciones emocionales de los espectadores. Una cámara recoge las expresiones faciales y las codifica en emociones mediante un algoritmo. Además, se mide la respuesta psicogalvánica de la piel, es decir, las microgotas de sudor que se producen al experimentar una emoción, junto con el seguimiento ocular (eyetracking) para registrar los movimientos de los ojos mientras las personas observan las pinturas. Estos datos permitirán clasificar cada obra en una de las ocho emociones básicas, ofreciendo una comprensión detallada de cómo interactuamos con el arte.

Este enfoque multidisciplinario no solo enriquece el campo del arte y la salud mental, sino que también ofrece aplicaciones prácticas. Los resultados de esta investigación estarán disponibles en 2025 y se presentarán en un catálogo de clasificación de cuadros por emociones, en artículos científicos y en la web del museo. Además, se producirán piezas audiovisuales que mostrarán tanto el proceso de investigación como sus conclusiones, permitiendo al público explorar las obras de arte desde una perspectiva emocional.

Una colaboración transformadora

La doctora Cristina Caramés, directora asistencial y de investigación de Quirónsalud, destaca la importancia de esta colaboración: “Trabajamos cada día para construir juntos un futuro de salud y bienestar para las personas. Y lo hacemos desde la evidencia científica, colaborando en iniciativas que puedan ayudar a descubrir cómo el arte puede mejorar la salud.”

Fernando García Muiña, vicerrector de Investigación, Innovación y Transferencia de la URJC, añade: “Este proyecto representa una perfecta simbiosis entre ciencia, arte y tecnología. Nuestra concepción de universidad multidisciplinar abre un amplio abanico de futuras colaboraciones, que revierta en el bienestar de la sociedad.”

Por su parte, Evelio Acevedo, director gerente del Museo Thyssen-Bornemisza, expresa su entusiasmo por esta iniciativa: “El poder transformador del arte es innegable, y esta investigación nos permitirá profundizar en el impacto emocional que nuestras obras ejercen en el público. Esperamos que este proyecto inspire tanto a nivel social como personal.”

Un futuro saludable a través del arte

La relación entre arte y salud mental no es solo un tema de estudio académico; es una realidad palpable en la vida cotidiana de muchas personas. La capacidad del arte para evocar emociones y fomentar la reflexión personal puede ser una herramienta poderosa en el camino hacia la salud mental y el bienestar. Este estudio pionero no solo aportará nuevos conocimientos sobre cómo interactuamos con el arte, sino que también abrirá nuevas posibilidades para utilizar el arte como una herramienta terapéutica.

Así, mientras exploramos los colores y formas en las galerías del Museo Thyssen-Bornemisza, también estamos navegando por los paisajes emocionales de nuestras propias mentes, encontrando en cada pincelada una oportunidad para la sanación y el crecimiento personal. Con la ciencia y el arte trabajando juntos, el futuro de nuestra salud mental se ve cada vez más brillante y lleno de color.

18/05/2024 0 comments
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AgendaArteEventos

Inauguración de la Exposición “Sorolla en 100 objetos”

by Uve Magazine 14/05/2024
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El 13 de mayo, se ha inaugurado en el Museo Sorolla una nueva exposición en conmemoración del centenario de la muerte del pintor valenciano Joaquín Sorolla. Titulada Sorolla en 100 objetos, esta muestra ha sido organizada por el Museo Sorolla y la Fundación Museo Sorolla, con el patrocinio de la Fundación Mutua Madrileña y la Fundación Iberdrola España, y la colaboración de El Corte Inglés. La exposición estará abierta al público desde el 14 de mayo hasta el 29 de septiembre de 2024.

La exposición Sorolla en 100 objetos ofrece un acercamiento innovador a la vida y obra del pintor conocido como el maestro de la luz. A través de cien objetos seleccionados minuciosamente, la muestra hilvana pequeñas historias que, al entrelazarse, presentan una narración fragmentada pero rica de la vida de Joaquín Sorolla Bastida (1863-1923). Cada pieza, desde cartas y fotografías hasta objetos de su colección personal, como un capitel califal del siglo X o un relieve de la Santísima Trinidad del siglo XVI, nos sumerge en una microhistoria que revela aspectos poco conocidos de su vida.

La visión de la comisaria

Covadonga Pitarch Angulo, comisaria de la exposición, ha llevado a cabo un exhaustivo trabajo de investigación para descubrir al Sorolla más íntimo y humano a través de estos objetos cotidianos y raros. Pitarch Angulo ha destacado la importancia de estos objetos en la comprensión de la vida del pintor: “Cada pieza es una puerta abierta a una faceta de su existencia, ya sea en lo personal, lo familiar, o lo profesional”. Entre los objetos expuestos se encuentran cartas personales, fotografías antiguas, dibujos, pinturas y hasta el pasaporte del artista, cada uno con su propia historia y relevancia.

Un recorrido a través de 16 secciones

La exposición se organiza en 16 secciones temáticas, cada una de las cuales permite trazar una biografía algo desordenada pero profundamente reveladora de Sorolla. A lo largo del recorrido, los visitantes pueden descubrir la pasión del pintor por el coleccionismo, su amor por la familia y sus relaciones profesionales. Cada sección cierra con una obra emblemática, el último retrato que realizó Sorolla en 1920: el retrato de Mabel Rick. Esta pintura no solo cierra cada sección, sino que también actúa como un punto culminante de la exposición, recordándonos el talento inigualable del artista hasta sus últimos días.

Sorolla en 100 objetos culmina un año de celebraciones y homenajes al pintor valenciano en el centenario de su fallecimiento. Durante el último año, el Museo Sorolla ha presentado una serie de exposiciones y actividades dedicadas a honrar la memoria y legado de Joaquín Sorolla. Esta muestra final, que estará disponible hasta el 29 de septiembre de 2024, representa el cierre perfecto a un programa expositivo que ha permitido a los amantes del arte redescubrir y profundizar en la figura de Sorolla.

Un viaje personal y artístico

La exposición no solo busca resaltar el talento artístico de Sorolla, sino también su vida personal y sus pasiones. Los objetos seleccionados revelan un hombre multifacético: un pintor dedicado, un coleccionista apasionado, un padre cariñoso y un marido atento. Esta visión íntima de Sorolla proporciona una comprensión más profunda de su arte, mostrando cómo su vida personal y sus experiencias se reflejaban en su obra.

Retrato de Mabel Rick, señora de Pérez de Ayala. 1920

Visitar Sorolla en 100 objetos es una oportunidad única para conocer de cerca al hombre detrás del genio. El Museo Sorolla ofrece así un viaje fascinante a través de los objetos que acompañaron a Sorolla a lo largo de su vida, permitiendo a los visitantes experimentar de primera mano las historias y recuerdos que conformaron su existencia. Esta exposición promete ser una experiencia inolvidable para todos aquellos que deseen acercarse más al mundo de Joaquín Sorolla.

No pierdas la oportunidad de visitar esta exposición única en el Museo Sorolla de Madrid hasta el 29 de septiembre de 2024 y sumergirte en las cien microhistorias que componen la vida de este excepcional pintor.

Pasaporte de Sorolla, marzo de 1919, Museo Sorolla, n.º inv. DA805
14/05/2024 0 comments
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EventosLiteratura

Presentación del cartel de la 83ª Edición de la Feria del Libro de Madrid

by Uve Magazine 08/04/2024
written by Uve Magazine

La 83ª edición de la Feria del Libro de Madrid ha sido presentada el jueves pasado en la sede del Instituto Cervantes de Madrid, con la revelación del cartel que la ilustrará, a cargo del renombrado artista Mikel Casal (San Sebastián, 1965). El evento, programado del 31 de mayo al 16 de junio, busca resaltar la sinergia entre el deporte y la lectura, mostrando cómo ambas actividades nutren tanto el cuerpo como la mente. El cartel de Casal encarna el lema de este año: ‘Entrena tu mente, lee tu cuerpo’.

Durante el evento, el subdirector de Cultura del Instituto Cervantes, Ernesto Pérez Zúñiga, dio la bienvenida a los presentes y elogió la propuesta gráfica del autor, quien explicó que su obra «juega con la idea de que tanto el hábito de la lectura como el de la práctica deportiva son maneras de poner en práctica una posición vital, una posición luminosa». Casal reveló que para la realización del cartel utilizó una técnica híbrida que combina texturas hechas a mano y técnicas digitales, así como elementos geométricos y gestos sencillos habituales en sus trabajos. Además, el uso de los colores olímpicos es un guiño al tema central de la Feria este año: el deporte.

Eva Orúe, directora de la Feria del Libro de Madrid, elogió el trabajo del ilustrador, destacando que el cartel es “gozoso y colorido, rebosante de sentido del humor y con el estilo inconfundible que nos animó a proponerle su realización”.

La presentación también incluyó la versión que la ONCE ha realizado para uno de sus cupones, una iniciativa que se ha convertido en un clásico de la Feria. Carmen Bayarri, directora del Servicio Bibliográfico de la ONCE, subrayó la importancia de la accesibilidad en el mundo del libro y celebró la colaboración con la Feria del Libro de Madrid, que permitirá que la imagen creada por Mikel Casal llegue a 5,5 millones de cupones.

La adaptación del cartel para personas con discapacidad visual se logró mediante el resaltado táctil de las partes del cuerpo del personaje y los libros que lo rodean, utilizando diferentes texturas para cada uno de los colores, además de una leyenda táctil con las correspondientes equivalencias y escritura en braille.

El cartel ya está disponible en la página web de la Feria, así como en diversas adaptaciones para objetos como bolsas, camisetas, cuadernos, marcapáginas y tazas.

Mikel Casal, galardonado con el Premio Euskadi de Ilustración en 2016, ha dejado su marca en el mundo del arte desde su infancia marcada por la influencia marinera de su familia. Su conexión con el mar y las historias de viajes marítimos han moldeado su estilo único, ganándole reconocimiento internacional a través de premios como la Medalla de Plata de la Society for News Design y su colaboración con destacados medios como The Guardian, Diario El Universal, Sunday Times y Vanity Fair.

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Surrealismos. La era de la máquina

by Uve Magazine 11/03/2024
written by Uve Magazine

La fundación canal Isabel II acoge Surrealismos: La era de la máquina, ofrece un viaje íntimo a través de la intersección entre el arte y la tecnología en el siglo pasado. A través de obras cuidadosamente seleccionadas, la exposición nos invita a reflexionar sobre el impacto duradero que la máquina ha tenido en nuestra percepción del mundo y en la evolución del arte moderno.

Marcel Duchamp. Rotoreliefs (Relieves de rotor). Discos ópticos. Concebidos en 1935. Ejemplar de 1965. 6 discos impresos en doble carasobre un eje giratorio para discos inserto en una caja de madera recubierta de terciopelo negro. Colección Marion Meyer. Association Internationale Man Ray, París. © Man Ray 2015 Trust / VEGAP, 2024

En medio de los cambios sociales y culturales desencadenados por la Gran Guerra, surgieron movimientos artísticos como el dadaísmo, desafiando las normas establecidas y buscando nuevas formas de expresión en una sociedad impulsada por la ciencia y la tecnología. Los dadaístas, con su enfoque disruptivo, crearon obras que reflejaban la agitación de la época, utilizando elementos de maquinaria y materiales industriales en sus collages abstractos.

La figura de Alfred Stieglitz, cuya visión transformó la fotografía en un medio artístico reconocido, también ocupa un lugar destacado en la exposición. Su trabajo pionero con el grupo Photo-Secession y la revista Camera Work sentaron las bases del arte estadounidense moderno, introduciendo la vanguardia en Estados Unidos.

Pero es la obra de artistas rebeldes como Marcel Duchamp, Francis Picabia y Man Ray la que da forma al movimiento Dadá en la vibrante escena artística de Nueva York. Aquí, el objeto industrial seriado hizo su primera aparición en la historia del arte, dejando una marca indeleble en la evolución del surrealismo.

Más tarde, Salvador Dalí expandiría aún más los límites del surrealismo, introduciendo el concepto del arte como máquina del pensamiento. La comisaria de la exposición, Pilar Parcerisas, nos guía a través de este fascinante viaje, destacando cómo el surrealismo revela el cuerpo como una máquina que elabora sueños y deseos.

La exposición alberga una amplia variedad de obras, que van desde fotografías hasta pinturas, esculturas y objetos ready-made. Cada pieza es un testimonio de la explosión creativa que caracterizó el inicio del siglo XX y sigue siendo una fuente de inspiración en la historia del arte.

Francis Picabia. Revista 291, núm. 5-6. En portada: retrato de Alfred Stieglitz por Francis Picabia. Julio y agosto 1915. Comitè Picabia, París. © Francis Picabia, VEGAP, Madrid, 2024

DATOS DE LA EXPOSICIÓN
Surrealismos. La era de la máquina
Del 7 de febrero al 21 de abril de 2024
Fundación Canal Isabel II
Sala Mateo Inurria 2 – Madrid

Comisaria: Pilar Parcerisas
Entrada libre y gratuita
Horario: Laborables y festivos: 11 a 20 h, excepto los miércoles: 11 a 15 h.
Excepcionalmente, el miércoles 7 de febrero la exposición permanecerá abierta hasta las 20:30 h.

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