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pintura

ArteNoticias

El Thyssen revela claves ocultas de un Degas

by Uve Magazine 30/11/2025
written by Uve Magazine

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza exhibirá, del 17 de noviembre de 2025 al 1 de marzo de 2026, un montaje especial dedicado al estudio técnico de En la sombrerería (1882), uno de los primeros pasteles de Edgar Degas centrados en la vida cotidiana. La obra, marcada por una fragilidad excepcional, ha sido analizada en profundidad por el Área de Restauración del museo gracias al mecenazgo de la Fundación María Cristina Masaveu Peterson, lo que ha permitido comparar el pastel con otras piezas del artista y confirmar tanto la calidad del soporte como la complejidad de su proceso creativo.

Las investigaciones revelan una composición muy meditada desde los primeros trazos, con apenas ligeras correcciones visibles bajo la superficie. La radiografía confirma su buen estado de conservación y la presencia de un cartón mecanizado como soporte, mientras que el examen del papel y de las capas de color muestra el característico método del pintor: una superposición minuciosa de pasteles fijados capa a capa con un producto que evitaba brillos y alteraciones cromáticas. Todo apunta a que ese fijativo era el elaborado por su amigo Luigi Chialiva, cuya fórmula —basada en caseína, bórax y alcohol— aparece registrada en una patente estadounidense de 1899.

La muestra ofrece una mirada privilegiada al oficio de Degas, a sus decisiones técnicas y a la delicadeza de una obra que, pese a su aparente sencillez, encierra un proceso de trabajo riguroso y lleno de matices. Una ocasión singular para redescubrir al maestro del pastel y comprender cómo construía la textura, la luz y el movimiento en una escena tan íntima como la de una sombrerería parisina.

30/11/2025 0 comments
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ArteEventos

Warhol y Pollock, juntos en el Thyssen

by Uve Magazine 11/09/2025
written by Uve Magazine

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta del 21 de octubre de 2025 al 25 de enero de 2026 la exposición «Warhol, Pollock y otros espacios americanos», comisariada por Estrella de Diego. La muestra reúne más de un centenar de obras de Andy Warhol y Jackson Pollock, dos figuras fundamentales del arte del siglo XX, junto a creadores como Lee Krasner, Helen Frankenthaler, Marisol Escobar, Sol LeWitt, Cy Twombly y Robert Rauschenberg. Procedentes de más de treinta instituciones de Norteamérica y Europa, muchas de estas piezas nunca han sido vistas en España.

Warhol y Pollock, en apariencia opuestos, coincidieron en su interés por revisar la tradición pictórica, cuestionar la relación entre figura y fondo y explorar nuevas estrategias espaciales. El recorrido revela a un Pollock no siempre definido como “maestro abstracto” y a un Warhol más complejo que el artista desapasionado de la cultura de masas. Ambos, desde registros distintos, trastocaron la noción de fondo y figura y desarrollaron estrategias de ocultamiento y camuflaje en sus proyectos pictóricos, donde a menudo aparecen huellas autobiográficas.

La exposición, organizada con la colaboración de la Comunidad de Madrid y el Ayuntamiento de Madrid, se articula en seis capítulos que muestran los diálogos entre abstracción y figuración, más allá de las etiquetas tradicionales. El primero confronta los inicios figurativos de Pollock y Krasner con dos versiones de la célebre Coca-Cola de Warhol. La sección Rastros y vestigios reúne obras de artistas como Audrey Flack, Marisol Escobar, Anne Ryan, Perle Fine y Rauschenberg, donde la figuración aparece fragmentada y camuflada. En El fondo como figura destacan piezas icónicas de Warhol como Liz en plata como Cleopatra (1963), Un solo Elvis (1964) y Jackie II (1966).

El apartado Repeticiones y fragmentos se centra en la serialidad y las duplicaciones de Warhol con series como Flores, Calaveras, Sillas eléctricas y los célebres accidentes automovilísticos, entre ellos Choque óptico de automóviles (1962) y Desastre blanco I (1963). Espacios sin horizontes presenta ocho pinturas oxidadas de Warhol junto a dos piezas de Helen Frankenthaler, en un diálogo con las últimas obras de Pollock. La muestra concluye con El espacio como metafísica, dedicado a la serie Sombras de Warhol (1978-79), que se enfrenta a Sin título (Verde sobre morado) (1961) de Mark Rothko en un encuentro marcado por la ausencia y la desmaterialización de la figura.

Con este proyecto, el Thyssen propone una nueva lectura de dos artistas clave del siglo XX y de sus contemporáneos, mostrando cómo, desde diferentes posiciones, compartieron una misma obsesión por reinventar el espacio pictórico y transformar radicalmente la relación entre abstracción y figuración.

11/09/2025 0 comments
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ArteEventos

Guardi y Venecia en el Thyssen

by Uve Magazine 04/02/2025
written by Uve Magazine

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta por primera vez en Madrid la colección completa de obras de Francesco Guardi perteneciente al Museo Calouste Gulbenkian. Gracias a un acuerdo de colaboración entre ambas instituciones, del 3 de febrero al 11 de mayo de 2025, los visitantes podrán disfrutar de 18 óleos y un dibujo del pintor veneciano, el artista más representado en la colección del financiero armenio Calouste Sarkis Gulbenkian (1869-1955).

Guardi y la veduta veneciana

Miembro de una familia de pintores, Francesco Guardi (1712-1793) se formó en el taller familiar junto a su hermano mayor, Gianantonio. Durante sus primeros años se dedicó a la pintura de temas religiosos e históricos, pero fue en su madurez cuando se especializó en la veduta, la representación de paisajes urbanos. Influenciado por Canaletto, Guardi evolucionó su estilo a través de una pincelada suelta y vibrante, logrando una atmósfera más poética e idealizada que la de su predecesor.

Las obras expuestas, fechadas entre 1765 y 1791, muestran distintos rincones de Venecia, desde vistas icónicas como el Puente de Rialto o el Palacio Ducal, hasta celebraciones populares como la Fiesta de la Ascensión. También incluyen escenas de los alrededores de la ciudad y caprichos arquitectónicos, ejemplos de su libertad creativa en la composición paisajística.

Un recorrido por la Venecia de Guardi

La exposición, comisariada por Mar Borobia, se divide en dos secciones: “La ciudad y sus fiestas” y “Terraferma y los caprichos”, y se exhibe en tres salas de la colección permanente del Thyssen.

En las salas 13 y 14 se presentan escenas festivas y panoramas urbanos que reflejan la animación y el esplendor de Venecia en el siglo XVIII. Entre las piezas más destacadas se encuentran La fiesta de la Ascensión en la plaza de San Marcos (h. 1775), en la que el pintor plasma con pinceladas rápidas el bullicio de la celebración.

Otro lienzo significativo es La partida del Bucintoro (h. 1765-1780), que capta la salida de la galera de los dux desde la dársena veneciana. Asimismo, Regata en el Gran Canal (h. 1775) y El puente de Rialto según el proyecto de Palladio (h. 1770) ofrecen diferentes perspectivas de la ciudad.

Otras obras que completan esta sección incluyen El Canal de Giudecca con la Iglesia de Santa Marta (h. 1770-1780), Pórtico con figuras (h. 1778), El pórtico del Palacio Ducal (h. 1778) y El Gran Canal junto al puente de Rialto (h. 1780-1790), todas representaciones que revelan la maestría de Guardi en la creación de atmósferas vibrantes.

Terraferma y los caprichos

La segunda sección, en la sala 15, exhibe la faceta más libre e imaginativa del pintor. Su pincelada suelta y expresiva captura el paso del tiempo y el deterioro arquitectónico con un tono melancólico. Obras como Capricho con arco romano en ruinas y templo circular (h. 1770-1780) muestran su talento para la composición idealizada.

El interés de Guardi por la vida cotidiana se refleja en Las compuertas en Dolo (h. 1774-1776), donde retrata la actividad del río Brenta. Asimismo, La isla de San Giorgio Maggiore (h. 1790) es un bello ejemplo de su visión de la arquitectura veneciana.

Un legado compartido

La exposición culmina con dos obras clave: Regata en el Gran Canal junto al puente de Rialto (h. 1791) de Giacomo Guardi, hijo del artista, y Il Bucintoro (h. 1745-1750) de Canaletto, prestada por la Colección Thyssen-Bornemisza al Museu Nacional d’Art de Catalunya. Esta última obra sirvió de inspiración para Guardi en una de sus composiciones más emblemáticas.

Esta muestra representa una oportunidad única para admirar el genio de Francesco Guardi y su visión de Venecia en un contexto inigualable, el Museo Thyssen-Bornemisza, donde la tradición y la modernidad se encuentran en un diálogo continuo sobre el arte y la historia.

04/02/2025 0 comments
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AgendaArteEventos

El taller de Rubens

by Uve Magazine 12/09/2024
written by Uve Magazine

El taller de Rubens. Explorando la colaboración y creatividad del maestro barroco

Pieter Paul Rubens fue el pintor más exitoso de Europa durante la primera mitad del siglo XVII, con una impresionante producción de alrededor de 1,500 obras que aún se conservan. La exposición El Taller de Rubens, comisariada por Alejandro Vergara, jefe de Conservación del Área de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte del Museo Nacional del Prado, explora tanto su método colaborativo de trabajo como el espacio físico de su taller en Amberes, donde se llevaban a cabo las creaciones. Este taller no solo era un lugar de producción artística, sino también un laboratorio donde Rubens, junto con numerosos ayudantes, realizaba su prolífica obra. La exposición recrea ese ambiente con una detallada escenificación de caballetes, lienzos, pinceles y otros materiales del siglo XVII, junto a libros, bustos antiguos y objetos que reflejan los intereses del artista.

En torno a esta recreación, que podrá visitarse en el Museo Nacional del Prado en Madrid del 15 de octubre de 2024 al 16 de febrero de 2025, se presentan veinte pinturas, dos dibujos y cinco grabados que ilustran las diferentes formas de colaboración entre Rubens y sus asistentes. Rubens establecía las composiciones iniciales, permitiendo que sus ayudantes desarrollaran y completaran partes de las obras, multiplicando así su producción sin sacrificar calidad. Esta dinámica de trabajo convierte la exposición en un viaje inmersivo a la época del maestro de Amberes, mostrando cómo combinaba talento, enseñanza y trabajo en equipo para consolidar su éxito.

En paralelo, el Museo organiza el ciclo de conferencias A propósito de Rubens. Ideal, organización y saber en el taller de un pintor los días 30 de octubre y 6, 13 y 20 de noviembre de 2024. Este ciclo profundiza en cómo Rubens optimizó su taller, aprovechando las tecnologías de su tiempo para maximizar su producción, mientras mantenía la emoción y belleza como objetivos fundamentales de su arte. Las conferencias también explorarán la representación de los talleres de pintura y su comparación con los espacios de creación contemporáneos.

Para los amantes del arte, esta exposición y las actividades asociadas ofrecen una oportunidad única de entender el genio de Rubens, su capacidad organizativa y la influencia duradera de su taller en la evolución del arte barroco europeo.

12/09/2024 0 comments
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ArtePersonajes

Alphonse Mucha. El maestro del Art Noveau

by Clara Belmonte 22/07/2024
written by Clara Belmonte

Alphonse Mucha, nacido el 24 de julio de 1860 en Ivančice, una pequeña ciudad del sur de Moravia, es uno de los nombres más reconocidos del Art Nouveau. Su vida y obra son una oda a la belleza y la creatividad, con un legado que sigue inspirando a artistas y diseñadores hasta el día de hoy.

Desde sus primeros años, Mucha mostró una inclinación por el arte, aunque su camino hacia la profesionalización fue arduo debido a los modestos ingresos de su familia. Su padre, Ondřej, era ujier de la corte y su madre, Amálie, hija de un molinero. Mucha trabajó en diversos empleos de pintura decorativa en Moravia y, en 1879, se mudó a Viena para trabajar con una compañía de diseño teatral.

El destino le jugó una mala pasada en 1881 cuando un incendio destruyó el Ringtheater, el principal cliente de su firma. Este revés lo llevó de regreso a Moravia, donde empezó a hacer retratos y arte decorativo. Su talento llamó la atención del conde Eduard Khuen Belasi, quien lo contrató para pintar murales en su residencia. Este trabajo le abrió las puertas a una educación formal en la Academia de Bellas Artes de Múnich, patrocinada por el conde.

En Viena, Mucha descubrió el trabajo de Hans Makart, un pintor académico destacado, conocido por sus murales y retratos históricos. La grandiosidad y el detalle en las obras de Makart dejaron una huella profunda en Mucha, orientándolo hacia un estilo que combinaba la narrativa histórica con una rica ornamentación.

En 1887, Mucha se mudó a París, donde continuó sus estudios en la Académie Julian y la Académie Colarossi. Paralelamente, empezó a producir ilustraciones para revistas y publicidad. Su gran oportunidad llegó en 1895, cuando creó un cartel para la obra “Gismonda” de Victorien Sardou, protagonizada por la famosa actriz Sarah Bernhardt. El cartel fue un éxito rotundo, catapultando a Mucha a la fama. Bernhardt quedó tan impresionada que le ofreció un contrato exclusivo de seis años. Durante este tiempo, Mucha no solo diseñó carteles, sino también escenografías y vestuarios para el Théâtre de la Renaissance. Su estilo, caracterizado por líneas sinuosas, figuras femeninas estilizadas y elementos florales, se convirtió en sinónimo del Art Nouveau.

El éxito de Mucha en París lo llevó a colaborar con el joyero Georges Fouquet. Fascinado por los adornos en las mujeres de los carteles de Mucha, Fouquet le encargó diseños para una serie de joyas que se presentaron en la Exposición Universal de París en 1900. Mucha también diseñó los interiores de la joyería de Fouquet, creando un espacio que era una obra de arte en sí misma.

A pesar de su éxito en Francia, Mucha siempre soñó con proyectos que reflejaran su herencia eslava. Entre 1906 y 1910, visitó los Estados Unidos, pero finalmente regresó a su tierra natal para establecerse en Praga. Allí, decoró el Teatro de Bellas Artes y otros edificios emblemáticos. Con la independencia de Checoslovaquia después de la Primera Guerra Mundial, Mucha diseñó sellos postales, billetes y otros documentos oficiales para la nueva nación. Sin embargo, su proyecto más ambicioso fue la “Epopeya eslava” (Slovanská epopej), una serie de veinte enormes pinturas que narran la historia de los pueblos eslavos. Esta obra monumental fue donada a la ciudad de Praga en 1928 y representa el pináculo de su carrera artística.

Uno de los trabajos más destacados de Mucha en su tierra natal fue el vitral de la Catedral de San Vito en Praga, instalado en 1930 en la nave norte. Este vitral, patrocinado por el Banco Slavia, representa a San Wenceslao, patrón de los eslavos, como infante junto a su abuela, Santa Ludmila. Alrededor de estas figuras centrales, se encuentran escenas de la vida de los Santos Cirilo y Metodio, quienes esparcieron la cristiandad entre los eslavos. En la parte inferior del vitral, se aprecia la alegoría de La Eslavia, debajo de Cristo, reflejando el orgullo y la identidad eslava. Este vitral no solo es una obra de arte magnífica, sino también un símbolo del renacimiento cultural y espiritual de Checoslovaquia. Una reproducción de este vitral se exhibe en el Museo Mucha de la República Checa, permitiendo a los visitantes apreciar la maestría y el simbolismo de esta obra.

La invasión alemana de Checoslovaquia en 1939 fue un golpe devastador para Mucha. Fue arrestado e interrogado por la Gestapo, y nunca se recuperó del trauma. Murió el 14 de julio de 1939 en Praga, a causa de una pulmonía, y fue enterrado en el cementerio de Vyšehrad. Aunque al momento de su muerte su estilo se consideraba pasado de moda, el interés por su obra resurgió en la década de 1960 y ha continuado desde entonces. Gran parte de este renacimiento se debe a su hijo, Jiri Mucha, quien escribió extensamente sobre su padre y dedicó su vida a preservar y promover su legado.

El estilo de Mucha es inconfundible. Sus obras frecuentemente presentan mujeres jóvenes y hermosas, vestidas con atuendos neoclásicos y rodeadas de exuberantes flores. Aunque este estilo fue imitado en su época y se convirtió en un símbolo del Art Nouveau, Mucha siempre insistió en que su arte tenía un propósito espiritual y no meramente comercial. A lo largo de su carrera, Mucha produjo una vasta cantidad de trabajos que abarcan desde pinturas y pósteres hasta diseños para joyería, alfombras y decorados teatrales. Su enfoque en la figura femenina y la ornamentación floral ha influenciado a numerosos artistas y diseñadores contemporáneos.

22/07/2024 0 comments
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ArtePersonajes

Caravaggio. Luz y oscuridad en el Barroco

by Valeria Cruz 18/07/2024
written by Valeria Cruz

Michelangelo Merisi da Caravaggio (Milán, 29 de septiembre de 1571 – Porto Ercole, 18 de julio de 1610), conocido simplemente como Caravaggio, fue un pintor italiano cuyo estilo revolucionó la pintura del Barroco. Su vida y obra estuvieron marcadas por una lucha constante entre la luz y la oscuridad, reflejando la miseria que lo rodeaba a través de personajes que se confundían entre lo sagrado y lo profano.

Caravaggio nació en la ciudad lombarda de Caravaggio, situada al este de Milán. Su padre, Fermo Merisi, trabajaba como administrador y arquitecto decorador para los Sforza da Caravaggio, una familia noble. Su madre, Lucía Aratori, pertenecía a una familia adinerada. Tras la muerte de su padre debido a la peste que asoló Milán, el joven Caravaggio entró a trabajar como aprendiz del pintor lombardo Simone Peterzano en 1584. Finalizado su aprendizaje, conoció las obras de Giorgione y Tiziano en un viaje a Venecia, influyéndose profundamente de ellas.

Llegó a Roma en 1592, “desnudo y extremadamente necesitado, sin una dirección fija y sin provisiones… además corto de dinero”. Contactó con Giuseppe Cesari, el “pintor de flores y frutos” de la cámara del papa Clemente VIII, quien le ofreció trabajo en su taller de pintura. Allí Caravaggio pintó varios cuadros entre los que destacan Muchacho pelando fruta, su primera obra conocida, Cesto con frutas y un supuesto autorretrato que tituló Baco.

Su situación económica era precaria hasta que comenzó a forjarse importantes amistades, como la del pintor Próspero Orsi, que le introdujo en el círculo de los grandes coleccionistas de arte, y el joven siciliano Mario Minniti, quien le sirvió de modelo y ayudante. El cardenal Francesco Maria del Monte, un importante coleccionista y mecenas, invitó a Caravaggio a su círculo, lo que permitió que su fama se extendiera y obtuviera los encargos más importantes de la ciudad. De esta época son los cuadros: La buenaventura y Partida de cartas.

Baco. Caravaggio

Caravaggio fue contratado para decorar la Capilla Contarelli, donde pintó El martirio de San Mateo y La vocación de San Mateo, obras que consolidaron su reputación. Sin embargo, su carácter violento y aficionado a las peleas callejeras lo llevó a tener numerosos conflictos. En mayo de 1606, durante un partido de pallacorda, se enfrentó a Ranuccio Tomassoni, un joven aristócrata, a quien intentó mutilar y accidentalmente mató. Este hecho provocó que fuera sentenciado a muerte y tuviera que huir de Roma.

El pintor se refugió en Nápoles, donde continuó trabajando bajo la protección de la familia Colonna. Realizó importantes obras como Siete obras de misericordia y Madonna del Rosario. Posteriormente, viajó a Malta, donde fue nombrado caballero de la Orden de Malta, aunque su comportamiento pendenciero le causó problemas, siendo expulsado de la orden y obligado a dejar la isla. En Nápoles sufrió un ataque que le desfiguró el rostro y aumentó su paranoia y aislamiento.

En 1610, Caravaggio recibió permiso para volver a Roma. Sin embargo, en Porto Ércole, fue encarcelado por un guardia español al ser confundido con otra persona, y el barco que debía llevarlo a Roma zarpó sin él. Su salud, muy deteriorada por su estilo de vida, empeoró. Afectado de disentería y muy débil, murió en la playa de Porto Ércole el 18 de julio de 1610.

Madonna del Rosario. Caravaggio

La vida de Caravaggio estuvo marcada por excesos y delincuencia, siempre huyendo de sí mismo: “Huyo para encontrar un nuevo hogar. Que no digan que soy un criminal. Soy un hombre que busca ayuda, un artista que busca misericordia”. Su estilo revolucionario y su capacidad para capturar el dramatismo de la figura humana a través del claroscuro tuvieron una influencia profunda en sus contemporáneos y generaciones posteriores. Aunque fue olvidado durante siglos, su obra resurgió en el siglo XX, cuando se reconoció su importancia en el desarrollo del arte occidental. Caravaggio es ahora considerado un pionero de la pintura moderna, un maestro que, a través de su técnica y visión, cambió para siempre el curso del arte.

18/07/2024 0 comments
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ArteEntrevistas

ENTREVISTA Helena Toraño Caso

by Emain Juliana 10/03/2023
written by Emain Juliana

En el segundo número de la revista Uve Magazine, conversamos con la artista plástica Helena Toraño, aquí os dejamos parte de la entrevista.

Arranquemos volviendo la vista atrás, ¿cómo nace tu interés por el arte?

Desde muy pequeñina empecé a disfrutar mucho dibujando y pintando, y mis primeros recuerdos ya incluyen lápices de colores y libretas. En casa siempre hubo libros de arte: Botticelli, Van Gogh, Gauguin, Tamara de Lempicka… ¡Me encantaba mirar las reproducciones de sus obras! Además, mis padres nos llevaban a mí y a mis hermanas a ver exposiciones y museos, así que creo que mi interés por el arte nace gracias a ellos, que nos educaron en el amor y el respeto por la cultura.

¿Recuerdas el momento determinante en el que consideraste seriamente dedicarte de pleno a la pintura?

Esa siempre fue mi intención.

A los dieciséis años me fui a vivir a Gijón para estudiar el bachiller artístico en la Universidad Laboral (en Llanes, de donde soy, no existía esa especialidad) y luego me licencié en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco en 2007.

Estuve unos cuantos años compaginando trabajos muy diversos con proyectos artísticos y exposiciones, pero en 2014, cuando me concedieron el Premio Asturias de Artes Plásticas del Principado, decidí probar suerte y enfocar toda mi energía y mi tiempo en hacer lo que siempre había querido: pintar.

«Me identifico bastante con el arte pop, sobre todo con el británico, que no se centra tanto en el impacto inmediato, sino que es más narrativo, algo más íntimo y con un halo nostálgico. Los colores planos y muy vivos y los elementos de la cultura popular están muy presentes en mi trabajo».

¿Qué artistas y estilos pictóricos consideras que han sido grandes influencias en tu pintura?

Hay artistas que me interesan mucho formalmente (su técnica, los temas que tratan, su paleta, sus composiciones…) y otros de los que me interesa su forma de trabajar, de mirar el mundo y de plasmarlo, aunque estéticamente esté más alejada de ellos.

Una de las cosas que más me gusta es mirar obras de otros artistas, visitar exposiciones, hojear libros, así que tengo muchísimos referentes; algunos me acompañan desde siempre y otros los voy descubriendo a medida que pasa el tiempo, así que la lista no para de crecer.

A continuación, te voy a nombrar solo algunos de ellos y solo me voy a centrar en pintores (porque también hay cineastas, fotógrafos, músicos, actores, etcétera):

David Hockney, Henri Rousseau, Félix Vallotton, Leonora Carrington, Georgia O’Keeffe, Edward Hopper, Peter Blake, Pauline Boty, Charlotte Salomon, Gertrude Abercrombie, Suzanne Valadon, Isabel Villar…

Me identifico bastante con el arte pop, sobre todo con el británico, que no se centra tanto en el impacto inmediato, sino que es más narrativo, algo más íntimo y con un halo nostálgico. Los colores planos y muy vivos y los elementos de la cultura popular están muy presentes en mi trabajo. Pero las épocas que más me gustan y a las que pertenecen muchos de mis artistas preferidos son el posimpresionismo y las primeras vanguardias: la escuela de PontAven, los Nabis, el fauvismo, el simbolismo… Ese momento de ruptura y de búsqueda donde primaba la subjetividad y la libertad expresiva me resulta emocionante.

«Una de las cosas que más me gusta es mirar obras de otros artistas, visitar exposiciones, hojear libros, así que tengo muchísimos referentes».

¿Cómo es tu proceso de creación?

Mi estado normal es el de estar en búsqueda continua, siempre atenta: leyendo, viendo películas, escuchando música, hojeando revistas, haciendo fotos… Tengo una libreta en la que voy apuntando las ideas que surgen de esa búsqueda y en la que voy realizando bocetos, y así, cuando me enfrento, por ejemplo, a la creación de una serie de cuadros, acudo a ella y decido sobre qué bocetos quiero trabajar.

Aquí es donde tengo que ir poniéndome límites para empezar a concretar y perfilar el concepto que voy a desarrollar, y es, quizás, la parte que me resulta más difícil.

Cuando sé qué dirección quiero tomar sigo realizando bocetos, elijo los formatos y comienza la fase más disfrutona, la de pintar. Suelo hacer los bocetos en escala de grises porque, aunque me gusta tener la composición muy clara antes de empezar a trabajar sobre el lienzo, la elección de los colores prefiero ir decidiéndola sobre la marcha.

¿Qué historias hay detrás de tu trabajo?

A mí me gusta más sugerir que contar. Me gusta plantear escenas que evoquen historias, pero de una manera abierta, poco concreta. De esta manera, pretendo que sea el espectador quien, a través de sus conocimientos o de sus experiencias personales, les dé uno u otro significado. Así, una obra puede tener tantas interpretaciones como espectadores la contemplen y esto no hace más que enriquecerla.

La relación de las protagonistas de tus obras con la naturaleza es una constante en tu trabajo.

Sí, la naturaleza y la conexión con ella son unas de mis mayores inspiraciones. Además, después del confinamiento que vivimos en 2020 creo que es un aspecto que se ha pronunciado enormemente tanto en mis obras como en mi día a día. Disfruto mucho de la sensación del aire fresco y del sol en la cara, el olor a salitre y a hierba mojada, el viento en el pelo… y precisamente son estas sensaciones las que me gusta que mis cuadros transmitan.

El resto de la entrevista la encontrarás en nuestra revista impresa a la venta en librerías y en la web uvebooks.com y muy pronto también en digital.

10/03/2023 0 comments
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