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Agenda

AgendaLiteraturaNoticias

La Feria del Cómic de Madrid vuelve en 2026

by Uve Magazine 21/12/2025
written by Uve Magazine

La Feria del Cómic de Madrid volverá a Matadero del 26 al 29 de marzo de 2026 con una segunda edición que refuerza su ambición cultural y su vocación europea. Tras una primera convocatoria que superó expectativas, la cita regresa con un eje claro: un viaje por las principales ciudades del cómic europeo, con Madrid como destino final y lugar de cruce entre tradiciones, estilos y nuevas formas de entender el medio.

La periodista cultural Laura Barrachina asumirá la comisaría de esta edición, aportando una mirada experta y contemporánea sobre el cómic como lenguaje narrativo y espacio de pensamiento. El cartel oficial correrá a cargo del ilustrador madrileño Daniel Montero Galán, que ya vivió de cerca el ambiente de la primera feria y que buscará condensar en una sola imagen el carácter plural, festivo y colectivo del evento.

La programación se articulará en torno a ese concepto de viaje, entendido no solo como desplazamiento geográfico, sino también como proceso creativo, experiencia vital y diálogo cultural. Las ciudades europeas del cómic servirán como puntos de partida para reflexionar sobre las distintas tradiciones gráficas del continente y sobre cómo todas ellas confluyen hoy en Madrid, una ciudad que se reivindica como capital activa del cómic europeo.

Además de charlas, encuentros y actividades para públicos diversos, la feria ampliará su zona de venta, con mayor presencia de librerías y editoriales especializadas. La entrada seguirá siendo gratuita y se mantendrá el descuento del 10 % en las compras, una medida pensada para fomentar la lectura y apoyar al sector.

Coorganizada por el Ayuntamiento de Madrid y la Asociación de Librerías de Madrid, con la colaboración de la Fundación Germán Sánchez Ruipérez, la Feria del Cómic de Madrid avanza así hacia su consolidación como una cita estable y relevante dentro del calendario cultural de la ciudad. Sin rodeos: el cómic ha llegado para quedarse en Madrid, y esta feria quiere ser una de sus casas principales.

21/12/2025 0 comments
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AgendaArteCine

El expresionismo en la gran pantalla

by Valeria Cruz 07/10/2025
written by Valeria Cruz

La Fundación Canal abre sus puertas a una propuesta inédita en España: “Expresionismo. Un arte de cine”, una exposición que explora el intenso diálogo entre las artes plásticas y el séptimo arte en las primeras décadas del siglo XX. Podrá visitarse en Madrid del 8 de octubre de 2025 al 4 de enero de 2026, en la sala Mateo Inurria 2.

Un diálogo entre lienzo y celuloide

El expresionismo, con sus contrastes radicales, atmósferas dramáticas y figuras deformadas, no se limitó a la pintura o la escultura. El cine encontró en este lenguaje un aliado para transmitir emociones extremas y representar la angustia, el deseo o la alienación con una fuerza inédita. Del mismo modo, los artistas plásticos hallaron en el cine un medio capaz de expandir sus obsesiones visuales y narrativas.

La muestra se presenta como un recorrido donde se entrelazan imágenes, obras y fragmentos cinematográficos que dieron forma a un universo estético compartido. Películas míticas del expresionismo alemán como El gabinete del doctor Caligari o Nosferatu dialogan con la obra de artistas plásticos que, desde la radicalidad expresiva, compartieron un mismo impulso: transformar la realidad en un espejo inquietante del alma humana.

Una experiencia única en España

Es la primera vez que se organiza en nuestro país una exposición que analiza con tanta amplitud la influencia mutua entre el expresionismo y el cine. El visitante encontrará no solo un recorrido histórico, sino también una experiencia inmersiva en la que la imagen cinematográfica se convierte en arte plástico, y la obra artística en relato visual.

La propuesta incluye un enfoque transversal que hace de esta muestra un plan cultural para todos los públicos. La Fundación Canal ha destacado incluso su interés como actividad familiar, acercando a los más pequeños la fuerza de un movimiento que convirtió la emoción en forma.

El expresionismo, vigente un siglo después

Más de cien años después de su nacimiento, el expresionismo sigue proyectando su sombra sobre nuestra cultura visual. La radicalidad de su estética ha dejado huella en el cine, la fotografía, la literatura y hasta en la cultura popular contemporánea. Esta exposición busca recordarnos que aquel arte nacido en tiempos convulsos continúa interpelándonos hoy, como un eco de nuestras propias contradicciones.

“Expresionismo. Un arte de cine” estará abierta hasta el 4 de enero de 2026 en la Fundación Canal (calle Mateo Inurria 2, Madrid).

07/10/2025 0 comments
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AgendaArteEventosNoticias

Picasso y Klee en el Thyssen

by Uve Magazine 01/10/2025
written by Uve Magazine

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza prepara para el otoño una de las exposiciones más sugerentes de los últimos años. Del 28 de octubre de 2025 al 1 de febrero de 2026 se mostrará en Madrid Picasso y Klee en la colección de Heinz Berggruen, un recorrido de medio centenar de obras que permitirá asistir a un diálogo artístico de enorme intensidad entre dos creadores fundamentales del siglo XX y, al mismo tiempo, recuperar la figura de uno de los coleccionistas más influyentes del pasado siglo: Heinz Berggruen.

El proyecto nace de la colaboración con el Museum Berggruen de Berlín, institución que custodia el legado reunido por el marchante alemán y que, durante la remodelación de su sede, ha impulsado desde 2022 una serie de itinerancias internacionales en Japón, China, Australia y varias ciudades europeas. Madrid se suma ahora a esa lista, acogiendo un conjunto de piezas que permiten mirar de nuevo a Picasso y Klee desde la perspectiva de un coleccionista que los consideraba no solo esenciales en la historia del arte moderno, sino también complementarios en sus búsquedas creativas.

La muestra, comisariada por Paloma Alarcó y Gabriel Montua, se articula en torno a cuatro grandes núcleos temáticos: retratos y máscaras, paisajes, objetos y arlequines y desnudos. En cada sección se ponen en paralelo obras de ambos artistas que, pese a sus diferencias de temperamento, revelan afinidades profundas. Picasso aparece como un creador terrenal, excesivo, sensual, con una energía meridional que lo lleva a deformar la realidad con una audacia desbordante. Klee, en cambio, se nos presenta como un artista introspectivo, espiritual, cargado de un lirismo intelectual que transforma cada motivo en metáfora. Y, sin embargo, ambos comparten un mismo espíritu de experimentación, un interés por lo grotesco y lo satírico, por la distorsión del cuerpo humano, por la caricatura como herramienta para desvelar verdades ocultas.

Los retratos y máscaras ocupan un lugar central en este diálogo. En el caso de Picasso, las deformaciones que aplica a las figuras femeninas, como en sus representaciones de Dora Maar, muestran hasta qué punto concibió el retrato no como reproducción fiel de la apariencia, sino como un campo de metamorfosis en el que lo grotesco se convierte en revelación. La influencia de las máscaras africanas y oceánicas se advierte en obras como los estudios para Las señoritas de Aviñón, donde el artista hallaba un potencial mágico y transformador. Klee, por su parte, llevó su fascinación por los rostros enmascarados hacia una investigación de lo invisible. Inspirado por el museo etnográfico de Múnich y los teatros de marionetas, buscaba reflejar aquello que permanece oculto tras la superficie, a menudo mediante un grafismo de apariencia ingenua que sin embargo revela una carga inquietante, como en Dama con lacre o La señora R. viajando por el sur.

El paisaje constituye otro de los territorios de encuentro. Para Picasso fue un campo de experimentación decisivo en la gestación del cubismo, con ejemplos célebres como las panorámicas de Horta del Ebro. Aunque no cultivó el género con la misma constancia, algunas piezas incluidas en la exposición, como Naturaleza muerta delante de una ventana, Saint-Raphaël o Vista de Saint-Malo, muestran su capacidad para reinventar la tradición. En el caso de Klee, el viaje a Túnez en 1914 marcó un punto de inflexión. Allí encontró la clave para un lenguaje que ya no buscaba imitar la naturaleza, sino dialogar con ella en un plano más profundo. Obras como Ciudad de ensueño o Casa giratoria revelan cómo integró influencias cubistas en un mundo visual propio, hecho de geometrías flotantes y arquitecturas oníricas.

El terreno de la naturaleza muerta, o de las cosas, se presenta como otro espacio de afinidad. Si en el siglo XVII este género remitía a la fugacidad de la vida, en el siglo XX Picasso y Klee lo convirtieron en un laboratorio formal. Picasso, influido por Cézanne, fragmentó la materia y el espacio, e introdujo objetos reales en sus composiciones para fundir lo representado con lo tangible. Su Naturaleza muerta con racimo de uvas de 1914, con periódicos y serrín incorporados a la tela, marca el nacimiento del cubismo sintético. Klee, en cambio, buscó la esencia de los objetos en su estructura interna, defendiendo que su verdadero ser iba más allá de lo visible. Obras como Porcelana china o Flor y fruta revelan esa voluntad de captar un dinamismo orgánico en elementos aparentemente inanimados.

La sección final reúne arlequines y desnudos, dos universos que Picasso abordó de manera obsesiva a lo largo de su vida. Desde los Dos bañistas de 1921 hasta Silenos con danzantes de 1933, pasando por sus múltiples arlequines —entre ellos el célebre Arlequín sentado de 1905—, se despliega un repertorio de cuerpos fragmentados, sensuales, teatrales. El circo y el desnudo aparecen como escenarios donde la vitalidad y la vulnerabilidad se entrelazan. Klee se acercó al mundo circense desde una óptica distinta, en la que la figura humana se funde con la arquitectura y el color, como en Arlequín en el puente o Despertar, donde la silueta reclinada parece integrarse con el fondo en un todo armónico.

La exposición no es solo una oportunidad de contemplar obras maestras, sino también de entender el papel decisivo de Heinz Berggruen. Nacido en Berlín en 1914 y exiliado durante el nazismo, trabajó en el San Francisco Museum of Art y colaboró con Diego Rivera antes de regresar a Europa tras la guerra. En París abrió en 1948 su primera galería y, más tarde, la célebre Galerie Berggruen & Cie. Durante décadas fue una figura clave en el mercado internacional, rescatando obras de colecciones privadas y acercándolas a mecenas contemporáneos. A partir de los años ochenta se volcó en el coleccionismo personal, con una clara preferencia por Picasso y Klee. Su colección fue adquirida en el año 2000 por el gobierno alemán, dando lugar al Museum Berggruen, parte de la Nationalgalerie. El paralelismo con Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza, cuya colección también acabó en manos de un Estado, es evidente: ambos entendieron el coleccionismo no solo como acumulación de bienes, sino como una forma de transmisión cultural al servicio del público.

Que hoy Madrid acoja esta selección significa recuperar no solo la huella de dos de los artistas más influyentes de la modernidad, sino también el gesto generoso de un coleccionista que supo ver en ellos los pilares de una época. En sus memorias, Berggruen los definió como “los dos creadores fundamentales de la primera mitad de nuestro siglo”. La exposición confirma esa convicción, mostrando cómo dos lenguajes distintos podían coincidir en la misma voluntad de transformación: alterar las formas para revelar lo invisible, deformar lo humano para acercarse a lo esencial, convertir lo trivial en un campo de descubrimiento.

Los visitantes encontrarán en el Thyssen no solo cuadros célebres como Dora Maar con uñas verdes, Mujer con lacre o Arlequín sentado, sino también la oportunidad de comprender cómo la pintura del siglo XX fue capaz de reinventar el modo de mirar. El humor corrosivo de Picasso y la delicadeza metafórica de Klee se dan la mano en una muestra que es, más que una confrontación, una conversación sin tiempo.

01/10/2025 0 comments
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AgendaArte

Nueva edición de “Aprendiendo a través del arte” en el Guggenheim Bilbao

by Uve Magazine 01/08/2025
written by Uve Magazine

El 21 de septiembre de 2025 finaliza una nueva edición de Aprendiendo a través del arte, una exposición que recoge el trabajo desarrollado por niñas y niños de primaria junto a artistas contemporáneos, dentro de un programa educativo que lleva más de dos décadas consolidándose como un referente en el Museo Guggenheim Bilbao.

Lejos de los modelos convencionales de exposición, este proyecto parte de una premisa distinta: el arte no es solo una asignatura ni un contenido adicional, sino una forma de pensar, observar, cuestionar y comunicar. A lo largo de veinte sesiones, artistas residentes colaboran con el alumnado de varios centros escolares del País Vasco, integrando los contenidos curriculares —desde ciencias hasta lengua o matemáticas— en procesos creativos que transforman la manera de aprender y enseñar.

Las piezas que se muestran en el museo son el resultado de ese recorrido compartido, en el que la experimentación, el juego y la reflexión toman un papel central. Más que obras terminadas, son rastros de un proceso de investigación visual que nace en el aula y se traslada al espacio expositivo. Cada grupo ha trabajado un tema distinto, muchas veces a partir de inquietudes reales del grupo o del entorno, como el paso del tiempo, la convivencia, el paisaje, las lenguas o la identidad.

Una de las claves de este programa está en su planteamiento metodológico. No se trata de que los niños “hagan arte” en el sentido tradicional, sino de que utilicen herramientas artísticas para explorar el mundo. Esta perspectiva convierte cada actividad en una oportunidad para mirar lo cotidiano desde otro ángulo, generar preguntas, encontrar relaciones inesperadas o reformular lo aprendido desde una dimensión más sensible.

El museo ofrece así no solo una exposición, sino un espacio donde el visitante puede asomarse al aula y descubrir cómo los más jóvenes interpretan lo que les rodea. Las obras, aunque concebidas en contextos escolares, logran activar en el espectador adulto una mirada distinta, menos cerrada y más permeable a la duda. Se rompen las jerarquías entre saberes “serios” y formas de expresión consideradas menores. Aquí, un collage hecho con papeles de colores puede abrir una conversación sobre el tiempo, la pérdida o la memoria.

Para el Guggenheim Bilbao, Aprendiendo a través del arte es más que un proyecto educativo: es una manera de abrir el museo a la comunidad, de establecer vínculos con el territorio y de repensar el papel de las instituciones culturales. La exposición no pretende exhibir destrezas técnicas ni fomentar vocaciones artísticas tempranas, sino mostrar cómo el arte puede intervenir en los procesos de aprendizaje de forma natural y significativa.

Con cada nueva edición, el programa acumula materiales, experiencias y enfoques distintos, que no solo sirven como archivo pedagógico, sino como inspiración para docentes, artistas y profesionales de la educación. En un contexto donde el pensamiento creativo suele quedar al margen de los sistemas educativos más rígidos, esta iniciativa propone una alternativa real y efectiva, basada en la escucha, la participación y el respeto por la mirada infantil.

01/08/2025 0 comments
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AgendaArteEventos

Duane Michals, el arte de fotografiar lo invisible

by Clara Belmonte 24/07/2025
written by Clara Belmonte

Duane Michals, uno de los nombres más influyentes de la fotografía contemporánea, llegó a Madrid el pasado mes de mayo con una gran retrospectiva organizada por la Fundación Canal. Bajo el título Duane Michals. El fotógrafo de lo invisible, la muestra —incluida en la sección oficial de PHotoESPAÑA 2025— permanecerá abierta al público hasta el 24 de agosto en la Sala Mateo Inurria 2. A falta de un mes para su clausura, aún es posible adentrarse en el universo creativo de un artista que transformó para siempre el lenguaje fotográfico.

La exposición, comisariada por Enrica Viganò y realizada en estrecha colaboración con el propio artista, reúne 51 obras compuestas por 150 fotografías que abarcan seis décadas de trabajo, desde 1964 hasta sus creaciones más recientes. A sus 93 años, Michals continúa produciendo obra con la misma lucidez crítica que lo convirtió en una de las voces más singulares de la fotografía del siglo XX.

Autodidacta y al margen de las convenciones del medio, Michals fue pionero en incorporar la narrativa secuencial y el texto manuscrito a la fotografía, desplazando el foco del documento a la emoción, la metáfora y la introspección. Su trabajo, más cercano a la literatura y al cine que al fotoperiodismo, plantea interrogantes sobre la identidad, el tiempo, la muerte, el amor o la espiritualidad.

La muestra se articula en torno a seis grandes ejes temáticos —Imaginación, Visualización, Sensación, Intuición, Indignación y Revelación— que permiten explorar la evolución y profundidad de su pensamiento visual. Desde secuencias icónicas como Encuentro casual (1970) o Las cosas son raras (1973), hasta retratos de Duchamp, Warhol o Magritte y vídeos recientes donde el propio Michals reflexiona sobre su obra, el recorrido ofrece una mirada íntima, filosófica y profundamente humana.

Quienes aún no la hayan visitado están a tiempo de descubrir a un artista que desafió los límites del medio y abrió la fotografía a lo invisible.

24/07/2025 0 comments
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AgendaArteEventos

Anna Weyant entre espejos y herencias

by Emain Juliana 18/07/2025
written by Emain Juliana

El Museo Thyssen-Bornemisza acoge la primera exposición monográfica en un museo de la artista canadiense Anna Weyant (Calgary, 1995), dentro del programa dedicado a la colección de Blanca y Borja Thyssen-Bornemisza. La muestra, comisariada por Guillermo Solana, reúne 26 obras entre lienzos y trabajos sobre papel pertenecientes a su producción más reciente, y se podrá visitar del 15 de julio al 12 de octubre de 2025.

Formada en la Rhode Island School of Design y con una breve estancia en la China Academy of Art en Hangzhou, Weyant se trasladó a Nueva York, donde su carrera despegó con fuerza desde su primera exposición individual en 2019. En apenas unos años, ha pasado de vender dibujos por 400 dólares en ferias locales a alcanzar más de 1,5 millones en subastas internacionales, convirtiéndose en una de las figuras más destacadas del arte figurativo contemporáneo. En 2022 se convirtió en la artista más joven representada por la prestigiosa galería Gagosian, donde ha celebrado exposiciones como Baby, It Ain’t Over Till It’s Over o Who’s Afraid of the Big Bad Wolves?, consolidando su presencia internacional.

El trabajo de Weyant se sitúa en un terreno de afinidades históricas y disonancias contemporáneas. Con una estética figurativa que remite al Barroco y a movimientos artísticos de la primera mitad del siglo XX, la artista construye una iconografía donde lo cotidiano se entrelaza con lo onírico, y donde los géneros tradicionales del arte —retrato, bodegón, escena de interior— son revisitados desde una mirada cargada de ironía, melancolía y un subtexto feminista muy actual. Esta conexión con el pasado se materializa en el diálogo que Weyant establece entre sus piezas y una cuidada selección de cinco obras de la colección permanente del museo, elegidas por ella misma, entre las que figuran autores como Mattia Preti, Magritte y Balthus.

Conocida por sus retratos de jóvenes mujeres inmersas en espacios que evocan casas de muñecas o paisajes suburbanos, Weyant aborda la adolescencia femenina como un espacio ambiguo entre la inocencia y el desencanto. Sus personajes —de apariencia serena, pero emocionalmente contenida— parecen habitar un mundo suspendido, atravesado por el deseo, la fragilidad y una cierta amenaza latente. Este mismo clima emocional se extiende a sus naturalezas muertas, donde globos a medio inflar, flores marchitas o lazos deshechos sugieren un estado de transición o colapso inminente.

Feted, 2020. Óleo sobre lienzo. Anna Weyant

La exposición subraya también el interés de la artista por lo siniestro y lo ilusorio. Obras como El concierto de Mattia Preti o el Retrato de una joven de perfil con una máscara en la mano derecha de Piazzetta refuerzan la idea de un tiempo detenido y enmascarado. En esa misma línea, la inclusión de El retrato del Dr. Haustein de Christian Schad o La llave de los campos de Magritte añade una tensión entre lo visible y lo que se oculta, entre la apariencia y lo que amenaza con irrumpir.

Conceptualmente, Weyant combina un dominio técnico muy riguroso —influido por los viejos maestros— con una sensibilidad contemporánea que no rehúye el humor negro ni la crítica velada. En palabras de la propia artista, solo produce pinturas que realmente son significativas para ella, y ha llegado a eliminar obras completas si no cumplen con su estándar emocional. Su reciente serie sobre joyas, presentada en TEFAF Nueva York, plantea una reflexión sobre el lujo y el artificio, utilizando un trompe-l’œil impecable que sugiere tanto opulencia como vacío simbólico.

Con esta exposición, el Museo Thyssen-Bornemisza no solo reconoce a una de las voces más interesantes y singulares del arte actual, sino que también plantea un diálogo entre tradición y contemporaneidad, e historia del arte y sensibilidad crítica. Lejos de ser una simple revelación del mercado, Anna Weyant se confirma aquí como una artista con visión, profundidad y una estética tan perturbadora como refinada.

18/07/2025 0 comments
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AgendaCine

Lugares reales que inspiraron películas

by Uve Magazine 13/07/2025
written by Uve Magazine

Hay películas que nos marcan por sus historias o por sus personajes inolvidables. Pero, a veces, lo que permanece grabado en nuestra memoria son sus escenarios: paisajes sobrecogedores, ciudades mágicas o parajes exóticos que parecen sacados de un sueño… y que, sorprendentemente, existen de verdad.

Viajar siguiendo las huellas del cine es una de las experiencias más emocionantes que puede vivir un amante de las películas. No solo porque pisas el mismo suelo que tus personajes favoritos, sino porque, de algún modo, entras en la historia, formas parte de la película. Aquí tienes diez destinos de película donde realidad y ficción se dan la mano… y que, si tienes ocasión, deberías visitar al menos una vez en la vida.

1. Matamata, Nueva Zelanda – Hobbiton (El Señor de los Anillos y El Hobbit)

En el corazón de la Isla Norte neozelandesa, a apenas dos horas de Auckland, se encuentra Matamata, una tranquila zona de colinas verdes y pastos infinitos. Para muchos, sería simplemente un bonito rincón rural… si no fuera porque Peter Jackson decidió convertirlo en Hobbiton, el pueblo de Bilbo y Frodo Bolsón.

Hoy, Hobbiton es uno de los sets cinematográficos más visitados del mundo. Pasear por sus senderos es como entrar en la Comarca: las casitas hobbit con sus puertas redondas, diminutos jardines, bancos de madera y pequeños utensilios cotidianos parecen habitados todavía. La visita incluye rincones célebres como la casa de Bilbo, la emblemática puerta verde, el Puente de Piedra o el Green Dragon Inn, donde puedes probar cervezas especialmente elaboradas para el lugar.

Curiosamente, el set original se desmontó tras El Señor de los Anillos, pero se reconstruyó con materiales permanentes para el rodaje de El Hobbit, y desde entonces se mantiene abierto como atracción turística. El nivel de detalle es tan minucioso que incluso las verduras en los huertos son reales y se cultivan durante todo el año para mantener la ilusión de un lugar habitado.

2. Skellig Michael, Irlanda – Star Wars

Frente a las costas del condado de Kerry, en Irlanda, emerge Skellig Michael, una isla escarpada y dramática que parece flotar en mitad del Atlántico. Esta roca, declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, se convirtió en el exilio de Luke Skywalker en Star Wars: El Despertar de la Fuerza y Los Últimos Jedi.

La isla es famosa por su monasterio del siglo VI, un conjunto de celdas de piedra y escalones vertiginosos que serpentean la ladera. Llegar a la cima es toda una aventura: más de 600 escalones de roca tallados a mano, expuestos al viento y a las olas. Las vistas recompensan cada esfuerzo, con el océano extendiéndose infinito en todas direcciones.

Las visitas a Skellig Michael son muy limitadas. Solo operan en verano, dependen del buen clima y están sujetas a cupo para proteger tanto a los visitantes como a la fauna local, especialmente las colonias de frailecillos. Aun así, muchos fans de Star Wars se embarcan en la travesía para vivir su momento jedi en uno de los lugares más místicos de Irlanda.

3. Petra, Jordania – Indiana Jones y La última cruzada

En el sur de Jordania, oculta tras un estrecho desfiladero llamado el Siq, se alza de pronto una gigantesca fachada de piedra rosa: Al Khazneh, o “El Tesoro”. Este edificio es uno de los símbolos de Petra, la antigua ciudad nabatea que asombra al mundo desde hace siglos.

En Indiana Jones y la Última Cruzada, Al Khazneh se convirtió en la entrada al templo que custodia el Santo Grial. Aunque en la película parece que el interior esconde interminables pasillos y trampas mortales, la realidad es diferente: la cámara interior de El Tesoro es pequeña y poco profunda. El resto de escenas se rodaron en estudios.

Sin embargo, recorrer Petra sigue siendo como adentrarse en una película de aventuras. Las fachadas esculpidas, los enormes cañones de roca y las tumbas talladas crean un escenario sobrecogedor. Petra no es solo un monumento, sino toda una ciudad troglodita, con templos, teatros y calles excavadas en la roca. No sorprende que la UNESCO la haya catalogado como Patrimonio de la Humanidad y que figure entre las Siete Maravillas del Mundo Moderno.

4. Salzburg, Austria – Sonrisas y lágrimas

Pocos lugares tienen una asociación tan fuerte con un musical como Salzburg con The Sound of Music (Sonrisas y Lágrimas). Aunque en su momento la película fue recibida con cierto escepticismo en Austria, con el paso de los años se ha convertido en un símbolo turístico y cultural.

En la ciudad y sus alrededores se encuentran decenas de localizaciones del rodaje. Los jardines de Mirabell, donde Julie Andrews canta “Do-Re-Mi”, el Monasterio Nonnberg, donde vivía María, o el Palacio Leopoldskron, que en el film es la mansión de los von Trapp. También puedes recorrer praderas abiertas con vistas a los Alpes, exactamente donde María gira con los brazos abiertos en la célebre escena inicial.

Salzburg ofrece visitas guiadas que incluyen anécdotas, canciones y hasta oportunidades para recrear momentos de la película. Para los fans, es como entrar en un musical en vivo.

5. Alnwick Castle, Reino Unido – Harry Potter

En Northumberland, al norte de Inglaterra, se levanta Alnwick Castle, una fortaleza medieval que ha resistido batallas, asedios… y una invasión de fans de Harry Potter. Fue aquí donde se filmaron las escenas de vuelo en escoba de las dos primeras películas, y donde Harry aprendió sus primeras maniobras aéreas con Madame Hooch.

Hoy, Alnwick ofrece recorridos tematizados, actividades de “clases de vuelo”, y exposiciones sobre el rodaje. Pero incluso sin la conexión mágica, el castillo merece la visita por su propia historia: ha sido residencia de los duques de Northumberland durante más de 700 años, y ha aparecido en otras producciones como Robin Hood: Prince of Thieves y Downton Abbey.

Una aventura de cine… en la vida real

Viajar siguiendo las huellas del cine es mucho más que turismo: es entrar en mundos que, de alguna manera, ya nos pertenecen. Cada lugar de esta lista encierra no solo belleza o historia, sino la emoción de haber sido escenario de relatos que nos han hecho soñar.

13/07/2025 0 comments
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AgendaEventos

La fotografía como vía hacia lo invisible

by Uve Magazine 12/06/2025
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Desde sus inicios, la fotografía ha sido mucho más que un simple acto de documentación. Para numerosos autores, la cámara se ha transformado en una herramienta de introspección, capaz de traducir lo intangible en imágenes que hablan del tiempo, los sueños o el misterio. Este enfoque artístico convierte la fotografía en un espacio de interpretación simbólica y poética, donde lo visible se subordina a lo que apenas puede nombrarse.

Con motivo de la exposición Duane Michals. El fotógrafo de lo invisible, la Fundación Canal organiza un encuentro único con David Jiménez, uno de los fotógrafos más destacados del panorama español actual. Acompañado por Javier Díaz-Guardiola, Jiménez compartirá su mirada sobre la fotografía como medio de revelación, capaz de trascender lo evidente y convertirse en lenguaje emocional y filosófico.

📅 1 de julio de 2025
🕡 De 18:30 a 20:00 h
📍 Auditorio de la Fundación Canal (Mateo Inurria, 2)
Toda la recaudación se destinará al Centro de día de patología dual de la Fundación Proyecto Hombre Madrid.

Reserva aquí tu entrada

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AgendaEventos

Isabel Coixet y el arte de narrar en fragmentos

by Uve Magazine 10/06/2025
written by Uve Magazine

Del 10 de junio al 14 de septiembre de 2025
Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, sala 30
Comisaria: Estrella de Diego
En el marco de PhotoEspaña 2025

La directora y guionista Isabel Coixet (Barcelona, 1960) presenta una faceta menos conocida, pero igual de personal: la de artista visual. Bajo el título Collages. Aprendizaje en la desobediencia, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza acoge una selección de cincuenta obras que dialogan con su universo cinematográfico a través del lenguaje del collage.

Comisariada por Estrella de Diego y dentro de la programación de PhotoEspaña 2025, la muestra invita al espectador a transitar por territorios narrativos que, aunque ajenos al celuloide, comparten con el cine de Coixet una estructura fragmentaria y evocadora. En palabras de la comisaria, “las historias mejor contadas son las que se construyen a retazos”, una idea que se materializa aquí mediante papeles, imágenes, frases y ensamblajes diversos que exigen una lectura activa, entre la intuición y la deducción.

Desde el papel al soporte digital, pasando por el lienzo, el cartón pluma o el táblex, los collages presentados exploran múltiples técnicas y formatos, manteniendo siempre la impronta emocional y política que caracteriza la obra de Coixet. Muchas de las piezas han sido realizadas entre 2021 y 2024, aunque también se incluyen algunas anteriores, conformando así una panorámica que revela la evolución de su mirada y su compromiso con la narración desde lo mínimo y lo cotidiano.

No es casual que Coixet elija el collage como forma de expresión: esta técnica, nacida en los inicios del siglo XX con artistas como Braque, Picasso, Schwitters o Höch, encuentra en el montaje cinematográfico un aliado natural. Ambos lenguajes —el del collage y el del cine— ensamblan fragmentos para construir sentido, y ambos apelan al margen de lo adivinatorio, a la complicidad del espectador para llenar los huecos y reconstruir un relato.

En estas composiciones también hay lugar para el juego multilingüe: frases en diferentes idiomas irrumpen como llamadas de atención, como claves de lectura que invitan a entrar y salir del plano visual, al igual que sucede en muchas de sus películas. Temas aparentemente menores —una taza, una mirada, un recuerdo, una textura— adquieren una resonancia poética y crítica. En esa atención a las “cosas pequeñas” se despliega una ética de la desobediencia: observar lo que se pasa por alto, recomponer lo roto, desafiar las formas canónicas de contar.

La exposición Isabel Coixet. Collages. Aprendizaje en la desobediencia no es solo un recorrido por la obra plástica de una cineasta; es, también, una invitación a pensar la imagen como territorio narrativo, político y sensible. Un lugar donde mirar es, siempre, una forma de leer.

10/06/2025 0 comments
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AgendaEventosLiteratura

Arranca la Feria del Libro de Madrid

by Uve Magazine 31/05/2025
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Madrid abre su feria del libro con un arranque potente: grandes autoras, autores y tributos literarios.

Nueva York, el español como lengua de identidad, homenajes a Ana María Matute y Mario Vargas Llosa, y una mirada al sur de la literatura: así comienza la 84.ª edición de la Feria del Libro de Madrid, con un fin de semana inaugural que promete ser un mosaico vibrante de ideas, memorias y lenguajes.

Sábado 31 de mayo: del español como resistencia a la memoria viva

La jornada inaugural se despliega con una charla de alto voltaje intelectual: Estados Unidos Hispanos. Una defensa del español, con María Negroni, Eduardo Lago y Carmen Boullosa. El español, más que una lengua extranjera en Estados Unidos, es una presencia resistente y moldeada por millones. Esta conversación propone una celebración del idioma como entidad viva que se transforma y a la vez se afirma como emblema de identidad.

A la misma hora, dos grandes homenajes emocionan a los amantes de la literatura: Ana María Matute, en el centenario de su nacimiento, y Mario Vargas Llosa, figura emblemática del Boom latinoamericano, serán recordados por escritores como Dolores Redondo, Manuel Vilas, Claudia Piñeiro y Javier Cercas, entre otros. Dos actos para recordar el poder de la palabra y el peso de una trayectoria.

Por la tarde, la escritora Marta Sanz se encuentra con Vivian Gornick, una de las grandes voces del ensayo autobiográfico, en un diálogo íntimo sobre feminismo, literatura y vida. Mientras tanto, el ensayista y poeta Eliot Weinberger conversa con Bárbara Mingo sobre lo poético en el pensamiento.

La jornada culmina con dos reflexiones complementarias: una sobre la identidad literaria latinoamericana en Europa —con Karina Sainz Borgo, Andrés Neuman y Natalia García Freire—, y otra sobre las narrativas indígenas y mestizas, de la mano de Socorro Venegas y Juan Carlos Méndez Guédez. Dos mesas para mirar desde el exilio, desde las raíces y desde las fisuras de la historia.

Domingo 1 de junio: voces del sur, del amor y de la ciencia ficción

El domingo trae nuevos registros. Yeguas de Troya, el giro literario de Caballo de Troya hacia escrituras del sur dirigidas por Gabriela Wiener, presenta a sus autoras en una mesa rabiosa y necesaria, con Tamara Grosso, Yolanda Arroyo Pizarro, Luciana De Mello y Pino Luna.

En una línea similar, El pulso de la verdad reúne a Lina Meruane, Claudia Salazar y Juan Álvarez para hablar sobre escritura y violencia, justicia y reparación.

Uno de los momentos más esperados será la celebración de la reedición de Fragmentos de un discurso amoroso, de Roland Barthes, donde Paula Ducay e Inés García revisitarán el deseo desde el pensamiento. Y más tarde, Gabriela Mistral será homenajeada con lecturas e intervenciones desde Chile, en el marco de los 80 años de su Nobel.

La jornada también acoge mesas de exploración: El tatuaje como forma de literatura, con Luna Miguel y Pablo Cerezo; Julio Camba, el cronista lúcido de Nueva York; y la literatura fantástica y de ciencia ficción iberoamericana, con autoras como Maielis González y Laura Chivite, que reinventan el presente desde lo insólito.

Encuentros y firmas

Como cada año, el público podrá conocer y conseguir firmas de autoras y autores destacados. Entre los nombres presentes este fin de semana están Vivian Gornick, Dolores Redondo, Julia Navarro, Marta Sanz, Sergio del Molino, Beatriz Serrano, Milena Busquets, Alana S. Portero y muchos más.

Un inicio con pulso y mirada múltiple

La Feria del Libro de Madrid comienza su 84.ª edición con una programación que combina celebración, memoria crítica, escritura desde los márgenes y exploraciones literarias que cruzan el Atlántico. Una apertura potente, diversa y profundamente literaria que marca el tono de una edición con mucho que decir.

31/05/2025 0 comments
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