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Witch fever, Bush y Volbeat convierten Halloween en una misa del rock

by Sandra Marquez
written by Sandra Marquez

El Palacio de Vistalegre se transformó el 31 de octubre en el epicentro del rock en Madrid. Nada de fiestas temáticas ni calabazas: la noche de Halloween fue de guitarras, volumen y tres bandas que dejaron el listón altísimo —Witch Fever, Bush y Volbeat—.

Las primeras en pisar el escenario fueron las británicas Witch Fever, que salieron decididas a arrasar desde el primer acorde. Con su nuevo disco Fevereaten recién lanzado, mezclaron punk, metal y un toque de caos bien medido. Amy Walpole no paró de moverse, alternando gritos desgarrados con momentos más melódicos, en una actuación tan visceral como hipnótica. Pese a que el público aún se estaba acomodando, lograron que nadie permaneciera indiferente.

Luego llegó Bush, y el ambiente cambió por completo. Gavin Rossdale demostró que la veteranía no es sinónimo de calma: su presencia sobre el escenario fue magnética. Abrieron con Everything Zen y, desde ahí, todo fluyó. El repertorio combinó clásicos infalibles como Machinehead y Swallowed con material nuevo que sonó tan fresco como contundente. La interpretación de Glycerine en solitario fue el momento más íntimo de la noche, con el público acompañando cada verso entre luces de móvil y un silencio cómplice.

Y entonces apareció Volbeat, y el recinto se vino abajo. Desde los primeros compases de The Devil’s Bleeding Crown quedó claro que Michael Poulsen es uno de los grandes frontmen del rock actual. Canta con potencia, domina el escenario y tiene una conexión increíble con el público. A su lado, el ya no tan recién incorporado Flemming C. Lund, que también comparte escenario con Poulsen en su otra banda, Asinhell, encajó sin esfuerzo y aportó frescura y buena química.

La banda alternó clásicos como Lola Montez o Fallen con nuevos temas de God Of Angels Trust, entre ellos Demonic Depression, In the Barn of the Goat Giving Birth to Satan’s Spawn in a Dying World of Doom —con ese aire sureño que sacó lo mejor de Poulsen a nivel vocal, y By a Monster’s Hand, cuyo riff hizo temblar el recinto. En ese momento, el grupo sonó especialmente sólido, con una crudeza que recordó por qué Volbeat es una banda de directo.

Heaven Nor Hell, coreada a una sola voz por un público completamente entregado, antes de sumergirnos en una de las mejores interpretaciones de la noche The Devil Rages On, del Servant of the Mind.

Del Rewind, Replay, Rebound rescataron Die To Live, y Poulsen desplegó toda su faceta rockabilly con una voz que llenó el recinto. Fue uno de los momentos más celebrados del concierto, una mezcla perfecta entre energía, humor y virtuosismo.

El cierre fue una auténtica fiesta: Black Rose, Seal the Deal, For Evigt y, por supuesto, Still Counting y A Warrior’s Call, con miles de personas gritando “fight, fight, fight!” a todo pulmón.

Volbeat demostraron una vez más por qué son una de las bandas más queridas del metal actual. Su directo es potente, cercano y sin artificios. En Halloween no hubo trucos ni tratos, solo una gran noche de rock que dejó a todo el mundo con la misma sensación: ojalá todas las fiestas dieran tanta vida.

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Cinco recomendaciones literarias de septiembre

by Uve Magazine
written by Uve Magazine

1. El sueño del jaguar, de Miguel Bonnefoy (Libros del Asteroide) 

El nuevo trabajo del autor franco-venezolano Miguel Bonnefoy confirma por qué es considerado uno de los narradores más potentes de la literatura actual. En esta épica saga familiar, el destino de sus personajes se entrelaza con la historia convulsa de Venezuela. Desde un huérfano criado en la miseria que logra convertirse en cirujano de renombre, hasta la primera mujer médica de la región y su hija bautizada con el nombre del país, El sueño del jaguar despliega un tapiz vibrante donde lo íntimo y lo colectivo se confunden.

Bonnefoy, heredero literario de Carpentier y García Márquez, vuelve a hipnotizar con una prosa exuberante, sensual y cargada de ritmo. Una novela de excesos, magia y memoria, que confirma su lugar en la primera línea de la narrativa contemporánea.

2. Antes vivíamos aquí, de Marcus Kliewer (Nocturna) 

El debut de Marcus Kliewer ha sacudido el género del terror con tanta fuerza que Netflix ya prepara su adaptación televisiva con Blake Lively. Nacido como un relato en Reddit, donde arrasó con millones de lecturas, Antes vivíamos aquí es un claustrofóbico thriller psicológico que combina lo inquietante de Dark, lo asfixiante de Parásitos y la experimentación de La casa de hojas.

Eve y Charlie creen haber encontrado un hogar perfecto en un caserón apartado en el bosque. Pero cuando una familia desconocida llama a la puerta asegurando que vivió allí, la visita pronto se convierte en una pesadilla interminable. Lo que comienza como un gesto de cortesía deriva en una invasión extraña, casi irreal, que desafía la lógica y la propia percepción de la protagonista.

Con su mezcla de horror doméstico, atmósfera opresiva y giros inesperados, Kliewer se confirma como una de las nuevas voces más prometedoras del género. Una novela que hará dudar a cualquiera antes de abrir la puerta de casa.

3. Matsukaze, de Motokiyo Zeami (Satori Ediciones)

Por primera vez en español y en traducción directa del japonés, llega uno de los clásicos más poéticos del teatro noh. Matsukaze transcurre en la playa de Suma, escenario del exilio del noble Ariwara no Yukihira, donde dos humildes salineras esperan el reencuentro con su amado. La obra, delicada y melancólica, es un conjuro escénico que combina misterio, simbolismo y belleza minimalista.

Zeami, considerado el gran maestro del noh, supo transformar la herencia teatral de su tiempo en una estética única, marcada por la búsqueda de la hana, esa “flor” efímera que surge en el instante perfecto de la representación. En esta edición cuidada, con estudio preliminar y glosario, el lector se acerca no solo a una pieza fundamental del repertorio japonés, sino también a una concepción del arte donde lo espiritual y lo humano se entrelazan con sutileza.

Un libro imprescindible para quienes quieran descubrir cómo la sobriedad escénica puede contener una fuerza evocadora que atraviesa los siglos.

4. El carácter peculiar de algunas cosas, de Verónica García-Peña

En este libro de relatos, Verónica García-Peña convierte los colores en puertas hacia universos inquietantes y poéticos. Cada historia se abre como una grieta en lo cotidiano: una maleta azul incapaz de guardar recuerdos, un palacio ocre poblado de amantes momificados, una sirena gris que llora frente al mar o un coche negro con un maletero lleno de secretos.

Con una escritura cargada de melancolía, humor negro y potencia visual, la autora transforma lo doméstico en extraño y lo familiar en simbólico. Los relatos dialogan entre sí como piezas de un caleidoscopio donde lo íntimo y lo insólito se confunden, revelando la textura de los deseos, las pérdidas y la memoria.

Finalista en varias ocasiones del Premio Planeta, García-Peña demuestra aquí su versatilidad narrativa y su capacidad para habitar lo inquietante con delicadeza y fuerza. Una propuesta que deja una impronta de imágenes imposibles de olvidar.

5. Los crímenes de Åre. Oculto en la nieve, de Viveca Sten (Principal de los Libros)

El noir escandinavo sigue marcando tendencia, y Viveca Sten se ha consolidado como una de sus grandes representantes. Los crímenes de Åre. Oculto en la nieve es la novela en la que se basa la exitosa serie de Netflix que ha arrasado en todo el mundo, situando a Åre, una localidad aparentemente tranquila, como epicentro de un misterio helado.

Hanna Ahlander, inspectora caída en desgracia, se refugia en la montaña para empezar de nuevo. Pero la desaparición de una adolescente la empuja a colaborar con el inspector Daniel Lindskog en una investigación que se complica con cada hora que pasa. Bajo la nieve, entre secretos familiares y silencios cómplices, el tiempo se agota mientras una ventisca amenaza con borrar toda huella.

Con más de diez millones de libros vendidos, traducciones a una veintena de idiomas y una presencia constante en las listas internacionales, Viveca Sten confirma con esta novela por qué el noir nórdico sigue siendo irresistible.

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LiteraturaReseñas

Una cuerda sobre el abismo

by Beatriz Menédez Alonso
written by Beatriz Menédez Alonso
Hay cuerdas colgando del cielo.
Preparadas, listas, para cegar
cabezas con un nudo.
Hay cuerdas que se convierten
en soga y cuerdas invisibles
que anudan las manos.

Lectura introspectiva del poemario La cuerda de Ana Vega

Hay libros que no se leen, no en el sentido corriente de avanzar línea por línea hasta cerrar la última página —no—, hay libros que se cruzan como se cruza una habitación oscura, tanteando con las manos, escuchando el crujido de la madera bajo los pasos, oliendo la humedad, temiendo, sí, pero también esperando que algo, al fin, suceda. La cuerda, de Ana Vega, es uno de esos libros. Un poemario, dicen. Yo diría: una confesión a media voz, un hilo tenso entre la palabra y el precipicio.

Qué extraño es el modo en que habla. No grita. No se impone. No proclama. Y sin embargo —o por eso mismo— su voz nos alcanza más allá del oído. En algún rincón remoto del pecho —ese lugar donde una vez estuvo el alma o el temblor— se escucha un eco. Y ese eco es de mujer. Y ese eco duele.

Ana Vega no nos ofrece poesía, no en la forma pulida y ceremonial en que algunos la entienden, sino una suerte de desgarro estilizado, una arquitectura construida con los restos de un derrumbe. Cada poema —y no son muchos, pero sí suficientes— es como un nudo en la cuerda: algo que atestigua que se ha roto y vuelto a anudar. Cada palabra parece escrita no con tinta, sino con una lágrima contenida, un temblor de muñeca, una exhalación larga después del miedo.

¿Qué cuerda es esta? ¿Qué cuelga de ella? ¿Qué sostiene? Uno piensa en la cuerda que une madre e hija. En la cuerda que amarra un secreto al cuerpo. En la cuerda que alguien, alguna vez, usó para callar a otra. La simbología vibra, no como un ejercicio mental, sino como algo corpóreo: el lector lo siente en las costillas, como si algo invisible se le ciñera de pronto en la garganta.

Hay versos donde la sangre parece apenas secarse. Otros donde se entrevé el intento de luz, una rendija. Pero lo más asombroso no es el tema —la violencia, el dolor, la memoria— sino el tono: un tono que no suplica ni denuncia, sino que afirma, simplemente, que el dolor existe y ha dejado forma. Como Virginia Woolf en Las olas, donde los personajes son más flujo que carne, Ana Vega construye un espacio sin bordes, sin nombres, sin tiempo. El yo poético se desdibuja, y sin embargo es más real que nunca.

No hay un principio claro, ni un final definitivo. Todo ocurre como en una casa donde ha habido gritos y ya no queda nadie. El poema entra y sale, abre una puerta, encuentra una carta quemada, una muñeca sin cabeza, un zapato de niña, y se va. No explica. No consuela. No concluye. Solo muestra.

Se necesita valor para escribir así. Y aún más para leerlo. Porque La cuerda no es una cuerda de salvación: es una cuerda de memoria. Una cuerda tensa entre el dolor y el lenguaje. El lector debe decidir: ¿la trepa o la corta?

Ana Vega no da instrucciones. Solo deja allí la cuerda. Y se retira. En silencio. Como quien ya ha dicho todo lo que debía decir.

El lugar de la cita: no ornamento, sino estructura

Lo que hace Ana Vega con la cita es singular. En lugar de usarlas como epígrafes ilustrativos, las integra en el tejido emocional y ético de los poemas. Las voces externas —académicas, filosóficas, clínicas— no irrumpen desde fuera, sino que dialogan desde dentro. Son como testigos en un juicio íntimo.

Zimbardo habla del mal que se vuelve rutina. Freud murmura sobre el trauma no elaborado. Frankl sugiere que incluso en el sufrimiento hay posibilidad de sentido. Camus, por su parte, susurra que hablar —decir el dolor— es ya una forma de reparación. Vega no cita para impresionar: cita para dar contexto ético a su herida.

Esta decisión tiene un peso político. En una época donde la lírica a veces flota en la abstracción, La cuerda apuesta por un poema con conciencia. Un poema que nombra el abuso, que se atreve a mirar el daño sin disfrazarlo, que señala el silencio no como estética, sino como omisión cómplice.

Y por eso las citas importan: porque nos sitúan. No estamos ante una experiencia individual encapsulada en belleza literaria. Estamos ante una escritura situada, informada, que ha leído, que ha pensado, que se ha armado de palabras ajenas para entender el dolor propio.

Las citas hacen visibles las raíces de una violencia que muchas veces se oculta tras nombres inocuos: familia, normalidad, deber, silencio. Lo que se le infligió —y lo que se inflige aún a muchas mujeres y niñas— no es una anécdota ni una metáfora: es historia estructural. Por eso se cita. Para que no se diga luego que no se sabía.

Y en medio de todo eso, la cuerda: como soga, como nudo, como herencia, como vínculo. Una cuerda invisible que se va apretando entre estrofa y estrofa. Las citas son los clavos que la fijan al techo de la memoria colectiva. El poema se balancea entre ellas. Y el lector, inevitablemente, queda suspendido también.

En La cuerda, la cita no interrumpe el poema: lo afila, lo arma, lo contextualiza. Ana Vega no escribe “pese a” la teoría: escribe con ella, desde ella. Sus versos no flotan en el vacío de la emoción pura. Están atados —y eso es bueno— a una genealogía del pensamiento, del psicoanálisis, de la ética. Como si dijera: “Mi dolor es mío, pero también es histórico. Y si no lo nombramos, si no lo pensamos, se repetirá”.

Con La cuerda, Vega propone una poesía que no solo siente, sino que piensa el dolor. Y eso, en estos tiempos, es más necesario que nunca.

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Las luces y sombras de la utopía de More

by Clara Belmonte
written by Clara Belmonte

En 1516, Thomas More escribió Utopía, una obra que con ingenio y sutileza, supone una crítica mordaz a la sociedad europea del Renacimiento. Enmarcada en un contexto de trascendentales cambios sociales, económicos y religiosos, la obra reflexiona sobre las miserias de la Europa de su tiempo: la corrupción política, las crecientes desigualdades, el despojo de tierras comunales y la pobreza generada por el afán desmedido de lucro. Es a través del personaje ficticio de Rafael Hythloday, un viajero y filósofo, que More expone las luces y sombras de su tiempo, contrastando las injusticias europeas con la perfección de una isla imaginaria llamada Utopía.

La obra se estructura en dos partes. En la primera, Hythloday critica sin tapujos las desigualdades sociales en Europa, especialmente en Inglaterra, donde la codicia de los terratenientes lleva al cercamiento de tierras comunales, expulsando a los campesinos y condenándolos al hambre o a la criminalidad. Esta crítica a la economía incipiente del capitalismo y a la avaricia de las clases dominantes es uno de los grandes pilares de la obra. Europa aparece como un continente donde reina la opulencia de unos pocos frente a la miseria de la mayoría.

En la segunda parte, Hythloday describe Utopía, una sociedad ideal donde no existe la propiedad privada ni el dinero, y la igualdad es la norma. Todos trabajan solo seis horas al día, lo que permite tiempo para el ocio y el aprendizaje, y la educación es accesible a todos. El gobierno funciona de manera meritocrática, alejado de las arbitrariedades de las monarquías absolutistas, y las leyes son simples y justas, orientadas más a la reparación que al castigo. En este mundo ordenado y racional, la religión también ocupa un lugar especial: todas las creencias conviven pacíficamente siempre que respeten los principios éticos básicos, un planteamiento sorprendente si consideramos que More escribe en una Europa a punto de enfrentarse a las guerras de religión provocadas por la Reforma Protestante.

Sin embargo, More no presenta la isla como un modelo perfecto, sino como un espejo crítico. La palabra Utopía, derivada del griego “ou-topos” (ningún lugar), sugiere que esta sociedad ideal es, en última instancia, inalcanzable. A través de su tono irónico y la figura de Hythloday —cuyo nombre significa “charlatán”—, More parece jugar con el lector: ¿habla en serio o está siendo sarcástico? Esta ambigüedad es una de las grandes virtudes de la obra, porque invita a cuestionar la realidad y reflexionar sobre las posibilidades de un mundo más justo. A pesar de la racionalidad utopiana, el control absoluto de la vida colectiva y la supresión de la libertad individual plantean una inquietante pregunta: ¿es el orden perfecto compatible con la naturaleza humana?

Utopía es, en este sentido, una obra profundamente ligada a su contexto histórico. El auge del capitalismo temprano y la pérdida de tierras comunales, los abusos del poder político y la rigidez de una Iglesia todavía hegemónica encuentran en la pluma de More un contrapeso mordaz. Al mismo tiempo, anticipa debates modernos sobre el trabajo digno, la justicia social y la libertad religiosa. Su influencia es innegable: desde las utopías socialistas hasta las distopías del siglo XX, como 1984 de Orwell o Un mundo feliz de Huxley, More estableció un modelo literario donde la ficción sirve para examinar críticamente el presente.

En definitiva, Utopía es una sátira disfrazada de sueño. Thomas More no ofrece respuestas, sino preguntas, y en ese juego entre la ironía y la propuesta radica su genialidad. La isla de Utopía, con su armonía aparente, no es solo un “ningún lugar”, sino un desafío que atraviesa los siglos: ¿cómo podemos, desde nuestra imperfección, aspirar a un mundo más justo?

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LiteraturaReseñas

Arthur Miller y la tragedia del éxito fallido

by Clara Belmonte
written by Clara Belmonte

Escrita en 1949, en pleno auge del sueño americano tras la Segunda Guerra Mundial, Muerte de un viajante es una devastadora crítica a los ideales de éxito y prosperidad que prometían felicidad, pero a menudo ocultaban profundas desigualdades y frustraciones personales. La obra, galardonada con el Premio Pulitzer, es un emblema del teatro moderno y una reflexión sobre los costes emocionales y sociales de un sistema basado en la competencia y las apariencias.

La historia sigue a Willy Loman, un vendedor ambulante que ha dedicado su vida a perseguir el sueño americano, creyendo firmemente que la popularidad y la apariencia son la clave del éxito. Sin embargo, al llegar a la vejez, se encuentra atrapado en un laberinto de deudas, fracasos laborales y conflictos familiares. A medida que se desmoronan sus ilusiones, se enfrenta a sus recuerdos, a su relación distante con sus hijos y al vacío de una vida basada en promesas irrealizables.

El autor teje un relato conmovedor y atemporal sobre la fragilidad  y el impacto destructivo de un sistema que mide el valor personal por los logros económicos. A través de una narrativa que mezcla pasado y presente, la obra captura la tragedia de los sueños incumplidos y el deterioro de una familia rota por las expectativas sociales.

Arthur Miller crea una obra maestra que trasciende épocas y contextos. Con una estructura narrativa innovadora, personajes complejos y diálogos cargados de emoción, Muerte de un viajante es un análisis brutal y conmovedor de los ideales modernos, una crítica al sistema que promete más de lo que puede ofrecer. Su capacidad para retratar la vulnerabilidad frente a las presiones externas hace de esta obra un clásico imprescindible, capaz de interpelar al lector o espectador en cualquier época.

Si trasladamos esta reflexión a la actualidad, encontramos paralelismos inquietantes. Aunque ya no hablamos del sueño americano en términos estrictamente nacionales, la idea de “triunfar” sigue siendo un pilar fundamental de nuestra sociedad. En lugar de un trabajo estable y una casa propia, hoy el éxito se mide en seguidores, métricas de rendimiento y reconocimiento público. La globalización y las redes sociales han democratizado el acceso a la información, pero también han amplificado las expectativas, haciendo que la comparación y la presión social sean más intensas que nunca.

El mensaje de Miller es atemporal: el fracaso no radica en no alcanzar el éxito, sino en aceptar sin cuestionar los valores impuestos por una sociedad que mide todo en términos de ganancia. Willy Loman no solo es víctima de un sistema injusto, sino también de su propia incapacidad para imaginar una vida diferente. En ese sentido, la obra nos interpela directamente: ¿hasta qué punto hemos interiorizado las expectativas sociales al punto de perder de vista lo que realmente importa? ¿Somos capaces de redefinir el éxito en términos más humanos y menos materiales?

Hoy, como en 1949, el desafío es resistir la tentación de medirnos por estándares ajenos y construir una narrativa personal que priorice el bienestar, las relaciones y el sentido de propósito. Muerte de un viajante nos recuerda que el mayor triunfo es encontrar valor en lo cotidiano, y en la aceptación de nuestra propia debilidad. Willy Loman no pudo hacerlo, pero su historia nos invita a reflexionar sobre la posibilidad de encontrar un camino diferente.

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EntrevistasLiteraturaReseñas

ENTREVISTA. Nerea Aguado Alonso

by Ana Vega
written by Ana Vega

GENEALOGÍA DEL PAISAJE INTERIOR

Callaba la tierra

La autora Nerea Aguado Alonso nos presenta su nueva obra Callaba la tierra, publicada por la editorial Uve Books. Nos encontramos ante un libro especialmente original, en el que la autora teje una genealogía del paisaje familiar y personal, a través de una escritura frondosa, que se adhiere a la piel de todo lector y lectora que se atreve a adentrarse en sus páginas. La autora, nos desvela algunas de las claves de esta obra en esta entrevista, el nacimiento, desarrollo y desenlace de este resurgir del pasado en versos, este modo de alzarse la memoria a través del paisaje interior y exterior, también.

Nerea Aguado Alonso (Pamplona, 1982), es Comunicadora Inclusiva, licenciada en Comunicación Audiovisual, Especialista en Igualdad entre Mujeres y Hombres, estudiante de Psicología. Ha colaborado en diversas revistas (El Mono) y fanzines (Mujeres Legendarias del Lejano Oeste junto a la ilustradora Irati FG , Piratas y Mujeres Legendarias de Ultramar junto a las ilustradoras Irati FG y Ana Albares, y Ukelela entre otros). Ha coordinado diversos proyectos de memoria, ilustración y poesía (Memoria a la fresca del programa Landarte 2019). Autora del libro de poemas: Accidente geográfico (Editorial Balas Trazadoras).

— En tu obra se establece un vínculo importante entre la genealogía familiar y el paisaje, ¿cómo surge esa relación tan íntima que seduce a quien lee este libro desde las primeras páginas y lo acerca al poema?

Mis familias están ligadas a los lugares en los que nacieron y vivieron, aquellos donde me criaron a ratos. A los hogares, pero también al paisaje. No es lo mismo pasar los veranos mirando al mar, que corriendo por el bosque, que jugando con la arcilla de las Bardenas Reales. Los paisajes y el medio ambiente marcan los usos y costumbres, la hora de la siesta, salir a la fresca, la niebla que sube del canal, el cielo plano. Somos también los horizontes donde descansamos la mirada y nuestra familia es la sombra que se proyecta sobre ellos.

— Este reencuentro con el paisaje y su historia, ¿te ha transformado una vez escrito? ¿Cómo ha sido tu experiencia una vez concluida su escritura?

Primero me transformó mientras lo escribía. Cuando se escribe de fuera adentro, elegir qué se mira es también elegir qué queremos expresar. Además, observas de otra manera, menos profunda y más abierta. Dejas de buscar el significado en el paisaje, para verlo desnudo de recuerdos.

Después, al volver a los poemas, tras ese barbecho que tanto oxigena, me he leído a mí. Empecé el libro como un álbum de recuerdos, para guardar en palabras las fotografías que ya no iba a poder sacar. Pero me he dado cuenta que no solo los atesoraba, también me despedía de una perspectiva que ha empezado a cambiar.

— En cada libro de poemas existe una narrativa propia, también ritmo y ritual, cada libro surge en un momento vital importante que quizá marca su trayectoria o inicio o desenlace, ¿acompaña este libro algún momento vital de especial trascendencia para ti?

Sí. Ver un lugar vivido de niña y joven con ojos de adulta. El proyecto Landarte, donde Irati y yo acompañamos a habitantes de Cabanillas a recoger historias orales y convertirlas en poemas y collages fue uno de esos momentos.

La venta de la casa de mi abuela materna, perder la vivienda de referencia de mi niñez y juventud, fue el otro.

Yo volvía a un lugar donde ya no tenía habitación. Fue una paradoja que disparó las ganas de recolectar olores, temperaturas, texturas.

— ¿Existen en tu obra poética algunas claves importantes que te definen a la hora de escribir o marcan tu trayectoria profesional?

El tachado, lo concreto y lo físico. Busco la sensación para hacerme entender, para que la gente perciba el matiz que yo percibo. Para eso hay que concretar e intentar no escribir más de lo necesario. Las sensaciones, si las describes mucho son demasiado personales, y si no lo haces lo suficiente, se vuelven conceptos abstractos.

— A través de tus poemas vemos cómo el lenguaje crece y se transforma en un juego dinámico y frondoso en el que la narración de lo que se cuenta modifica el lenguaje dotándolo de una musicalidad muy personal, nada estridente, suave, que de forma natural sigue la estela natural del tiempo, el camino recorrido, ¿cómo surge este libro de poemas y cómo estableces esta estructura tan eficaz?

Es la primera vez que escribo un libro habiendo decidido que va a ser un libro. Todo lo hecho anteriormente son recopilaciones de poemas a los que les he visto algo en común a posteriori. En el caso de “Callaba la tierra” no forcé la escritura de los poemas, pero sí sabía que quería acabar escribiendo un libro con ellos, que tenían que tener una temática y un color coherentes.

En cuanto a la estructura, yo la vi clara, las estaciones, los ritos y los cambios del paisaje asociados a ellas. Mis cambios de rutinas. Un laberinto circular sin salida.

— Como lectora, ¿cuáles serían tus autores o autoras de cabecera o aquellas lecturas que marcaron tu vida personal o profesional?

De niña, oír en labios de mi padre a Miguel Hernández y Antonio Machado y leer los versos del programa de fiestas de mi pueblo, ese octosílabo tan oral. Y Gloria Fuertes, la de veces que habré interpretado con mi hermana “Tres reinas magas” no las puedo ni contar. Pronto, con 17 años, conocí a las poetas del 27 (ahora conocidas como las Sin Sombrero). Concha Méndez, su sencillez tan pulida y limpia, tan cercana a Gloria Fuertes me atrapó. Ese jugar a la simpleza, a que la poesía sea alegre y no hable solo de desamores, me chocaba y atraía a la vez. ¡Hacer poemas a los aviones!

En lo profesional, leer a María Martín Barranco y a Brigitte Vasallo ha sido lo mejor que me ha pasado para replantearme todo el uso del lenguaje.

Y lo que unió ambos mundos fue leer a María Sanchez. Creo que “Callaba la tierra” tiene una deuda impresionante con “Almáciga” en la motivación para usar palabras de la Ribera de Navarra en los poemas. Y “Tierra de mujeres” fue la impulsor de los proyectos donde he querido escuchar las historias no escritas de las mujeres rurales y barriales. “Cuaderno de campo” es un animal sangrante que te muerde.

— Cualquier lector o lectora se siente inmediatamente seducido por un título tan hermoso como lo es “Callaba la tierra”, ¿cómo nace esta hermosa imagen que con tanto acierto has elegido?

Ana Jaka, a quien le dedico el poemario, me estaba haciendo la primera revisión, enseñándome a corregir con visión de libro. Cada título que se me ocurría le parecía que no encajaba. Buscaba un título que describiera el libro pero no estuviera contenido en él. Entonces Uve Books abrió convocatoria de poemarios y yo no tenía título, busqué un verso que me sonara bien de entre todos los poemas y cuando lo leí suelto, supe que había acertado. Porque lo que he guardado en este libro es lo que no quería que la tierra callara.

— Tras la presentación de este libro, ¿trabajas en algún proyecto futuro?

He puesto ya en manos de Sandra Márquez, editora de Uve Books, mi siguiente poemario “¿De qué muere un buitre?”. A pesar de las muertes que lo atraviesan, su color es más claro, más azul. Tiene una luminosidad que me sorprende.

Ahora trabajo en otro pero me está costando, siento que estoy necesitando otro estilo o una evolución de este. Me salen poemas más largos, como si esta vez quisiera ocultar algo en las palabras. Me tiene enjaulada.

Es el momento pues de atreverse a iniciar esta lectura del paisaje que habita dentro y cabalgar a través de estas páginas por un escenario en el que tal vez nos encontremos a nosotros y nosotras mismas, o quién sabe, descubramos en nuestra memoria o momento actual nuestro propio escenario interior que exactamente transforma y crea lo que crece afuera. Abrir el corazón y el alma y abandonarse a esta lectura puede iniciar dicha transformación en calma. Tan sólo es cuestión de voluntad y empuje.

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Viajes, travesías y transiciones

by Uve Magazine
written by Uve Magazine

Viajes, travesías y transiciones, es el título del segundo número de nuestra revista cuatrimestral, impresa y digital, de carácter atemporal,  feminista y humanista, de temática histórica, literaria, artística y musical. 

Aquí os dejamos el sumario.

A la venta en 14 de noviembre en librerías, en la web y en uvebooks.com

 

Helena Toraño
Helena Toraño
Beatrix Potter
Beatrix Potter
The map of life
The map of life
Carmen de Burgos
Carmen de Burgos
Cordell Jackson
Cordell Jackson

SUMARIO

  • ENTREVISTA A LA ARTISTA PLÁSTICA HELENA TORAÑO

(SANDRA MÁRQUEZ)

  • LIBRERÍAS DE HABLA HISPANA EN EUROPA. REFUGIOS FUERA DEL HOGAR

(SARA PRETICOR)

  • A TRAVÉS DE ALEMANIA

(CARMEN DE BURGOS)

  • EL VIAJE INTERIOR

(ANA VEGA)

  • BEATRIX POTTER Y EL VIAJE DE LA VIDA

(YOLANDA ÁLVAREZ)

  • CORDELL JACKSON PIONERA DEL ROCK AND ROLL

(EMAIN JULIANA)

  • MI PRIMER VIAJE COMO MOCHILERA A PORTUGAL

(LAURA A. SÁNCHEZ)

  • TRA- TRA! TRAVESÍAS, TRANSICIONES Y TRAMITACIONES

(ROCÍO OSORIO)

  • LA VUELTA AL MUNDO EN OCHO LIBROS

(ALICIA MEDINA)

Si quieres suscribirte a nuestra revista puedes escribirnos a [email protected]

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