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Category:

Música

AgendaMúsicaNoticias

Los conciertos y festivales más esperados de 2026

by Clara Belmonte 07/01/2026
written by Clara Belmonte

BAD BUNNY

Bad Bunny llegará a España en 2026 con una residencia de doce conciertos —dos en Barcelona y diez en Madrid—, un formato poco habitual en el país. La venta de 600.000 entradas en una sola jornada sitúa esta gira como la de mayor volumen registrada para un artista internacional desde que existen datos oficiales.

Info: Barcelona y Madrid. Del 22 de mayo al 15 de junio. Entradas agotadas.

ROSALÍA

Lux llega con promesa de cambio de formato. La gira arranca en Francia en marzo y en España se concentra en Madrid y Barcelona. Lo que se espera (y lo que tiene sentido, si se mira el disco): un directo más musical, con cuerdas y coro, y canciones antiguas adaptadas a ese registro. Por lo demás, pocas certezas: en este punto, la gira es un contenedor de incógnitas con una sola garantía, que es el control del detalle.

Info: Madrid y Barcelona. Del 30 de marzo al 18 de abril. Entradas agotadas.

THE WEEKND

Cuatro estadios para cerrar la gira europea y dejar claro que lo suyo no va de “venir a cantar”, sino de traer un espectáculo completo. Si se toma como referencia el montaje de 2023: pantallas gigantes, iluminación a gran escala, pirotecnia y teatralidad. Un show pensado para verse desde lejos y que aun así tenga puntos de atención en primer plano.

Info: Madrid y Barcelona. Del 28 de agosto al 1 de septiembre. 57–595 €.

 

GIRAS NACIONALES CON RECORRIDO LARGO

 

LA OREJA DE VAN GOGH

El retorno de Amaia activa el mecanismo clásico: repertorio conocido, público transversal y una gira extensa de pabellones. No es una gira breve “de reencuentro”, sino un plan de temporada completa: 34 conciertos repartidos durante casi todo el año.

Info: 19 ciudades. Del 9 de mayo al 30 de diciembre. 45–290 €.

EL ÚLTIMO DE LA FILA

La vuelta de Manolo García y Quimi Portet se plantea sin grandes mensajes añadidos: canciones de siempre, tocadas como se espera que suenen. Nueve ciudades y un calendario contenido, más cerca del “evento” que del circuito de gira interminable.

Info: nueve ciudades. Del 28 de abril al 9 de julio. 60,50–104,50 €.

FESTIVALES GENERALISTAS: BARCELONA Y MADRID, OTRA VEZ

PRIMAVERA SOUND

Cambio claro de acento: menos foco en el nombre fugaz y más apuesta por nombres que ya tienen peso acumulado. En 2026, además, hay un elemento práctico que suele empujar a los festivales: varios artistas llegan con disco nuevo. En este caso, proyectos como Gorillaz, Massive Attack y The xx aparecen como parte del argumento del año.

Info: Barcelona. Del 4 al 6 de junio. Entrada diaria: 125–195 €. Abono: 335–545 €.

MAD COOL

El décimo aniversario se presenta con un cartel especialmente fuerte y un cabeza visible que funciona en cualquier país: Foo Fighters. En Mad Cool el valor no está en descubrir, sino en la suma de grandes nombres en jornadas largas y un recinto pensado para rotación constante.

Info: Madrid. Del 8 al 11 de julio. (Cartel publicado con más de 70 artistas).

FESTIVALES DE METAL EN ESPAÑA 2026

 

Resurrection Fest (Viveiro)

El festival que ordena la primera semana de julio para el público de metal, hardcore y derivados. En 2026 vuelve a concentrar su programación en cuatro jornadas consecutivas y mantiene su política de venta por tipos de abono.

Cabezas de cartel / nombres destacados: Slipknot, Parkway Drive, Architects, Amon Amarth, Bring Me The Horizon (entre otros nombres de primera línea ya anunciados).
Info: Viveiro (Galicia). Del 1 al 4 de julio de 2026.
Abono 4 días: 235 €. Pandemonium: 335 €. Resurrection Fest

Rock Imperium (Cartagena)

El festival de Cartagena consolida su perfil dentro del circuito europeo de rock y metal con un formato de tres días, cartel por jornadas y venta escalonada. La programación combina bandas clásicas y nombres de metal contemporáneo con tirón internacional. Rock Imperium

Cabezas de cartel / nombres destacados: Iron Maiden, Anthrax, Mastodon, Kreator, Helloween.
Info: Cartagena (Parque El Batel). 3, 4 y 5 de julio de 2026.
Venta por tramos y entradas diarias disponibles.

Barcelona Rock Fest (Santa Coloma de Gramenet)

Festival de rock y metal de gran formato en Cataluña, con una programación centrada en bandas históricas y nombres consolidados del género. Mantiene el esquema de tres días consecutivos.

Cabezas de cartel / nombres destacados: Judas Priest, Scorpions, Accept, Saxon, Deep Purple.
Info: Santa Coloma de Gramenet (Barcelona). 3, 4 y 5 de julio de 2026.
Entradas a la venta. Barcelona Rock Fest 

Leyendas del Rock (Villena)

La edición de 2026 se presenta como XX aniversario, con un cartel diseñado para cubrir distintas generaciones y estilos dentro del metal. A diferencia de otros años, se desplaza claramente a agosto y amplía su duración a cuatro jornadas.

Cabezas de cartel / nombres destacados: Blind Guardian, Nightwish, Sepultura, HammerFall, Angelus Apatrida.
Info: Villena (Alicante). Del 5 al 8 de agosto de 2026.
Cartel por días publicado. Leyendas del Rock

EL CIRCUITO METAL EUROPEO 2026

DOWNLOAD FESTIVAL (Reino Unido)

El festival ya ha publicado el póster de 2026 con los tres nombres grandes en primera línea, además indicados como “UK exclusives”.

Cabezas de cartel: Limp Bizkit, Guns N’ Roses, Linkin Park. Download Festival
Info: Donington Park. 10–14 de junio de 2026.

 

GRASPOP METAL MEETING (Bélgica)

En Graspop 2026 el cartel está construido alrededor de un bloque de bandas muy reconocibles, con varios nombres “de arriba” ya muy claros.

Principales nombres anunciados (cabezas / parte alta): Def Leppard, Twisted Sister, Limp Bizkit, Bring Me The Horizon, Volbeat (entre otros). 
Y, en el arranque de anuncios del festival, también se colocaban muy arriba Limp Bizkit, Within Temptation y Megadeth para el jueves.

Info: Dessel. 18–21 de junio de 2026. Abono: 319 €. Día: 135 €. Graspop Metal Meeting

 

COPENHELL (Dinamarca)

Aquí sí está cristalino: la propia organización ha anunciado explícitamente los cuatro headliners.

Cabezas de cartel: Iron Maiden, Volbeat, Bring Me The Horizon, Twisted Sister. copenhell.dk+1
Info: Copenhague (Refshaleøen). 24–27 de junio de 2026.

 

WACKEN OPEN AIR (Alemania)

Wacken está en modo aniversario y va soltando el cartel por oleadas. En la primera comunicación fuerte de 2026, el festival presentó como punta de lanza a cuatro nombres.

Banda “al frente” de la primera oleada: Def Leppard, In Flames, Powerwolf, Savatage. Wacken Open Air
Info: Wacken. 29 de julio–1 de agosto de 2026 (festival). Camping desde el 26 de julio.

07/01/2026 0 comments
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MúsicaNoticias

Los 10 discos de metal más relevantes de 2025

by Emain Juliana 31/12/2025
written by Emain Juliana

En los últimos meses han salido discos muy visibles y otros que han funcionado especialmente bien dentro de la escena, dejando un panorama bastante interesante. Esta lista recoge algunos de los que mejor lo representan y que, además, han sido nuestros favoritos.

Testament. Para Bellum
Los veteranos del thrash demuestran que siguen teniendo algo que decir. Riffs afilados, tempos contundentes y una producción que no suena a despedida, sino a reafirmación.

Trauma Bond. Summer Ends. Some Are Long Gone.
Uno de los discos más extremos y comentados del año en la escena grindcore y noise-metal. Caótico, incómodo y deliberadamente abrasivo.

Deftones. Private Music
Atmosférico, oscuro y reconocible desde el primer minuto. Deftones siguen jugando en su propio terreno, sin competir con nadie, y por eso siguen siendo relevantes.

Spiritbox . Tsunami Sea
Metal moderno bien producido, con equilibrio entre brutalidad y melodía. Un disco que ha conectado escenas distintas y ha ampliado su público sin diluir identidad.

Deafheaven. Lonely People With Power (2025)
Deafheaven vuelve a tensar el equilibrio entre el black metal, el post-metal y la épica emocional, con un disco más áspero y expansivo que sus trabajos recientes. Lonely People With Power recupera intensidad y ambición sin perder sutileza, y confirma a la banda como uno de los nombres clave del metal contemporáneo.

Ghost. Skeletá
Metal teatral, ganchos claros y una puesta en escena que vuelve a funcionar. No es su disco más arriesgado, pero sí uno de los más efectivos del año.

Sleep Token. Even in Arcadia
Uno de los lanzamientos más discutidos de 2025. Amor y rechazo a partes iguales, pero imposible de ignorar por impacto, alcance y conversación generada.

Corpus Offal. Corpus Offal
Metal extremo directo y sin concesiones. Brutalidad bien ejecutada y una identidad clara que lo ha colocado en muchas listas especializadas.

Judas Priest. Invincible Shield II
Heavy metal clásico hecho con oficio y energía. No pretende reinventar nada, pero confirma que Judas Priest sigue siendo un nombre central del género.

Blood Incantation. Absolute Elsewhere
Uno de los discos más respetados del año dentro del metal extremo. Death metal técnico y atmosférico con ambición conceptual y peso real en la escena.

31/12/2025 0 comments
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ArteLiteraturaMúsica

Cómo se construye hoy la visibilidad cultural

by Clara Belmonte 31/12/2025
written by Clara Belmonte

(sin vivir esclavo de las redes ni convertir tu proyecto en un meme)

El mito de «si no publicas, no existes»

En algún momento alguien decidió que la cultura tenía que comportarse como una cuenta de Instagram con ansiedad, y desde entonces muchos proyectos culturales viven atrapados en una especie de carrera sin meta clara: publicar por no desaparecer, subir algo aunque no haya nada que decir, estar “activos” aunque por dentro estén agotados. El problema es que esa lógica, que quizá funciona para otros ámbitos, en cultura suele generar el efecto contrario: mucha presencia y muy poca huella.

Porque estar no es lo mismo que importar. Puedes aparecer todos los días en un feed y, aun así, no ocupar ningún lugar reconocible. Nadie sabe muy bien qué haces, por qué lo haces o por qué debería volver a leerte dentro de una semana. La visibilidad que de verdad sirve no es la que dura veinticuatro horas, sino la que hace que alguien piense en ti cuando busca algo concreto, cuando recomienda un medio, cuando quiere entender mejor un tema cultural.

Y eso, aunque suene menos espectacular, no se construye a base de insistencia, sino de sentido. De tener claro qué tipo de proyecto eres y de no intentar gustar a todo el mundo todo el tiempo.

Lo que sí hace que la cultura circule (aunque no se note al principio)

Aquí viene la parte menos glamurosa, pero más efectiva. La cultura circula mejor cuando tiene lugares donde quedarse. Una web bien cuidada, por ejemplo, sigue siendo una de las mejores herramientas para cualquier proyecto cultural, no porque esté de moda, sino porque permite algo muy básico: que el contenido no desaparezca. Un buen artículo, una entrevista interesante o una guía bien pensada pueden seguir leyéndose meses después, algo que ningún post efímero consigue.

También importa mucho el tipo de contenido que se publica. No todo tiene que ser profundo ni todo tiene que ser ligero, pero sí conviene que lo que se escriba tenga una razón para existir. Los textos que mejor funcionan suelen ser los que explican cosas sin tratar al lector como si fuera tonto, los que ponen contexto donde antes había ruido y los que asumen que la cultura no es solo opinión, sino también información, conexiones y preguntas compartidas.

Aquí entra otro elemento clave del que se habla poco: la regularidad sin locura. No hace falta publicar todos los días para ser relevante, pero sí mantener un ritmo que haga que el proyecto no parezca intermitente. En ese sentido, la newsletter —sí, esa cosa que muchos dan por muerta— sigue siendo uno de los canales más agradecidos. No compite por atención inmediata, no depende de algoritmos y permite construir una relación más tranquila con quien realmente quiere leerte. Un correo semanal bien hecho suele valer más que diez publicaciones perdidas.

Y luego están las colaboraciones, que siguen siendo una de las formas más naturales de crecer sin hacer ruido innecesario. Cruzar proyectos, compartir espacios, invitar a otras voces o participar en medios afines no solo amplía el alcance, sino que refuerza algo que en cultura es fundamental: el criterio. Cuando te recomiendan porque encajas, no porque has pagado por aparecer, la visibilidad pesa más.

Las redes: ni salvación ni condena, solo una herramienta más

Conviene decirlo sin dramatismos: las redes no son el problema. El problema es pensar que tienen que sostenerlo todo. Cuando un proyecto cultural depende exclusivamente de ellas, acaba adaptando su forma, su ritmo y, a veces, su contenido a lo que mejor funciona en pantalla, aunque eso no tenga mucho que ver con lo que quiere contar.

Usadas con un poco de cabeza, las redes cumplen bastante bien su función: señalar contenidos que ya existen, recordar artículos que siguen siendo relevantes, anunciar actividades o simplemente mantener una presencia mínima. Funcionan mejor cuando apuntan hacia algo más sólido —una web, un archivo, una newsletter— que cuando se convierten en el único lugar donde pasa todo.

La clave está en no confundir visibilidad con agotamiento. No hace falta estar en todas las plataformas, ni seguir todas las tendencias, ni convertir cada idea en contenido. Elegir dónde estar y cómo estar también es una forma de posicionarse. Y, curiosamente, suele generar más respeto que la presencia constante sin dirección clara.

Al final, construir visibilidad cultural hoy tiene menos que ver con hacer más cosas y más con hacerlas mejor. Con aceptar que el crecimiento es lento, que no todo impacto se mide en números y que la relevancia cultural rara vez coincide con lo viral. La buena noticia es que eso libera: permite trabajar con más calma, cuidar el contenido y construir proyectos que no dependan de estar siempre gritando para que alguien los vea.

Y quizá ahí esté la verdadera visibilidad: en que, cuando alguien piensa en cultura, piense también en ti.

31/12/2025 0 comments
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MúsicaNoticiasPersonajes

Perry Bamonte y The Cure

by Emain Juliana 27/12/2025
written by Emain Juliana

Perry Archangelo Bamonte murió a los 65 años, en su casa y tras una breve enfermedad, durante los días de Navidad, una circunstancia que The Cure confirmó con un comunicado escueto y contenido, en el que hablaban de «enorme tristeza» y recordaban a Bamonte como una presencia creativa, cercana y fundamental dentro de la historia del grupo. La noticia obliga a detenerse y mirar con más atención una figura que nunca fue protagonista, pero sin la cual una parte esencial del sonido de The Cure resulta difícil de explicar.

Bamonte no encaja en la categoría de músico icónico, y esa es precisamente la clave de su importancia. No llegó a la banda como un fichaje estelar ni como un revulsivo mediático, sino desde la trastienda, desde el trabajo invisible que sostiene a los grupos en la carretera. Se incorporó al entorno de The Cure en 1984 como parte del equipo técnico, primero afinando instrumentos, preparando escenarios y acompañando a Robert Smith como asistente directo, aprendiendo de cerca no solo cómo se tocaban las canciones, sino cómo se construía el clima emocional que definía al grupo tanto en estudio como en directo. Ese aprendizaje silencioso explica que, cuando a comienzos de los años noventa pasó a formar parte oficial de la banda, su presencia no alterara el equilibrio, sino que lo reforzara de una manera casi natural.

El Cure de los noventa: capas, exceso y una identidad en tensión

La etapa de Perry Bamonte como miembro pleno coincide con uno de los momentos más complejos de The Cure, cuando la banda se encontraba atrapada entre el peso de su propio legado y la necesidad de no convertirse en una caricatura de sí misma. Tras Disintegration (1989), considerado por muchos como su gran obra definitiva, cualquier movimiento posterior estaba condenado a ser leído como insuficiente o innecesario. Wish (1992) fue la respuesta a esa presión, un disco emocionalmente intenso, físico, casi abrasivo, en el que las guitarras no buscan delicadeza sino empuje, acumulación, insistencia.

En ese contexto, la aportación de Bamonte resulta esencial precisamente porque no se manifiesta de forma evidente. The Cure de los noventa suena grande, amplio, a veces excesivo, y esa sensación no nace de una única mano, sino de la suma de capas que se superponen hasta crear un espacio reconocible, casi físico, en el que la voz de Robert Smith puede moverse con libertad.

Ese papel se hace todavía más visible en Wild Mood Swings (1996), probablemente el disco más discutido de la banda, recibido en su momento como irregular y desconcertante. Con la distancia del tiempo, el álbum se revela como el reflejo honesto de un grupo cansado de su propia identidad, probando registros dispares sin una dirección clara, oscilando entre estilos, tonos y estados de ánimo sin intentar disimular la contradicción. Bamonte encaja ahí porque es un músico flexible, capaz de adaptarse a esa inestabilidad sin forzar una cohesión artificial, permitiendo que el disco avance sin romperse del todo.

Aunque The Cure había definido ya buena parte del imaginario del rock gótico con obras como Pornography (1982), un álbum extremo, opresivo y cargado de imágenes autodestructivas, la banda nunca se limitó a ese territorio. Su historia está marcada por una tensión constante entre la oscuridad y la ligereza, entre la melancolía más densa y el pop inmediato, y es precisamente esa dualidad la que explica su alcance cultural. Canciones como Friday I’m in Love demuestran que el grupo podía moverse hacia la luminosidad sin perder credibilidad, y Bamonte supo habitar ese espacio ambiguo, reforzando tanto los pasajes más sombríos como los más accesibles sin que el conjunto se resintiera.

Cierres y regresos 

Con Bloodflowers (2000), The Cure parece consciente de estar cerrando un ciclo. El disco funciona como un balance, un trabajo introspectivo que dialoga con álbumes anteriores desde la madurez y el desgaste, sin la urgencia de demostrar nada a nadie. Aquí, de nuevo, la aportación de Bamonte se percibe como atmósfera, como una línea de temperatura constante que atraviesa todo el álbum y refuerza su carácter de despedida, aunque no definitiva.

Poco después, Bamonte abandona la banda, y lo hace de la misma manera en que había estado siempre, sin estridencias y sin convertir su salida en un relato épico. The Cure ha sobrevivido a múltiples cambios de formación, pero no todos pesan lo mismo. La ausencia de un músico que trabaja desde la estructura y desde lo invisible, se nota precisamente porque altera el equilibrio general, porque el sonido pierde parte de esa cualidad envolvente que había definido al grupo durante más de una década.

Años más tarde, Bamonte regresó puntualmente para momentos simbólicos y, más recientemente, para giras en las que The Cure recuperó una intensidad que sorprendió incluso a sus seguidores más veteranos. La propia banda llegó a afirmar que algunos de esos conciertos estuvieron entre los mejores de su historia.

Bamonte participó en cientos de conciertos y en varios de los discos más representativos de The Cure de los noventa y principios de los dos mil como parte estructural de una etapa decisiva. Su legado no se mide en iconografía ni en protagonismo, sino en equilibrio, en su capacidad de integrarse dentro de la canción para que esta funcione. Hablar hoy de Perry Bamonte es recordar que las grandes bandas no se sostienen solo sobre nombres visibles, sino sobre músicos que entienden la música como un espacio compartido, donde el ego se subordina al clima emocional. En The Cure, donde ese clima ha sido siempre la verdadera esencia, su aportación resulta imposible de ignorar.

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MúsicaNoticias

W.E.B., fuego en directo con Darkness Alive

by Clara Belmonte 22/12/2025
written by Clara Belmonte

La música de W.E.B. siempre se ha movido en el filo: dramatismo, exceso y una violencia sonora que no busca agradar, sino arrasar. La crítica lo ha descrito como un equilibrio preciso entre energía desbocada y descontrol absoluto, pero es sobre un escenario donde la banda griega alcanza su verdadera dimensión. Esa experiencia queda ahora fijada en Darkness Alive, el primer álbum en directo del grupo, grabado en Atenas el 22 de septiembre de 2024.

La grabación no es casual. Aquella noche, W.E.B. compartió cartel con Dark Funeral, en un concierto marcado además por un momento de transición interna dentro de la banda. “Estábamos haciendo cambios en el grupo y eso nos tenía especialmente motivados. Decidimos que era el día adecuado para dejar constancia de ello con un lanzamiento especial”, explica Sakis Prekas, vocalista y guitarrista. El resultado no es un simple documento en vivo, sino una declaración de intenciones.

La selección de los nueve temas que componen Darkness Alive responde a una lógica clara: el directo manda. Prekas lo resume sin rodeos: “Sabemos casi de inmediato qué canciones funcionan en concierto. Siempre pensamos en el público”. No se trata solo de ejecutar bien los temas, sino de construir un ritual colectivo, de atrapar a quienes están frente al escenario y ofrecerles un espectáculo de metal que deje huella.

El álbum muestra a W.E.B. en un momento de plena forma. Canciones como “Dragona” despliegan un black metal incisivo que culmina en un final épico destinado a convertirse en fijo de sus conciertos. “Into Hell Fire We Burn” mezcla la contundencia del black y el heavy metal en un tema diseñado para corearse, con un estribillo que no invita, sino que ordena participar. Por su parte, “Dark Web”, extraído del álbum Colosseum (2021), introduce una avalancha de death melódico y metal moderno, con un trasfondo tan oscuro como directo: una crítica feroz a la manera en que el poder y el dinero aplastan a los demás sin contemplaciones.

Darkness Alive no suaviza nada ni busca un sonido pulido para consumo fácil. Es un retrato honesto de lo que ocurre cuando W.E.B. sube a un escenario: intensidad, violencia controlada y una conexión frontal con el público. Un disco que no pretende sustituir la experiencia del directo, sino dejar claro por qué hay bandas que solo se comprenden del todo cuando el volumen está al límite y el suelo tiembla.

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MúsicaNoticias

Jorge Martínez Ilegal: Memoria de un hombre eléctrico

by Beatriz Menédez Alonso 10/12/2025
written by Beatriz Menédez Alonso

En Asturias se ha apagado una luz que parecía destinada a no oscurecerse nunca. Los trenes continúan pasando, las gaviotas siguen disputándose las esquinas del puerto, las fábricas ya oxidadas derraman silenciosamente su memoria, pero algo esencial ha cambiado: ya no está Jorge Martínez, el hombre que convirtió la furia en oficio, el sarcasmo en arma, el ruido en revelación.

Su muerte no es solo la retirada involuntaria de un músico: es la caída de un pilar secreto. Un temblor en la arquitectura del tiempo. Algo en el paisaje —visible únicamente para quienes sintieron en el pecho el impacto de sus canciones— ha perdido su equilibrio.

«La vida es un deporte de riesgo», decía él, con la placidez insolente de quien ya ha vivido demasiado. En otros sería pose; en él, diagnóstico. O quizá, sentencia.

Infancia: El descubrimiento del engaño

Nació el 1 de mayo de 1955 en Avilés, donde el humo de las fábricas se mezclaba con un legado burgués que parecía ajeno al porvenir. Creció bajo la vigilancia severa de un padre secretario judicial, en un hogar donde la disciplina pesaba lo mismo que los libros bien ordenados.

Desde niño buscó rendijas, grietas por las que fisurar la realidad. Una tarde, con apenas tres años, tocó una de las ranas de la fuente del Campo San Francisco, en Oviedo. Aquellas ranas que él creía vivas eran de metal.

«Ahí supe que el mundo estaba lleno de impostores».

Ese instante fue un bautismo: la sospecha como brújula, la ironía como herramienta, la desobediencia como método.

Nada en su adolescencia fue lineal. Internados para «niños problema», mudanzas continuas siguiendo a un padre que cambiaba de destino, un servicio militar obligatorio que endureció la carne y avivó la rabia silenciosa que más tarde sería ritmo y compás.

Aquellos años fueron una sucesión de pasillos largos, dormitorios compartidos, conversaciones clandestinas y silencios densos. Pero también fueron el terreno fértil donde germinó la pulsión musical. Escuchó por primera vez a Elvis, luego a The Beatles, después a Los Bravos, y algo en su interior hizo clic, como si una corriente eléctrica le atravesara de costado.

En alguna entrevista, alguna noche, alguna conversación perdida en bares y camerinos, Jorge dejó caer el nombre de grupos como The Blue Code, The Police, Talking Heads, The Romantics.

Y uno entiende, entonces, que su música contenía pequeños destellos de ese universo: la elegancia sintética, el pulso nocturno, las guitarras angulosas y cortantes, la estética urbana y fría; en definitiva, la melancolía rítmica que definía a la new wave. No porque él quisiera imitar nada —Jorge jamás siguió un camino que no fuera el suyo—, sino porque su antena estaba siempre afinada hacia los ruidos secretos del mundo.

Intentó estudiar Derecho. Era el camino lógico. Pero lo lógico nunca fue suficiente para él. Lo inevitable era otra cosa.

Con un «carné de circo y variedades» obtenido en los bajos del Teatro Filarmónica, Jorge se adentró en el mundo de las orquestas de la mano de Manolo Carrizo. Fue su chitlin circuit español: una sucesión de salas donde la música no era un capricho artístico, sino una batalla diaria contra el cansancio, contra el ruido de fondo, contra la indiferencia.

En esas noches itinerantes, entre humo y cables, aprendió a tocar para públicos que no siempre pedían música, pero siempre exigían verdad. Ese aprendizaje brutal, esa escuela sin afecto, fue la fragua donde se templó su carácter.

Allí, Jorge comprendió algo esencial: el escenario no es un altar, es un campo de batalla. Y él, un combatiente dispuesto.

A finales de los setenta llegó a un Gijón convulso, mezcla de crisis industrial y ebullición creativa. Bares donde la madrugada se convertía en filosofía basura, y locales de ensayo donde se horneaban pequeñas revoluciones de barrio.

Gijón lo adoptó con cautela, como se adopta a un forastero peligroso.

Y allí, en 1982, nacieron Ilegales.

No eran solo una banda: eran una declaración de guerra, un terremoto en traje de guitarras.

«Somos peligrosos y estamos armados».

«¡Tiempos nuevos, tiempos salvajes!».

Las letras eran cuchillos; las guitarras, sierras eléctricas. Y él, al frente, era un torbellino de insolencia, lucidez y precisión quirúrgica. Siempre dispuesto al combate.

Ilustración de Federico Granell

Jorge no componía canciones: esculpía artefactos explosivos. Su discografía es un mapa emocional y político de la España áspera, violenta y a veces ridícula que le tocó recorrer.

Discos emblemáticos:

• Ilegales (1982)
Su primera bandera negra. Un debut que no pidió permiso para existir: lo impuso.
«Europa ha muerto», «Problema sexual», «Heil Hitler» o «Istambul» golpearon como piedras lanzadas desde un callejón oscuro. El disco abrió una brecha: allí donde el rock español aún buscaba definiciones, Ilegales llegó para tirar la mesa entera.
No era punk, no era rock and roll antiguo, no era new wave —y era todo eso a la vez—.
Un manifiesto: crudo, incómodo, necesario.

• Agotados de esperar el fin (1984)
Más oscuro, más afilado. «¡Tiempos nuevos, tiempos salvajes!» dejó de ser solo una canción para convertirse en un eslogan generacional en un país que despertaba sin saber aún de qué.
La producción, más fría y más geométrica, deja entrever la influencia del espíritu new wave: guitarras cortantes, bajos tensos, una ciudad nocturna respirando detrás de cada nota.
Un disco que anticipa el colapso con feroz lucidez.

• Todos están muertos (1985)
Brutal, distópico, hiriente. Una radiografía del nihilismo urbano de los ochenta: callejones mojados, violencia sorda, personajes que sobreviven por pura inercia. Aquí Ilegales se vuelve más cinematográfico, más venenoso —y Jorge escribe como quien afila un bisturí—.
El disco no consuela: escupe verdad.

• Chicos pálidos para la máquina (1990)
Una obra de madurez violenta. «Regreso al sexo químicamente puro» es uno de los grandes himnos del rock español. La producción es más dura, más fría, más industrial. Hay algo mecánico, casi futurista, en la manera en que cada instrumento encaja en las canciones.

• Regreso al sexo químicamente puro (1991)
Continuación de la etapa más corrosiva del grupo. Irreverente y filosóficamente incorrecto.

• Si la muerte me mira de frente me pongo de lao (2015)
Tras años de mutaciones y resistencias, Jorge regresa con un título que ya es un testamento de actitud.
El disco destila experiencia, rabia renovada y una lucidez que solo se consigue después de sobrevivir a varias vidas dentro de una sola.

• Rebelión (2018)
La prueba de que Jorge seguía siendo dinamita pura.

• La lucha por la vida (2022)
Un álbum de revisión elegante y poderosa, cargado de colaboraciones. Aquí la banda no está sola: es un ejército de voces, guitarras y sensibilidades que se cruzan en un territorio común: el rock en español. Loquillo, Luz Casal, Iván Ferreiro, El Niño de Elche, Coque Malla, Bunbury, Evaristo Páramos, Josele Santiago, etc.

• Joven y arrogante (2024)
A los 70 años volvió con más fuerza que muchos veinteañeros. Una bofetada sonora a la complacencia y a la idea absurda de que el rock debe suavizarse con la edad.
Aquí Jorge se ríe de la vejez, de las expectativas, del mercado, del mundo entero.

La imagen de Jorge —la ceja desafiante, el cuero negro, la mueca irónica— podía llevar a engaño. Tras esa máscara había un lector voraz, un observador minucioso, un hombre capaz de unir reflexiones filosóficas con frases demoledoras tipo:
«Yo hago rock and roll para no matar a nadie».

Y aquella sentencia inmortal pronunciada en televisión, arma de doble filo que lo convirtió en mito instantáneo:
«Señora, si no le gusta mi careto… ¡cambie de canal!».

Su relación con la televisión fue un choque permanente entre su lengua afilada y el deseo de domesticarlo. Apareció en programas musicales, debates y espacios de entrevistas donde su presencia generaba un pequeño estado de excepción.

Participó en espacios culturales, actuaciones en Aplauso, colaboraciones esporádicas en debates musicales de RTVE, entrevistas en La 2 y apariciones memorables en programas de crítica social donde dejó frases que todavía circulan en cámaras de eco digitales.

Nunca se adaptó al medio: lo saboteaba suavemente, como un anarquista invitado a un baile de gala. Su sola presencia alteraba el guion, y los presentadores aprendieron que con él no había entrevista, sino duelo.

En 2017, el documental Mi vida entre las hormigas lo retrató sin filtros: Jorge aparecía filmado en su palacio de Bolgues, en Las Regueras, esa vasta y misteriosa propiedad que había heredado y transformado a su imagen y semejanza.

Entre muros antiguos y corredores interminables, caminaba como un espectro, un Nosferatu de Murnau, cuyos pasos resonaban en la madera gastada y los ventanales altos. La cámara lo seguía mientras se movía entre salas polvorientas llenas de recuerdos fragmentados: libros con páginas amarillentas, retratos enmarcados de antepasados, y extraños objetos que parecían custodiar secretos que solo él comprendía.

Su figura esbelta y silenciosa se recortaba contra la luz que se filtraba por los ventanales, creando un juego de sombras que lo hacía parecer más vampiro que hombre. A cada gesto, a cada mirada, se percibía la tensión de alguien que había vencido a su propio caos interno, que había sobrevivido a tormentas invisibles y ahora caminaba con la serenidad inquietante de quien conoce los abismos.

«No he envejecido: me he destilado».

Mientras otros músicos de su generación se diluían en la nostalgia, él persistía con una presencia indomable.

En septiembre de 2025, en plena gira, un frenazo brusco en una vida que solo conoció la velocidad.

La enfermedad lo obligó a detenerse, pero no a rendirse.

Se marchó el último titán.
El último guitarrista de su generación que seguía en activo.
El último que todavía parecía capaz de incendiar el escenario con un solo acorde.

Jorge Martínez nunca pretendió ser un santo. Tampoco un ejemplo. Caminó por la vida con la franqueza de quien sabe que cada paso puede cortar, pero aun así lo da. Había en él una mezcla rara de determinación y herida; un modo de avanzar como si el mundo fuera un suelo de cristal que, sin embargo, no lograba quebrarlo del todo.

Asturiano de raíz y tempestad, Jorge fue un creador hecho de electricidad y fiebre.
Un artesano de la oscuridad.

Su amplificador se ha apagado.
Pero la vibración permanece.

Y mientras en algún local de ensayo un adolescente pulse un acorde torcido, Jorge seguirá allí:
afilado, insurgente, brillante, eterno.

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MúsicaNoticias

Rosalía anuncia nueva gira mundial

by Clara Belmonte 07/12/2025
written by Clara Belmonte

Rosalía volverá a recorrer el mundo con una gira internacional que ya se perfila como uno de los grandes acontecimientos musicales de los próximos años. Tras consolidar su estatus como artista global, la catalana afronta esta nueva etapa con un espectáculo de gran formato que abarcará Europa, América y Asia.

Desde su irrupción inicial hasta la redefinición del pop contemporáneo, su carrera ha estado marcada por una constante ruptura de fronteras estéticas, culturales y lingüísticas. Flamenco, electrónica, reguetón experimental y arte visual han convivido en una propuesta que ha descolocado a la industria desde dentro.

Esta nueva gira supone no solo la presentación de un nuevo proyecto musical, sino también una expansión definitiva de su marca artística. Su impacto va más allá de lo sonoro: Rosalía es un fenómeno cultural que atraviesa moda, cine, diseño y cultura digital.

Las expectativas son altas. Producciones escénicas ambiciosas, narrativa visual fuerte y una conexión con el público que ha demostrado ser transversal en generaciones y territorios.

La industria mira con atención: pocas artistas europeas han alcanzado un nivel de proyección comparable en tan poco tiempo. Rosalía no solo exporta música; exporta un nuevo modelo de artista global desde el sur de Europa.

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MúsicaNoticias

Adiós a Sandro Giacobbe

by Valeria Cruz 05/12/2025
written by Valeria Cruz

Sandro Giacobbe, uno de los cantantes italianos más populares entre el público español de los años setenta y ochenta, ha fallecido a los 75 años. El músico, que llevaba tiempo batallando contra una enfermedad, permanecía retirado de la vida pública, aunque seguía siendo una referencia para quienes crecieron escuchando sus baladas.

Saltó a la fama con canciones como El jardín prohibido y Señora mía, temas que se convirtieron en clásicos inmediatos y que mantuvieron una presencia constante en la radio y la televisión durante décadas. Su forma de interpretar, directa y sentimental, le permitió conectar con un público amplio en Italia, España y América Latina.

Aunque su actividad artística se redujo en los últimos años, su nombre nunca desapareció del todo. Sus canciones continúan presentes en recopilatorios, conciertos homenaje y en la memoria colectiva de varias generaciones. Con su muerte se marcha una figura emblemática de la canción romántica italiana, cuyo legado permanece vivo en quienes todavía encuentran emoción en su repertorio.

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LiteraturaMúsicaNoticias

Cuando la creación se sale de la órbita

by Sandra Marquez 02/12/2025
written by Sandra Marquez

Franco Battiato siempre ha tenido algo de inasible. Su figura, envuelta durante décadas en una mezcla de reverencia, misterio y etiquetas más o menos acertadas, tendió a encasillarlo como un artista solemne, casi ascético. Sin embargo, quienes lo trataron de cerca describen a un hombre distinto: irónico, ligero, capaz de desmontar cualquier solemnidad con un gesto o una frase inesperada. Esa faceta, la menos contada, es justo la que recupera Battiato el extraterrestre, la versión española del libro de Maurizio Di Bona y Alessio Cantarella que llega dos años después de su publicación en Italia.

El proyecto nació en 2023 con un título que no dejaba lugar a dudas: Battiato l’alieno. Lo firmaban un dibujante napolitano, Di Bona, y un ingeniero informático de Catania, Cantarella, unidos por el afecto y la admiración hacia el músico. El libro llamó la atención de inmediato por su enfoque extraño y divertido, completamente alejado de los ensayos sobrios que suelen ocupar los estantes dedicados a Battiato. Era una manera libre —a veces satírica, siempre respetuosa— de acercarse a alguien a quien muchos consideran un «botón de santidad», un ser al que solo se puede mirar desde abajo. Di Bona y Cantarella decidieron que ya era hora de sacarlo de ese pedestal, devolverle la ligereza y mostrarlo como un hombre que sabía reírse de sí mismo.

Esa fue la premisa para construir un cómic lleno de encuentros insólitos, viajes interplanetarios y guiños a su visión artística, pero también un mosaico de recuerdos de quienes lo trataron. El resultado permitió que lectores y críticos italianos celebraran su llegada por su carácter inesperado: contar a Battiato a través del dibujo implicaba moverse por una galaxia donde nada es recto ni lógico, donde cada página puede abrir un desvío. Y eso, precisamente, es lo que lo hace tan fiel al espíritu del propio músico.

La edición española, Battiato el extraterrestre, traducida por Mabel Villagra y Mariola Gómez Outes, aterriza ahora en Amazon con el mismo objetivo: invitar a quienes conocen al autor de Centro de gravedad permanente a mirarlo desde un ángulo distinto, y permitir que quienes apenas saben algo de él descubran un universo creativo sin solemnidad impostada. Di Bona ha comprobado ese efecto en su propia casa: sus dos hijas, mientras él trabajaba en los bocetos y escuchaba Cuccuruccucú en bucle, comenzaron a dibujar a Battiato entre Spider-Man y un Pokémon, como si fuese un superhéroe raro llegado desde la luna. En su cabeza, el autor de Alexander Platz dejaba de pertenecer a un Olimpo reservado para adultos melómanos y se convertía en una figura lúdica, contagiosa y sorprendentemente actual.

Esa lectura juvenil no es anecdótica. El libro funciona también como una puerta de acceso para lectores jóvenes acostumbrados al lenguaje visual, y que encuentran aquí una manera de interpretar a un músico que, pese a su aura intelectual, siempre jugó con la cultura pop, con lo esotérico, con lo filosófico y con lo cotidiano. La sátira, lejos de banalizar su figura, la libera. Y en un gesto casi simbólico, lo devuelve a la Tierra sin restarle un ápice de rareza.

La obra incluye un prólogo de Syusy Blady y un amplio conjunto de testimonios de quienes compartieron proyectos, escenas y conversaciones con él. Entre ellos está el propio Cantarella, que fue amigo de Battiato y colaboró con él en la película Niente è come sembra (2007). Su mirada, más íntima y técnica a la vez,  ayuda a completar el retrato de un creador que, detrás de su fama de asceta musical, guardaba humor, curiosidad y un enfoque poco convencional sobre casi todo.

Los autores

Maurizio Di Bona (1971), dibujante napolitano, ha desarrollado una trayectoria que combina sátira, cultura pop y divulgación gráfica. Entre sus obras destacan Chi ha paura di Giordano Bruno (2006), Cose da Runners (2016), È tutto un manga manga (2020) y Supereroi (2022). En 2025 volverá a colaborar con Cantarella en Battiato l’artista.

Alessio Cantarella (1985), ingeniero informático de Catania, combina su perfil técnico con una notable sensibilidad artística. Gestionó la web y los perfiles sociales del filósofo Manlio Sgalambro y fue amigo cercano de Battiato. Además de su participación en la película Niente è come sembra, cofirma Battiato l’artista (2025).

Un libro para quienes buscan al hombre detrás del mito

Battiato el extraterrestre no intenta explicar ni desmitificar nada. Su propósito es otro: devolver al lector la idea de un artista libre, contradictorio y brillante. A través de dibujos, anécdotas y escenas que cruzan espacio, tiempo y humor, los autores logran un retrato que escapa de los clichés y recupera la capacidad de asombro que siempre acompañó a Battiato.

Para quienes lo conocen, es una invitación a revisitar su obra desde otro registro. Para quienes no, una puerta abierta a uno de los creadores más singulares de la música italiana.

02/12/2025 0 comments
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MúsicaNoticias

The Crown anuncia su gran adiós en 2026

by Clara Belmonte 01/12/2025
written by Clara Belmonte

The Crown anuncia su despedida definitiva tras 35 años de ferocidad y Death Metal sin concesiones. La banda cierra etapa con NO TOMORROW – Farewell 2026, una gira pensada como un último choque directo con sus fans: energía, sudor y cero nostalgia blanda.

Las fechas ya confirmadas incluyen paradas en España, Portugal, Suiza, EE. UU., Italia, Austria, Finlandia, Países Bajos y varias ciudades de Suecia, donde el grupo dará su concierto final el 19 de diciembre de 2026 en Gotemburgo.

The Crown se va por decisión propia, con la misma contundencia que los vio nacer. Un final ruidoso, fiel y celebratorio.

Las fechas confirmadas en España para la gira de despedida de The Crown – No Tomorrow: Farewell 2026 son:

  • 06/03/26 – Barcelona (Sala Lennon)

  • 07/03/26 – Valencia (Sala Zulu)

  • 08/03/26 – Madrid (Sala Nazca)

01/12/2025 0 comments
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