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Author

Valeria Cruz

Valeria Cruz

Valeria Cruz es lectora editorial con más de diez años de experiencia en la industria del libro, ha colaborado con múltiples editoriales, aportando su conocimiento y pasión para transformar manuscritos en éxitos literarios.

Literatura

Cinco libros esenciales sobre casas encantadas

by Valeria Cruz 22/12/2025
written by Valeria Cruz

En la literatura de terror, la casa encantada funciona como un espacio donde se acumulan tensiones psicológicas, conflictos familiares, traumas no resueltos y una memoria del mal que no desaparece con el paso del tiempo, sino que permanece latente y acaba manifestándose cuando alguien intenta habitar ese lugar con normalidad. Más allá de apariciones o fenómenos sobrenaturales, estas historias suelen centrarse en cómo el espacio condiciona la conducta de los personajes y actúa como un elemento desestabilizador que transforma la vida cotidiana en una experiencia hostil.

Este recorrido reúne cinco títulos fundamentales que abordan la casa encantada desde distintos enfoques, desde el gótico fundacional hasta el terror psicológico y el horror más físico.

La maldición de Hill House – Shirley Jackson

La novela de Shirley Jackson plantea la casa como un entorno diseñado para incomodar y aislar, con una arquitectura irregular y un ambiente que impide cualquier sensación de estabilidad, lo que afecta de manera directa a la fragilidad emocional de Eleanor, una protagonista marcada por la soledad y la dependencia afectiva. El terror no se articula a través de hechos explícitos, sino mediante una acumulación de pequeñas alteraciones, silencios y percepciones que erosionan progresivamente la seguridad mental de los personajes.

Hill House se presenta como un lugar donde la línea entre lo externo y lo interno se difumina, de modo que resulta difícil distinguir si los fenómenos que se producen son manifestaciones sobrenaturales o proyecciones de una mente vulnerable sometida a un entorno opresivo, lo que convierte la novela en uno de los ejemplos más sólidos de terror psicológico del siglo XX.

El resplandor – Stephen King

En El resplandor, Stephen King traslada la lógica de la casa encantada a un hotel aislado, cuyo cierre invernal refuerza el encierro físico y emocional de la familia Torrance, atrapada en un espacio que conserva las huellas de una violencia pasada que nunca ha sido neutralizada. El edificio actúa como un amplificador de los conflictos previos del protagonista, especialmente su relación con la frustración, la adicción y el resentimiento.

La novela desarrolla con precisión el deterioro progresivo de la convivencia familiar, mostrando cómo el aislamiento y la presión constante del lugar acaban por romper cualquier equilibrio previo, convirtiendo el espacio en un elemento determinante para la transformación psicológica del personaje principal y para el estallido final de la violencia.

La casa infernal – Richard Matheson

Richard Matheson opta por un enfoque más directo y agresivo, situando la acción en una mansión cuya historia de abusos, excesos y crueldad se manifiesta a través de fenómenos físicos extremos que afectan de forma inmediata a quienes intentan investigarla. A diferencia de otros títulos del subgénero, aquí no hay ambigüedad ni contención: la casa responde de manera violenta y constante.

La novela combina elementos de parapsicología, ciencia y religión para reflexionar sobre los límites del mal humano y su capacidad para impregnar un lugar, planteando una experiencia de lectura intensa y sin concesiones, que ha consolidado a La casa infernal como una de las obras más radicales sobre espacios malditos.

El castillo de Otranto – Horace Walpole

Publicado en el siglo XVIII, El castillo de Otranto establece las bases del gótico al vincular la arquitectura con la herencia, la culpa y el destino, utilizando el castillo como un espacio donde lo sobrenatural irrumpe como consecuencia directa de una transgresión pasada. Pasadizos ocultos, apariciones y sucesos imposibles se integran en una narración que apuesta por el exceso y la fatalidad.

Aunque su tono pueda resultar distante para el lector contemporáneo, la obra de Walpole resulta clave para entender el desarrollo posterior del género, ya que introduce la idea del edificio como depositario de una maldición que condiciona a las generaciones futuras.

La historia de Clifford House – Anónimo

Este relato victoriano anónimo presenta una casa elegante situada en Londres como escenario de una perturbación gradual que comienza con ruidos inexplicables y pasos en habitaciones vacías, y que termina revelando una tragedia antigua cuidadosamente silenciada. El texto se apoya en la observación de lo cotidiano y en la pérdida progresiva de la seguridad doméstica.

Lejos del efectismo, la narración construye el terror a través del desgaste emocional de sus protagonistas, un joven matrimonio que ve cómo el espacio destinado a convertirse en hogar acaba imponiendo su propia lógica, marcada por un pasado que se resiste a quedar atrás, situando la obra dentro de la tradición clásica del relato de casas encantadas bien construido.

22/12/2025 0 comments
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LiteraturaNoticiasPersonajes

El legado de Lorca entra en la era digital

by Valeria Cruz 09/12/2025
written by Valeria Cruz

La digitalización del archivo de Federico García Lorca marca uno de los hitos culturales más relevantes de los últimos años en España. Manuscritos, cartas, dibujos, fotografías, programas teatrales y documentos personales del poeta han pasado del papel frágil a la pantalla, abriendo un acceso sin precedentes a uno de los legados literarios más importantes del siglo XX. Sin embargo, esta apertura convive con una realidad más compleja: el archivo está vivo, en expansión, y sigue incompleto.

El núcleo del legado está custodiado por la Fundación Federico García Lorca, con sede en el Centro Federico García Lorca de Granada. Allí se conserva el mayor conjunto documental del autor: materiales literarios, documentos personales, correspondencia, bocetos, carteles, libros anotados y fotografías que recorren su vida creativa y su entorno intelectual. Desde 2020, este archivo cuenta con la máxima protección legal al haber sido declarado Bien de Interés Cultural, lo que garantiza su preservación y control institucional.

El proceso de digitalización no es nuevo, pero ha alcanzado ahora una fase decisiva. Parte sustancial del archivo ya puede consultarse a través de plataformas digitales de la Fundación y proyectos asociados como Edad de Plata, una iniciativa que reúne fondos documentales de los grandes intelectuales de principios del siglo XX. Esta digitalización permite que investigadores, lectores, estudiantes y centros culturales de todo el mundo accedan directamente a los documentos originales sin depender de desplazamientos físicos ni de permisos complejos.

El valor de este acceso es enorme. Por primera vez, se pueden estudiar borradores de poemas, tachaduras, correcciones manuscritas, diseños escénicos y cartas privadas que revelan la cocina creativa de Lorca. El escritor deja de ser solo una figura mitificada de los manuales escolares para convertirse en un autor tangible, contradictorio, obsesivo, vulnerable. La digitalización no solo conserva: humaniza.

Pero el archivo no es un conjunto cerrado. Una investigación reciente ha demostrado que aún faltan piezas relevantes del legado. Grabaciones sonoras de la voz del poeta, determinadas cartas, manuscritos teatrales completos y otros documentos siguen sin aparecer o permanecen dispersos en colecciones privadas de difícil acceso. La propia historia del archivo está marcada por traslados, conflictos legales, herencias y décadas de opacidad que han condicionado su conservación.

Esa condición fragmentaria se hizo visible con especial fuerza en la exposición «Lorca y el archivo. Memoria en movimiento», celebrada en Granada, que reunió alrededor de 460 piezas procedentes de más de cincuenta archivos de España y América. El proyecto puso de relieve hasta qué punto el legado de Lorca está repartido por el mundo y cómo su reconstrucción sigue siendo una tarea abierta, casi arqueológica.

La digitalización, por tanto, no es solo una operación técnica: es una herramienta de reparación histórica. Durante décadas, el cuerpo documental de Lorca estuvo marcado por el trauma de su asesinato, la censura, el exilio de su familia y la dispersión forzada de sus papeles. Convertir ese legado en patrimonio accesible supone devolverlo a la comunidad cultural y a la ciudadanía.

Desde el ámbito académico, el impacto ya es notable. El acceso digital facilita estudios comparativos entre versiones de textos, análisis genéticos de las obras y nuevas lecturas críticas que antes eran inviables por las restricciones físicas del archivo. En el ámbito educativo, permite que institutos y universidades trabajen directamente con fuentes primarias, rompiendo la distancia entre el alumnado y los documentos originales.

Sin embargo, la digitalización también abre debates incómodos: ¿hasta qué punto debe exponerse la vida privada de un autor?, ¿todo documento debe hacerse público?, ¿quién decide qué se digitaliza primero?, ¿qué ocurre con los fondos aún en manos particulares? El archivo de Lorca no es solo una herencia literaria; es también un territorio de poder simbólico, económico y político.

A día de hoy, puede afirmarse que una parte sustancial del legado ya está preservada en formato digital y al alcance del público. Pero también es cierto que el archivo sigue incompleto y que su reconstrucción continúa. Nuevas cartas aparecen, nuevos documentos se identifican, nuevos fondos salen a subasta. El archivo de Lorca no es un monumento estático: es un organismo en movimiento.

Quizá esa condición inacabada sea, paradójicamente, la forma más fiel de representar al propio Lorca: una figura abierta, atravesada por el deseo, el conflicto, la belleza y la herida. La digitalización no cierra su historia. La mantiene viva.

09/12/2025 0 comments
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MúsicaNoticias

Adiós a Sandro Giacobbe

by Valeria Cruz 05/12/2025
written by Valeria Cruz

Sandro Giacobbe, uno de los cantantes italianos más populares entre el público español de los años setenta y ochenta, ha fallecido a los 75 años. El músico, que llevaba tiempo batallando contra una enfermedad, permanecía retirado de la vida pública, aunque seguía siendo una referencia para quienes crecieron escuchando sus baladas.

Saltó a la fama con canciones como El jardín prohibido y Señora mía, temas que se convirtieron en clásicos inmediatos y que mantuvieron una presencia constante en la radio y la televisión durante décadas. Su forma de interpretar, directa y sentimental, le permitió conectar con un público amplio en Italia, España y América Latina.

Aunque su actividad artística se redujo en los últimos años, su nombre nunca desapareció del todo. Sus canciones continúan presentes en recopilatorios, conciertos homenaje y en la memoria colectiva de varias generaciones. Con su muerte se marcha una figura emblemática de la canción romántica italiana, cuyo legado permanece vivo en quienes todavía encuentran emoción en su repertorio.

05/12/2025 0 comments
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ArteNoticias

El Guggenheim Bilbao convierte el arte en un acto de regeneración con Artes de la Tierra

by Valeria Cruz 13/11/2025
written by Valeria Cruz

El Museo Guggenheim Bilbao acogerá del 5 de diciembre de 2025 al 3 de mayo de 2026 la exposición Artes de la Tierra, una ambiciosa muestra comisariada por Manuel Cirauqui y patrocinada por Iberdrola. Concebida como una reflexión sobre la relación entre arte, naturaleza y sostenibilidad, la exposición propone una inmersión sensorial e intelectual en torno al suelo —entendido como matriz viva, fértil y común— y a las múltiples formas en que los artistas contemporáneos lo han representado, trabajado o reinterpretado.

Más de cuarenta creadores de distintas generaciones y culturas se reúnen en esta propuesta que trasciende las etiquetas de los movimientos tradicionales, desde el Land Art al Arte Povera o el conceptualismo activista. Entre los participantes destacan nombres como Joseph Beuys, Ana Mendieta, Richard Long, Agustín Ibarrola, Delcy Morelos, Gabriel Orozco, Asad Raza o Michelle Stuart, cuyas obras dialogan a través de materiales orgánicos —tierra, raíces, hojas, madera o textiles— y de una preocupación común por la degradación del planeta y la búsqueda de nuevas formas de coexistencia.

Artes de la Tierra no se organiza en secciones cerradas, sino que plantea un recorrido libre por afinidades materiales y poéticas. Algunas salas albergan instalaciones vivas que requieren un control especial de luz, temperatura y humedad, como la pieza Root Sequence (copse) de Asad Raza, que incluye veintiséis árboles locales que serán replantados en el País Vasco tras el cierre de la muestra. Otras obras, como las esculturas de Meg Webster o los trabajos con barro de Frederick Ebenezer Okai y Mar de Dios, exploran el potencial transformador del suelo y sus composiciones híbridas.

La exposición incorpora además una mirada local y global: piezas realizadas con materiales de Bizkaia conviven con objetos del saber ancestral vasco y con manifestaciones artísticas de comunidades indígenas, africanas o latinoamericanas. Todo ello configura una “cartografía de la Tierra” que enlaza cultura, agricultura y ritual, abriendo un espacio de cocreación y reparación frente a la extracción de recursos.

En coherencia con su contenido, el Guggenheim Bilbao ha aplicado criterios sostenibles en la producción: reducción de transportes aéreos, uso de materiales reciclados y mobiliario compostable. El programa Didaktika complementa la muestra con talleres, conferencias, cine y actividades que invitan a repensar la relación humana con el entorno, como el Árbol de los deseos de Yoko Ono o los talleres de kokedama y lana.

Con Artes de la Tierra, el Museo refuerza su compromiso con la sostenibilidad ambiental y ofrece una experiencia que combina arte, ciencia y conciencia ecológica. La exposición invita a mirar la Tierra no solo como un recurso, sino como una entidad viva con la que compartimos destino.

13/11/2025 0 comments
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LiteraturaNoticiasPersonajes

María Victoria Atencia, Premio Nacional de las Letras 2025

by Valeria Cruz 29/10/2025
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La poeta malagueña María Victoria Atencia (1931) ha sido galardonada con el Premio Nacional de las Letras Españolas 2025, otorgado por el Ministerio de Cultura, por una trayectoria que abarca más de seis décadas de creación literaria.

El jurado destacó su poesía como “una obra que recrea la esencia de la vida”, caracterizada por su pureza formal, su hondura emocional y su fe en el poder de la palabra. Atencia, figura clave de la poesía española contemporánea, pertenece por edad a la generación de los 50, aunque siempre ha seguido un camino propio, ajeno a las modas y centrado en la observación de lo cotidiano como fuente de revelación.

Autora de títulos como Tierra mojada, Cañada de los ingleses o El mundo de M.V., su obra ha sido traducida a varios idiomas y reconocida con premios como el Nacional de la Crítica y el Reina Sofía de Poesía Iberoamericana.

A sus 93 años, Atencia representa la resistencia silenciosa de una voz femenina que ha hecho de la serenidad, la precisión y la belleza del lenguaje su signo distintivo. Este premio no solo celebra su legado, sino la vigencia de una poesía que sigue iluminando la palabra.

29/10/2025 0 comments
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AgendaArteCine

El expresionismo en la gran pantalla

by Valeria Cruz 07/10/2025
written by Valeria Cruz

La Fundación Canal abre sus puertas a una propuesta inédita en España: “Expresionismo. Un arte de cine”, una exposición que explora el intenso diálogo entre las artes plásticas y el séptimo arte en las primeras décadas del siglo XX. Podrá visitarse en Madrid del 8 de octubre de 2025 al 4 de enero de 2026, en la sala Mateo Inurria 2.

Un diálogo entre lienzo y celuloide

El expresionismo, con sus contrastes radicales, atmósferas dramáticas y figuras deformadas, no se limitó a la pintura o la escultura. El cine encontró en este lenguaje un aliado para transmitir emociones extremas y representar la angustia, el deseo o la alienación con una fuerza inédita. Del mismo modo, los artistas plásticos hallaron en el cine un medio capaz de expandir sus obsesiones visuales y narrativas.

La muestra se presenta como un recorrido donde se entrelazan imágenes, obras y fragmentos cinematográficos que dieron forma a un universo estético compartido. Películas míticas del expresionismo alemán como El gabinete del doctor Caligari o Nosferatu dialogan con la obra de artistas plásticos que, desde la radicalidad expresiva, compartieron un mismo impulso: transformar la realidad en un espejo inquietante del alma humana.

Una experiencia única en España

Es la primera vez que se organiza en nuestro país una exposición que analiza con tanta amplitud la influencia mutua entre el expresionismo y el cine. El visitante encontrará no solo un recorrido histórico, sino también una experiencia inmersiva en la que la imagen cinematográfica se convierte en arte plástico, y la obra artística en relato visual.

La propuesta incluye un enfoque transversal que hace de esta muestra un plan cultural para todos los públicos. La Fundación Canal ha destacado incluso su interés como actividad familiar, acercando a los más pequeños la fuerza de un movimiento que convirtió la emoción en forma.

El expresionismo, vigente un siglo después

Más de cien años después de su nacimiento, el expresionismo sigue proyectando su sombra sobre nuestra cultura visual. La radicalidad de su estética ha dejado huella en el cine, la fotografía, la literatura y hasta en la cultura popular contemporánea. Esta exposición busca recordarnos que aquel arte nacido en tiempos convulsos continúa interpelándonos hoy, como un eco de nuestras propias contradicciones.

“Expresionismo. Un arte de cine” estará abierta hasta el 4 de enero de 2026 en la Fundación Canal (calle Mateo Inurria 2, Madrid).

07/10/2025 0 comments
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Literatura

10 libros ligeros y variados para leer este verano

by Valeria Cruz 09/07/2025
written by Valeria Cruz


El verano es el momento perfecto para desconectar, viajar —aunque sea desde el sofá— y regalarse lecturas que nos hagan sonreír, soñar o estremecernos un poquito. Si buscas libros amenos, variados y nada pesados, aquí tienes diez recomendaciones recientes y de estilos muy distintos: misterio, humor, romance, fantasía o relatos clásicos. Una lista ideal para llenar tu maleta (o tu lector electrónico) con buenas historias para disfrutar bajo el sol.

1. Prontos, listos, ya

Autora: Inés Bortagaray
Editorial: Editorial Las Afueras
Año: 2025
Un viaje familiar a la playa en coche puede parecer algo nimio… hasta que lo ves a través de los ojos de una niña. Con humor, ternura y detalles cotidianos, Bortagaray convierte un trayecto caluroso en un mundo lleno de descubrimientos y emociones. Una pequeña joya, breve y luminosa, perfecta para leer de un tirón en vacaciones.
ISBN 9791399014761

2. Demasiados coches fúnebres

Autor: Edmund Crispin
Editorial: Impedimenta Editorial
Año: 2025 (reedición)
Regresa Gervase Fen, el excéntrico profesor y detective británico, con un caso lleno de cadáveres, humor británico y pistas imposibles. Para los fans del cozy mystery, esta novela ofrece la mezcla perfecta de ironía, crimen y ambiente universitario. Ligera, ágil y con diálogos chispeantes.
ISBN 9791387641092

3. Porque la sangre es la vida y otras historias

Autores: Francis Marion Crawford, Eliza Lynn Linton, Hume Nisbet, entre otros
Editorial: Uve Books
Año: 2025
Una deliciosa antología vampírica que huye de los clichés modernos. Aquí los vampiros no son solo seductores aristócratas, sino criaturas que acechan lo cotidiano, a veces más psicológicas que monstruosas. Desde lo folclórico a lo inquietante, estos siete relatos clásicos ofrecen terror gótico, atmósferas sombrías y una sensualidad velada, perfecta para lecturas nocturnas bajo la luna de verano.
ISBN 9788412938432

4. El caso de la desaparición en el Jardín del Mar

Autor: Daldo Bonet
Editorial: Newton Compton Editores
Año: 2025
Lujo, misterio y Mediterráneo se mezclan en esta historia ambientada en una exclusiva urbanización de la Costa Brava. Cuando un cuadro desaparece y una vecina sufre un intento de asesinato, Curro, el portero, y su hijo Nando se convierten en investigadores improvisados. Un cozy crime español elegante y ligero, ideal para quien quiera misterio sin demasiada oscuridad.
ISBN 9788410359390

5. Bajo el cielo de París

Autora: Karolina Schützer
Editorial: Duomo Ediciones
Año: 2025
Sophia hereda un pequeño bar parisino llamado Le Lulu tras la muerte de su abuela, y aunque su intención es venderlo rápido, pronto se ve atrapada por los secretos, personajes entrañables y la magia que esconde el lugar. Una novela feel good, vibrante y romántica, perfecta para soñar con París mientras tomas algo fresquito este verano.
ISBN 9788410346079

6. Moreno Paleta

Autor: Sergio V. Jódar
Editorial: Plasson e Bartleboom
Año: 2025
Un verano de camping en el Mediterráneo es el escenario de esta novela divertida y nostálgica sobre el paso de la infancia a la adolescencia. Humor, clases sociales y secretos familiares se mezclan en una historia llena de sabor español y con un protagonista que recordarás con cariño. Ideal para lectores que quieran algo ligero, con toques de crítica social.
ISBN 9788410483200

7. Los Pratchett

Autor: Iván Humanes
Editorial: Pez de Plata
Año: 2025
Un homenaje delirante y psicodélico a Terry Pratchett y la fantasía ochentera. Dos antihéroes viven la misión más loca jamás contada entre magia, humor absurdo y nostalgia pop. Una novela fresca, hilarante y perfecta para quienes buscan diversión y carcajadas este verano.
ISBN 9791399038903

8. Amor entre líneas

Autora: Katie Holt
Editorial: Newton Compton Editores
Año: 2025
Rosie sueña con ser escritora romántica… hasta que su peor enemigo en la universidad, Aiden, se convierte en su compañero de escritura. Obligados a trabajar juntos en una novela romántica, saltarán chispas, risas y miradas cómplices. Ligera, divertida y romántica, ideal para quienes buscan un romance con humor.
ISBN 9788410359437

9. El accidente

Autora: Blanca Lacasa
Editorial: Libros del Asteroide
Año: 2025 (reedición)
Una novela breve y cargada de tensión erótica y emocional. Blanca Lacasa firma una historia sexy, fresca y adictiva sobre las trampas del deseo y los líos sentimentales. Perfecta para quienes buscan lecturas rápidas pero con chispa.
ISBN 9788410178571

10. Dorayaki

Autor: Durian Sukegawa
Editorial: Chai Editora
Año: 2025 (reedición)
La historia tierna de una mujer mayor experta en dorayakis (dulces japoneses) y un joven pastelero solitario. Amistad, redención y cocina japonesa se mezclan en esta novela delicada y emotiva. Ideal para lectores que buscan historias cálidas y optimistas.
ISBN 9788412763621

09/07/2025 0 comments
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Literatura

Vidas mínimas en el nuevo realismo sucio

by Valeria Cruz 02/07/2025
written by Valeria Cruz

Hay algo fascinante en detenerse en lo diminuto, en elegir como materia literaria las vidas discretas, pequeñas derrotas, conversaciones que, en apariencia, parecen insignificantes. Esa fue, en buena parte, la apuesta del realismo sucio o minimalista, surgido en Estados Unidos durante las décadas de 1970 y 1980, como una respuesta a la literatura exuberante y los excesos de estilo. Escritores como Raymond Carver, Richard Ford, Tobias Wolff o Charles Bukowski prefirieron contar lo cotidiano con frases muy contenidas, escenas sobrias y un lenguaje que no buscaba lucirse. No pretendían explicar el mundo, sino exponerlo, y lo hacían a través de relatos donde apenas ocurría nada y, sin embargo, se lo jugaban todo. En sus textos, un vaso que se derrama, una llamada inesperada o la habitación de un motel podían tener el peso de un destino. Lo trascendente se escondía en la trivialidad.  Aquel estilo seco, casi invisible, no era solo cuestión de forma, sino una forma de observar: había que quitar el adorno para acercarse a una verdad que, tal vez, solo aparece cuando se habla poco.

Sin embargo, ese realismo sucio, tan vinculado a hombres, bares tristes y habitaciones en penumbra, ha cambiado de piel en los últimos años. Hoy existe una renovación de esa misma mirada contenida, aunque desde otras perspectivas. Se mantiene la economía de palabras, pero ya no es fría ni exclusivamente masculina. Escritoras como Lucia Berlin, Annie Ernaux, o autoras en español como Gabriela Wiener o Ariana Harwicz, han recuperado esa escritura concisa para hablar no solo de la precariedad económica, sino también de la emocional, del cuerpo, de la intimidad más cruda. Les interesa lo minúsculo, pero también mostrar lo que suele quedar oculto: la pobreza, la enfermedad, el deseo femenino, las dinámicas familiares que asfixian. Donde Carver dejaba silencios, ellas a veces sueltan confesiones. Donde el minimalismo clásico apenas insinuaba, estas autoras incomodan con una franqueza que roza lo incómodo.

Uno de los rasgos más notables de esta nueva corriente es su fusión con la autoficción. Muchos de estos relatos parten de experiencias reales, aunque no para convertirse en confesiones puras, sino para transformar lo vivido en material narrativo. Lucia Berlin, en Manual para mujeres de la limpieza, narra historias que suenan autobiográficas, llenas de empleos mal pagados, relaciones rotas, adicciones y momentos de belleza que asoman entre el caos. Pero lo hace con plena conciencia de estar creando literatura, combinando datos reales con pura invención. Annie Ernaux, en cambio, convierte su vida en objeto de estudio, casi como si cada recuerdo fuese un documento que revela la estructura social, el género, la memoria, el peso de la educación. Su estilo es sobrio y preciso. No se deja llevar por el sentimentalismo, sino que disecciona lo vivido con la minuciosidad de quien busca entender su propia historia.

Este realismo renovado también está cargado de una dimensión política, aunque no siempre se presente como tal. Hablar de cosas pequeñas es, en realidad, hablar de lo esencial. Contar jornadas interminables en trabajos mal pagados, cuerpos exhaustos, humillaciones cotidianas, es hablar del orden social. Esas vidas aparentemente insignificantes encierran las grandes tensiones de nuestro tiempo: desigualdad, precariedad, soledad. Estas autoras han desplazado el foco del alcoholismo masculino y las historias de fracasos sentimentales —típicas en Carver o Bukowski— hacia otros territorios menos transitados, aportando miradas femeninas, migrantes, queer, o de clase obrera, que antes casi no tenían lugar en este tipo de escritura. Incluso en sus fragmentos más íntimos, estos textos cuestionan la idea de lo normal, los estigmas y las fronteras invisibles que separan unos cuerpos de otros.

Quizá lo que da fuerza a este nuevo realismo sea su manera de narrar lo cotidiano sin adornos, aunque tampoco sin caer en el desencanto absoluto. En estas páginas hay dolor, fatiga, a veces ira, pero también ironía y cierta ternura. Las historias, aunque breves, transmiten la sensación de que la vida está hecha de gestos diminutos que pesan como años.

02/07/2025 0 comments
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Cine

Mel Brooks resucita a Frankenstein (otra vez): la serie que revive la comedia más monstruosa

by Valeria Cruz 27/06/2025
written by Valeria Cruz

Hace más de medio siglo, Mel Brooks y Gene Wilder firmaron uno de los mayores hitos de la comedia cinematográfica: El jovencito Frankenstein. Rodada en glorioso blanco y negro y con el humor marca de la casa, aquella parodia reverente de los clásicos de terror de los años treinta se convirtió en una joya que redefinió el género. Hoy, a sus 98 años, Mel Brooks demuestra que su chispa sigue viva: acaba de anunciar que está trabajando en Very Young Frankenstein, una nueva serie para FX basada en su célebre película.

La noticia ha disparado la curiosidad cinéfila. El proyecto está en manos de Brooks y de parte del equipo creativo de la exitosa serie Lo que hacemos en las sombras, entre ellos Taika Waititi y Stefani Robinson. La idea: explorar la juventud del doctor Frankenstein (o “Fronkensteen”, según la mítica pronunciación de Wilder) y, seguramente, llenar la pantalla de humor absurdo, laboratorios chisporroteantes y jorobas cambiantes de lado.

Un clásico que reinventó la parodia

Estrenada en 1974, El jovencito Frankenstein no fue solo una parodia. Fue un ejercicio de amor absoluto por el cine de terror clásico. Brooks no se conformó con hacer chistes: utilizó incluso parte de los decorados originales de Frankenstein (1931), rodó en blanco y negro y cuidó la puesta en escena hasta el mínimo detalle. El resultado es un filme que no solo hace reír, sino que respira cine por cada fotograma.

Gags como el número musical Puttin’ on the Ritz, la mirada torcida de Igor (Marty Feldman) o la terrorífica Frau Blücher (Cloris Leachman) se han incrustado en el ADN cultural. La película recaudó más de 86 millones de dólares y ha sido elegida en múltiples listas como una de las mejores comedias de todos los tiempos. Su equilibrio entre el homenaje y la sátira creó escuela: desde entonces, pocas parodias han logrado brillar tanto sin caer en la simple burla.

¿Qué podemos esperar de la serie?

Aunque apenas se conocen detalles, Very Young Frankenstein promete mantener ese espíritu irreverente, actualizado al humor contemporáneo. Con Waititi en el equipo, podemos intuir un tono entre lo absurdo y lo entrañable, muy en la línea de Lo que hacemos en las sombras. Y, con Brooks supervisando, podemos estar tranquilos: el legado cómico del monstruo está en buenas manos.

Mel Brooks sigue siendo, medio siglo después, el gran doctor de la comedia. Y mientras él siga girando las palancas de su laboratorio, siempre estaremos preparados para gritar, una vez más, aquello de:

“¡Está… vivo!”

27/06/2025 0 comments
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ArtePensamiento

Volver a conectar con lo bello

by Valeria Cruz 12/05/2025
written by Valeria Cruz

La palabra "belleza" proviene del latín bellus, que significa "bello, agradable, hermoso", aunque su raíz es aún más compleja: algunos filólogos la vinculan con benulus, diminutivo de bonus —bueno—, lo que sugiere que, en su origen, lo bello no solo remitía a lo placentero, sino también a lo valioso, a aquello que participa de un orden deseable, armonioso, incluso vital. En la tradición griega, esta idea se refuerza: para Platón, lo bello (kalón) era el reflejo visible de una verdad más profunda. La belleza no era adorno, sino señal; no superficialidad, sino manifestación de lo esencial.

Durante siglos, esta concepción sustentó una parte importante de la creación artística, del pensamiento filosófico y de la experiencia como seres humanos. La belleza era comprendida como una forma de conocimiento. A través de ella, se desarrollaban la atención, el juicio, la sensibilidad ética y la memoria. Reconocer lo bello no era un acto frívolo, sino un ejercicio intelectual y moral. La contemplación estética ofrecía una vía legítima para comprender el mundo. Este marco, sin embargo, comenzó a erosionarse en el siglo XX, en parte como respuesta a los grandes traumas históricos. El pensamiento crítico desplazó la belleza para dar prioridad a lo útil, funcional y urgente. Se temía que lo bello actuara como una cortina que encubría la violencia o el conflicto. Desde entonces, hablar de belleza se volvió sospechoso, casi incómodo, como si su sola mención implicara un alejamiento de la realidad. El arte, la teoría y la cultura han tendido a privilegiar la disrupción, la ironía, lo conceptual. En este contexto, lo bello se fue marginando, reducido a una experiencia secundaria o meramente decorativa.

En el presente, esa marginación se acentúa. Vivimos en un entorno saturado de estímulos, marcado por la velocidad, la visibilidad y la productividad. Todo compite por captar la atención en el menor tiempo posible. Lo bello, que requiere pausa, disposición y sensibilidad, no encaja fácilmente en ese sistema. No genera rendimiento. No se impone. Solo se revela cuando alguien se detiene lo suficiente para percibirlo. En un tiempo que valora lo medible por encima de lo significativo, esa forma de experiencia se vuelve rara.

Pero rara no significa irrelevante. Todo lo contrario. Recuperar la belleza como una experiencia válida es, hoy, más necesario que nunca. No se trata de idealizar una estética concreta ni de volver a cánones pasados. Se trata de defender una manera de relacionarse con el mundo que no esté gobernada por la utilidad inmediata. Lo bello no responde a un fin práctico. No sirve para otra cosa que para provocar una forma distinta de presencia, nos sitúa en un estado de atención expandida, nos saca del automatismo y hace que vivamos el instante con más conciencia. Y eso, en un entorno de fragmentación y exceso, es profundamente transformador. Porque lo que está en juego no es simplemente una categoría estética, sino una forma de percepción. Cuando dejamos de valorar lo bello, también perdemos una parte de nuestra capacidad de sentir de manera plena y pasamos por encima de las cosas. La belleza, en cambio, nos obliga a prestar una verdadera atención.

Lo más difícil, quizá, no es reconocer la belleza, sino disponer del tiempo necesario para acogerla, porque lo bello no irrumpe como un mensaje, no se impone como una consigna. Aparece con discreción: en un gesto mínimo, en una forma inesperada, en un momento que no estaba previsto.  Su potencia radica precisamente en eso: en su capacidad de afectarnos sin violencia, de tocarnos sin invadirnos, de quedarse sin ruido.

Por eso, reivindicar la belleza hoy no es una forma de evasión, sino un acto de resistencia. Una manera de afirmar que no todo tiene que traducirse en rendimiento o utilidad. Que hay experiencias valiosas por sí mismas. Que la sensibilidad también es pensamiento. Y que permitirnos ser atravesados por lo bello —sin defensas, sin escepticismo— es una forma legítima de comprender y de habitar el mundo.

No necesitamos que la belleza nos devuelva una armonía imposible ni que endulce lo que duele. Lo que necesitamos es recordarla como parte de la vida. Como una presencia activa, capaz de afinar nuestra percepción y de recordarnos que lo importante no siempre es lo que brilla más fuerte, sino lo que permanece cuando todo se ha apagado.

12/05/2025 0 comments
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España, país invitado en los Ithra Cultural Days 2026
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Donde habita el olvido: El Fantasma del sanatorio
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Regina Salcedo Irurzun
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Artículos aleatorios

Un amor de luto, el Mausoleo de Halicarnaso y una copa de vino y cenizas
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Un viaje entre el realismo y la abstracción
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