Perry Archangelo Bamonte murió a los 65 años, en su casa y tras una breve enfermedad, durante los días de Navidad, una circunstancia que The Cure confirmó con un comunicado escueto y contenido, en el que hablaban de «enorme tristeza» y recordaban a Bamonte como una presencia creativa, cercana y fundamental dentro de la historia del grupo. La noticia obliga a detenerse y mirar con más atención una figura que nunca fue protagonista, pero sin la cual una parte esencial del sonido de The Cure resulta difícil de explicar.
Bamonte no encaja en la categoría de músico icónico, y esa es precisamente la clave de su importancia. No llegó a la banda como un fichaje estelar ni como un revulsivo mediático, sino desde la trastienda, desde el trabajo invisible que sostiene a los grupos en la carretera. Se incorporó al entorno de The Cure en 1984 como parte del equipo técnico, primero afinando instrumentos, preparando escenarios y acompañando a Robert Smith como asistente directo, aprendiendo de cerca no solo cómo se tocaban las canciones, sino cómo se construía el clima emocional que definía al grupo tanto en estudio como en directo. Ese aprendizaje silencioso explica que, cuando a comienzos de los años noventa pasó a formar parte oficial de la banda, su presencia no alterara el equilibrio, sino que lo reforzara de una manera casi natural.
El Cure de los noventa: capas, exceso y una identidad en tensión
La etapa de Perry Bamonte como miembro pleno coincide con uno de los momentos más complejos de The Cure, cuando la banda se encontraba atrapada entre el peso de su propio legado y la necesidad de no convertirse en una caricatura de sí misma. Tras Disintegration (1989), considerado por muchos como su gran obra definitiva, cualquier movimiento posterior estaba condenado a ser leído como insuficiente o innecesario. Wish (1992) fue la respuesta a esa presión, un disco emocionalmente intenso, físico, casi abrasivo, en el que las guitarras no buscan delicadeza sino empuje, acumulación, insistencia.
En ese contexto, la aportación de Bamonte resulta esencial precisamente porque no se manifiesta de forma evidente. The Cure de los noventa suena grande, amplio, a veces excesivo, y esa sensación no nace de una única mano, sino de la suma de capas que se superponen hasta crear un espacio reconocible, casi físico, en el que la voz de Robert Smith puede moverse con libertad.
Ese papel se hace todavía más visible en Wild Mood Swings (1996), probablemente el disco más discutido de la banda, recibido en su momento como irregular y desconcertante. Con la distancia del tiempo, el álbum se revela como el reflejo honesto de un grupo cansado de su propia identidad, probando registros dispares sin una dirección clara, oscilando entre estilos, tonos y estados de ánimo sin intentar disimular la contradicción. Bamonte encaja ahí porque es un músico flexible, capaz de adaptarse a esa inestabilidad sin forzar una cohesión artificial, permitiendo que el disco avance sin romperse del todo.
Aunque The Cure había definido ya buena parte del imaginario del rock gótico con obras como Pornography (1982), un álbum extremo, opresivo y cargado de imágenes autodestructivas, la banda nunca se limitó a ese territorio. Su historia está marcada por una tensión constante entre la oscuridad y la ligereza, entre la melancolía más densa y el pop inmediato, y es precisamente esa dualidad la que explica su alcance cultural. Canciones como Friday I’m in Love demuestran que el grupo podía moverse hacia la luminosidad sin perder credibilidad, y Bamonte supo habitar ese espacio ambiguo, reforzando tanto los pasajes más sombríos como los más accesibles sin que el conjunto se resintiera.
Cierres y regresos
Con Bloodflowers (2000), The Cure parece consciente de estar cerrando un ciclo. El disco funciona como un balance, un trabajo introspectivo que dialoga con álbumes anteriores desde la madurez y el desgaste, sin la urgencia de demostrar nada a nadie. Aquí, de nuevo, la aportación de Bamonte se percibe como atmósfera, como una línea de temperatura constante que atraviesa todo el álbum y refuerza su carácter de despedida, aunque no definitiva.
Poco después, Bamonte abandona la banda, y lo hace de la misma manera en que había estado siempre, sin estridencias y sin convertir su salida en un relato épico. The Cure ha sobrevivido a múltiples cambios de formación, pero no todos pesan lo mismo. La ausencia de un músico que trabaja desde la estructura y desde lo invisible, se nota precisamente porque altera el equilibrio general, porque el sonido pierde parte de esa cualidad envolvente que había definido al grupo durante más de una década.
Años más tarde, Bamonte regresó puntualmente para momentos simbólicos y, más recientemente, para giras en las que The Cure recuperó una intensidad que sorprendió incluso a sus seguidores más veteranos. La propia banda llegó a afirmar que algunos de esos conciertos estuvieron entre los mejores de su historia.
Bamonte participó en cientos de conciertos y en varios de los discos más representativos de The Cure de los noventa y principios de los dos mil como parte estructural de una etapa decisiva. Su legado no se mide en iconografía ni en protagonismo, sino en equilibrio, en su capacidad de integrarse dentro de la canción para que esta funcione. Hablar hoy de Perry Bamonte es recordar que las grandes bandas no se sostienen solo sobre nombres visibles, sino sobre músicos que entienden la música como un espacio compartido, donde el ego se subordina al clima emocional. En The Cure, donde ese clima ha sido siempre la verdadera esencia, su aportación resulta imposible de ignorar.
