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Clara Belmonte

Clara Belmonte ha colaborado con varios escritores en antologías de cuentos y ha participado en proyectos interdisciplinarios que combinan literatura, música y artes visuales, destacando su versatilidad como creadora.

Música

A-Z vuelven con nuevo disco y un temazo bajo el brazo: The Remedy

by Clara Belmonte
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La banda de hard rock progresivo A-Z ha vuelto con todo. Tras un debut muy prometedor en 2022, el grupo formado por el batería Mark Zonder (Fates Warning, Warlord) y el vocalista Ray Alder (también de Fates Warning) lanza A2Z², un segundo álbum que no solo confirma el potencial de la banda, sino que lo eleva. El disco salió el 6 de junio a través de Metal Blade Records y ya está cosechando elogios de medios y fans. Y como adelanto de esta nueva etapa, acaban de publicar el videoclip de The Remedy, una canción potente, melódica y pegadiza que lo tiene todo para enganchar desde la primera escucha.

The Remedy arranca con un redoble de batería que capta la atención al instante, seguido por un riff pesado, con ese toque técnico que caracteriza al grupo. Lo que sigue es puro A-Z: una mezcla de fuerza, introspección y gancho melódico, con un estribillo que se queda resonando en la cabeza. La letra, firmada por Alder, habla sobre los matices de las relaciones personales, y está interpretada con una intensidad contenida que aporta mucha profundidad. Hay también una sorpresa agradable en el groove del tema, que se asoma con un aire casi funky, demostrando que la banda no teme explorar nuevos caminos dentro de su estilo.

El videoclip, disponible en YouTube, muestra a la banda en plena forma. Sin efectos innecesarios, solo música y actitud, como debe ser. Es un buen ejemplo de cómo sonar sofisticado sin resultar pretencioso.

El álbum completo, A2Z², mantiene ese mismo equilibrio: diez canciones muy cuidadas, que mezclan el espíritu del hard rock melódico con el virtuosismo del metal progresivo. Desde Fire Away hasta Now I Walk Away, no hay rellenos ni momentos bajos. Cada tema tiene personalidad propia y está construido con atención al detalle. Los fans de bandas como Redemption, DGM o incluso los Fates Warning más melódicos encontrarán aquí mucho que disfrutar.

Además de Zonder y Alder, la banda cuenta con músicos de altísimo nivel: Nick Van Dyk (Redemption) a la guitarra, Simone Mularoni (DGM) como guitarrista adicional y responsable de la mezcla y el máster, Philip Bynoe (Steve Vai) al bajo y Jimmy Waldo (Alcatrazz) en los teclados. El resultado es un sonido sólido, profesional y vibrante, con espacio para cada instrumento y sin caer en la sobreproducción.

La crítica ya se ha rendido ante el disco. Metal Hammer (Alemania) lo ha descrito como “brillante, todo lo que el prog metal moderno debe ser”, mientras que Rock Tribune destaca su capacidad para crear canciones pegadizas que se quedan contigo. The Prog Report asegura que es un disco para poner en bucle, y no podemos estar más de acuerdo.

The Remedy es solo la punta del iceberg. Si te gusta el rock con melodía, técnica y emoción, A2Z² es una de esas joyas que vale la pena descubrir. Y si ya conocías a A-Z, prepárate, porque han vuelto más fuertes, más seguros y con muchas ganas de quedarse.

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Música

Wytch Hazel invoca la fuerza de los elementos en su nuevo single y anuncia álbum para julio

by Clara Belmonte
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La banda británica de hard rock Wytch Hazel regresa con fuerza y elegancia setentera con su nuevo single “Elements”, adelanto de su esperado quinto álbum de estudio Wytch Hazel V: Lamentations, que verá la luz el próximo 4 de julio a través del sello independiente Bad Omen Records. Con una estética sonora que remite tanto a la melancolía luminosa de Blue Öyster Cult como al misticismo de Kansas, el grupo liderado por Colin Hendra continúa su singular travesía por los caminos del rock clásico, el metal tradicional y una espiritualidad no exenta de épica.

“Elements” llega acompañado de un videoclip filmado por Wild Stag Studio, en el que se refuerza ese aire vintage que tanto caracteriza a la banda. De espíritu alegre y cadencia contagiosa, el tema es una celebración del poder incontrolable de la naturaleza. Según explica el propio Hendra, “me gustó la idea de escribir una canción sobre el clima, sobre cómo hay fuerzas que están completamente fuera del control humano. Era un reto salir de mi zona de confort, pero ahora la canción me parece muy cohesiva. Estoy muy satisfecho con ella”.

En efecto, “Elements” muestra a un grupo en plena madurez compositiva: la melodía entra fácil pero se queda largo rato, los riffs son tan certeros como accesibles, y el solo de guitarra —tan melódico como espontáneo— confirma una vez más la habilidad de Wytch Hazel para equilibrar energía con sensibilidad. Esta tensión entre lo potente y lo delicado atraviesa también “Woven”, el primer adelanto del disco, una canción galopante y luminosa donde el rock pesado se entrelaza con letras que invitan a la reflexión. “Quería escribir una canción heavy sobre la sensibilidad y la ternura”, comenta Hendra. “Después de cantar ‘be sensitive’, hay un momento de silencio… y luego un gran solo que inicialmente fue improvisado y tuve que reaprender nota por nota”.

V: Lamentations ha sido grabado con el productor de confianza Ed Turner (conocido por su trabajo con Purson o The Ettes), quien ha estado presente en la evolución del sonido de la banda desde sus primeras entregas. Este nuevo álbum da continuidad al éxito cosechado por IV: Sacrament (2023), un trabajo que se coló en el puesto #15 de la lista Top New Artists Albums de Billboard y fue aclamado como “metal gloriosamente brillante”. Ahora, con Lamentations, Wytch Hazel promete subir aún más el listón.

El álbum incluye diez cortes donde se percibe claramente esa voluntad de crear algo más que entretenimiento. “Para mí, la música no es algo frívolo ni autocomplaciente”, afirma Hendra. “Es una parte esencial de mi vida, algo muy especial, mágico y con sentido. Quiero que Wytch Hazel sea una fuerza positiva, un poder sanador”.

En un panorama saturado por el revival del rock ocultista y las estéticas sombrías, Wytch Hazel ofrece una alternativa sincera, cargada de convicción y sin dejar de lado la potencia musical. Esto no ha pasado desapercibido en los medios especializados: Metal Injection los incluyó en su lista de “Bandas modernas de heavy metal que necesitas en tu vida”, Invisible Oranges los llamó “la banda de metal cristiano más badass del momento”, mientras que MetalSucks los describió como “una fiesta de rock duro y pisotones”. Por su parte, Angry Metal Guy destaca su capacidad para crear ganchos melódicos irresistibles.

Pero si hay algo que realmente distingue a Wytch Hazel es su autenticidad. Las letras, aunque inspiradas en la fe y la espiritualidad, no buscan imponer una doctrina, sino compartir una visión. Como dice Hendra, “la música es un regalo para todos, una gracia común. Por eso, la música que más refleja la gloria de Dios, en mi opinión, no es necesariamente la que hacen los cristianos. ¡Es Black Sabbath!”.

Con V: Lamentations, Wytch Hazel vuelve a demostrar que el rock clásico sigue teniendo mucho que decir cuando se le aborda con honestidad, técnica y pasión. Y lo hace desde un lugar propio, lejos del cinismo posmoderno, con la convicción de que las canciones aún pueden ser portadoras de algo genuino. Si “Elements” es un adelanto fiable de lo que está por venir, el verano de 2025 traerá consigo no solo calor, sino también una buena dosis de riffs luminosos, armonías cuidadas y espíritu invencible.

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Literatura

Los libros más prohibidos de la historia

by Clara Belmonte
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A lo largo de los siglos, la lectura ha sido una poderosa herramienta de libertad. No es casualidad que donde se ha intentado controlar a la población, los libros hayan sido uno de los primeros objetivos de la censura. El fuego, la tijera y la tinta negra han servido para silenciar ideas consideradas peligrosas, inmorales o simplemente incómodas para el poder. Hoy repasamos algunos de los libros que más incomodaron a gobiernos, religiones y sociedades, y que, por ello, fueron prohibidos, ocultos o perseguidos.

La cabaña del tío Tom
Rebelión en la granja
El decamerón
Las mil y una noches
El diario de Anna Frank
Ulysses
Los versos satánicos
1984
El origen de las especies

1. La cabaña del Tío Tom, de Harriet Beecher Stowe

Publicado en 1852, este libro es considerado uno de los más influyentes en la lucha contra la esclavitud en Estados Unidos. Su historia, protagonizada por un esclavo negro cristiano, conmovió a millones de lectores. Sin embargo, en los estados del sur fue rápidamente prohibido por su crítica al sistema esclavista. Irónicamente, su lectura fue tan influyente que se dice que cuando Abraham Lincoln conoció a Stowe, le dijo: «Así que usted es la pequeña mujer que escribió el libro que causó esta gran guerra».

2. El origen de las especies, de Charles Darwin

La obra que sentó las bases de la biología evolutiva no solo revolucionó la ciencia, sino que también provocó la furia de muchas instituciones religiosas. Su publicación en 1859 fue vista como una amenaza directa a la visión bíblica de la creación. Fue prohibido o restringido en múltiples países, bibliotecas y universidades religiosas, y sigue siendo rechazado en algunos contextos educativos hasta el día de hoy.

3. 1984, de George Orwell

Irónicamente, una novela que denuncia la censura y el control totalitario ha sido censurada y prohibida en varias ocasiones. 1984 fue vetada en la URSS por su crítica al estalinismo, y también en algunos países occidentales por su contenido “subversivo”. En Estados Unidos fue objeto de controversia en escuelas y bibliotecas públicas durante décadas. En Birmania, por ejemplo, estuvo prohibida hasta 2012.

4. Los versos satánicos, de Salman Rushdie

Pocas obras modernas han sido tan polémicas como esta novela publicada en 1988. Su interpretación irreverente del islam y del profeta Mahoma provocó una ola de protestas a nivel mundial. Irán emitió una fatwa pidiendo la muerte del autor, quien vivió oculto durante años bajo protección británica. El libro fue y sigue siendo prohibido en países como Irán, Pakistán, Egipto y la India.

5. Ulises, de James Joyce

Considerada una de las obras maestras de la literatura moderna, Ulises fue prohibida durante años en Estados Unidos y Reino Unido por “obscenidad”. Su estilo experimental, sus alusiones sexuales y su retrato sin filtros de la mente humana hicieron que fuera perseguido por las autoridades. La novela fue finalmente legalizada en EE. UU. en 1933, tras una histórica batalla judicial que la defendió como obra artística.

6. Lolita, de Vladimir Nabokov

La historia del profesor Humbert Humbert y su obsesión por la joven Dolores Haze escandalizó a medio mundo. Publicada en 1955, fue prohibida en Francia, Reino Unido, Argentina, Nueva Zelanda y Sudáfrica por su tratamiento de la sexualidad y la pedofilia. A pesar (o quizás gracias) a ello, se convirtió en un superventas y en una obra literaria fundamental del siglo XX.

7. El diario de Ana Frank

Aunque pueda parecer increíble, el testimonio de una niña judía escondida durante la ocupación nazi ha sido objeto de censura. En países como Líbano o Irán ha sido vetado por considerarse “propaganda sionista”. También ha sido retirado temporalmente en bibliotecas estadounidenses por tratar temas sexuales o por negacionismo.

8. Las mil y una noches

Esta célebre recopilación de cuentos árabes fue prohibida en Egipto en 1985 por su contenido sexual y supuesta inmoralidad. A lo largo del siglo XX, diversas versiones de esta obra han sido censuradas en muchos países islámicos por razones similares. Paradójicamente, muchas de las ediciones modernas han sido suavizadas, perdiendo parte del contenido original.

9. El Decamerón, de Giovanni Boccaccio

Escrito en el siglo XIV, este conjunto de cuentos que mezcla sátira, erotismo y crítica social fue objeto de censura eclesiástica durante siglos. En pleno Renacimiento, fue perseguido por la Iglesia Católica por su visión burlesca del clero y su lenguaje “licencioso”. No fue hasta el siglo XIX que se popularizó ampliamente en Europa.

10. Rebelión en la granja, de George Orwell

Al igual que 1984, esta fábula alegórica sobre la corrupción del poder fue prohibida en la URSS y en otros países del bloque comunista por su crítica al estalinismo. También fue rechazada en algunos círculos conservadores del Reino Unido durante la Segunda Guerra Mundial, por temor a dañar las relaciones diplomáticas con la Unión Soviética, entonces aliada.

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Música

CIRITH UNGOL publica Live At The Roxy

by Clara Belmonte
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CIRITH UNGOL publica Live At The Roxy, un álbum en directo que recoge la actuación que la banda ofreció en 2024 en el mítico Roxy Theatre de Los Ángeles. El lanzamiento, a través de Metal Blade Records, estará disponible en formato CD, vinilo y DVD.

La grabación recoge la presentación completa de su último trabajo de estudio, Dark Parade (2023), acompañada de una selección de clásicos que repasaron toda su trayectoria. Con cerca de 100 minutos de duración y 20 temas en total, el álbum muestra a CIRITH UNGOL en un gran momento de forma, en un concierto vibrante que supo capturar también la energía del público.

Como adelanto, la banda ha publicado el vídeo en directo de “Relentless”, un tema inspirado en escalas egipcias e hindúes. Según el batería y fundador Robert Garven, la canción refleja una lucha constante contra los propios demonios en un mundo cada vez más caótico.

Sobre grabar en el Roxy, Garven explica:
“Es un sitio especial, parte de la historia de Hollywood. Poder tocar allí, rodeados de amigos y fans llegados de muchos países, fue algo muy significativo para nosotros”.

La crítica especializada ya ha destacado este nuevo trabajo. Deaf Forever (Alemania) lo describe como “un impresionante álbum en directo que ofrece prácticamente un repaso completo a la carrera de la banda, con una captura de sonido que traslada la atmósfera de la sala al oyente”. Mystification ‘Zine señala: “Un sermón tras otro en favor de la mejor causa: el heavy metal”, mientras que Metal.de destaca su autenticidad: “Cercanos, sin pulir, ofreciendo exactamente lo que los fans vivieron en sus conciertos europeos”.

Live At The Roxy – Tracklist:

  1. Velocity (S.E.P.)

  2. Relentless

  3. Sailor On The Seas Of Fate

  4. Sacrifice

  5. Looking Glass

  6. Dark Parade

  7. Distant Shadows

  8. Down Below

  9. Atom Smasher

  10. I’m Alive

  11. Frost And Fire

  12. Black Machine

  13. Blood And Iron

  14. Chaos Descends

  15. The Frost Monstreme

  16. Fire

  17. Death Of The Sun

  18. Master Of The Pit

  19. King Of The Dead

  20. Join The Legion

Formación en Live At The Roxy:

  • Tim Baker – voz

  • Greg Lindstrom – guitarra

  • Robert Garven – batería

  • Armand John Anthony – guitarra

  • Jarvis Leatherby – bajo

Live At The Roxy promete ser una referencia obligada para cualquier seguidor de CIRITH UNGOL… y para quienes aún no han descubierto su particular forma de entender el heavy metal.

Ya puedes ver el vídeo de “Relentless” aquí.

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El curioso origen del Conejo de Pascua

by Clara Belmonte
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Del mito primaveral al chocolate: la historia del Conejo de Pascua.

Con la llegada de la primavera y sus primeros brotes, reaparece también un personaje inesperado rodeado de cestas, huevos pintados y chocolates vuelve el Conejito de Pascua. Lo encontramos en forma de chocolate, en ilustraciones infantiles, en juegos de búsqueda de huevos e incluso como motivo decorativo en escaparates y mesas. Sin embargo, por más familiar que resulte su imagen, pocos conocen el origen de este curioso personaje que, con canasta en mano y una energía incansable, esconde huevos y dulces en una celebración que, detrás de su apariencia inocente, guarda siglos de historia

Aunque hoy lo asociamos sobre todo con lo infantil, lo comercial o incluso lo decorativo, el Conejo de Pascua tiene raíces antiguas y sorprendentes. Su historia es, como muchas costumbres populares, una mezcla de creencias precristianas, adaptaciones religiosas, migraciones culturales y mucha inventiva.

Para entender su origen, conviene viajar a las antiguas celebraciones paganas de la primavera, mucho antes de que existiera la festividad cristiana de la Pascua. En las culturas del norte de Europa, la llegada de esta estación era motivo de fiesta. Tras el invierno, los días comenzaban a alargarse, la tierra se volvía fértil de nuevo y aparecían los primeros brotes verdes. No es extraño que la fertilidad fuese uno de los temas centrales de estos festejos. Una de las divinidades asociadas a la primavera era la diosa Ostara (o Eostre), figura de la mitología germánica. Su nombre está relacionado etimológicamente con la palabra inglesa Easter, que designa la Pascua. Ostara estaba vinculada con el renacimiento de la naturaleza, la luz y la fertilidad, y entre sus símbolos animales se encontraba la liebre, un animal muy activo en época de reproducción y, por tanto, símbolo de fecundidad. Según la leyenda, Ostara convirtió un ave herida en liebre para salvarla del frío. Como agradecimiento, la liebre comenzó a poner huevos decorados como ofrenda a la diosa. Aunque no se trata de una historia documentada en fuentes antiguas, su difusión moderna ha contribuido a reforzar la conexión entre el conejo y los huevos, que ya estaba presente de forma dispersa en diversas tradiciones europeas.

La transformación del símbolo en una costumbre reconocible se produjo en Alemania durante el siglo XVII. Allí se hablaba del Osterhase o liebre de Pascua, una criatura que, según el folclore, ponía huevos de colores y los escondía en los jardines para que los niños los encontraran. Pero no todos podían recibir ese regalo: solo los pequeños que se habían portado bien durante el año eran dignos de la visita del Osterhase. De este modo, el conejo pasaba también a desempeñar un papel moralizador, no muy distinto del que tendría más tarde Santa Claus.

Aunque pueda parecer extraño que un conejo reparta huevos —cuando ni siquiera los pone—, la relación entre ambos elementos tiene sentido si se piensa en lo que representan. El huevo ha sido desde tiempos antiguos un símbolo poderoso de la vida en potencia, de la renovación constante. Para muchas culturas, romper el cascarón equivalía a romper con el ciclo anterior y dar paso a algo nuevo. El cristianismo retomó esta imagen como símbolo de la resurrección de Cristo: del sepulcro cerrado al milagro de la vida restaurada. Durante la Edad Media, era habitual guardar huevos durante la Cuaresma —periodo en que su consumo estaba prohibido— y luego cocerlos, decorarlos y ofrecerlos como parte de la celebración pascual.

Esta coincidencia de significados permitió que la tradición se integrara sin demasiado conflicto. La Pascua cristiana y las festividades paganas primaverales compartían una misma intuición: la necesidad de celebrar el regreso de la vida. El conejo, como animal fértil, veloz y simbólico, y el huevo, como contenedor de promesas, se unieron en una costumbre que fue ganando complejidad con el tiempo. Ya en la época victoriana, los huevos de chocolate comenzaron a fabricarse industrialmente en Europa, y la imagen del Conejito de Pascua empezó a difundirse también como producto decorativo y comercial.

Con la llegada del siglo XX y la expansión de la cultura visual, el Conejo de Pascua se consolidó como una figura internacional. Las marcas de chocolate lo convirtieron en uno de sus personajes estrella, apareciendo en anuncios, empaques y campañas cada vez más elaboradas. En algunos países, como Estados Unidos, Canadá o Australia, se organizan grandes eventos para buscar huevos escondidos en jardines o parques, mientras que en otros la costumbre se ha limitado a lo doméstico o lo escolar. En lugares de tradición ortodoxa, la Pascua mantiene un carácter más solemne, aunque los huevos decorados siguen estando muy presentes.

El Conejito de Pascua, tal como lo conocemos hoy, es entonces una criatura mestiza, nacida del cruce entre mitos antiguos, adaptaciones religiosas, prácticas migratorias y creatividad comercial. Su figura puede parecer ingenua, pero funciona como un recordatorio alegre de que las culturas son procesos vivos, que evolucionan, se transforman y encuentran nuevas formas de expresarse. No es solo un símbolo infantil ni un reclamo comercial. Es también, a su manera, una herencia compartida. Un pequeño animalito que, en plena explosión primaveral, sigue trayendo consigo —aunque sea escondido entre papeles de colores— un mensaje antiguo: la vida se renueva, la tierra despierta, y siempre hay algo por descubrir.

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ArteLiteraturaPersonajes

El diseño como juego y como acto de resistencia

by Clara Belmonte
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Si hay una figura que encarna como pocas el cruce entre arte, diseño, juego y pensamiento, esa es Bruno Munari (Milán, 1907–1998). Y, sin embargo, reducir su legado a etiquetas sería una traición a su espíritu: Munari fue un creador inclasificable, un provocador sereno que cultivó la imaginación como quien riega una planta. Fue diseñador, artista, inventor de libros imposibles, pedagogo y poeta visual. También fue un niño que nunca quiso dejar de jugar. Nacido en una familia humilde del norte de Italia, desde joven mostró una inclinación por el arte, pero no tardaría en comprender que el arte no era un fin en sí mismo, sino un lenguaje, una forma de comunicación que podía extenderse al diseño gráfico, al diseño industrial, a la educación infantil, a la poesía visual y al juego. En los años treinta se vinculó con el futurismo —movimiento vanguardista que buscaba romper con la tradición—, pero pronto encontró su propio camino: uno más lúdico, más accesible, más poético, más conectado con la experiencia cotidiana.

En una época dominada por los manifiestos y la solemnidad de las vanguardias, Munari comenzó a preguntarse por qué el diseño no podía ser también un juego. ¿Por qué no hacer un libro sin palabras? ¿O un libro sin páginas? ¿O un libro que sólo pudieran entender los niños? ¿Por qué no enseñar a mirar las cosas desde otro ángulo? Estas preguntas no eran simples provocaciones: eran la base de un pensamiento creativo profundamente estructurado. Para Munari, el libro era un objeto expandible, un universo en sí mismo. Lo reimaginó desde la materialidad: libros con agujeros, libros de telas, libros sin texto, libros táctiles para bebés antes de que la industria infantil supiera lo que eso significaba. Su célebre Libro Illeggibile (Libro ilegible), publicado en 1949, no contenía palabras, sino formas, colores, cortes y transparencias que convertían el acto de leer en una experiencia visual y táctil. Más que leerlo, había que explorarlo. El libro dejaba de ser un soporte para convertirse en un juego visual, una escultura que se podía hojear, una puerta abierta al pensamiento abstracto. En su universo, un niño podía entender perfectamente una composición de manchas de color o un juego de transparencias superpuestas, sin necesidad de que alguien le explicara qué significaba. Porque Munari confiaba radicalmente en la inteligencia del receptor.

Su labor como pedagogo es inseparable de su trabajo como artista. En los años setenta, comenzó a colaborar con escuelas y museos para desarrollar talleres infantiles que hoy son considerados revolucionarios. No se trataba de imponer un conocimiento, sino de provocar la curiosidad. Creó los “Laboratori per bambini”, en los que los niños exploraban formas, estructuras, texturas y colores mediante el juego libre. Con barro, cartón, papeles, alambres o espejos, los participantes construían formas sin utilidad aparente, guiados sólo por el placer de descubrir y experimentar. Era una pedagogía sin castigos ni evaluaciones, donde el error era bienvenido como parte del proceso. En su libro Fantasia (1977), Munari desarrolla una idea crucial: la fantasía, la invención y la creatividad no son dones místicos, sino habilidades que pueden estimularse, cultivarse y aprenderse. Y en ese sentido, su trabajo conecta directamente con las ideas más avanzadas sobre educación activa, diseño centrado en la experiencia y pensamiento visual.

Su interés por el diseño como sistema de signos, por la iconografía cotidiana, por los pictogramas, los gestos, los mapas, lo vincula con la semiótica mucho antes de que ésta se convirtiera en una moda académica. Supo leer el lenguaje visual de las señales de tráfico y de los objetos cotidianos con la misma atención que un poeta observa una flor. Inventó máquinas inútiles —estructuras móviles y ligeras que se movían con el aire—, creó esculturas para ver la sombra que proyectaban más que su forma, diseñó lámparas, objetos domésticos, cubiertas de libros, logotipos. Todo con un espíritu lúdico pero metódico, casi científico. Porque detrás de cada juego había una estructura. Y detrás de cada estructura, una invitación a pensar. Su aproximación al diseño estaba lejos del formalismo. Creía en la función, pero también en la emoción, en la sorpresa, en la belleza inesperada. Y sobre todo, en la claridad. “Complicar es fácil. Simplificar es difícil”, solía decir. Esta búsqueda de lo esencial lo conecta con otras grandes figuras del diseño moderno como Dieter Rams o Buckminster Fuller, pero también con poetas visuales como Joan Brossa o con artistas del movimiento Fluxus.

Para Munari, la cultura no era un templo, sino una caja de herramientas. Y en esa caja cabían un alga seca recogida en la playa, una sombra proyectada en la pared, un papel de embalar, una caja de cerillas. Su arte no aspiraba a lo sublime, sino a lo sencillo: a reencantar lo que nos rodea. Por eso su legado es hoy más vigente que nunca. En una época saturada de imágenes, Munari sigue invitándonos a mirar con atención. A ver el potencial creativo de una hoja caída, a entender que el diseño puede ser una forma de ternura, que el arte no tiene por qué ser grandilocuente. Su idea de que todos somos capaces de crear —si se nos da el entorno, el tiempo y el permiso para hacerlo— resuena con fuerza en nuestros días. Munari no sólo diseñó objetos: diseñó maneras de mirar. Y en eso fue profundamente político, aunque no lo pareciera. En tiempos de producción en masa y consumo acrítico, su defensa de lo artesanal, del juego, de la atención al detalle, del error como hallazgo, son una forma de resistencia.

Su huella se percibe en múltiples disciplinas. En el diseño gráfico contemporáneo, donde su uso de la tipografía, el color y la estructura siguen siendo referentes. En la ilustración infantil, donde su influencia es visible en autores como Hervé Tullet o Katsumi Komagata. En la pedagogía alternativa, donde sus talleres han inspirado programas educativos en todo el mundo. Y también en los makers, los artistas del reciclaje, los diseñadores sociales, los ludicistas. Quizá por eso resulta tan difícil clasificarlo. Fue vanguardista y clásico. Didáctico y subversivo. Visual y conceptual. Poético y riguroso. Como si hubiera intuido que el mundo que venía necesitaría menos dogmas y más herramientas para pensar. En un momento en que el diseño tiende a lo espectacular, Munari sigue recordándonos que lo pequeño importa. Que el diseño también es una forma de cuidado. Que no hay innovación sin curiosidad, ni creatividad sin juego.

En uno de sus textos más citados, Disegnare un albero, Munari enseña cómo dibujar un árbol. Pero no se trata de una receta, sino de una forma de observar la estructura interna de las cosas. ¿Cómo crecen las ramas? ¿Cómo se bifurcan? ¿Qué lógica sigue su forma? Y entonces lo entendemos: no se trata de copiar un árbol, sino de comprenderlo. De aprender a mirar. Porque eso fue, quizá, lo que hizo Munari toda su vida: enseñarnos a mirar. No con los ojos del experto, sino con la curiosidad del principiante. A veces con humor, a veces con poesía, pero siempre con el respeto profundo de quien sabe que lo cotidiano también puede ser extraordinario. Munari no buscaba respuestas, sino preguntas mejores. Y ese, al final, es el mayor legado que puede dejar un artista, un diseñador, un pedagogo o un ser humano: el deseo de seguir explorando.

 

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ArteEventos

El Museo Guggenheim Bilbao presenta una experiencia inmersiva de Refik Anadol

by Clara Belmonte
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El Museo Guggenheim Bilbao inaugura un nuevo ciclo de exposiciones titulado in situ, con el que busca explorar el arte digital en el siglo XXI. La primera muestra de este programa es Arquitectura viva (Living Architecture), una instalación inmersiva del artista turco-estadounidense Refik Anadol, inspirada en el trabajo del arquitecto Frank Gehry. La exposición, que se podrá visitar entre el 7 de marzo y el 19 de octubre de 2025, fusiona arte, arquitectura e inteligencia artificial para ofrecer al público una experiencia sensorial única, donde la estructura del icónico edificio se convierte en el punto de partida de una nueva forma de percepción visual.

Refik Anadol es un pionero en la utilización de la inteligencia artificial como herramienta creativa y en la exploración de sus implicaciones en la sociedad actual y futura. Nacido en Estambul en 1985 y radicado en Los Ángeles, Anadol ha desarrollado un enfoque artístico basado en la recopilación y procesamiento de datos mediante algoritmos avanzados, con los que crea visualizaciones en movimiento que desafían la frontera entre lo digital y lo físico. Sus instalaciones han sido exhibidas en algunos de los espacios culturales más prestigiosos del mundo, como el MoMA de Nueva York, el Centro Pompidou de París y la Serpentine Gallery de Londres. Su trabajo se sitúa en la intersección del arte, la ciencia y la tecnología, explorando el modo en que los datos pueden transformarse en experiencias estéticas envolventes.

En Arquitectura viva (Living Architecture), Anadol utiliza inteligencia artificial para analizar y reinterpretar la estructura del Museo Guggenheim Bilbao, capturando su esencia arquitectónica en un flujo continuo de imágenes generadas por algoritmos. La obra combina datos obtenidos de modelos 3D del edificio con información recopilada en tiempo real sobre las condiciones ambientales y el comportamiento del público, creando una pieza en constante transformación. El resultado es una serie de “alucinaciones artificiales” que convierten la arquitectura en un organismo vivo, en el que formas y colores evolucionan sin cesar, reflejando la dinámica del entorno.

Refik Anadol. Credit Efsun Erkilic

Esta exposición es posible gracias a la colaboración del Museo Guggenheim Bilbao con 1OF1, una entidad dedicada al coleccionismo y la preservación del arte digital. Su fundador, Ryan Zurrer, subraya la importancia de apoyar a los artistas que, con su visión de futuro, están definiendo la expresión artística contemporánea. 1OF1 apuesta por el desarrollo del coleccionismo digital y por la creación de experiencias únicas en el ámbito del arte del siglo XXI.

Por su parte, Euskaltel se une al proyecto como partner tecnológico, reafirmando su compromiso con la innovación y el desarrollo de nuevas ideas a través del arte. Para la compañía, esta colaboración representa una oportunidad de contribuir al avance de la tecnología en el ámbito cultural, facilitando la materialización de propuestas que desafían los límites de la creatividad y la percepción.

Arquitectura viva (Living Architecture) se exhibirá en uno de los espacios más emblemáticos del Museo Guggenheim Bilbao, integrando la arquitectura del edificio con la obra de Anadol. La muestra invita al espectador a reflexionar sobre el papel de la inteligencia artificial en la sociedad y su impacto en la creación artística, explorando nuevas formas de interacción entre la tecnología, la memoria y la imaginación. A través de esta instalación, Anadol no solo transforma el espacio museístico en una experiencia envolvente, sino que plantea una reflexión sobre la relación entre el ser humano y el mundo digital, abriendo un debate sobre la influencia de la inteligencia artificial en la percepción, la creatividad y el futuro del arte.

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Música

Nat King Cole, el alma de una época

by Clara Belmonte
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Si alguna vez has sentido que una canción te abraza, que una voz te acompaña en la soledad o que una melodía ilumina un momento gris, es posible que hayas escuchado a Nat King Cole sin darte cuenta. Hay algo en su manera de cantar, en la cadencia pausada de su voz y en el piano que la acompaña como una brisa suave, que transforma lo cotidiano en algo un poco más bello.

Nathaniel Adams Coles, más conocido como Nat King Cole, nació el 17 de marzo de 1919 en Montgomery, Alabama, en el seno de una familia humilde y profundamente musical. Su madre, Perlina Adams, tocaba el órgano en la iglesia, y fue ella quien le enseñó sus primeras notas al piano. Su padre, Edward Coles, era diácono y carnicero, pero su vocación era el ministerio. Cuando Nat era aún un niño, la familia se trasladó a Chicago, donde su padre se convirtió en pastor y su madre siguió tocando en la iglesia. Aquellos primeros años estuvieron marcados por la música gospel, el jazz y la música clásica, géneros que aprendería a interpretar con una destreza que marcaría toda su carrera.

Chicago, en aquel entonces, era un hervidero cultural, y el joven Nat quedó fascinado con el jazz que se respiraba en el barrio de Bronzeville. Aún siendo adolescente, empezó a frecuentar clubes nocturnos y admirar a músicos como Louis Armstrong y Earl Hines, su gran inspiración al piano. Tanto lo impresionó Hines que decidió seguir sus pasos y, a mediados de los años 30, inició su carrera artística, abandonando la “s” de su apellido y adoptando el nombre de Nat Cole. Su hermano Eddie, bajista, se unió a su primera banda, con la que grabaron su primer disco en 1936. No tardó en hacerse un nombre en la escena local y pronto la audiencia empezó a llamarlo “King”, un apodo que nunca lo abandonaría.

Su carrera tomó un giro decisivo cuando, tras una gira con el pianista Eubie Blake, decidió establecerse en Los Ángeles, donde formó el King Cole Swingers y, poco después, en 1939, el legendario Nat King Cole Trio , junto al guitarrista Oscar Moore y el bajista Wesley Prince. En plena era de las grandes bandas, un grupo compuesto únicamente por piano, guitarra y bajo era una rareza, pero su sonido innovador y elegante capturó al público, influyendo en futuras generaciones de músicos y consolidando a Nat como un pianista de jazz excepcional. Aunque al principio se veía solo como instrumentista, con el tiempo comenzó a cantar en algunas presentaciones. No tenía gran confianza en su voz, pero el público pensaba lo contrario. Fue precisamente con una de esas canciones, Sweet Lorraine (1940), cuando llamó la atención de las discográficas y firmó un contrato con Capitol Records, sello al que permanecería fiel durante toda su carrera. Su popularidad creció rápidamente y, en 1950, alcanzó el número uno de ventas con Mona Lisa . En esta etapa comenzó a alejarse poco a poco del jazz para centrarse en las baladas, lo que algunos puristas vieron como una traición a sus raíces. Pero Nat no prestó atención a las críticas: hacía la música que sentía y que conectaba con su público.

A lo largo de los años, su voz aterciopelada y su estilo refinado conquistaron corazones de todas partes del mundo. Su interpretación de Unforgettable , Nature Boy , The Christmas Song y Ramblin’ Rose lo convirtió en una de las voces más queridas del siglo XX. Pero si algo hizo aún más especial a Nat King Cole fue su decisión de cantar en español. En 1958, grabó en La Habana la discoteca Cole Español , interpretando clásicos latinos con un acento entrañablemente imperfecto que enamoró a los países hispanohablantes. Fue tal el éxito que lanzó dos discos más en este idioma: A Mis Amigos (1959) y More Cole Español (1962), con canciones como Quizás, quizás, quizás y Perfidia . Sin hablar español, Nat memorizaba fonéticamente cada palabra y su dedicación fue recompensada con el cariño de un público que aún hoy lo recuerda con admiración.

Pero a pesar del amor que recibió de su público, su vida estuvo marcada por el racismo. En 1948, al comprar una casa en Hancock Park, un barrio exclusivo de Los Ángeles, sus vecinos blancos hicieron todo lo posible por expulsarlo. Desde amenazas hasta la quema de una cruz en su jardín, nada fue suficiente para hacerlo renunciar. Cuando le dijeron que no querían “indeseables” en el barrio, Nat respondió con elegancia: “Yo tampoco. Y si veo que alguien indeseable entra aquí, seré el primero en quejarme” .

Su enfrentamiento con la segregación no terminó ahí. En 1956, mientras ofrecía un concierto en Alabama, fue atacado en pleno escenario por supremacistas blancos que intentaron secuestrarlo. Aunque salió herido, decidió terminar la actuación, pero con una declaración clara: nunca más volvería a actuar en el sur de Estados Unidos. Paradójicamente, también recibió críticas de la comunidad afroamericana, que lo acusaba de no hacer lo suficiente por la lucha por los derechos civiles. No era un activista en el sentido tradicional, pero apoyaba la causa de distintas maneras: con donaciones, usando su influencia y rompiendo barreras como ser el primer afroamericano en tener un programa de televisión propio, The Nat King Cole Show (1956).

A pesar de estos desafíos, su carrera continuó brillando. Se casó con Maria Ellington, con quien tuvo cinco hijos, entre ellos Natalie Cole, quien años más tarde se convertiría en una estrella por derecho propio. Pero su felicidad no es muy dura. En 1964, con solo 45 años, le diagnosticaron cáncer de pulmón. Un fumador empedernido, había pasado años grabando con un cigarrillo entre los dedos, sin imaginar que su voz, la misma que había enamorado al mundo, se apagaría demasiado pronto. Aun con la enfermedad avanzando, Nat siguió trabajando y dejó su última grabación, LOVE , pocos meses antes de su muerte, el 15 de febrero de 1965.

El día de su funeral, cientos de personas pasaron por su ataque para despedirse, mientras figuras como Frank Sinatra, Count Basie y Sammy Davis Jr. llevaban su féretro. Jack Benny, quien pronunció su elegía, dijo: “Nat Cole era un éxito aún mayor como hombre que como artista, y eso es mucho decir”.

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Epica lanza su nuevo álbum “Aspiral” y anuncia gira

by Clara Belmonte
written by Clara Belmonte

La banda neerlandesa de metal sinfónico Epica ha anunciado el lanzamiento de su noveno álbum, titulado Aspiral. Saldrá el 11 de abril de 2025 bajo el sello Nuclear Blast Records y promete un sonido potente y envolvente, con una combinación de elementos sinfónicos, coros épicos y la energía del metal progresivo.

El nombre del disco está inspirado en una escultura de 1965 del artista polaco Stanisław Szukalski, que simboliza renovación e inspiración. La banda describe cada canción como una pieza con identidad propia, pero unidas forman una obra que invita a la reflexión y al viaje musical. A lo largo del álbum, Epica explora temas como la transformación personal, el paso del tiempo y la lucha entre la luz y la oscuridad, conceptos recurrentes en su discografía.

En Aspiral, Epica mantiene su característico sonido sinfónico con la inclusión de grandes orquestaciones, coros majestuosos y arreglos cinematográficos. La producción estuvo a cargo de Joost van den Broek, con quien han trabajado en álbumes anteriores, grabado en los Sandlane Studios. La portada fue diseñada por Hedi Xandt, reconocido por su trabajo con Rammstein, Ghost y Parkway Drive, lo que refuerza la estética grandiosa del proyecto.

Influencias y evolución de Epica

Desde su debut en 2003 con The Phantom Agony, Epica ha desarrollado un estilo único que mezcla el metal sinfónico con elementos de música clásica, progresiva y gótica. La banda, liderada por Simone Simons en la voz y Mark Jansen en las guitarras y guturales, ha evolucionado a lo largo de los años, incorporando influencias de música cinematográfica, folk y electrónica. Con discos como The Divine Conspiracy (2007), Design Your Universe (2009) o Omega (2021), han consolidado su reputación como una de las bandas más innovadoras del género.

Aspiral se presenta como un punto de inflexión en su carrera, combinando la esencia de sus primeros trabajos con nuevas exploraciones sonoras. La banda ha experimentado con estructuras más progresivas, una mayor presencia de sintetizadores y una narrativa conceptual más profunda.

Lista de canciones

El disco incluye 11 temas nuevos que reflejan la evolución de la banda:

  1. Cross the Divide

  2. Arcana

  3. Darkness Dies in Light – A New Age Dawns Part VII

  4. Obsidian Heart

  5. Fight to Survive – The Overview Effect

  6. Metanoia – A New Age Dawns Part VIII

  7. T.I.M.E.

  8. Apparition

  9. Eye of the Storm

  10. The Grand Saga of Existence – A New Age Dawns Part IX

  11. Aspiral

Como adelanto, la banda ha estrenado el videoclip de “Cross the Divide”, dirigido por Kunststoff y disponible en plataformas digitales. Este primer sencillo presenta un sonido envolvente con cambios dinámicos, combinando los coros sinfónicos con riffs pesados y la poderosa voz de Simone Simons.

Gira mundial y fechas en España

Epica también ha anunciado una gira mundial para presentar Aspiral, con fechas en Europa y América Latina. En España, la banda actuará en:

  • 30 de enero de 2026 – Barcelona

  • 31 de enero de 2026 – Madrid

Las entradas ya están a la venta en los canales oficiales.

Un nuevo hito en la carrera de Epica

Con Aspiral, Epica sigue evolucionando y explorando nuevas ideas sin perder su esencia. Este nuevo trabajo promete emocionar a sus seguidores y atraer a nuevos oyentes, consolidando su legado como una de las bandas más influyentes del metal sinfónico.

Para más información, visita epica.nl.

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Warhol y la revolución de la imagen

by Clara Belmonte
written by Clara Belmonte

La Fundación Canal presenta una de las exposiciones más esperadas del año: “Andy Warhol. Posters”, una muestra que reúne 133 carteles icónicos diseñados por el maestro del pop art entre 1962 y 1987. Con entrada libre y gratuita, la exposición estará disponible del 12 de febrero al 4 de mayo de 2025, ofreciendo una oportunidad única para adentrarse en el legado visual de Warhol desde una perspectiva diferente.

Andy Warhol (1928-1987) fue uno de los artistas más influyentes del siglo XX y el máximo exponente del pop art, un movimiento que revolucionó la manera en que el arte interactuaba con la cultura de masas. Nació en Pittsburgh, Pensilvania, en el seno de una familia de inmigrantes eslovacos. Su carrera comenzó en el mundo de la ilustración publicitaria en la década de 1950, pero su verdadero salto al estrellato llegó en los años 60, cuando empezó a experimentar con la reproducción de imágenes comerciales y la serigrafía.

Su icónica obra “Campbell’s Soup Cans” (1962) fue un punto de inflexión en la historia del arte, desafiando la noción tradicional de la pintura y llevando lo cotidiano a las galerías de arte. Warhol exploró la repetición, el consumismo y la fascinación por la fama a través de retratos de celebridades como Marilyn Monroe, Elvis Presley y Mao Tse-Tung, consolidándose como una de las figuras más provocadoras e innovadoras de su tiempo.

Además de su faceta como artista visual, Warhol se adentró en el cine, la música y la moda, convirtiéndose en un referente indiscutible de la cultura pop y dejando una huella imborrable en el arte contemporáneo.

Warhol no solo fue un artista revolucionario, sino un visionario que comprendió el poder de la imagen mucho antes de la era digital. Su obra elevó la publicidad y el consumo al estatus de arte, desdibujando los límites entre lo comercial y lo artístico.

Aunque sus serigrafías de Marilyn Monroe, las sopas Campbell’s o Mao Tse-Tung son mundialmente conocidas, sus carteles han recibido menos atención a pesar de ser una pieza clave en su producción. La exposición de la Fundación Canal nos sumerge en este universo gráfico, mostrando carteles que Warhol diseñó para museos, festivales de cine, conciertos, campañas sociales y marcas comerciales. Entre las piezas expuestas, destacan sus colaboraciones con Jean-Michel Basquiat, Mick Jagger y los Rolling Stones, así como sus diseños para el MoMA de Nueva York y su icónica serie “Save the Endangered Species” en defensa de los animales en peligro de extinción.

La selección de carteles que presenta la Fundación Canal permite recorrer la evolución artística de Warhol a lo largo de tres décadas. Sus primeras piezas muestran su habilidad para reinterpretar imágenes cotidianas con colores vibrantes y composiciones repetitivas, mientras que en sus últimos trabajos se percibe una estética más provocadora, con imágenes que exploran el poder de la celebridad y el consumismo.

Además, la muestra nos invita a reflexionar sobre el impacto de Warhol en la comunicación visual actual. Sus obras, caracterizadas por la reproducción mecánica y el uso de técnicas de impresión comercial, marcaron un antes y un después en el diseño gráfico y en la forma en que entendemos la imagen en la era digital.

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